AGENDA CULTURAL

Celebrando Guimarães Rosa

23/out

Acontecimento original no Instituto Ling, Porto Alegre, RS, para celebrar o aniversário de 60 anos da obra de Guimarães Rosa, a professora Kathrin Rosenfield convidou os artistas visuais Maria Tomaselli, Marcos Sanches e Raul Cassou para criarem suas próprias visões dos pequenos milagres que o escritor tirou da existência e imortalizou em seus textos. O evento é uma homenagem aos “causos” narrados nos 21 contos do livro “Primeiras Estórias”. O evento também terá atrações musicais, com a presença especial dos músicos Stefania Johnson (flauta), Guilherme Sanches (pandeiro) e Mathias Pinto no violão 7 cordas. Além da exibição única das obras, vamos mergulhar nos textos e nas questões suscitadas pelo autor, a partir de uma roda de conversa com os três gravuristas e as críticas literárias Regina da Costa da Silveira e Kathrin Rosenfield. Com entrada franca, o evento acontecerá no dia 28 de outubro, às 16h. Faça sua inscrição pelo site.

Sobre Kathrin Rosenfield

É professora titular de Filosofia e Literatura na UFRGS, autora de vários livros sobre literatura, filosofia e arte. Aborda com perspectivas filosóficas, antropológicas e psicanalíticas autores de diversas literaturas. Seu ensaio “Desenveredando Rosa – a obra de J. G. Rosa” ganhou o Prêmio Mário de Andrade. Atualmente, Kathrin Rosenfield traduz obras ficcionais e ensaísticas do romancista austríaco Robert Musil. Trabalha em projetos vinculando a pesquisa acadêmica e dramaturgia com o público amplo.

Sobre Regina da Silveira

Possui graduação em Letras Língua Portuguesa e Literaturas de Língua Portuguesa pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul (1976), mestrado em Letras pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul (1990) e doutorado em Letras pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul (1997) – UFRGS; Pós-doutorado na Universidade Federal do Rio de Janeiro, junto ao Programa de Pós-graduação em Ciência da Literatura (2017) – UFRJ. Tem experiência na área de Letras, em Programa de Pós-graduação Mestrado e Doutorado em Letras, como professora na UNIRITTER de 1993 a 2017, literatura brasileira, literatura comparada, literaturas africanas de língua portuguesa, desenvolvendo pesquisas sobre Guimarães Rosa, animismo, realismo animista. Professora aposentada, participa como professora colaboradora do Grupo de Pesquisa e do Grupo de Trabalho Vertentes do Insólito Ficcional, da Universidade Estadual do Rio de Janeiro – UERJ. Participa do Conselho Consultivo Estudos Literários da Editora Dialogarts Publicações, da Universidade Estadual do Rio de Janeiro.

Duas exposições na Fundação Iberê Camargo

A Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, RS, abrirá no dia 04 de novembro a exposição “Resistência”, exposição individual do artista do maranhense Thiago Martins de Melo, 41 anos. No mesmo dia, inaugura “Iberê Camargo: Vivo como as árvores, de pé”. Com curadoria de Martins de Melo e Gustavo Possamai, responsável pelo acervo da Fundação, a mostra destaca a forte relação do pintor gaúcho com o meio ambiente.

Em “Resistência”, com curadoria do islandês Gunnar B. Kvaran, a mostra confronta o espectador com quatorze obras de grandes dimensões e complexidade. Com cores fantasmáticas, seu trabalho articula uma densidade narrativa excepcional, feita de referências autobiográficas e mitológicas, sincretismo religioso e ambiência surreal. No centro dessa articulação, emergem, ora de forma sutil ora contundente, temas da política brasileira e da história do país. Tal iconografia crítica faz de Martins de Melo um dos pintores brasileiros contemporâneos a abordar aspectos do cotidiano social. “Eu venho de uma região marcada pela violência; não temos tempo para tratar de questões acadêmicas. Ser artista é um ato político, expor é o nosso poder de fala”, diz.

