Novos artistas

18/jul

A Galeria de Arte Ibeu, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ, inaugura, no dia 26 de julho, a exposição “Novíssimos 2016”. A mostra conta com a participação de 12 artistas que apresentarão pinturas, instalações, objetos e fotografias. Único Salão de Arte do Rio de Janeiro, o Salão de Artes Visuais Novíssimos chega à 45ª edição, na qual as inquietações comuns a artistas de diversas gerações e localidades estão reunidas em um mesmo espaço expositivo.

 

Os artistas selecionados são: Amanda Copstein, RS; Gilson Rodrigues, MG; Gustavo Torres, RJ; Hermano Luz, DF; João Paulo Racy, RJ; Kammal João, RJ; Manoela Medeiros, RJ; Maria Fernanda Lucena, RJ; Mariana Katona Leal, RJ; Rafael Salim, RJ; Reynaldo Candia, SP e Vera Bernardes, RJ. O artista em destaque no Salão de Artes Visuais “Novíssimos 2016” será contemplado com uma exposição individual na Galeria de Arte Ibeu em 2017. O nome do premiado será divulgado na noite de abertura.

 

O objetivo de “Novíssimos” é reconhecer e estimular a produção desses artistas emergentes, e com isso apresentar um recorte do que vem sendo produzido no campo da arte contemporânea brasileira. Já participaram deste Salão artistas como Anna Bella Geiger, Ivens Machado, Ascânio MMM, Ana Holck, Mariana Manhães, Bruno Miguel, Pedro Varela, Gisele Camargo, entre outros. Até 2015, 598 artistas já participaram da coletiva anual.

 

“Nesta nova edição, utilizei 13 livros da poetisa portuguesa Sophia de Mello BreynerAndresen para dispor as obras dos 12 artistas escolhidos. As obras são percebidas como internas a melancolia do tempo circunscrito, aquela dentro da qual o tempo pode ser percebido passando. Para isso, cada artista recebe uma obra da autora, com seu respectivo ano”, afirma o curador Cesar Kiraly.

 

“Por exemplo: “Amanda Copstein/O Nome das Coisas, 1977 ou Vera Bernardes/Mar Novo, 1958”. A intenção é permitir que a bruma do livro envolva o trabalho ao mesmo tempo em que esse se mostre coerente com os nomes implicados na fabricação poética. O décimo terceiro livro, “O Nome das Coisas, 1964” foi escolhido como aquele que conduz a lógica dos encontros entre livros e artistas e nomeia a coletiva.”, complementa Cesar Kiraly.

 

 

 

Até 26 de agosto.

Artistas visuais & Músicos

14/jul

Através de um duo de jovens artistas chilenos, a Casa Nova, Jardim Paulista, São Paulo, SP, abre as portas para mostrar trabalhos de uma geração que propõe obras de cunho político, porém enviesadas pelo pensamento estético, formalista e poético. As obras produzidas por Ignacio Gatica e Martin La Roche foram criadas in locus especialmente para dialogar com a situação política do Brasil em contraponto com a do Chile.

 

Através de pinturas, esculturas e instalações, os artistas abrem espaço para questionamentos sobre um futuro incerto, tanto a partir de fragmentos da linguagem verbal quanto de slogans e ícones de nossa vida cotidiana. Para tanto, traduzem suas vivências e experiências em um arquivo visual de suas próprias memórias, nos levando para o enfrentamento de nossas desilusões e anseios através da arte.

 

 

Música

 

Na abertura da exposição será realizado o evento musical “Justaposições” com curadoria de Thais Gouveia e Marcos Guzman e apresentações musicais de Nathalia Lete, Beto Montag, Gui Duvignau, Marcelo Monteiro, Julia Teles, Érica Alves, Paulo Tessuto e Maria Victoria Castelli.

