Arquivos da Categoria: Arte Contemporânea

Carlos Huffmann na SIM galeria

14/nov

A SIM galeria, Curitiba, Paraná, apresenta série de pinturas e impressão digital sobre tela do artista plástico Carlos Huffmann. Os quadros são um ponto de chegada por um caminho que vai em paralelo à certos desenvolvimentos da história da arte mais recente, que são resolvidos inteiramente à sua maneira sem a maioria dos temperamentos locais.

 

Os enormes caminhões, centralizados, que protagonizam os quadros são vistos gigantescos e absurdos, mas também extremamente eloquentes e reais como num sonho. São personagens cuja identidade foi criada a partir de uma superposição temporal, e nos falam da resistência insana da cultura marcial dos homens, do desejo de poder e de certa euforia indefinível.

 

As obras expressam a tensão entre a reprodutibilidade direta, a atualidade da fotografia e a intervenção surrealista da pintura. Assistem de maneira alerta e documental à monstruosidade das imagens do presente e a exacerbação por meio da ficção. Apontando sobre esse presente mas recorrendo a um arquivo de imagens e chaves excêntricas entre a fascinação e o horror.

 

O interesse pela overdose de estímulos, a estática cotidiana, a velocidade, o ritmo narrativo vertiginoso das novas formas culturais se mesclam com suas referências de videogames, televisão, desenhos animados, mitologia, psicologia e filosofia. Para Carlos Huffmann o ponto cego mais forte enfrentado ao tentar encontrar sentido no mundo é em relação ao mainstream, que é imprescindível culturalmente. Os conteúdos desta enxurrada de imagens e conceitos determinam em grande parte a forma de compreensão do mundo. O ordinário manda. O sentido comum tem uma face oculta.

 

 

Sobre o artista

 

Nascido em Buenos Aires, 1980, durante a ditadura militar, Carlos Huffmann formou-se em Economia e em 2003 entrou para o Instituto de Artes da Califórnia, o Cal Arts. Suas obras fazem parte da coleção Jorge M. Pérez, Miami, EUA e Tiroche de Leon, Tel Aviv, Israel.

 

 

De 18 de novembro a 20 de dezembro.

0

Damien Hirts exibe Black Scalpel Cityscapes

12/nov

Detentor do Turner Prize (maior prêmio das artes visuais do Reino Unido) e um dos artistas mais valorizados e polêmicos da atualidade, Damien Hirst recebeu, pela primeira vez , uma mostra individual no Brasil. Autor de obras que surpreenderam o mundo das artes a partir do final dos anos 80 – como o famoso tubarão mergulhado em um tanque de formol (The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living) e a caveira humana cravejada de diamantes (For the Love of God) –, o artista inglês inaugurou na White Cube São Paulo, Vila Mariana, São Paulo, SP, a exposição “Black Scalpel Cityscapes”, composta por 17 trabalhos inéditos.

 

Descritas pelo artista como “retratos de cidades vivas”, as obras apresentam uma variada seleção de instrumentos cirúrgicos que são agrupados para criar visões aéreas de espaços urbanizados ao redor do mundo. Nelas, Damien Hirst investiga tópicos relacionados a realidades muitas vezes inquietantes do mundo moderno, como vigilância, crescimento urbano, globalização e a natureza virtual do conflito, assim como elementos que se relacionam à condição humana universal, tais quais nossas inabilidades para frear a deterioração física.