“Resistência” abre com “A queima do templo do conhecimento” (2021), uma escultura-vídeo-pintura em que o fogo assume o papel principal, fazendo referência ao incêndio que destruiu o Museu Nacional do Rio de Janeiro em 2018 e que possuía a quinta maior coleção arqueológica do mundo. Em e-mail enviado a Gunnar, que acompanha a trajetória do artista há mais de uma década, Martins de Melo destaca que a obra foi motivada, sobretudo, pelo que está por trás dessa tragédia. “Isso ocorreu devido a uma queda no investimento em políticas públicas culturais e seus mecanismos. Os cortes na educação e na cultura se aprofundaram nas administrações de direita de Temer e Bolsonaro. O Museu Nacional, agora em recuperação, tem sido a vítima e o símbolo maior desse projeto de desmonte da cultura e da educação no Brasil”, escreveu o artista.

A mostra segue com três pinturas intensas e de grande formato, “Escadaria do decapitado” (2019), “Tupinambás, Léguas e Nagôs guiam a libertação de Pindorama das garras da quimera de Mammón” (2013) e “A Rébis mestiça coroa a escadaria dos mártires indigentes” (2013), onde saltam aos olhos o estado de conflito e violência contínuos. Thiago Martins de Melo associa a opressão dos povos indígenas a importantes figuras libertadoras. Também há, nessas pinturas, uma clara resistência exercida pelos oprimidos, que, muitas vezes, se aliam a entidades divinas e espirituais.

As pinturas da segunda parte da exposição são mais pacíficas, incorporando uma reflexão sobre a origem do mundo, da humanidade e da linguagem, “uma transição entre a besta e o humano”, como escreve o artista. Os sujeitos estão ancorados no mundo real e no metafísico. As narrativas meditativas mostram diálogos sutis entre realidade, religião e mitologia, deixando mais espaço para a interpretação do espectador. Há menos ação e mais silêncio.

“As obras selecionadas para esta exposição formam um todo. Elas nos contam histórias do Brasil, assim como pensamentos e reflexões de Thiago Martins de Melo. Por meio de sua narrativa pintada, ele conduz o espectador através da história complexa e multifacetada do país, referindo-se a eventos que considera marcados por uma profunda injustiça. Ele descreve visualmente as relações problemáticas entre os brasileiros, seus colonizadores históricos e um capitalismo desenfreado. Os temas dessas pinturas giram em torno de questões fundamentais, como os direitos dos nativos, a luta pela terra e a violência que ela pode causar. Trata-se, mais ou menos, de uma história de luta de classes diante de um “Estado corrupto e devorador”, primeiro sob o domínio dos tribunais europeus e depois sob o capitalismo selvagem emoldurado por uma democracia brasileira. Ele também descreve as relações extremamente complexas entre os diferentes grupos étnicos e sociais: os indígenas colonizados, os escravizados africanos, os colonizadores brancos, especialmente os europeus, e a grande mistura de raças com todas as suas diferenças culturais, religiosas e espirituais. Em suas obras há um grande senso de moralidade. Muitas vezes, o artista parte de seu próprio estado, o Maranhão, e de sua cidade, São Luís, que ele conhece muito bem, em termos tanto culturais quanto políticos, antes de estender sua temática a todo o Brasil e à América do Sul. Os comentários e as questões que o artista levanta podem ser adotados em todos os continentes, pois tratam basicamente de direitos humanos e respeito ao próximo. Esses são assuntos universais”, escreve Gunnar B. Kvaran, no texto para o catálogo.

A psicologia para pintar os problemas políticos e sociais

Thiago Martins de Melo é filho de mãe psicóloga e pai artista plástico. Mesmo convivendo em meio as tintas desde criança, foi aos 16 que a pintura se tornou uma paixão. Fez curso de pintura e, anos depois, foi admitido no curso de artes visuais da Universidade Federal do Maranhão, mas não chegou até o final. O universo acadêmico tendeu para o lado materno. Thiago é mestre em Psicologia pela Universidade Federal do Pará. Chegou a cursar o doutorado, mas abandonou para se dedicar exclusivamente à arte.

