Arquivos da Categoria: Arte Contemporânea

Exibição das reflexões de Ismael Monticelli.

09/jan

A Casa França-Brasil, Centro, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição “O Teatro do Terror”, exibição individual de Ismael Monticelli (vencedor da quinta edição do Prêmio FOCO da ArtRio), que propõe uma reflexão sobre os ataques antidemocráticos ocorridos em 08 de janeiro de 2023. Em diálogo com o Futurismo – movimento artístico do início do século XX associado ao fascismo -, Ismael Monticelli realiza uma instalação que transforma o edifício projetado por Grandjean de Montigny em um palco de combate, violência e teatralidade, evidenciando o caráter midiático e espetacular da tentativa de golpe contra o Estado Democrático de Direito.

Após receber mais de 40 mil visitantes no Museu Nacional de Brasília, a instalação chega ao Rio de Janeiro em um momento simbólico de dois anos dos atos que vandalizaram as sedes dos Três Poderes, reexaminando suas complexidades, ressonâncias e desdobramentos. O público é convidado a refletir sobre como a violência se entrelaça com a celebração, ecoando na estética dos movimentos extremistas e suas representações culturais. Com texto assinado por Clarissa Diniz.

A instalação de Ismael Monticelli ocupa os 30 metros de extensão da nave central da Casa França-Brasil e apresenta uma cena de conflito com figuras humanas em escala real, pintadas em tinta acrílica sobre caixas de papelão abertas e recortadas. Para criar essas figuras, o artista se apropriou do imaginário das obras do italiano Fortunato Depero, produzidas na década de 1920. Nesse período, Depero estava alinhado ao programa estético e ideológico do futurismo, criando imagens que exploravam o tema da guerra e do combate. Em uma obra em particular, intitulada Guerra=Festa (1925), Depero retratou em tapeçaria uma cena da Primeira Guerra Mundial. No entanto, ao contrário das expectativas de truculência e sanguinolência, a imagem esconde a violência sob um véu alegre e lúdico, sugerido pela profusão de cores e formas na composição.

É na fronteira entre a violência e o jogo que se situa Guerra = Festa, onde Fortunato Depero retratou o conflito como um grande espetáculo, uma celebração, num motim de formas e cores, alinhando-se completamente ao programa futurista de “glorificar a guerra” como uma força capaz de “curar, purificar a sociedade”. As obras de Fortunato Depero desse período parecem ressoar com os eventos de 08 de janeiro, que transformaram a violência e a destruição em um jogo festivo, um “turismo da violência”. Nos grupos de WhatsApp organizados para planejar a ação, os organizadores utilizavam uma mensagem em código para sinalizar a ocupação da Esplanada dos Ministérios, referindo-se ao evento como um ”dia de festa”. A senha escolhida foi: “Festa da Selma” (em alusão ao grito militar “Selva”).

Ismael Monticelli Monticelli escolheu o papelão como material principal para sua instalação, não apenas por suas propriedades físicas, mas também por sua história simbólica. Durante as Guerras Mundiais, o papelão desempenhou um papel crucial em diversas aplicações militares, como na fabricação de capacetes, contêineres de armazenamento e até embarcações. Devido à necessidade de redirecionar metais para o esforço de guerra, muitos itens cotidianos, que antes eram feitos de lata, chumbo e ferro fundido, passaram a ser produzidos em papelão.

Outra questão crucial da escolha do material é sua precariedade: “A instalação, que tem frontalidade evidente, utiliza a nave da Casa França-Brasil como um palco teatral desprovido de sua caixa cênica, expondo a fragilidade que sustenta o conflito retratado na parte frontal. Ao observar a obra por trás, revela-se uma paisagem de silhuetas de papelão, com as bordas borradas pela tinta e sustentadas por blocos de concreto. É uma espécie de cenografia que se desnuda, revelando suas próprias entranhas e ressaltando a vulnerabilidade inerente à materialidade e à narrativa que compõe”, ressalta o artista.