 

Nas novas pinturas – todas em fundo preto –, Damien Hirst agrupa bisturis, lâminas, ganchos, limalhas de ferro e alfinetes de segurança para retratar elementos urbanos naturais e artificiais, como estradas, rios e prédios. Cada obra é inspirada em uma cidade diferente, incluindo zonas de conflito recentes, centros de relevância econômica, político ou religiosa e locais relacionados à própria trajetória do artista. A seleção traz, entre outras, São Paulo, Rio de Janeiro, Washington DC, Roma e o Vaticano, Leeds (onde o artista foi criado), Pequim, Moscou, Nova York e Londres. A história particular das cidades está escrita dentro de sua amplitude geográfica, mostrando como cresceram gradualmente e se desenvolveram ao longo dos anos. Técnicas de padronização, repetição sistemática e uso de grades, marcas registradas vistas em séries anteriores, como “Spot Paintings”, “Colour Charts”, “Entomology Cabinets” e “Kaleidoscope Paintings”, também estão presentes nas novas pinturas. Esta metodologia é essencialmente um exercício em que Damien Hirst aplica ordem ao caos, enquanto reconhece que a ordem ou o controle frequentemente são conceitos que permanecem remotos.

 

A série “Black Scalpel Cityscapes” (em tradução livre, Negras Paisagens Urbanas de Bisturis) faz referência ao procedimento militar conhecido como “ataque cirúrgico” comumente usado em guerras modernas, visando a limitar danos colaterais ao definir áreas precisas para a destruição. A sugestão de um conflito digital, remoto, inevitavelmente camufla as realidades trágicas e devastadoras da guerra. As obras evocam a imagética usada nos curtas “Powers of Tem”, 1968, 1977, de Charles e Ray Eames, bem como as sequências em câmera lenta e em time-lapse de cidades norte-americanas no longa-metragem cult “Koyaanisqatsi” de 1982, de Godfrey Reggio – ambos referências fundamentais no que diz respeito a concepção moderna de vida urbana. As pinturas de Damien Hirst, portanto, fazem alusão inevitável ao “olho que tudo vê”, tais quais ferramentas de vigilância como o Google Earth – usadas hoje por cerca de meio bilhão de pessoas –, cuja origem está em um aplicativo de mapeamento em 3D usado pelo exército americano durante a guerra do Iraque.

 

Damien Hirst  tem descrito os bisturis de aço, objetos recorrentes em sua obra desde o início dos anos 90, metaforicamente como “escuros mas ao mesmo tempo claros”, em referência ao apelo visual da ferramenta de precisão altamente reflexível e também ao temor universal à faca cirúrgica. Ao brincar com o jogo de palavras “surgical strikes” (ataques cirúrgicos), o artista disseca não apenas a preocupação particular com a mortalidade, mas a ansiedade enraizada da sociedade com relação a vigilância, digitalização da guerra e uma remota ordem orwelliana e sua imposição em nossas individualidades.

 

 

Até 31 de janeiro de 2015.

0

Pedro David e a Fase Catarse

 

Fotógrafo representado pela Galeria da Gávea, Rio de Janeiro, RJ, Pedro David apresenta sua “Fase Catarse” em sua primeira exposição individual na cidade. A mostra reúne três séries produzidas entre 2008 e 2011 – “Aluga-se”, “Coisas caem do Céu” e “Última Morada”. Em comum, elas trazem a interpretação do ambiente urbano particular do artista mineiro nascido em Santos Dumont.

 

A exposição traduz a leitura de Pedro David para momentos de introspecção, incômodo e superação vivenciados nestes quatro anos. Aborda a exaustiva busca para encontrar um lugar para se viver nos centros urbanos, a falta de educação de vizinhos, e o esforço de recuperação após a morte da mãe por meio de um olhar poético sobre seu ambiente e pertences.

 

Cada um dos trabalhos foi produzido enquanto o artista vivenciava tais situações cotidianas, em um processo no qual a fotografia servia, a cada registro, como instrumento de catarse. “As fotos me guiaram por essas situações, me ajudando a entendê-las e a passar por elas. Não à toa decidi reunir as três séries em uma única mostra, pois juntas representam um momento importante na minha vida”, comenta.

 

São ao todo cerca de 30 fotografias impressas em diversos tamanhos, além de uma instalação áudio visual composta por fotografias editadas em vídeo, acompanhadas por pequenos poemas autorais que introduzem cada série.