 

As obras que compõem esta exposição convidam a questionar o presente e o futuro dentro de um cenário no qual a linguagem verbal está fragmentada e em crise. Esta crise é o resultado de um desapontamento e exaustão, gerando slogans políticos falsos, publicidade enganosa com promessas e compromissos não cumpridos. É impossível escapar de acontecimentos políticos, eles geram indignação, mobilização e um estado de alerta. Também é impossível escapar de acontecimentos políticos domésticos para o nosso desgosto, bem como de quebras e separações que modificam e transformam nossas vidas diárias.

 

 

Iganacio Gatica : “Midnight Amanhã”

 

As obras em “Midnight – Amanhã” nascem dessa dicotomia; questionando a arte em tempos de incertezas. Esta nos sugere uma geografia pessoal e viva, aliadas a questões de como devemos enfrentar como indivíduos nossas próprias desilusões e anseios, a arte cumpre e também possibilita uma re-construção de um futuro a partir das novas experiências.

 

 

Martin La Roche : “Time is on my side” –  “O tempo está a meu favor”

 

Há alguns eventos que desaparecem a partir da memória, mas parecem repetir ou voltar depois de algum tempo de sua ocorrência. Como a memória de um tremor de terra que se torna menos viva e volta apenas com a experiência de um forte e novo movimento. O mesmo aconteceu com a exposição “Civilização do Nordeste” no Solar de União, em Salvador feita por Lina Bo Bardi em 1963. Depois de alguns meses ele foi proibido e forçado a ser esquecido. Alguns anos mais tarde, esta coleção foi encontrado aberta novamente e desdobrou-se em novas formas. Como é que vamos organizar e esboçar nossas memórias? Para esta exposição Martin La Roche tomou como ponto de partida uma frase do caderno de anotações de Hélio Oiticica (que parece ter sido tirada de uma música dos Rolling Stones) para desdobrar uma série de desenhos e objetos no espaço que refletem sobre a maneira que arquivamos nossas experiências. Martin La Roche, nasceu em 1988 em Santiago do Chile. Vive e trabalha em Amsterdam.

 

 

Sábado, 16 de julho, das 15 às 22hs.

Histórias em Niterói

13/jul

O Museu de Arte Contemporânea – MAC Niterói, Mirante da Boa Viagem, Niterói, RJ, apresenta a exposição “A Arte de Contar Histórias”, que tem a curadoria da norueguesa convidada Selene Wendt. Essa mostra, que ocupa o Salão Principal, a Varanda e o Mezanino, investe na perspectiva de diálogos vivos entre exposições, arquitetura e sociedade, reunindo artistas brasileiros e estrangeiros inspirados pelas grandes obras literárias latinoamericanas e universais.

 

São 22 artistas ao todo. A mostra acontece simultaneamente no Museu Janete Costa, localizado a poucos metros do MAC, com instalações, objetos, vídeos e poesia visual. Destacam-se a videoinstalação “Três Telas, Nós e não Nós”, de Sérgio Bernardes e Guilherme Vaz, no salão principal do MAC, explorando as múltiplas faces da cultura brasileira; e a escultura “Cicleprototemple”, de Ernesto Neto, um coração com tambores acolhendo os visitantes como participantes das pulsações de um museu vivo. A mostra apresenta obras ainda obras de André Parente, Cao Guimaraes, Cristina Lucas, Dulcinéia Catadora, Eder Santos, Elida Tessler, Fabio Morais, Gilvan Barreto, Magne Furuholmen, MariláDardot, Nina Yuen, Pablo Lobato, Rosana Ricalde, Ulf Nilsen e William Kentridge.