“Apesar de ter participado em vários projetos institucionais desde os 16 anos, considero que a maturidade da minha produção começou a se estabelecer em 2008. A psicologia teve um papel preponderante na forma como via o signo pictórico e na articulação de narrativas visuais. (…) Eu tinha o título de mestre em análise do comportamento e, apesar de ser uma área empírica-analítica, meu interesse pelas humanidades foi crescendo. Então, abordei clandestinamente a psicologia social e, mais secretamente, Jung, que desempenhou um papel muito importante no modo como eu encarava o signo pictórico. A compreensão da importância da construção simbólica me fez refletir sobre meus próprios interesses espirituais. Tive experiências de espiritismo na família desde a infância, tanto o espiritismo kardecista quanto a religiosidade afro-brasileira. Essa visão de mundo espiritual afro-brasileira me apresentou ao sincretismo, o que sempre me intrigou. Então me interessei por tarô e outros oráculos. A união com minha primeira esposa Viviane foi providencial nesse sentido. Entre 2008 e 2011, minha produção esteve imersa em questões pessoais que passaram pela paternidade, casamento, papéis de gênero, espiritualidade, etc. Até que meus interesses foram cada vez mais direcionados da micropolítica para uma compreensão do mundo que passa pela luta social”, conta.

Sobre o curador

Gunnar B. Kvaran nasceu em Reykjavík, Islândia, em 1955. Possui doutorado em História da Arte pela Université de Provence, Aix-en-Provence, França, obtido em 1986. Foi diretor do Museu de Arte de Reykjavík, de 1989 a 1997, do Museu de Arte de Bergen, na Noruega, de 1997 a 2001, e do Museu Astrup Fearnley, em Oslo, também na Noruega, de 2001 a 2020. Foi curador de inúmeras exposições de arte contemporânea internacional, incluindo a 2ª Bienal de Moscou, Rússia, em 2007 (junto com Daniel Birnbaum e Hans Ulrich Obrist). Também esteve envolvido na Bienal de Lyon, França, em 2013, e na Bienal de Belgrado, Sérvia, em 2018 (junto com Danielle Kvaran). Atualmente, trabalha como curador independente e reside em Oslo.

Até 28 de janeiro de 2024.

Iberê Camargo: Vivo como as árvores, de pé

Thiago Martins de Melo foi convidado para fazer uma imersão na obra de Iberê Camargo e realizar a curadoria de uma exposição em parceria com Gustavo Possamai, responsável pelo acervo do pintor gaúcho. Iberê se preocupava com as questões político-socioambientais. Ele produziu obras e escreveu sobre o tema: “O homem é o único animal que destrói sua casa, sem pensar na continuidade da prole. Em nome do consumismo desvairado, o inconsciente coletivo da humanidade encaminha o mundo para o apocalipse.” Defensor fervoroso da preservação da natureza e do desenvolvimento de uma “consciência ecológica”, Iberê Camargo dizia viver como as árvores, de pé. Embora não se definisse como um ativista, era crítico ao descuido com o meio ambiente, a exploração e apropriação de recursos naturais, além da relação entre o progresso tecnológico e as consequências ambientais de tais avanços quando geridos de forma irresponsável: “Me sinto na obrigação de dizer um basta a este extermínio da natureza. Não por mim, mas pelas novas gerações que virão.”

Nesta mostra, Thiago Martins de Melo e Gustavo Possamai apresentam um recorte de 146 trabalhos, revelando um aspecto fascinante da personalidade e da obra de Iberê Camargo a partir do acervo da Fundação, além de três guaches da série “Ecológica (Agrotóxicos)” gentilmente cedidos por colecionadores. A série, criada por Iberê Camargo em 1986, foi produzida com a colaboração da Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz. Iberê Camargo os viu realizando no Parque da Redenção a intervenção cênica chamada “A dúzia suja”, em referência aos doze agrotóxicos mais prejudiciais ao ser humano e à fauna silvestre. Reproduzindo falas do importante ambientalista José Lutzenberger, o grupo alertava o público quanto ao uso indevido de agrotóxicos nas lavouras gaúchas. Depois disso, a Terreira da Tribo, como é chamado o espaço do grupo, transformou-se em ateliê durante um final de semana, para que Iberê Camargo realizasse os desenhos com os atuadores caracterizados e posando. Entre as personagens estavam o indígena, o FMI, o Tio Sam, o DDT e o militar, entre outros. À época, declarou: “Simpatizo com este projeto. Veja só, já mataram o nosso Guaíba”, referindo-se à poluição do rio que delineia grande parte da cidade. Disse também: “O gato, que é onívoro como homem, sabe exatamente qual a erva que deve comer. Já o homem se envenena. Foi por isso que eu achei que deveria tomar como mestres da minha vida os animais.”. “Vivo como as árvores, de pé” inclui, ainda, uma série de falas do artista que mantém vivo o seu pensamento. “Com frequência, suas metáforas invocavam imagens da natureza e são um convite para olharmos mais de perto para o mundo finito que habitamos e para as conexões que mantemos com ele. Afinal, como dizia Iberê Camargo, “vivemos num universo que é o resto de uma grande fogueira e as estrelas são suas últimas brasas”, diz o texto dos curadores.