 

 

Aluga-se, 2008

 

Na primeira série, o artista apresenta uma coleção de fotografias realizadas em apartamentos vazios, oferecidos para locação e visitados em 2008 enquanto procurava um novo lar. São paredes vazias, que registram o caminho da luz dentro destes ambientes. “Aluga-se” parte de uma metáfora sobre a vida nos grandes centros. A busca da luz, presente nas fotografias, alude diretamente à observação do futuro inquilino, que observa a luminosidade dos apartamentos visitados, e simboliza a busca de sentido do urbanóide contemporâneo”, explica.

 

 

Coisas Caem do Céu, 2008/2009

 

Já no segundo momento, objetos insignificantes, lançados por vizinhos por suas janelas e depositados na área privativa de seu apartamento após busca frenética registrada na série “Aluga-se”, foram colecionados e cuidadosamente fotografados em ´close up´,  técnica semelhante à utilizada para fotografar esculturas. “Objetos que nem sequer mereceram ser dispensados à lixeira, tinham sido simplesmente lançados para fora das vidas dessas pessoas. Ganharam então uma atenção especial depois de serem encontrados sobre o piso cimentado da minha residência”, conta.

 

 

Última Morada, 2010

 

A trilogia é encerrada com 15 fotografias editadas em um vídeo, sequenciadas em lentas fusões e acompanhadas por um som ofegante de respiração. Os trabalhos representam o retorno do artista ao apartamento que antes compartilhava com sua mãe, após morte dela, para esvaziá-lo. Foi um mês de visitas antes de tirar qualquer coisa, fotografando sua última morada. Com o auxilio dos registros, a antiga presença foi transformada em permanente ausência.

 

 

Sobre o artista

 

Nascido no município de Santos Dumont, Minas Gerais, em 1977, Pedro David vive e trabalha entre Nova Lima e Belo Horizonte. Fotógrafo e artista visual, graduado em jornalismo pela PUC-MG, em 2001, cursou pós-graduação em artes plásticas e contemporaneidade na Escola Guignard, UEMG, 2002. Tem três livros publicados – “Paisagem Submersa” pela Cosac Naify 2008, “O Jardim”, pela Funceb 2012 e “Rota Raiz” pela Tempo D´Imagem 2013. O artista possui trabalhos em coleções como a do Museu de Arte Moderna de São Paulo, Musée du Quai Bralnly, Paris, e a prestigiada Coleção Pirelli – MASP.

 

Entre as mostras individuais, destacam-se a realizada na Galeria Astarté, Madri, Espanha – 2014, MAM – Bahia, Salvador, 2012, Lemos de Sá Galeria, Belo Horizonte, 2012, Fauna Galeria, São Paulo, 2012, as mais recentes. Entre as coletivas, participou da I Bienal de Fotografia do MASP, São Paulo, 2013, Photoquai, Paris, 2013 e em Esquizofrenia Tropical, Photoespaña – Madri – 2012, além das realizadas no Museu de Arte Contemporânea do Ceará, Fortaleza-CE, 2012, Ex-Teresa arte Actual, México D.F., 2011, Museu da Imagem e do Som, São Paulo – 2011, Geração 00, Sesc Belenzinho – São Paulo, 2011, Noordelicht Photogallery, Groningen, Holanda, 2008 e na 5ª Bienal de Fotografia e Artes Visuais de Liége, Mammac – Liége, Bélgica, 2006. No currículo contam ainda prêmios como o Nexo Foto, Madri, Espanha, 2014, o Prêmio Nacional de Fotografia Pierre Verger, 2011, Prêmio União Latina – Martín Chambi de Fotografia, 2010 e o Prêmio Porto Seguro Brasil de Fotografia, 2005, entre outros.

 

 

De 14 de novembro de 2014 a 30 de janeiro de 2015.

0

No Qatar

Os artistas visuais Rodrigo Matheus e Cinthia Marcelle participam da exposição “Huna, Hunak: Here/There”, atualmente em cartaz no Museu Al Riwaq de Doha, no Qatar.

