Arquivos da Categoria: Arte Contemporânea

Dois na Marsiaj Tempo

23/fev

Duas exposições individuais ocupam a nova Marsiaj Tempo Galeria, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, resultado da associação das galerias Tempo e Laura Marsiaj. O mineiro Iuri Sarmento exibe pinturas e esculturas e Steve Miller apresenta radiografias impressas em papel fotográfico.

 

 
Texto de Solange Farkas sobre Iuri Sarmento

 
Barroco Reinventado

 
Nas suas pinturas, Iuri pratica, quase que gradualmente, a transição da sensualidade de cores e texturas para uma figuração que referencia a própria história da arte, mesclada de experiências pessoais. No rico imaginário barrocos de suas obras estão presentes técnicas de confecção de porcelanas, azulejos e bordados, alguns estampados com a imagem da azulejaria azul e branca do barroco português ou com fragmentos pictóricos de ícones da pintura universal. Suas pinturas são verdadeiras colagens. Suas composições pop-barroco elogiam o excesso e a saturação. Somam-se à justaposição de cores improváveis, uma infinidade de texturas e detalhes diferentes – brilhantes e opacos, listras e bolas, flores e figuras geométricas -, formando um excepcional vocabulário de efeitos pictóricos. Cada uma das obras expostas suscita questões plásticas singulares. Em algumas, Iuri deixa aparente sua paixão pelos ornamentos e sua incrível capacidade de conjugar formas geométricas com formas orgânicas: azulejos e barras ornamentais passeiam entre as bordas e os primeiros planos de suas composições carregadas de forte conotação barroco-cristã. Sua obra investiga também a utilização do corpo humano e da moda como elemento estético. Estrategicamente instaladas no meio do espaço expositivo, as obras “Sem título”, conjunto de vestes femininas pertencentes ao acervo do MAM, denotam um trabalho minucioso, rico em cores e detalhes, que constitui a linguagem híbrida entre moda e escultura característica de sua produção artística. Nesta individual, Iuri Sarmento expõe uma série de esculturas de louças coladas umas às outras, produzidas com pedaços de objetos utilizados no cotidiano como xícaras, bules, canecas. Um ajuntamento aparentemente imprevisível que estabelece um íntimo diálogo híbrido com sua pintura, como se uma linguagem avançasse no limite da outra. Apesar de remeter ao barroco, seu trabalho adquire forte contemporaneidade em decorrência do acúmulo excessivo de cores, formas e informações. A densidade simbólica do artista chega a escandalizar os espectadores, mas, ao mesmo tempo, é responsável pela sua evidente projeção no circuito das artes.

 

 
Até 13 de março.

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Mobiliário brasileiro em NY

12/fev

Depois de Joaquim Tenreiro e Sérgio Rodrigues, a R & Company, galeria de Nova York especializada em mobiliário moderno brasileiro, vai destacar a produção de Lina Bo Bardi e Roberto Burle Marx numa exposição marcada para o final de março.
Não é nenhuma surpresa que reservaram a data para coincidir com a abertura da megamostra “Latin America in Construction”, também marcada para o fim de março, no MoMA, em Nova York. Ou seja, enquanto um dos maiores museus da cidade revê a produção arquitetônica de Bo Bardi e Burle Marx, será possível –para poucos– levar uma dessas peças para casa.

 
Em meio às comemorações do centenário de Bo Bardi, celebrado no fim do ano passado, a exaltação de seu mobiliário, tema de uma mostra na Casa de Vidro, em São Paulo, no ano passado, era a vertente que faltava entre os movimentos de mercado.
Burle Marx, alvo de uma retrospectiva com suas pinturas agora em cartaz na Pinacoteca do Estado, também merece a lembrança no exterior, em especial por sua atuação em projetos icônicos na fase heroica da implantação do modernismo no Brasil.

 

Fonte: Silas Marti (Folha de São Paulo).

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Sarah Morris no Brasil

11/fev

A Galeria Fortes Vilaça e a White Cube São Paulo, apresentam a primeira exposição de Sarah Morris no Brasil. Para essas exposições simultâneas – serão exibidas doze pinturas na White Cube, Vila Mariana, um filme e uma série de trabalhos sobre papel na Fortes Vilaça, Vila Madalena  – a artista lança seu olhar para as duas principais cidades brasileiras, com suas complexas camadas de leitura. A artista examina a cultura e a ideologia do capitalismo tardio e seus efeitos na arquitetura, planejamento urbano e burocracia social, dando origem ao que Bettina Funcke identificou como “a hiper-intensidade de nosso tempo”.

 

 
Até 28 de março.