A Fundação Iberê tem o patrocínio do Grupo Gerdau, Itaú, Grupo Savar, Renner Coatings, Grupo GPS, Grupo IESA, CMPC, Savarauto Perto, Ventos do Sul, DLL Group, Lojas Pompéia e DLL Financial Solutions Partner; apoio da Renner, Dell Technologies, Pontal Shopping, Laghetto Hotéis, Coasa Auditoria, Syscom e Isend, e realização do Ministério da Cultura/Governo Federal.

Até 18 de janeiro de 2024.

Prêmio FOCO: entrevista com Yhuri Cruz

19/out

Yhuri Cruz (1991, Rio de Janeiro) foi um dos seis selecionados na oitava edição do Prêmio FOCO ArtRio, junto com Gê Viana, Laryssa Machada, Mônica Ventura, Rose Afefé e Uyra. Artista visual, escritor e dramaturgo, ele desenvolve sua prática artística e literária a partir de criações textuais que envolvem ficções históricas e proposições performativas e instalativas em coletivo.

“Acho que um resumo da minha pesquisa pode ser como transformar a palavra em ação. Tenho trabalhos que lidam com escrita, mas muitos outros que lidam com a tradução de uma escrita em performance, em dramaturgia, em convites a amigos e amigas, atores e atrizes para habitar comigo em um espaço de ficção e ação. E vou habitando, compondo esses espaços ficcionais com objetos e esculturas, desenhos. Mas eu sou interessado em história e ação”, explica.

No estande do Prêmio FOCO da ArtRio, Yhuri Cruz apresentou duas obras. A primeira foi “Jongo & Adriano: Uma Fotonovela. Capítulos 1,2 e 3”, de 2022. A obra integrou a coletiva “Um defeito de cor”, no Museu de Arte do Rio e foi publicada na revista de fotografia “Zum”, editada pelo Instituto Moreira Salles (IMS).

“É uma fotonovela baseada em dois personagens secundários do livro “Um Defeito de Cor”, da Ana Maria Gonçalves. Como eu me apaixono muito por eles, eu resolvi escrever um spin-off, um tipo de história paralela para eles, antes dos dois chegarem no livro de fato. E Jongo e Adriano são um casal homossexual, de homens negros, que estão em fuga, em busca da sua liberdade. Tanto de existir quanto uma liberdade de amar também”.

O segundo trabalho é o vídeo “Revenguê: a sétima cena de Pretofagia”, 2023, nome de sua individual que encerrou no dia 1º de outubro, também no Museu de Arte do Rio. “Eu trouxe um vídeo editado da cena da performance, que acontece dentro dessa exposição. E é muito especial, porque sou eu e a Pretofagia, que é o meu grupo de encenação, minha pesquisa dramatúrgica, mostrando que o campo das artes visuais pode ser menos estático do que a gente imagina e as ficções podem dançar também”.

Como premiação do FOCO, o artista vai participar de uma residência artística no Irê – Arte, praia e pesquisa, na Bahia. “Estou muito animado. A Rebecca Carapiá, gestora do Irê, é uma super amiga. E planejo fazer a minha segunda fotonovela em Salvador, ainda à procura de uma história para contar!”, completa.