 

A mostra, que é uma itinerância da exposição “Imagine Brasil”, já passou por Oslo e Lyon, e agora chega no Qatar com outra outro título e uma montagem diferente.
A exposição está aberta à visitação pública até o dia 31 de janeiro de 2015.

 

 

 

A partir de 09 de novembro.

0

Conchas, caramujos e caracóis

10/nov

Anna Letycia, um dos grandes expoentes da gravura brasileira, acaba de finalizar a nova produção de trabalhos que serão expostos na Galeria Marcia Barrozo do Amaral, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ, na mostra “Arte em Papel”. São dez gravuras inéditas em técnica mista e colagens; uma nova versão do seu universo de conchas, caramujos e caracóis. Nessa mostra, Anna Letycia exibe peças únicas, já que os diversos elementos têm formas e cores variadas e maneiras distintas de apresentação.

 

 

Sobre a artista

 

Anna Letycia moldou sua carreira a partir de expressivos e sóbrios traços geométricos, apresentando-se em técnicas diversas como ponta seca, água forte, água tinta, açúcar com guache mas também é conhecida por suas pinturas. Começou estudando pintura com Anna Letycia moldou sua carreira a partir de expressivos e sóbrios traços geométricos, apresentando-se em técnicas diversas como ponta seca, água forte, água tinta, açúcar com guache mas também é conhecida por suas pinturas. Começou estudando pintura com Bustamante Sá e mais tarde, pintura com Ivan Serpa. Participou de cursos de gravura com Goeldi, Iberê Camargo e Darel. Sua gravura passou pelas fases dos caramujos, formigas, verduras e frutas, pássaros, tatus, caixas, caracóis geométricos, até chegar á novas imagens.Sua gravura passou pelas fases dos caramujos, formigas, verduras e frutas, pássaros, tatus, caixas, caracóis geométricos, até chegar á novas imagens.

 

Artista militante e vencedora, Anna Letycia foi premiada na Bienal dos Jovens de Paris, na Bienal de Pequim e no Salão Nacional de Arte Moderna, entre outros eventos. Já realizou mais de 15 mostras individuais e participou de coletivas, como as bienais internacionais de Veneza, Tóquio e Florença, dentre outras no Brasil e no exterior. Em seu longo percurso, ela foi cenógrafa e figurinista do Teatro Tablado, tendo sido parceira da amiga Maria Clara Machado em peças como “O cavalinho azul” e “A bruxinha que era boa”, e trabalhou com Jorge Amado no jornal “Paratodos”. Em 1975, fundou, juntamente com Aloísio Magalhães, Thereza Miranda, Márcia Barroso do Amaral, Bárbara Sparvoli, Dadá Carvalho Brito e Haroldo Barroso, a galeria de arte Gravura Brasileira, em Copacabana, a primeira – no Rio de Janeiro – dedicada à comercialização de gravura e desenho. Também fez a curadoria da exposição “Os inumeráveis estados do ser”, em 1997, para celebrar o Museu de Imagens do Inconsciente, de Nise da Silveira, Anna Letycia chegou a ser presidente da sociedade de amigos do museu. Ainda atuou como carnavalesca da União de Jacarepaguá, onde criou um enredo sobre Mestre Valentim, em 1963; e criou, em 1977, a Oficina de Gravura do Museu do Ingá, em Niterói, RJ.

 

 

De 04 a 20 de dezembro. 

0

Catálogo de Angelo Venosa

O artista, um dos expoentes da Geração 80, apresenta trabalhos inéditos, produzidos este ano, criados com materiais usados pela primeira vez em sua trajetória. O lançamento do catálogo  será na Anita Schwartz Galeria de Arte, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, com a presença do artista e do curtador Felipe Scovino. A mostra “Angelo Venosa – Membrana” ocupou todo o espaço expositivo da galeria com cerca de 20 trabalhos.