Um dos principais procedimentos artísticos de Ismael Monticelli é repensar imagens, histórias e narrativas estabelecidas, reorganizando-as ao confrontá-las com questões atuais. Em “O Teatro do Terror”, o artista revisita os eventos de 08 de janeiro à luz de uma das vanguardas do início do século XX – o futurismo. “Uma das primeiras perguntas que me fiz foi: como abordar esse acontecimento com uma estética e um programa ideológico que se alinhem a ele? O Futurismo me pareceu uma forma de pensar as invasões em Brasília, especialmente porque tanto essa vanguarda quanto o 08 de janeiro parecem compartilhar uma ânsia pela destruição de tudo”, comenta o artista.

O Futurismo e o Fascismo

Inaugurado há mais de 100 anos, o Manifesto Futurista (1909), escrito por Filippo Tommaso Marinetti e publicado no jornal francês Le Figaro, estabeleceu as bases de um programa que seria desenvolvido e refinado pelos artistas italianos ao longo dos anos. O manifesto exaltava a velocidade, a violência e a destruição como fontes de energia e renovação. Os futuristas celebravam a guerra, a masculinidade, o militarismo, o patriotismo como forças purificadoras, capazes de abrir caminho para uma nova ordem. A relação complexa do Futurismo com a guerra é destacada por sua postura paradoxal durante o conflito. Enquanto muitos movimentos vanguardistas, como o Dadaísmo, condenaram a guerra e as instituições responsáveis, os Futuristas, apoiaram-na entusiasticamente. Eles defendiam a destruição de museus, bibliotecas, universidades e qualquer resquício de sentimentalismo, que consideravam sinais de fraqueza. Para os futuristas, recomeçar do zero era essencial, incluindo a rejeição do feminismo e da igualdade social, vistos como valores ultrapassados e covardes.

A exposição é uma realização da Portas Vilaseca Galeria e dá início às comemorações dos 15 anos da galeria carioca em 2025.

Sobre o artista

Nasceu em Porto Alegre, RS, Brasil, em 1987. Vive e trabalha em Cachoeirinha, RS e Rio de Janeiro, RJ. A pesquisa de Ismael Monticelli tem como ponto de partida a observação sensível de seu entorno, com desdobramentos em ações dirigidas em criar uma organização racional. Ele apresenta instalações, objetos, fotografias, mostrando elementos domésticos de um ponto de vista alternativo e revelando o não visto. 2017 – Doutorando em Arte e Cultura Contemporânea/Processos Artísticos Contemporâneos, Universidade do Estado do Rio de Janeiro – UERJ, Rio de Janeiro, RJ, Brasil. 2012/2014 – Mestrado em Artes Visuais, Linha de Pesquisa: Processos de criação e poéticas do cotidiano, Universidade Federal de Pelotas – UFPel, Pelotas, RS, Brasil. 2006/2010 – Bacharelado em Artes Visuais, Universidade Federal do Rio Grande do Sul – UFRGS, Porto Alegre, RS, 2005/2010 Bacharelado em Arquitetura e Urbanismo, Universidade do Vale do Rio dos Sinos, São Leopoldo, RS.

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Mostra inaugural com Maxwell Alexandre.

08/jan

O Centro Cultural Municipal Oduvaldo Vianna Filho, conhecido como Castelinho do Flamengo, foi revitalizado e recuperado por meio do Programa Cultura do Amanhã, da Secretaria Municipal de Cultura (SMC). A primeira etapa das intervenções de restauro e revitalização foram entregues com a inauguração da Galeria Angelo Venosa, no térreo. De estilo eclético, o Castelinho possui três pavimentos e localiza-se na Praia do Flamengo, 158. Foi projetado pelo arquiteto italiano Gino Copede e executado pelo arquiteto brasileiro Francisco dos Santos, entre 1916 e 1918. Após a abertura da galeria, o imóvel, que é tombado pelo Instituto Rio Patrimônio da Humanidade, seguirá em reforma. A previsão é de que o restauro integral, com a recuperação estrutural do casarão, seja entregue em agosto de 2025.

A mostra inaugural da nova galeria, foi “Clube: pinturas de berço”, do artista plástico Maxwell Alexandre, um dos mais conceituados nomes da arte contemporânea.