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Luiz Philippe: malas com azulejos

No dia 10 de março a galeria Marcia Barrozo do Amaral, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ, recebe o público para a exposição “Malas Prontas”, do artista mineiro Luiz Philippe. Conhecido por suas malas de pedra, Luiz Philippe prepara um novo trabalho, na mesma essência, desta vez utilizando azulejos antigos. “Cores e padrões e fragmentos que habitam a nossa memória afetiva. Nesta viagem, as malas carregam um pouco de cada um. A casa pelo avesso, são paredes portáteis”, diz o artista, que tem como objetivo transmitir lembranças e o peso da existência através de seu trabalho.

 

Na mostra inédita “Malas Prontas”, o artista apresenta uma derivação da série acima e aproveita para falar um pouco mais desta “viagem”. Desta vez as malas surgem formadas de azulejos antigos que, para Luiz Philippe, podem personificar situações. A superfície lisa, colorida e fria são fortes referências arquitetônicas nas quais as pessoas podem se ver traçando roteiros próprios em suas lembranças.

 

Nesta série o artista, que percorreu cemitérios de azulejos para compor os trabalhos,  também faz uma alusão à bolsas de grife entre as 18 peças inéditas que apresenta.  “A relação com a moda é uma decorrência natural. Malas e bolsas somadas às cores dos azulejos e pastilhas fatalmente resultam em um objeto sedutor, que vai se confundir, mesmo que simbolicamente, com o objeto de desejo na moda. Acho que o exercício da memória traz junto uma sensação de prazer, e aí os campos se aproximam. A moda sempre foi muito presente na minha vida. Nos anos 80 e 90 eu fiz muitos trabalhos para grifes de moda, como ilustrador e designer gráfico”, completa o artista.

 

Na exposição também haverão malas com montagens fotográficas que funcionam como um grande cartão postal ou uma imensa fotografia antiga num álbum. O artista colocou alças nas Ilhas Cagarras e na Pedra da Gávea, dois dos monumentos naturais de pedra ícones do Rio. Assim as pessoas estariam levando literalmente um souvenir da cidade maravilhosa.

 

 

De 10 de março a 10 de abril.

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Tantão na Artur Fidalgo

06/fev

O multiartista Tantão, figura conhecida na cena underground carioca desde os anos 80 quando fazia parte da banda Black Future, apresenta dia 11 de fevereiro, série inédita de paisagens abstratas e participa de performance sonora ao lado de Chelpa Ferro, na Artur Fidalgo galeria, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ.

 

A série “AutoCad” traz composições geométricas da paisagem urbana. Nas 20 telas pintadas em acrílico sobre linho, as laterais seguem a geometria proposta de um trajeto cúbico. No caso dos três dípticos, o desenho segue invisível até a outra margem. Entre eles, em “Favela”, “quadrados mágicos quase penetráveis, pintados com cores fortes”, levam ao mesmo espaço no centro.

 

“No programa autocad, na tela do computador, tudo é paralelo, é o mundo do paralelo. Mas no linho você encontra outra trama, a do fio, e ela nunca é igual”, conta. No cruzamento de todas as tramas que ele pode ver, Tantão propõe um jogo “cadiano” usando estruturas e cores para organizar seu mundo.

 

Formado em estruturas navais pela escola Henrique Lage –que era um armador que construía navios e fundou a instituição para ter profissionais do estaleiro –, Tantão sempre desenhou. “Sou desenhista de navios, do tempo em que era feito na prancheta, com compasso, papel vegetal, lapiseiras, nanquim… Minha fase dripping foi com nanquim”. No ano passado, Tantão foi o artista escolhido para abrir o espaço Caixa Preta a convite do artista visual Bob N.

 

Somente na noite do evento, o artista traz camisetas únicas com interferências feitas no pincel sobre a impressão em silkscreen de quatro telas criadas durante residência na Holanda (onde apresentou uma individual e participou de uma coletiva).

 

Chelpa Ferro e Tantão mergulharão em sets sonoros durante toda a noite. Em 2013, Tantão participou da gravação do especial do Circo Voador ao lado de Chelpa. Para Barrão, que já é colecionador de Tantão ao lado de outros artistas, essa noite já nasce especial.
Com vocês, marcamos o início simbólico do nosso carnaval. Organização e texto: Patrícia Kalil

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Catálogo de Athos Bulcão

05/fev

No próximo sábado, dia 7 de fevereiro, às 18h, a CAIXA Cultural, Centro, Rio de Janeiro, RJ, promove o lançamento do catálogo da exposição “Athos Bulcão – Tradição e Modernidade”, em cartaz na galeria 2. Na ocasião, haverá visita guiada à mostra, além de um bate-papo com o curador Marcus Lontra e com a diretora da Fundação Athos Bulcão, Valéria Cabral. O catálogo será distribuído gratuitamente aos visitantes.