 

Pela primeira vez, em mais de trinta anos de trajetória, Angelo Venosa está usando bambu e filamento plástico em suas obras. Além disso, trabalhos novos, baseados em séries realizadas anteriormente, também são apresentados nesta exposição com materiais distintos. De acordo com o artista, todas as obras se relacionam entre si.

 

Hoje, o artista tem esculturas públicas instaladas no Museu de Arte Moderna de São Paulo, Jardim do Ibirapuera; na Pinacoteca de São Paulo, Jardim da Luz; na Praia de Copacabana/ Leme, no Rio de Janeiro; em Santana do Livramento, Rio Grande do Sul, e no Parque José Ermírio de Moraes, em Curitiba.

 

 

Lançamento do catálogo: 12 de novembro, às 18h30

 

Local: Anita Schwartz Galeria

Rua José Roberto Macedo Soares, 30

0

Celina Portella e Movimento²

07/nov

Celina Portella apresentano Centro Municipal de Arte Helio Oiticica, Centro, Rio de Janeiro, RJ, a mostra “Movimento²”. Na exposição, a artista apresenta cinco vídeo-instalações onde a imagem do seu próprio corpo se movimenta interagindo com as bordas do quadro dos monitores. A série de trabalhos, remontados através  do  patrocínio  da  Secretaria  Municipal  de  Cultura,  foi realizada  com  acompanhamento  da  artista  Lenora  de  Barros durante o desenvolvimento do projeto na residência LABMIS, no Museu da Imagem e do Som em São Paulo. “Seu olhar atua nos interstícios entre o “mundo real” e omundo da imagem, e desse ir e vir, extrai situações insólitas e intrigantes, quase verdadeiras, que confundem a nossa percepção”, comenta Lenora.

 

Para “Movimento²” Celina concebe roteiros coreográficos calculados matematicamente, passo a passo, para as performances registradas em vídeo. As ações têm suas imagens exibidas e integradas a engenhosas   estruturas   metálicas   construídas   a   partir   de mecanismos que movem telas de tv, em sincronia com as imagens do corpo da artista se revolvendo dentro do quadro, em interação com suas bordas e determinando o movimento da tela de exibição. O  resultado  é  uma  dança  des-cabida,  ortogonal  e  minimal,  da artista que também é bailarina e coreógrafa.

 

Nos vídeos-objetos 1, 2 e 3, as telas são fixas e a relação com o espaço varia conforme as dimensões do corpo contido no espaço videográfico. Nos vídeo-objetos 4 e 5, a tela se desloca sobre um trilho horizontal e um vertical de maneira vinculada à imagem, criando uma conexão entre ação virtual e espaço real.

 

Nos três trabalhos fixos, a relação com o espaço, tema quea artista costuma se envolver em suas criações, se difere pela variação das dimensões do corpo contido no frame videográfico. Na primeira, o corpo  aparece  em  dimensões  pequenas  ocupando  um  grande espaço e movimentando-se livremente. Na segunda o espaço se reduz, um corpo em dimensões maiores alcança todas as bordas do quadro. Na terceira o corpo quase não cabe dentro do quadro, encolhido,  ele  tem  sua  movimentação  limitada.  Nos  trilhos,  a relação entre a ação do corpo no vídeo e seu suporte se complexifica. O vai e volta dos monitores obedece a uma ação continua, sem cortes, parando em diferentes pontos dos trilhos e obedecendo a estímulos parecidos, mas não idênticos.

 

O projeto “Movimento²” foi realizado em três etapas: a realização de estruturas, a gravação e edição e a realização dos objetos. A definição do formato e modelo dos monitores, do tipo de câmera e formato de filmagem, das estruturas e parede construídas para a filmagem dependiam umas das outras, tornando o desenvolvimento da idéia, um processo elaborado, com inúmeros testes e uma pesquisa profunda sobre os meios, suportes, equipamentos e configurações disponíveis. A concepção de um roteiro de filmagem com   ordem   dos takes e   duração   das  ações   dependiam   das dimensões dos trilhos e da velocidade de deslocamento das telas nos mesmos.