O nome do Centro Cultural é uma homenagem ao dramaturgo, ator e diretor de TV, Oduvaldo Vianna Filho, carinhosamente chamado de Vianinha.

Sobre o artista.

Talento carioca, cria da Rocinha, Maxwell Alexandre é o primeiro artista a ocupar a Galeria Angelo Venosa, que se estabelece como o Pavilhão Maxwell Alexandre 4. Ele apresenta 16 pinturas inéditas de um novo período de trabalho, todas em pequenos formatos, feitas em casa, com pastel seco e oleoso sobre linho. A série chama-se “Clube: pinturas de berço” e permanecerá em cartaz até 16 de março. A série “Clube: pinturas de berço” retrata os banhistas do Clube de Regatas do Flamengo, e foi apresentada pela primeira vez no Pavilhão Maxwell Alexandre 3, na Gávea, no Museu Histórico da Cidade.

Homenagem a um dos destaques da Geração 80

A galeria do Castelinho do Flamengo recebe o nome de um dos mais destacados artistas plásticos do país. Angelo Venosa (1954-2022), é natural de São Paulo e, aos 20 anos, transferiu-se para o Rio de Janeiro. Em terras cariocas construiu sua trajetória, cursando a Escola Superior de Desenho Industrial (ESDI) e frequentando os cursos livres da Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Destacou-se na cena artística a partir dos anos 1980 e tornou-se um dos representantes mais proeminentes da chamada Geração 80, que defendia o retorno da pintura mais subjetiva e a liberdade de expressão em todos os segmentos culturais.

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Três artistas no Centro Cultural Correios.

Trabalhos baseados na vida cigana.

Em “Optchá: a estrada é o destino” Katia Politzer apresenta trabalhos inéditos tendo a cultura cigana como referência na formação da gente brasileira, mas de pouco reconhecimento até aqui. Ancestralidade, identidade, migração, diáspora, sincretismo e respeito à diferença: eis o arco de humanidade envolvido.

“A minha ancestralidade é composta por migrações, diásporas e contribuições à identidade brasileira de dois povos que sofreram muitas perseguições: de um lado os judeus e de outro, os ciganos. Tanto judeus quanto ciganos sofreram na Inquisição e quase foram dizimados no Holocausto”, diz Katia Politzer.

A busca por liberdade, a conexão com a natureza, uma intuição aguçada e a celebração da vida são as características da alma cigana que mais interessaram à artista. A mostra individual será inaugurada dia 22 de janeiro.

Sobre a artista

Nascida no Rio de Janeiro, Katia Politzer desenvolve seu trabalho de arte em projetos. Dependendo da base conceitual, podem ser desenho, pintura, escultura ou instalação, em formatos que vão do pequeno ao grande, e com diferentes relações com a História da Arte. Os materiais variam da cerâmica, vidro, ao tecido, passando pelo cimento, silicone e matérias orgânicas como pão e o mofo. Vive e trabalha no Rio.

No Centro Cultural Correios, Centro, Rio de Janeiro, RJ.

Até 08 de março.

Igbá Odù: Os braços fortes da Memória

A exibição individual da artista Reitchel Komch propõe questionamentos acerca da diáspora africana no Brasil e da matriz negra. Em “Igbá Odù: Os braços fortes da Memória”, Reitchel Komch instiga o espectador como utopias de superação de um processo social historicamente nocivo à matriz negra de nossa formação. Segundo a artista, “trata-se de uma visão da arte, em cujas pinturas, esculturas, tótens, portais, simbolizam uma progressão espiritual do mundo físico. Utilizando, cabaças, fios têxteis (a juta, o algodão, o linho), hastes de ferro, eu me questino: onde estão as nossas vozes?”.

Sobre a artista

Reitchel Komch, carioca, vive e trabalha no Rio de Janeiro. Artista visual de tendência neoexpressionista, atua em suportes diversos – com foco em revisões/reinvenções de mitologias ancestrais (o Iroko, por exemplo) e em dispositivos para visibilidade de etnia historicamente marginalizada, com superação do trauma (os africanos escravizados e forçados à imigração para o Brasil).

No Centro Cultural Correios, Centro, Rio de Janeiro, RJ.

Até 08 de março.