Sobre o artista

Yhuri Cruz é artista visual, escritor e dramaturgo graduado em Ciência Política (UNIRIO) e pós-graduado em Jornalismo cultural (UERJ). Sua pesquisa aborda problemáticas dos sistemas de poder, habitando a crítica institucional e discutindo relações de opressão, resgates histórico-subjetivos e violências sociais reprimidas, mas também pela fabulação crítica e a fantasia. Foi indicado ao Prêmio PIPA em 2019 e, no mesmo ano, realizou “Pretofagia”, sua primeira individual no Centro Municipal de Artes Hélio Oiticica, Rio de Janeiro. Em 2019 foi ganhador do Prêmio Reynaldo Roels com a instalação Pública “O Cavalo é Levante: Monumento a Oxalá e aos trabalhadores”. Tem seus trabalhos em coleções públicas e privadas.

Imagens fotográficas

18/out

Ed Beltrão lança o calendário “Bahia, ensaio sutil” com doze fotografias autorais selecionadas pelo curador Eder Chiodetto onde, com sensibilidade e técnica apuradas, procura transmitir tanto a consistência cultural da região como nuances de sua rica história. O evento está agendado para o dia 19 de outubro, quinta-feira, na Livraria da Travessa do Shopping Iguatemi, São Paulo, SP, às 19h.

A busca da sutileza, da delicadeza e suavidade no que se refere à Bahia, exige de um fotógrafo um extremo foco e dedicação já que o tema é facilmente associado à alegria, emoção e cenas de impacto. Restringir-se a apenas poucas imagens de uma quantidade imensa de registros com o intuito de oferecer uma experiência visual excepcional fez com que o curador/editor atuasse com extrema atenção para realçar a narrativa por trás de cada uma das imagens. Pelo viés do fotógrafo, “(…) tive que esculpir um corpo amplo de trabalho para deixá-lo bem delgado e ainda assim animador, alegre e arrojado sem ser óbvio e lugar-comum”, diz Ed Beltrão. Exige um olhar para situações incomuns e que denotam centésimos de segundos em cada imagem.

Nas palavras de Eder Chiodetto, “Bahia, ensaio sutil integra parte da constelação de imagens do acervo de Ed Beltrão da qual esse calendário expõe algumas luminescências. O gesto fotográfico de Ed foi, em boa parte, aprimorado na Bahia, território de afetos que cativou no fotógrafo a cadência necessária para se deixar levar pelo tempo sem tempo da contemplação. Logo, essas imagens ilustrarem os meses de um calendário, que rege o tempo linear dos homens, parece algo paradoxal. Mas não seriam os calendários impressos de parede uma percepção mais detida do tempo em relação a urgência dos aparatos digitais de hoje? Contemplar cada uma dessas doze imagens, mês a mês, pode ter o poder de nos lembrar, na soma dos dias, que a vida é para ser intensamente vivida. Se possível, na Bahia.”

Os calendários, feitos por artistas, sempre foram parte integrante da cultura mundial; uma forma de apresentar a arte fora de museus e galerias. “Bahia, ensaio sutil” tem como inspiração o feito por Pierre Verger que possui um exemplar no museu homônimo sediado na capital baiana. Confluente com as temáticas desenvolvidas por Ed Beltrão que, em seus registros imagéticos exibe pequenos recortes da vida local, se possível, próximo à água, essa seleção contém desde a Via Láctea até as cenas aquáticas no Farol de Itapuã. “Tentei clicar a alegria, o vigor e a esperança que o povo local transmite; seja em um festival ou em uma simples pelada na praia”, comenta o fotógrafo.