 

 

Sobre a artista

 

Celina Portella investiga questões sobre a representação do corpo a partir do vídeo. Recentemente foi contemplada com o I Programa de Fomento a Cultura Carioca, com a Bolsa de Apoio a Criação da Secretaria de Estado de Cultura do Rio de Janeiro e indicada para o prêmio Pipa 2013. Ultimamente participou das residências Récollets em Paris na França, LABMIS, no Museu da imagem e do Som, em São Paulo, na Galeria Kiosko em Santa Cruz de La Sierra, Bolívia e no Núcleo de Arte e Tecnologia da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro. Foi contemplada no II Concurso de Videoarte  da  Fundaj  em  Recife.  Participou  da  III  Mostra  Do Programa de Exposições do Centro Cultural São Paulo, da Mostra SESC de Artes, em São Paulo, entre outras exposições. Estudou design na Puc-RJ e se formou em artes plásticas na Université Paris VIII em 2001.

 

O projeto “Movimento²” foi contemplado pela Secretaria Municipal de Cultura por meio do Programa de Fomento à Cultura Carioca.

 

 

De 06 de dezembro a 12 de fevereiro de 2015.

0

Daniel Melim na OMA

06/nov

Telas, fotografias, gravuras, assemblages, seu Black Book e genialidade reconhecida internacionalmente. É isso tudo que o público pode esperar da exposição “Quintal de Fábrica”, de Daniel Melim, na OMA| Galeria, São Bernardo do Campo, São Paulo, SP.

 

O artista, representado também pela galeria paulistana Choque Cultural, realiza sua primeira mostra individual no ABC após 10 anos de jejum (participou de coletivas nesse período). De lá para cá, o são-bernardense de 35 anos ganhou o mundo ao expor em Londres, em Valência e em museus importantes do Brasil, como MASP, e tornou-se uma referência na stencil art. “Quando recebi o convite percebi que essa era uma oportunidade de fazer um verdadeiro resgate de minha história e aceitei na hora. Sou daqui, meus primeiros passos na arte foram dados nos bairros próximos às indústrias da região, que, em meados dos anos 90, foram embora. Então, a cidade como um todo sempre foi o meu quintal, minha inspiração, de certa forma, e estou grato por poder dividir isso com o público”, conta o artista.

 

Com curadoria assinada por Ananda Carvalho, que integra o Núcleo de Críticos do Paço das Artes, a mostra conta com 11 obras inéditas e foge um pouco do estilo pop art, mais reconhecido pelos admiradores de Melim, ao contar com um ar politizado nos temas das obras. “Essa presença política localiza-se entre a denúncia e a ironia, à medida em que o artista mantém os elementos cotidianos representados em suas cores vibrantes. Eu também destacaria as aproximações entre o estêncil e a pintura na produção do Melim. Em todos os trabalhos da exposição é possível observar questões recorrentes da pintura, como o gesto e a composição temática elaborada com diversos elementos, assim como aspectos da estética por meio da utilização da sobreposição de camadas nas mais diversas materialidades. Aliás, acredito que a exposição também possibilita a experiência de observar esta produção tão complexa com calma e encontrar suas reverberações na vida cotidiana, seja o público da região do ABC ou não”, explica.

 

 

Interesses similares

 

Segundo Thomaz Pacheco, galerista da OMA| Galeria, a aproximação com o artista e o convite para a realização da exposição deram-se por diversas razões, entre elas as afinidades ideológicas do espaço e do artista. “Nossa aproximação com o Melim pode ser considerada natural, já que ele não nega as raízes e tem um trabalho artístico-social relevante na região ao mesmo tempo que trabalha para ter suas obras conhecidas pelo mundo. A OMA tem essa missão também. Queremos ampliar cada vez mais nossas atividades que fomentam a arte, queremos resgatar o valor cultural do ABC e ampliar cada vez mais nossa atuação”, afirma.