A Obra é o Jogo

A exposição individual de Dorys Daher é uma imersão singular que une o universo da sinuca, a arquitetura e as artes visuais. Esta é a proposta da artista em sua exposição “A Obra é o Jogo”, com curadoria de Aline Reis. Dorys Daher é arquiteta. Suas obras dialogam com memórias afetivas e experiências contemporâneas, rompendo fronteiras entre o familiar e o experimental.

“A disposição dos meus trabalhos no espaço combina referências do design arquitetônico com movimentos coreografados em torno de uma mesa de sinuca, criando um diálogo entre o jogo, o ateliê e o escritório de arquitetura”, explica a artista.

No Centro Cultural Correios RJ.

Até 08 de março.

 

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Panorama da obra de Vik Muniz.

07/jan

A nova exposição de Vik Muniz, intitulada “A olho nu”, será inaugurada em 2025 no Instituto Ricardo Brennand, localizado em Recife, PE. A mostra trará um panorama da produção do artista nos últimos oito anos, destacando suas obras mais recentes. Vik Muniz é conhecido por suas técnicas inovadoras e pela forma como utiliza materiais inusitados para criar suas obras, o que promete atrair a atenção do público e críticos. A exposição é uma oportunidade para os visitantes conhecerem mais sobre o trabalho do artista e sua evolução ao longo do tempo.

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Curso no Instituto Ling.

O “Minicurso Trama e Laçada: história e técnicas têxteis”, com Vera Felippim será apresentado no Instituto Ling, Bairro Três Figueiras, Porto Alegre, RS.  O evento dura 2 dias em 2 horas, na terça-feira,  28 de janeiro às 19hs. até quinta-feira, 30 de janeiro, às 21hs.

A história dos têxteis é quase tão antiga quanto a nossa própria civilização. Neste curso, veremos um amplo panorama sobre a criação e o desenvolvimento dos tecidos, tratando da sua evolução histórica e técnica no decorrer dos séculos. De agulhas e teares milenares, passando por tapeçarias que narram histórias e conquistas no período medieval europeu, tecidos de trajes e ornamentos marcantes como as rendas, revoluções e guerras que alteraram práticas e costumes, veremos diferentes descobertas e invenções que mostram como os têxteis estiveram e estão presentes, impactando e influenciando até os dias de hoje. Imagens dos acervos de importantes museus do mundo ajudarão a ilustrar o passado, com representações em pinturas, achados arqueológicos, documentos e objetos preservados. Amostras físicas de fibras, fios e tecidos serão apresentadas em aula para contribuir com a compreensão técnica

Sobre a ministrante.

Vera Felippi é pesquisadora e designer têxtil. Possui pós-doutorado pela Faculdade de Belas-Artes na Universidade de Lisboa, na linha de investigação Ciências da Arte e do Patrimônio com ênfase em têxteis africanos. Doutora em Design (UFRGS), tese que resultou na criação do Museu Moda e Têxtil UFRGS. Mestre em Design e graduação em Artes Visuais (UFRGS). Experiência na gestão de projetos de resgate e salvaguarda de patrimônio cultural têxtil e conservação preventiva de têxteis. Como docente, possui experiência em cursos de extensão, professora convidada em programas de Pós-Graduação (lato sensu) e cursos livres. Atuou como coordenadora de desenvolvimento de produto em indústria têxtil (Fiateci) durante 15 anos e atelier de criação de têxteis por 25 anos. Autora do livro “Decifrando rendas: processos, técnicas e história”, finalista na categoria Economia Criativa do Prêmio Jabuti em 2022. Integra o grupo de estudos História da Arte e Cultura de Moda (HACM), a Associação Nacional de Pesquisadores em Tecnologia e Ciência do Patrimônio (ANTECIPA) e o Coletivo de Pesquisadores em Indumentária e Museus.

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As identidades do país.

13/dez

A nova exposição do Museu de Arte do Rio, Centro, Rio de Janeiro, RJ, reúne obras de importantes artistas brasileiros, colocando-as em diálogo com as imagens fabulares da afro-diáspora e das expressões visuais dos povos originários.