“Bahia, ensaio sutil”, de Ed Beltrão, tem tiragem de 350 exemplares e patrocínio de Spinelli Advogados que contribui para tornar este projeto, inovador, uma realidade. “Essas minhas imagens resultaram de breves, porém, profundos mergulhos na magia da alma brasileira e baiana. Fui atraído pelo vigor da natureza, das cores e das belezas que cativam olhos e corações daqueles que se lançam no desafio de eternizar átimos destas paisagens”, diz Ed Beltrão

Daniel Senise em São Paulo

Desde 2019, Daniel Senise, um dos nomes substanciais da arte contemporânea brasileira, não se apresentava em um museu paulista, no caso o Instituto Tomie Ohtake, quando expôs “Todos os Santos”, uma série marcada pela utilização da fotografia como um dos elementos centrais das obras. Desta vez, o artista traz “Biógrafo: Daniel Senise”, com curadoria de Marta Bogéa e Helouise Costa, ao mezzanino do MAC USP, uma exposição de caráter semi-retrospectivo, visto que o início de Senise nas artes plásticas data de meados dos anos 1980 e, o atual evento, abrange as últimas três décadas, de 1992 a 2022.

Nas cerca de 40 obras, a maioria em grande formato, é perceptível o pleno domínio do artista maduro que construiu, ao longo de quatro décadas, uma poética calcada em uma sacada/insight muito original e na qual firmemente acreditou. As suas são telas complexas, laboriosas, que exigem fatura de precisão cirúrgica, mas o resultado é um exercício categórico de grande beleza monocromática. Daniel Senise poderia até ter tomado emprestado o título do filme italiano de 2013 de Paolo Sorrentino, “La Grande Bellezza” (com o charme do ator Tony Servillo no papel do impagável Jep Gambardella). Mas o engenheiro que Senise tem na alma, alicerçado pelo diploma que nunca pegou na UFRJ da disciplina empírica que jamais viria a seguir, deixou suas marcas. No fazer do artista elas são as marcas do tempo encontradas nos pisos e assoalhos de locais degradados, abandonados, em que ele, utilizando um processo similar ao decalque, imprime em tecido absorvendo assim os resíduos do lugar ou sua “memória”, conforme ele costuma dizer. Os romanos chamavam em latim essa reminiscência de “genius loci”, que dizia a respeito ao espírito protetor de um determinado local.

Fonte: Forbes.

Gonçalo Ivo em Balneário Camboriú

A exposição individual de pinturas de Gonçalo Ivo, “Imagem do Tempo”, inicia – até 21 de outubro – suas últimas exibições na Simões de Assis, Balneário Camboriú, SC. Vale o registro.

A exposição “Imagem do Tempo” apresenta diferentes conjuntos de trabalhos do artista, reunindo as principais dimensões da sua produção recente. Entre as pinturas mais atuais estão as Cosmogonias – série que teve início logo antes da pandemia e que continua se manifestando em composições estelares e siderais, como órbitas e planetas imaginados que engendram seu próprio universo particular. Mas há também séries como “O Jogo das Contas de Vidro”, que empresta seu título do romance homônimo de Herman Hesse – uma história que se passa em um período indefinido, muitos séculos no futuro. De um lado, há exemplos de obras como “Rio São Francisco”, que alude a um dos mais importantes cursos de água doce do território brasileiro, parte de um conjunto de trabalhos que reverenciam fluxos geográficos e marcadores culturais de diferentes lugares (nesse mesmo corpo está a série “Tissue d’Afrique”, por exemplo). Junto delas há as pinturas intituladas “Navegantes”, que não só remetem à água, mas aos corpos que nela velejam, contando histórias de travessias e percursos míticos e místicos…Assim, para Gonçalo Ivo, a pintura em tela, papel, tecido ou sobre objetos de madeira é a linguagem mais pura e poderosa para se comunicar. A tinta óleo, a têmpera e a aquarela são seus meios escolhidos; o cosmos, a música, a natureza, a história e a cultura são seus temas. Mas, em verdade, sua obra é capaz de transcender até mesmo essas categorias tão vastas e elusivas: seus trabalhos são o próprio tempo das coisas de um mundo que um dia existiu, que existe hoje e que um dia virá a existir.

Julia Lima

Palestra de Daniela Name

A crítica de arte e pesquisadora Daniela Name falará no dia 24 de outubro, às 18h, sobre as obras da artista Amelia Toledo (1926-2017) expostas em “O rio (e o voo) de Amelia no Rio”, na Nara Roesler Rio de Janeiro, que foi prorrogada até 04 de novembro.