 

 

Sobre a OMA | Galeria

 

Primeira galeria de Artes Visuais no ABC, também conta com espaço cultural para a realização de encontros, workshops e debates. Localizada no centro de São Bernardo do Campo, uma das principais cidades da Grande São Paulo, a OMA | Galeria, que está sob os cuidados dos galeristas Thomaz Pacheco (artista e executivo) e Gisele Pacheco (premiada arquiteta e designer), se destaca pelo foco no trabalho de arquitetos, designers de interiores e decoradores, oferecendo obras de arte exclusivas para aqueles que buscam agregar valor aos projetos desenvolvidos, e vem se consolidando como referência em artes visuais na região.

 

 

De 14 de novembro a 20 de dezembro.

0

EXPOSIÇÃO DESDOBRAS

 

A exposição “desdobras” reúne trabalhos recentes de sete artistas que participam, desde o início do ano, do projeto de residência artística da Casa do Cactus, Alto de Pinheiros, São Paulo, SP. Inaugurada em novembro de 2013 com o propósito de contribuir com o panorama de produção e divulgação de cultura na cidade de São Paulo, a Casa do Cactus é um laboratório onde são desenvolvidas pesquisas e atividades sobre as mais diversas áreas, entre elas música, dança, cinema e artes plásticas.

 

“desdobras”, segunda mostra coletiva realizada na Casa, conta com obras de Janina McQuoid, Manuela Costa Lima, Marília Del Vecchio, Paula Marujo, Taygoara Schiavinoto, Thiago R. e Viviane Vallades, com curadoria de Lara Rivetti. Os trabalhos apresentados, quase todos inéditos, foram desenvolvidos em paralelo a uma série de encontros entre artistas, curadores e equipe de produção, de modo que os diálogos estabelecidos durante esse processo foram decisivos para a conformação final da coletiva.

 

Na abertura de “desdobras”, serão vendidos múltiplos criados pelos artistas que participam da exposição em um evento gratuito e aberto ao público.

 

 

De 13 de novembro a 04 de dezembro.

0

Em São Paulo e Ribeirão Preto

Desde que inaugurou a unidade de São Paulo em março deste ano – a Galeria Marcelo Guarnieri encerra a programação de 2014 com a coletiva “Contínuo”, unindo, simultaneamente, uma  exposição nas duas unidades, em São Paulo e Ribeirão Preto. A partir do dia 08 de novembro (sábado), no espaço da Alameda Lorena, o público pode conferir as recentes pesquisas de 27 artistas da geração contemporânea, em diversas linguagens como vídeo, instalação, pintura, fotografia e escultura. Destaques para a instalação de Amélia Toledo, para o ensaio sobre a Amazônia do fotógrafo Edu Simões, e para as obras de artistas como Deborah Paiva, Ana Paula Oliveira, Pedro Urpia, Marcus Vinicius, Luiz Paulo Baravelli, Flávia Ribeiro, Gabriela Machado e Rogério Degaki.

 

Dando continuidade em suas pesquisas acerca da pintura tridimensional, Amélia Toledo apresenta a instalação “Sem Título”, como um dos destaques inéditos da exposição. Cordas que pendem do teto ao chão, pintadas na cor azul, verbalizam um convite à relação entre o espaço, a obra e a percepção do público. “Horizonte”, instiga pelo inusitado uso de acrílico com o linho em grande dimensão.

 

Integrante do novo elenco que a galeria exibiu na edição da SP-Arte/Foto deste ano, Edu Simões propõe a série dos anos 80 com 12 imagens intituladas “Amazônia”. Na poética visual do artista, salta aos olhos o uso da linguagem P&B, como contraponto ao imaginário recorrente quando se aborda uma das regiões mais ricas em natureza do país. Há espaço nas fotografias para os nativos e trabalhadores, como para a vegetação e a paisagem com as suas texturas, dobras que criam outras figuras e refletem o papel que o jogo de luzes possui em sua fotografia autoral.