Ao cruzar fronteiras culturais e narrativas ancestrais, a mostra “Atlânticofloresta” no MAR, anuncia a riqueza do país assim como a necessidade de resistência das identidades que moldam o Brasil. A histórica relação com o oceano Atlântico e a floresta Amazônica, as causas vinculadas às questões da terra como resistência e protesto e a celebração da cultura dos povos afro-brasileiros e indígenas são os temas das narrativas que chegam ao mais carioca dos museus.

Com curadoria de Marcelo Campos, Amanda Bonan, Amanda Rezende, Thayná Trindade e Jean Carlos Azuos, a mostra é uma ampliação e um desdobramento da exposição “Atlântico Vermelho” que foi inaugurada em 16 de abril de 2024, em Genebra, na Suíça. Foi a primeira vez que uma exposição ocorreu durante o Fórum Permanente de Afrodescendentes da ONU, considerado o evento mais importante das Nações Unidas sobre a questão étnico-racial.

Cerca de 160 obras entre pinturas, fotografias, desenhos, esculturas, manufaturas têxteis e vídeos estarão na mostra, mais de 90% dessas obras fazem parte da Coleção MAR. O acervo do Museu de Arte do Rio conta com mais de 30 itens museológicos e cresce a cada ano com as doações recebidas. Entre os artistas que participam de “Atlânticofloresta” estão Rosana Paulino, Jaime Lauriano, Jaider Esbell, Lidia Lisboa, Denilson Baniwa, Ayrson Heráclito, Nádia Taquary, Xadalu Jekupé Tupã, Dalton Paula, Menegildo Isaka Huin Kuin, André Vargas, Maré de Mattos, Grupo Karajá, Yhuri Cruz, Gustavo Caboco, Ventura Profana, entre outros.

Até 25 de fevereiro de 2025.

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Livro destaca a obra de Maria Lira Marques.

 

Esta publicação é dedicada à trajetória e obra da artista mineira Maria Lira Marques (Araçuaí, 1945), que rompeu barreiras e nomenclaturas, estabelecendo-se no circuito de arte contemporânea. Mais que uma monografia, o livro busca destacar a relação visceral da artista com o território que a forjou, o Vale do Jequitinhonha, bem como resgatar elementos da tradição popular em sua estética e prática. Este percurso é apresentado por meio de um corpo de obras – desenhos, pinturas e objetos em cerâmica -, além de ensaios do curador Rodrigo Moura, que assina a organização do livro, e da pesquisadora e curadora Luciara Ribeiro. A publicação incorpora ainda imagens históricas registradas por Frei Chico (importante personagem na vida de Maria Lira), uma cronologia completa, e depoimentos da artista publicados originalmente em 1983.

Realização: Gomide&Co.

Edição: Yasmin Abdalla e Marina Dias Teixeira.

Textos: Rodrigo Moura, Luciara Ribeiro, Luisa Duarte e Yasmin Abdalla.

Design: Felipe Chodin e Camila Regueira.

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Um olhar afetivo para a arte brasileira.

10/dez

A Galeria FLEXA, Leblon, Rio de Janeiro, RJ, recebe a exposição “Um olhar afetivo para a arte brasileira: Luiz Buarque de Hollanda”, com curadoria de Felipe Scovino e expografia de Daniela Thomas. A exposição examina a figura de Luiz Buarque de Hollanda (1939-1999), advogado e colecionador que criou, com o sócio Paulo Bittencourt (1944-1996), a Galeria Luiz Buarque de Hollanda & Paulo Bittencourt, cuja atuação se deu entre 1973 e 1978, no Rio de Janeiro.  Em exibição até 15 de março de 2025.

Sobre Luiz Buarque de Hollanda

Ao longo de mais de tres décadas, Luiz Buarque de Hollanda foi um dos nomes centrais do colecionismo no Brasil, além de pioneiro na colaboração com projetos de artistas que se tornariam seminais para a história da arte brasileira. Entre eles, destacam-se nomes como Carlos Vergara, Carlos Zilio, Cildo Meireles, Debret, Glauco Rodrigues, Iberê Camargo, Iole de Freitas, J. Carlos, Mira Schendel, Rubens Gerchman, Sergio Camargo, Thereza Simões e Waltercio Caldas. A programação reunia diferentes gerações, fazendo coabitar em seu espaço vanguarda e tradição.