Daniela Name foi curadora, juntamente com Marcus de Lontra Costa, da exposição “Forma fluida”, primeira grande mostra panorâmica dedicada à obra de Amelia Toledo no Rio de Janeiro, realizada no Paço Imperial, de 17 de dezembro de 2014 a 1º de março de 2015.

Com mais de 50 obras – entre pinturas, esculturas, objetos, aquarelas, serigrafias e desenhos – “O rio (e o voo) de Amelia no Rio”, na Nara Roesler, ilumina o período frutífero e experimental da produção da artista quando viveu no Rio, nos anos 1970 e 1980, que marcou sua trajetória, reverberando em trabalhos posteriores.

Além de obras icônicas, como o livro-objeto “Divino Maravilhoso – Para Caetano Veloso” (1971), dedicado ao cantor e compositor, ou trabalhos que estiveram em sua impactante individual “Emergências”, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, em 1976, a exposição na Nara Roesler Rio de Janeiro traz pinturas e aquarelas inéditas, em que o público pode apreciar sua experiência com a luz, e a incorporação em seu trabalho de materiais como pedras, conchas marinhas e cristais.

35 anos da Mão Afro-Brasileira no MAM SP

17/out

Poderá ser vista até 03 de março de 2024 no MAM SP, Parque do Ibirapuera, sob curadoria de Claudinei Roberto da Silv, a exposição comemorativa “Mãos: 35 anos da Mão Afro-Brasileira” que reúne cerca de quarenta e cinco artistas e em homenagem a Emanoel Araúko, artista criador do Museu Afro-Brasil.

A palavra do curador.

Em 1988, celebrou-se entre nós o centenário da Abolição da Escravidão, e várias iniciativas, de caráter público ou privado, foram promovidas para festejar a efeméride. O mesmo ano via surgir a nova carta magna da República, a Constituição que ampliava ou instituía direitos até então recusados a mulheres, negros, negras e originários. A celebração também deu ensejo a protestos daqueles que, justamente, entendiam ser pífios os avanços do combate às desigualdades de raça, gênero e classe, profunda e historicamente arraigadas na sociedade brasileira.

Nessa ocasião, tanto a exposição A Mão Afro-Brasileira – Significado da contribuição artística e histórica, organizada por Emanoel Araujo e realizada no MAM, quanto a nova Constituição foram resultados da luta obstinada daqueles que entendiam a necessidade de construir uma sociedade que, por ser justa e igualitária, seria também mais comprometida com a democracia.

O lapso de tempo que separa a exposição de 1988 desta, Mãos: 35 anos da Mão Afro-Brasileira, foi repleto de acontecimentos historicamente significativos, que acabaram por confirmar a relevância das instituições culturais do país, pois afirmam, igualmente, a importância central que a educação (formal e não formal) ocupa no combate às mazelas que secularmente nos assombram. Entre elas, o racismo estrutural que, apesar dos avanços que paulatina e lentamente vão sendo feitos, permanece, infelizmente, como característica comum ao cotidiano de milhões de afrodescendentes que são por ele infelicitados.

Entre as importantes conquistas observadas está, justamente, o debate sobre a constituição dos acervos dos nossos museus e sobre como eles espelham, ou não, a diversidade étnica, de gênero e classe da população do país. No momento em que se estabelece o necessário e profícuo debate sobre a relevância e circulação da produção intelectual e artística de minorias secularmente excluídas, convém lembrar a importância pioneira da mostra de 1988.

A exposição Mãos acaba por celebrar a memória de Emanoel Araujo – criador do Museu Afro Brasil, que hoje recebe seu nome -, um polímata que, falecido há um ano, no dia 7 de setembro de 2022, catalisou, a partir da sua pioneira e corajosa atuação, a vontade de todos os que desejam a promoção da cultura afro-diaspórica, por entendê-la parte valiosa e inextrincável de um patrimônio que pertence a toda a humanidade.