 

Na pintura, o trabalho de Deborah Paiva sugere temas do cotidiano, as relações sociais pensadas a partir das distâncias espaciais e temporais, a impossibilidade dialógica na solidão, como inevitáveis da condição humana. Suas imagens trabalham estes temas, contrapondo-os com o uso da técnica de guache sobre papel. Utilizando uma técnica diversa, a de óleo sobre papel, a artista possibilita outro olhar de seu trabalho em obras como “Dança”, “Sem Título”, “Sem Título” e “Vernissage”, todas de 2014, nas quais os tons de preto e branco prevalecem. Por seu turno, Marcus Vinicius, mostra um desdobramento de sua individual realizada na unidade de São Paulo neste ano.  Em seu universo de pesquisa, manifesta-se sua investigação a partir da materialidade das obras, de um elemento central desenvolvido em quinze anos de carreira, a Estrutura Quadro. O conceito deve ser compreendido como uma estrutura com dimensões pré-estabelecidas, que ligada à parede preserva seus caracteres bidimensionais, cujos elementos podem ser estudados separadamente e repropostos segundo uma ordem estabelecida pelo artista.

 

Ana Paula Oliveira repensa as dimensões das obras na sua pesquisa em “Harbour View”,  ao propor esculturas em pequeno formato. Criando uma espécie de sobreposições de telas de vidros transparentes colocadas assimetricamente lado a lado, os objetos sugerem espaços e perspectivas de olhares em relação com o ambiente. Pedro Urpia mostra o seu “Arquivo à deriva”, um objeto em formato de arquivo, no qual mini portas laterais guardam seis pinturas diferentes. Apresentadas na década de 80 no MAM-SP as icônicas estruturas de metal de Luiz Paulo Baravelli integram-se à exposição com mais uma série de pinturas inéditas. As esculturas vazadas podem ser compreendidas, a partir de suas interações com pontos de apoios, como a parede. Ainda nesta linguagem, duas esculturas de parede em preto e dourado de Flávia Ribeiro. Conhecido pelo seu universo com forte apelo do imaginário lúdico, Rogério Degaki – artista falecido em 2013 – terá duas peças esculturas apresentadas.

 

Num total de mais de 70 obras, o conceito curatorial de “Contínuo”, além da aproximação de diversas linguagens e artistas de vários períodos, insere a possibilidade de conhecer desdobramentos das recentes pesquisas dos 27 nomes que integram a coletiva. “Trata-se de um panorama dos artistas representados pela Galeria”, explica Marcelo Guarnieri. Em março, durante a ocasião de abertura da unidade de São Paulo, o galerista afirmou, ainda, o desejo em propor um intercâmbio entre as duas unidades.

 

“Contínuo” encerra o ano de 2014 na esteira desta proposta, trazendo a mais recente produção artística contemporânea, com nomes como Alice Shintani, Amelia Toledo, Ana Paula Oliveira, Ana Sario, Cristiano Mascaro, Deborah Paiva, Edu Simões, Flávia Ribeiro, Gabriela Machado, Gerty Saruê, Guilherme Ginane, Guto Lacaz, Ivan Serpa, João Paulo Farkas, José Carlos Machado, Liuba, Luciana Ohira e Sergio Bonilha, Luiz Paulo Baravelli, Marcello Grassmann, Marcus Vinicius, Mariannita Luzzati, Masao Yamamoto, Paola Junqueira, Pedro Hurpia, Renata Siqueira Bueno, Rogerio Degaki e Silvia Velludo.

 

 

Abertura em São Paulo: 08 de novembro (sábado), das 10 as 19 horas.

 

Abertura em Ribeirão Preto: 28 de novembro (Sexta-feira), das 19 as 22 horas.

0