Reunindo cerca de 150 obras de artistas presentes na coleção e nas exposições promovidas, a mostra se divide em 4 núcleos de interesse do colecionador-galerista. São eles: Paisagem: do encantamento à hostilidade, Aproximações improváveis: o retrato entre o social e o libidinoso, Corpo partido e Linguagens construtivas e desdobramentos disruptivos. De acordo com Felipe Scovino, “a presente exposição investe, tanto curatorial quanto expograficamente, em como Luiz adquiria, organizava e mostrava a sua coleção. Ele se cercava daquilo que lhe dava prazer e conscientemente construía um modo muito singular de olhar para a arte brasileira. A galeria da qual foi sócio nos anos 1970 foi inovadora ao responder pela interdisciplinaridade de gerações, mas, acima de tudo, na constituição de um ambiente acolhedor e próximo aos artistas. Sua imagem e memória estão ligadas ao campo do afeto e da inteligência.”.

A amizade de Luiz Buarque de Holanda com os artistas e sua paixão pela arte podem ser exemplificadas na generosidade em produzir edição de obras especiais, como um livro de Mira Schendel – que hoje integra a coleção do MoMA em Nova York – e o disco Sal sem carne, de Cildo Meireles, ambos nos anos 1970. Luiz teve participação direta na edição dos exemplares do Livro-obra de Lygia Clark, em 1984, e na pesquisa, junto com Noêmia Buarque de Hollanda, para exposição e catálogo da retrospectiva da mesma artista, que começou em 1997 na Fundación Tàpies (Barcelona) e circulou por 5 países. A exposição na Flexa conta ainda com farta documentação: impressos, cartazes, convites, críticas e notícias sobre as exposições. O material nos recorda como a galeria foi um local de convívio e reflexão, que reuniu artistas, colaboradores e público interessado em debater o cenário das artes.

A diretora de cinema e teatro Daniela Thomas, que assina a expografia da mostra, escreve: “O espaço que antes me pareceu imenso, da galeria de três andares, revelou-se exíguo quando me deparei pela primeira vez com a lista de obras da coleção de Luiz Buarque, selecionada por Felipe Scovino.  Logo me dei conta, por outro lado, que esta é a questão central para o colecionador: nunca há espaço suficiente para expor os itens da sua coleção, e mesmo assim ele tenta, quando decide que tudo é superfície: as paredes da escada que leva aos andares superiores da sua casa, por exemplo. Do chão ao teto, tudo está sempre em jogo”.

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A Natureza como um fluxo integrado.

Willy Chung apresenta a individual “Mato-à-Mata”, no Centro Cultural Correios Rio de Janeiro. A exposição Mato-à-Mata, é a primeira individual de Willy Chung, na qual explora as conexões entre o humano e o mundo natural por meio de pinturas, esculturas e instalações. Inspirado pelos princípios das filosofias orientais e das práticas meditativas, o artista apresenta a Natureza como um fluxo integrado, onde vegetal, mineral, animal e humano coexistem. A mostra, que tem curadoria de Fabricio Faccio, propõe uma experiência sensível e contemplativa, destacando obras que questionam as fronteiras entre Natureza e cultura, enquanto convidam o público a refletir sobre seu lugar no mundo.

Willy Chung, com ascendência oriental, em sua prática artística, mergulha na visão conceitual da não dualidade, abordando o todo como unidade, evocando uma harmonia que se revela através de uma aproximação dos princípios das filosofias orientais e das práticas meditativas. Em suas obras, a natureza não é apenas cenário ou objeto de contemplação, mas um fluxo contínuo, um campo onde o humano e o vegetal, o mineral e o animal coexistem sem hierarquias, dissolvendo fronteiras. Esse diálogo entre arte e Natureza ganha forma em cores, texturas e gestos que evocam a fluidez universal, tal como unidade, o caminho que conecta todos os seres, onde o estado de fluxo encontra equilíbrio no desabrochar espontâneo da vida. Em cada tronco sinuoso, folha em mutação ou paisagem recriada, percebe-se um chamado para reconhecermos o que já somos: parte indivisível da mesma trama que tece o mundo