 

“A Arte de Contar Histórias” é diretamente inspirada pelo livro “O Narrador”, de Mario Vargas Llosa, uma história cativante com narrativa intrincada que justapõe a voz do narrador com capítulos relacionados à mitologia indígena peruana. “O Narrador” contém todos os elementos de um romance clássico, premiado: uma luta pessoal profunda e uma busca pelo sentido e verdade encontrada ao longo da trajetória de uma viagem de descobertas transformadoras. A história sugere muitos dos temas fundamentais nesta exposição e também capta a singularidade e originalidade para contar histórias de muitos dos artistas apresentados. Assim como Mario Vargas Llosa nos guia por entre um mundo mítico e mágico com seu relato poético de um contador de história, os artistas incluídos nesta exposição são contadores de histórias que captam nossa imaginação com suas interpretações de algumas das maiores histórias escritas até hoje. Como qualquer história, as narrativas são intrincadas e inter-relacionadas, às vezes se superpondo, entrando e saindo do tempo e do lugar, são ricas de metáforas e simbolismo, e transmitidas com uma força e convicção inequívocas. Algumas das narrativas fundamentais evoluem de viagens pessoais, outras têm uma abordagem mais analítica ou teórica, mas todas as obras contam histórias tanto pessoais quanto universais. O fio de ouro que ata esses trabalhos é tipicamente tecido de narrativas literárias preexistentes, encontradas em épicos universais, que são indiscutivelmente transformados de modo singular em novas histórias.

 

 

 

Sobre o MAC Niterói

 

Símbolo da cidade, patrimônio nacional e considerado uma das maravilhas arquitetônicas do mundo, o Museu de Arte Contemporânea de Niterói (MAC Niterói) – está sendo reaberto oficialmente depois de passar por um inédito conjunto de obras. Os visitantes vão encontrar um museu mais sustentável e com inovações. A reabertura do MAC marca também o lançamento do programa “MAC+20″, com exposições que ressaltam a importância e potência histórica da Coleção MAC Sattamini e, simultaneamente, celebram novas perspectivas curatoriais, através de colaborações nacionais e internacionais.

 

 

Até 24 de julho.

Heróis por Daniel Mattar

12/jul

O fotógrafo Daniel Mattar, com mais de 20 anos de trajetória no universo da moda, volta a experimentar linguagens para universos que vão além de campanhas e editoriais. Assim como fez na individual “Simulacro”, onde abordou a realidade do consumo solitário no Japão, agora exibe em “Heróis Nacionais” uma seleção de 18 imagens, nove delas inéditas, que trazem atletas como modelos.A mostra tem curadoria de Lauro Wöllner e fica em cartaz no Shopping Leblon, Rio de Janeiro, RJ, como continuidade de um projeto lançado em 2010 no formato de calendário, com beleza de Vini Kilesse e produção de Bebel Moraes.

 

Segundo Mattar, o desafio foi descobrir qual aspecto explorar no caso de cada personagem, com possibilidades que surgiam apenas no momento do ensaio, com jogos de luz e muita observação a partir dos movimentos congelados frente ao fundo negro. “Ao contrário de uma campanha de moda, no qual já chegamos com uma imagem pré-estabelecida, em “Heróis Nacionais” nos surpreendíamos a partir do relacionamento com os atletas e seus equipamentos. Um exemplo é a foto do Bernardo Oliveira, que chama atenção pela interação do jovem atleta com a complexidade do arco. Já com a Juliana Veloso e com a Ingrid Santos, dos saltos, exploramos a altura com o auxílio de uma cama elástica”, conta.

 

No conceito do trabalho está ainda uma busca por uma estética mais limpa e sensível para as variadas atividades, sem vícios ou coloridas interferências, e com o olhar de surpresa de alguém que nunca teve nenhum contato mais profundo com velas, remos ou trampolins. “Tenho o maior orgulho deste material, porque começamos em 2009 para a produção do calendário e desde aquela época venho pensando em novas leituras para diversas modalidades. Enquanto na primeira etapa fotografei Martine Grael e Isabel Swan enroladas numa vela, o símbolo do esporte aparece este ano quase como uma bandeira nas mãos do Henrique Haddad. Por outro lado, no caso das meninas do nado, uso praticamente a mesma técnica e foco na plasticidade de cada movimento e sua reação na água”, completa.