 

A exposição “Athos Bulcão – Tradição e Modernidade” privilegia a produção arquitetônica de murais e azulejaria do artista, de caráter geométrico e monumental, como os painéis do Sambódromo, no Rio de Janeiro e do Aeroporto Internacional Presidente Juscelino Kubitscheck e da Igrejinha N. S. de Fátima, ambos em Brasília.

 

Em sua obra, Athos Bulcão trabalha peculiaridades oferecidas pelo espaço arquitetônico projetado e suas relações com a paisagem e com a natureza. Nos azulejos, destacam-se a modulação e o grafismo criados com base nas formas geométricas.

 

Inscrita em alguns dos principais edifícios modernos brasileiros, sua obra se notabiliza pelo equilíbrio encontrado nas relações entre arte e arquitetura. Em Brasília, há mais de 200 obras de Bulcão, como murais, painéis e relevos nos edifícios do Congresso Nacional.

 

“Athos Bulcão contribuiu de forma decisiva para a história da arte brasileira e agrega valores internacionais na construção das questões vanguardistas do século XX. A exposição propõe o resgate de sua memória através de uma mostra abrangente, de qualidade relevante”, destaca o curador Marcus de Lontra Costa.

 

 

Dia 7 de fevereiro, às 18h.

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Victor Arruda na Oi Futuro

04/fev

O artista plástico Victor Arruda inaugura neste sábado, 07 de fevereiro, exposição individual no Oi Futuro, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ. A mostra está inserida no Projeto Poesia Visual 3. O título da exibição é ” um pouco de violência (na dose certa)”  e serão mostradas apenas frases criadas pelo artista, em neon ou em monitores (de TV). A curadoria é de Alberto Saraiva.

 

 
Sobre o artista

 
Pintor, desenhista e gravador. Nasceu em Cuiabá/MT em 1947. No Rio de Janeiro concluiu o curso de Museologia da Universidade Federal. Em 1975, participou de exposições do Museu de Arte Moderna e da Bienal de Cuenca, no Equador. Ao contrário das vanguardas artísticas da década de 70 que rejeitavam os meios tradicionais da arte. Victor Arruda agiu através deles para apresentar imagens irreverentes, obscenas, toscas e incultas. Nos anos 80 sua pintura tomou um caminho quase oposto ao anterior, sem lhe negar as raízes, não se esquecendo da revolta. E intensifica sua atuação participando das exposições: em 1985, Salão Nacional de Artes Plásticas; “Transvanguarda e Cultura Nacionais”, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, 1986; ainda no mesmo ano, Bienal Latino-Americana de Arte sobre Papel, em Buenos Aires. Nos anos seguintes expõem em diversas galerias, museus, no Parque Lage, no Rio de Janeiro, destacando, em 1989, sua participação na Bienal Internacional de Cuenca, Equador; na Exposição do Acervo da Casa de Cultura Laura Alvim e na exposição organizada pelo Centre D’art Contemporain de Genève, no Palácio das Nações (ONU) com o tema “Hommage a la Dectaration Universelle des Droits de I’Homme.”

 
Atravessando toda a década de 80, realizou diversas exposições individuais no Rio de Janeiro, Brasília, Porto Alegre, Salvador, Belo Horizonte e em Roma, Itália.

 

 
Até 29 de março

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Pequenos formatos

Anita Schwartz Galeria de Arte, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição “A primeira do ano – Pequenos formatos”, com cerca de 50 obras inéditas e recentes de 22 artistas, como Abraham Palatnik, Ana Holck, Angelo Venosa, Bruno Vilela, Carla Guagliardi, Claudia Bakker, Daisy Xavier, Estela Sokol, Everardo Miranda, Gustavo Speridião, José Paulo, Maria Lynch, Niura Bellavinha, Nuno Ramos, Otavio Schipper, Rochelle Costi, Thomas Florshuetz, Waltercio Caldas, Wanda Pimentel, entre outros.

 

A mostra, que ocupará todo o espaço expositivo da galeria, terá obras em diferentes materiais e suportes, como fotografia, escultura, pintura, desenho e objeto. Em comum, o fato de serem obras em pequenos formatos. Dentre as obras inéditas da exposição, destacam-se “W-601”, de Abraham Palatnik, feita em tinta acrílica sobre tela, e duas pinturas de Maria Lynch, em óleo sobre tela.

 

A mostra terá ainda dois desenhos de Nuno Ramos, da “Série Gepeto”, de 2013; uma fotografia de Thomas Florshuetz, de 2012; uma escultura em Metacrilato com Folha de Madeira, de Angelo Venosa, de 2011; uma obra da “Série a cor é que tem cor na asa da borboleta”, de Estela Sokol, em pvc sobre tela, de 2011, entre outros.