Sobre o artista

Willy Chung, nasceu em 1987 no Rio de Janeiro cidade onde vive e trabalha. É artista visual formado em Pintura na Escola de Belas Artes da UFRJ e com experiências na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, PUC-Rio e Ateliê do Mestre Lydio Bandeira de Mello. Chung foi assistente de artistas proeminentes, como Daniel Senise e Roberto Cabot. Atuou como professor de Desenho e Pintura na Casa de Cultura Rio das Ostras, no Museu Casa de Casimiro de Abreu em Barra de São João e na Casa de Cultura de Casimiro de Abreu, já ganhou o Prêmio Funarte Medalhas do Centenário da Semana de Arte Moderna de 2022.

O curador

Fabricio Faccio é curador independente. Atuou como produtor na Anita Schwartz Galeria de Arte e na Cassia Bomeny Galeria, acumulando experiência em produção de exposições institucionais e em feiras de arte. Historiador da Arte e Arte Educador, Fabrício é formado pela Escola de Belas Artes da UFRJ e pela EAV Parque Lage, tendo realizado um período de intercâmbio acadêmico na Universitat de València, Espanha. É mestre em Artes Visuais pelo Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais (PPGAV), destacando-se por sua abordagem que explora as interseções entre arte, cultura e contemporaneidade.

Até 15 de janeiro de 2025.

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Caminhos Selvagens.

A Galeria Itinera Arte inaugura seu espaço no Centro do Rio de Janeiro, no dia 13 de dezembro, com Caminhos Selvagens, uma exposição coletiva que explora o desenho como uma prática que transcende sua função técnica, conectando-a a sua origem ontológica e uma visão renovada do mundo natural. Com curadoria de Yago Toscano, a mostra reúne obras de Aline Marins, Cláudia Costa, Faride Seade, Gilda Nogueira e Raquel Benjamim, propondo um novo olhar sobre o gesto do desenho e sua relação com a terra, os ritos e a ideia de partilha comunal.

A exposição parte de uma provocação: o que resta a ser tratado no desenho quando ultrapassamos sua dimensão técnica e prática, já imersa no pensamento cartesiano e na lógica racionalista ocidental? O desenho, desde a sua radicalidade centrada no pensamento, foi o veículo através do qual se estruturaram narrativas dominantes, da arquitetura à topografia nacional. Em Caminhos Selvagens, o desenho é redimensionado, não mais como uma técnica de dominação, mas como uma prática gestual que resgata a relação com a terra, os ritos e as partilhas que retomam as relações do mundo natural e de suas comunidades.

“O desenho permite observar indícios de uma ruína civilizatória quando através dele, enquanto gesto de uma abertura incontornável, a selva retomar dos humanos sua primazia de selvagem: um percurso de todos os começos, mas que se distingue pela multiplicidade de seus desfechos, refletindo as diversas perspectivas e propostas de cada uma das artistas aqui presentes”, reflete o curador Yago Toscano.

Caminhos Selvagens segue até 28 de fevereiro de 2025.

Sobre o curador

Yago Toscano nasceu em 1995, Tinguá, Rio de Janeiro, é graduado em Artes Visuais e mestrando em Arte e Cultura Contemporânea pela Universidade do Estado do Rio de Janeiro. Foi curador do Centro Cultural Oduvaldo Viana Filho. Atualmente é co-curador do espaço independente A MESA, compõe a parceria de gestão curatorial com o Centro Cultural Candido Mendes, além de colaborar anualmente com o projeto “Mostra Formação” da UERJ que organiza a produção dos alunos concluintes dos cursos de Artes Visuais, História da Arte e Licenciatura em Artes da UERJ, realizada no Centro Municipal de Artes Hélio Oiticica e Paço Imperial. Realizou curadorias no Centro Cultural Justiça Federal, Centro Cultural Light, Galeria Gustavo Schnoor (UERJ), Paço Imperial, A MESA, Castelinho do Flamengo, Centro Cultural Candido Mendes, entre outros.

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