“Heróis Nacionais” explora ainda o potencial da luz na criação de rastros de movimento, como na foto em que a bicampeã olímpica Fabiana Alvim de Oliveira, medalhista em Londres e Pequim no voleibol, dá o popular “peixinho” evitando o contato da bola com o chão. Efeito semelhante pode ser visto no clique do ciclista Kacio Freitas, no contraste com tronco e cabeça inertes.

 

De acordo com Lauro Wöllner, que selecionou os atletas junto ao Comitê Olímpico Brasileiro, “…pessoas que dedicam oito, dez anos de vida em um único foco e objetivo são verdadeiros heróis”. Aficionado do esporte e competidor de vela e triatlo, afirma que toda sua vida foi pautada pelos esportes. “Essa influência me trouxe competitividade para o mundo dos negócios, mas também humildade, disciplina e companheirismo”, pondera. A ideia do empresário é seguir fotografando atletas em parceria com Daniel Mattar. “Nosso grande desejo é encorpar esse trabalho com novas fotos e outros esportistas e concretizar o ciclo com um livro”, conta.

 

 

Atletas fotografados: Em 2016, Bernardo Oliveira (Tiro com Arco); Fabiana Alvim de Oliveira (Voleibol); Henrique Haddad (Vela); Ingrid Santos (Saltos ornamentais); Juliana Veloso (Saltos ornamentais); Kacio Freitas (Ciclismo); Lara Puglia (Nado sincronizado); Marinalva Almeida (Vela adaptada) e Pedro Drummond (Remo). Em 2010, Cezar Castro (Saltos ornamentais); Clarisse Menezes (Esgrima); Fabiana Beltrame (Remo); Giovana Nunes (Nado sincronizado); Martine Grael e Isabel Swan (Vela); Nivalter Santos (Canoagem); Patrícia Freitas (Vela); Raquel e Rafaela Lopes (Judô) e Virgilio de Castilho (Triatlon).

 

 

De 12 a 24 de julho.

Sports for all

11/jul

No aquecimento para os Jogos Olímpicos e mostrando que o esporte pode contribuir na luta pela igualdade, o IBEU inaugura a exposição gratuita “Sports for All”, em parceria com o Consulado Geral dos Estados Unidos no Rio de Janeiro, no dia 19 de julho, às 18h30, na filial do curso em São Francisco, Niterói. A mostra conta com 15 pôsteres que apresentam um panorama da participação norte americana nos Jogos Olímpicos e Paralímpicos nas últimas décadas. Entre os homenageados estão o nadador Michael Phelps, o atleta da NBA Steph Curry, a ginasta Simone Biles e o medalhista paralímpico Richard Brownes. “A exposição visa reafirmar o papel primordial do esporte na aproximação entre povos e nações, especialmente neste momento Olímpico, onde todos celebram valores como coragem, respeito e determinação”, afirma Lia Baêta, gerente do IBEU em São Francisco e Icaraí. Além dos pôsteres, a mostra conta com a exibição do documentário “Orgulho Olímpico/Preconceito Americano”, da diretora Deborah Riley Draper, que recupera a participação de 18 atletas afro-americanos nos Jogos Olímpicos de Berlim, em 1936, desafiando a teoria nazista da supremacia racial e a atmosfera de segregação racial nos EUA nessa época.

 

De 19 a 29 de julho.

Coletiva na SIM galeria

08/jul

Anna Maria Maiolino, Alice Miceli,  Daisy Xavier, Juliana Stein, Lais Myrrha, Laura Vinci, Leonilson, Luiza Baldan, Lygia Pape, Maria Laet, Marilá Dardot, Mira Schendel e Romy Pocztaruk  formam o grupo de artistas expositores reunidos sob a curadoria de Luisa Duarte para a mostra coletiva “Hiato”, em cartaz até o dia 13 de agosto na SIM galeria, Curitiba, PR.