 

 

De 05 de fevereiro a 14 de março.

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Exposição experimental

02/fev

 

Entre os dias 3 e 12 de fevereiro de 2015, o anexo da Galeria Millan, Vila Madalena, São Paulo, SP, – espaço ainda em construção – recebe “NO SOUND”, uma exposição experimental (que pode ser entendida como um happening) curada por Sofia Borges, que também participa como artista. Com obras antigas e inéditas, ela e os artistas Antonio Malta, Erika Verzutti, Paulo Monteiro, Rafael Carneiro e Theo Michael ocupam o espaço em transformação. As obras deste grupo são entendidas pela curadora como “objetos iniciais” ou ponto de partida. Em um segundo momento, eles e outros artistas, como Chico Togni e Suiá Ferlauto, serão convidados a intervir no espaço com a produção de novas obras, desenhos, esculturas, pinturas, peças de teatro, danças e poemas, tendo como suporte objetos e superfícies já presentes na exposição. A proposta da curadora é que a mostra esteja sempre em transformação.

 

 
De caráter experimental, “NO SOUND” gira em torno de conceitos como mimese, linguagem e a impossibilidade de algo ser, em si, plenamente compreensível. Por exemplo, uma obra dos artistas Sofia Borges e Theo Michael será o ato de constantemente renomear todas as obras expostas. A curadora também pretende constantemente alterar a posição dos trabalhos na exposição, para com isso criar novos diálogos entre as obras, o espaço e o público.

 

 
Sofia Borges entende que esta exposição acontecerá em quatro fases, sendo duas dentro do espaço expositivo e duas fora dele. A primeira fase pode ser considerada como o “núcleo duro” da mostra, composto pelas obras apresentadas desde o início da exposição. Nesta fase, Sofia Borges exibe fotografias em grande formato, a maioria em tons de cinza: são trabalhos já exibidos entre 2012 e 2014, além de fotografias inéditas. Antonio Malta participa com pinturas a óleo, produzidas em 2013 e 2014, também em grande formato. Erika Verzutti e Paulo Monteiro apresentam esculturas em bronze. Rafael Carneiro produziu uma pintura a óleo especialmente para a exposição, apresentando ainda desenhos do começo de sua carreira.

 

 
A segunda fase consiste nos dez dias de duração da exposição, período que pode ser entendido como um happening. Nesta fase ocorrerá a criação, in loco, de  novas obras ou de intervenções sobre os objetos iniciais. Nesta etapa, Theo Michael, Rafael Carneiro e Antonio Malta serão convidados a desenhar sobre fotografias em grande formato de Sofia Borges. É desta fase que participará o segundo grupo de artistas, com atuações específicas propostas pela curadora: Chico Togni, por exemplo, será convidado a produzir obras não-figurativas, em tons de cinza, branco ou preto, partindo do conceito de Belo de Platão, com papelão, papel e materiais da construção.

 

 
Nas fases que acontecerão fora do espaço expositivo, a curadora convidará pessoas de diversas áreas, onde quer que elas estejam, a produzir obras, textos e reflexões sobre os conceitos da exposição.

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Afonso Tostes na Galeria Milan

A Galeria Millan, Vila Madalena, São Paulo, SP,  abre a temporada de exposições de 2015 com a mostra “Sala de trabalho”, individual de Afonso Tostes, que apresenta nova série de esculturas e primeira mostra do artista na galeria. A exposição ocupa o andar térreo da galeria. Inéditos, os trabalhos exibidos são desdobramentos da série apresentada na exposição “Tronco”, realizada no início de 2014, na Casa França-Brasil, no Rio de Janeiro. São cerca de 50 esculturas realizadas nos cabos de ferramentas empregadas em diversos tipos de serviços, todas de uso manual: foices, martelos, enxadas, pás, rastelos, forcados, facões e outros.

 
Cada peça é única, não apenas pela intervenção escultórica, também pelo desgaste de uso que cada ferramenta apresenta. A interferência escultórica do artista remete à ossatura humana, em escala real, como se o instrumento fosse a extensão dos corpos que o utilizaram, referindo-se à relação entre o homem e a técnica. A exposição reflete também sobre a convivência de operações rudimentares com as técnicas digitais, que ainda coexistem com processos arcaicos de produção, desigualdade nas relações de trabalho, escravagismo, fome e outros aspectos não superados pelo desenvolvimento tecnológico.

 
Para o artista, o conjunto das peças, entendida como instalação, pode despertar no espectador uma forte carga de memória, uma vez que um dos elementos presentes nas obras é a própria ação do tempo. O artista espera, desse modo, que o público potencialize e expanda o entendimento em relação aos trabalhos expostos.

 

 
Até 28 de fevereiro.

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