 

 

 

A palavra da curadora

 

Hiato

 

Ao me convidar para realizar uma exposição que contasse somente com artistas mulheres, a SIM Galeria desejava incorporar à sua agenda um debate atual no Brasil. Tratava-se de tentar refletir um momento no qual os movimentos feministas e pós-feministas mobilizam de maneira candente o país.

 

Mas, aceito o convite, acabei por descartar os caminhos que me levariam a uma exposição sobre o feminismo, mas me comprometi a buscar uma pesquisa sobre traços que pudessem evocar aquilo que associamos ao registro feminino. Tratava-se de insistir numa chance de me ocupar de um universo que partisse da feminilidade sem cair num gesto ilustrativo.

 

Em meio a pesquisa leio uma entrevista da crítica e curadora Lisette Lagnado, cujo tema central era justamente o feminismo. Dessa fala sublinho o seguinte trecho:

 

Ao longo da sua carreira como curadora, você já organizou exposições que deram ênfase a artistas mulheres? E quanto a obras que exploram questões feministas?

 

Só fiz uma vez uma curadoria efetivamente voltada para descascar essa questão. Era o aniversário do livro de Simone de Beauvoir, O Segundo Sexo (1949). Clio, Pátria (Caderno Sesc-Videobrasil nº 5) foi um exercício muito especial para mim, porque percebi que eu falava do Leonilson quando era convidada a falar de feminismo…

 

Poderia citar alguns artistas e/ou obras que abordam essas questões e que considera bons?

 

Para mim, Leonilson contribuiu mais para me pensar como mulher do que Ana Maria Tavares, então não sei se consigo responder. A pergunta me parece machista. O que é “bom”? Que questões? Como já disse, o feminismo não se reduz a temas (violência doméstica, aborto, estupro, salários iguais etc.). As questões formais não devem ser menosprezadas. Eva Hesse era feminista? O que importa? Na minha percepção, o feminismo é um modo de estar no mundo, de se relacionar com o outro, de lidar com problemas econômicos, de fazer partilhas, de pensar ecologia, de resolver dívidas, de brigar e botar o pau na mesa, de ser generoso e não perder a ternura, tudo isso junto e muito mais.

 

Tomando a colocação de Lisette Lagnado com uma posição com a qual me identifico, tendo sido Leonilson um leitmotiv de diversos textos meus até hoje publicados e de ao menos duas exposições, tomo o artista como ponto de partida para a exposição hoje apresentada. O título escolhido evoca o intervalo entre vogais. Hiato tem origem no termo Latim “hiatus”, cujo significado é “abertura, fenda, lacuna”. Assim, o título sinaliza para algumas características presentes no trabalho de Leonilson, quais sejam: o uso da palavra seguida por longos intervalos em branco; a capacidade de se fazer dizer justamente no intervalo, no não dito; o vazio como produtor de sentido; a ausência que caminha na contra mão do espetáculo.  Tais aspectos da obra de Leonsilson me levaram, por sua vez, a uma citação a respeito de Walter Benjamin que pode iluminar o caminho que pretendemos seguir, trazendo a tona a questão da mulher, e do feminino, de um modo singular:

 

 “O silêncio – tipificado como atitude da mulher – é o elemento decisivo para a compreensão, no texto, da natureza da conversa. A valorização do silêncio determina a grande diferença de sua compreensão em relação às teorizações filosóficas sobre o diálogo da tradição metafísica. Estas teorizações, privilegiando a dimensão comunicativa da conversa, detêm-se unicamente na fala, compreendendo o diálogo como uma troca verbal onde se produziria o sentido. A dialética aqui é simétrica, entre iguais – os dois falantes. Para Benjamin, a dialética da conversa é, ao contrário, assimétrica e se estabelece entre duas diferenças: a que fala, e a que escuta, ou seja, entre a fala e o silêncio, entre o homem e a mulher. Na conversa, silêncio e fala engendram-se mutuamente: se o silêncio é a fonte de sentido, a fala gera o silêncio. (…) É no vazio das palavras escutadas que o ouvinte apreende, com desenvoltura, a verdadeira natureza da linguagem – o som das palavras que lhe entra pelos ouvidos, a sua visibilidade nos esforços de expressão do rosto de quem fala. (…) As conversas dos homens são sempre ardilosas e Benjamin usa termos fortemente negativos para classificá-las: “jogos obscenos”, “paradoxos que violentam a grandeza da linguagem”. A cultura, onde a linguagem degradou-se ao interesses de poder e dominação é, para Benjamin, uma cultura masculina onde a mulher não pode existir sem também degradar-se. (…) Estes personagens, a mulher, o jovem, fornecem-lhe a diferença necessária para construir a sua crítica da cultura e a esperança de uma outra cultura apenas adivinhada, uma visão fugaz do paraíso. Como conversam entre si as mulheres que não perderam a alma no mundo das palavras masculino? pergunta-se Benjamin.”

 

Assim, em tempos nos quais somos todos chamados a guerrear por meio de palavras diariamente num Brasil imerso na polarização política, a presente exposição busca uma pausa reflexiva, um intervalo para pensarmos na importância do silêncio como formador de sentido, ou mesmo em uma outra forma de nomear e conversar que nos endereça a possibilidade de outras maneiras de se estar no mundo.

 

“Hiato” torna-se assim uma aposta no murmúrio em meio a cacofonia generalizada em que estamos imersos. Uma aposta na delicadeza, na falha, no momento em que a palavra nos falta, na permanência no vazio que gera tempo para algum tipo de elaboração. Ou seja, trata-se de recordar que é ali, no espaço em branco entre um verso e outro de um poema que encontra-se guardado o sentido daquilo que está sendo dito.

Luisa Duarte

 

 

 

 

 

Daniel Feingold no MON

O Museu Oscar Niemeyer, MON, Curitiba, PR, exibe a exposição “Acaso Controlado”, do artista carioca Daniel Feingold. A mostra ocupa a Sala 2, com cerca de 40 obras, dentre fotografias e pinturas. Com curadoria da cientista social, historiadora e curadora de arte Vanda Klabin, a exposição se divide em quatro ambientes. No primeiro, serão apresentados três obras históricas, entre elas, o tríptico “Grid# 02”, que fez parte da Bienal do Mercosul, seguidas de outras duas obras da série “Espaço Empenado”, dando um caráter retrospectivo da carreira de Feingold. Nas salas seguintes serão apresentados quatro pinturas da série “Estrutura” e cinco pinturas da série “Yahweh”.

 

Fechando a exposição, serão apresentadas 32 fotografias da série "Homenagem ao Retângulo", feitas no Jardin des Plantes, em Paris. “A fotografia para Feingold é um modo de apreensão do real e o eixo condutor do seu aparelho sensível e perceptivo”, comenta a curadora.

 
A série negra, que o artista chama de Yahweh (Javé) leva o nome do Deus judaico do Antigo Testamento e é composta por telas pintadas em preto sobre branco, na posição vertical e, depois, unidas na horizontal, formando dípticos de grandes dimensões. Essa série marca um novo ciclo de trabalhos do artista.

 

Serão apresentadas ainda quatro pinturas medindo até dois metros e oitenta cada, da série “Estrutura”, são dípticos, em esmalte sintético, cada um com uma paleta reduzida de cores, enfatizando as questões: estrutura, plano e cromatismo. Pinturas de grande formato através do qual o espaço bidimensional da tela interage incisivamente com o observador.

 

A série fotográfica nomeada “Homenagem ao Retângulo” é composta por 32 imagens. As fotografias dessa série são abstrações geométricas feitas a partir de troncos de árvores secas do Jardin des Plantes, que o artista descreve como uma maneira de reestruturar o espaço, contradizendo a situação arquitetônica.

 

Processo de criação Daniel Feingold trabalha com esmalte sintético escorrido, e a pintura acontece neste processo, quando a geometria organiza o olhar na apreensão do movimento dos planos. A articulação da grade geométrica é atingida pela fluência do esmalte sintético escorrendo na tela sem que o artista interfira no seu movimento. O controle surge pela combinação da espessura da tinta com a precisão obtida pelo ritmo e quantidade despejada. Não há fitas separando os  campos de cor, não há pincel, rolo ou espátula. Feingold revela o seu enfrentamento direto com a pintura por meio da execução de unidades de grande escala. A exuberância da matéria combina um sistema pictórico com conceitos críticos, com o repensar a arte, seus limites, suas inquietações. O seu trabalho pulsa, irradia-se para as bordas e margens em formas ondulantes, fluidas, sempre materializando um novo gesto.

 

Sobre o artista

 

Nascido no Rio de Janeiro, em 1954, formou-se em Arquitetura na FAUSS, RJ 1983. Estudou História da Arte e Filosofia com o crítico de arte Ronaldo Brito, UNIRIO/PUC 1988-1992; Teoria da Arte & Pintura e Núcleo de Aprofundamento, EAV Parque Lage, RJ 1988-1991; Mestrado no Pratt Institute, NY 1997. O artista tem como trajetória exposições no Museu de Arte Moderna (MAM-RJ), 5° Bienal Mercosul e agora mostra suas obras no Museu Oscar Niemeyer.

 

 

Até 25 de setembro.

Exposição ImagineFrance

Em exibição no Saguão da Reitoria da UFRGS, Porto Alegre, RS, a Atout France, e seu Cluster de Turismo e Cultura, em parceria com o Instituto Francês e a Aliança Francesa, uniram-se para propor um novo olhar, – poético e peculiar – , sobre os castelos, museus e monumentos franceses para apresentar o talento da artista Maia Flore, fotógrafa da agência VU’, para, através da exposição, “ImagineFrance”, que permite a visão dos locais e eventos culturais através de um novo ângulo.

 

Para realizar essa série de fotografias, Maia Flores percorreu as estradas francesas entre julho e setembro de 2013, visitando 25 locais de interesse cultural que foram, em seguida, encenados conforme a inspiração transmitida por cada um deles. Seu viés era criar um personagem apropriado para cada um dos locais, para torná-los vívidos, expressivos e surpreendentes. Ora como ator da encenação, ora como espectador, este personagem recorrente desperta, vivifica e renova os patrimônios visitados.

Esse evento itinerante percorreu o mundo durante três anos e, em 2016, a Aliança Francesa de Porto Alegre e o Departamento de Difusão Cultural da Universidade Federal do Rio Grande do Sul, UFRGS, em parceria, organizam a mostra.

 

Até 29 de julho.

Design brasileiro em Paris

07/jul

Prezados amigos,

anunciamos – com o maior prazer – que o leilão “Design do Brasil” será realizado no próximo dia 07 de julho, em Paris, formando uma parceria com a casa de leilão PIASA, 118 rue du Faubourg Saint-Honoré.

 

Trata-se do primeiro evento de caráter internacional que promovemos contando com a equipe que formamos ao longo do tempo para ajudar na divulgação internacional do design brasileiro. Estamos certos que a união e o espírito de equipe que norteou esse trabalho, será nossa força tanto hoje como em futuros projetos. Entre os nomes anunciados, encontram-se peças assinadas dentre outros por por Oscar Niemayer, Roberto Burle Marx, Helio Oiticica, Lygia Clark, Abraham Palatnik, Lina Bo Bardi, Raymundo Colares, Jorge Zalszupin, Irmãos Campana, Joaquim Tenreiro, Zanine Caldas, Geraldo de Barros e Athos Bulcão.

 

Acreditando no grande valor do design brasileiro é que estimamos este momento como o de reconhecimento público – e internacional -, do qual é merecedor.

 

Fotos: Ruy Teixeira.

 

Acesse: http://www.piasa.fr/pdf/catalogue/Catalogue_%20DO_BRASIL.pdf

Arte contemporânea da Europa

A exposição “Fora da ordem – Obras da Coleção Helga de Alvear” apresenta 137 trabalhos quase todos inéditos no Brasil. A Coleção Helga de Alvear é hoje um dos mais importantes acervos de arte contemporânea da Europa, com base em Cáceres, na Espanha. Obras reunidas pela colecionadora alemã poderão ser vistas na Pinacoteca de São Paulo, Praça da Luz, Bom Retiro, São Paulo, SP. A mostra, denominada “Fora da ordem – Obras da Coleção Helga de Alvear”, patrocinada pelo Banco Bradesco, ficará no primeiro andar do museu com pinturas, esculturas, vídeos, instalações, desenhos e gravuras realizadas a partir da década de 1930, com ênfase na produção de meados da década de 1960 até os dias de hoje. A grande maioria dos trabalhos é inédita no Brasil e alguns artistas serão apresentados pela primeira vez no País.

 

As peças representam a obra de quase 70 artistas, incluindo nomes influentes da arte moderna, como Wassily Kandinsky, Marcel Duchamp e Josef Albers; artistas relacionados a algumas das principais vertentes do pós-guerra norte-americano, como Donald Judd, Dan Flavin, Bruce Nauman e Gordon Matta-Clark; importantes autores da produção contemporânea, a exemplo de Gerhard Richter, Cindy Sherman, Franz West, Jeff Wall e Thomas Ruff; e outros que começaram a sua trajetória nos últimos 30 anos, como Francis Alÿs, Pierre Huyghe, Mark Leckey, Martin Creed, Marcel Dzama e Chen Wei. Os brasileiros Jac Leirner, Iran do Espírito Santo e José Damasceno também participam da exposição.

 

Segundo os curadores – Ivo Mesquita, ex-diretor técnico da Pinacoteca, e José Augusto Ribeiro, do Núcleo de Pesquisa em História e Crítica de Arte – a mostra privilegia e justapõe duas vertentes de trabalhos predominantes na coleção, mas que normalmente são vistas como antagônicas na história da arte. “De um lado, obras de inclinação surrealista, com alta voltagem imaginativa, que sugerem situações fantasiosas. E de outro, peças de linguagem geométrica, com formas simples, seriais e autorreferentes, ligadas às vertentes construtivas, à pintura hard-edge, ao minimalismo norte-americano e a manifestações europeias do chamado pós-minimalismo”, explica Ivo Mesquita.

 

A intenção é marcar não só as diferenças entre essas duas vertentes, como apontar para pontos de conexão entre elas. “Fora da ordem” aponta para a intensidade enérgica de estruturas com lógica abstrata, frequentemente descritas como neutras, sóbrias ou discretas, e para o que há de cálculo, disciplina e construção em situações de contrassenso e absurdo”, complementa José Augusto Ribeiro.

 

Mais sobre Helga de Alvear

 

Nascida na Alemanha, em Kirn, em 1936, Helga de Alvear vive em Madri, na Espanha, desde 1957. Dez anos depois começa a formar sua coleção de arte.  A partir de 1980, começa sua atuação na Espanha, onde estimula a produção local e contribui para a criação da feira de arte Arco, em 1982. Já em 2006, cria o Centro de Artes Fundación Helga de Alvear, que contou com a contribuição do poder público da região espanhola de Extremadura. A instituição surge do compromisso de tornar pública a coleção da também galerista Helga de Alvear. Hoje, o acervo da fundação conta com cerca de 3 mil peças de linguagens, materialidades e conformações diversas, que variam, em dimensão física, da escala da mão à da arquitetura. Seus núcleos privilegiam os primórdios da fotografia na Europa, o minimalismo norte-americano e seus desdobramentos desde a década de 1970, a arte contemporânea espanhola, a fotografia alemã dos anos de 1980 e 1990, além de obras de dimensões grandes, especialmente ambientes e instalações desde 1990 aos dias atuais, e de outras comissionadas pela própria Helga de Alvear.

 

Até 26 de setembro.