Claudinei Roberto da Silva

curador

Artistas participantes: MAM São Paulo (Sala Paulo Figueiredo)

Agnaldo Manuel dos Santos, Aline Bispo, Almandrade, André Ricardo, Arthur Timótheo da Costa, Betto Souza, Claudio Cupertino, Cosme Martins, Denis Moreira, Diogo Nógue, Edival Ramosa, Edu Silva, Emanoel Araujo, Emaye – Natalia Marques, Eneida Sanches, Estevão Roberto da Silva, Flávia Santos, Genilson Soares, Heitor dos Prazeres, João Timótheo da Costa, Jorge dos Anjos, José Adário dos Santos, Leandro Mendes, Luiz 83, Maria Lídia Magliani, Maurino de Araújo, May Agontinmé, Mestre Didi, Néia Martins, Nivaldo Carmo, Otávio Araújo, Paulo Nazareth, Peter de Brito, Rebeca Carapiá, Rommulo Vieira Conceição, Rosana Paulino, Rubem Valentim, Sérgio Adriano H, Sidney Amaral, Sonia Gomes, Taygoara Schiavinoto, Wilson Tibério e Yêdamaria.

A África nunca antes vista

Começa no Instituto Ling, Bairro Três Figueiras, Porto Alehre, RS, o curso Pensamento Africano Moderno. Nele, a África será vista a partir da perspectiva de importantes escritores e pensadores africanos como Cheikh Anta Diop, Frantz Fanon, Valentin-Yves Mudimbe, e muitos outros. Ao longo das aulas, haverá a oportunidade de examinar suas obras, compreender suas ideias e conhecer as complexidades do pensamento africano. Quem ministra os encontros é o professor e pesquisador José Rivair Macedo, especialista no assunto. O domínio europeu sobre o continente africano, especialmente entre 1880-1960, produziu alterações estruturais significativas, impondo aos povos e sociedades africanas padrões políticos e socioculturais identificados com a modernidade ocidental. No decorrer do século XX, durante os períodos da colonização, descolonização e criação das nações africanas modernas, ativistas, intelectuais e artistas desenvolveram ideias e propostas políticas para expressar a condição de subalternidade de seus coetâneos no mundo e, com isso, o desejo de transformá-la. Desse contexto surgem questões-chave para pensarmos o processo de descolonização e a oportunidade de uma reavaliação crítica das influências e legados culturais deixados pelos colonizadores. O objetivo do curso é ampliar as perspectivas recorrentes em torno do pensamento africano contemporâneo, examinando obras e autores como Cheikh Anta Diop, Frantz Fanon e Valentin-Yves Mudimbe, entre outros.

Sobre o ministrante:

José Rivair Macedo é doutor em História Social pela Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da Universidade de São Paulo – FFLCH-USP, com estágio de pós-doutorado na Universidade Nova de Lisboa (2001) e Universidade de Lisboa (2011). É professor no Departamento de História da Universidade Federal do Rio Grande do Sul – UFRGS, na área de História da África e dos Afro-Brasileiros, e no Programa de Pós-Graduação em História da mesma instituição. Pesquisador, coordena a Rede Multidisciplinar de Estudos Africanos do Instituto Latino-Americano de Estudos Avançados – ILEA-UFRGS e integra o Núcleo de Estudos Africanos, Afro-brasileiros e Indígenas da Universidade Federal do Rio Grande do Sul – NEABI-UFRGS. É autor, entre outros, dos livros História da África (Editora Contexto, 2013); O pensamento africano no século XX (Outras Expressões, 2016); Dicionário de História da África (Edições Autêntica, 2017; 2021) e Antigas Sociedades da África Negra (Contexto, 2021).

Programa do curso:

18.10 – Aula 1: 1900 a 1950 – Introdução ao pensamento africano moderno e pensamento social africano: tendências e movimentos da “personalidade africana”, “pan-africanismo” e “negritude” (Blyden, Du Bois, Garvey, Césaire, Senghor)

25.10 – Aula 2: 1950 a 1980 – Contextualização e estudo de obras e autores essenciais vinculados aos movimentos anti-coloniais e às lutas de libertação nacional na África ( Diop, Fanon, Nkrumah, Cabral)

1.11 – Aula 3: 1980 a 2020 – Pensamento africano pós-colonial (Mudimbe, Hountondji, Mbembe, Amina Mama, Oyèwúmí)

A Cor e o Tempo em Sergio Lucena

11/out

O Museu Afro Brasil Emanoel Araujo, Parque do Ibirapuera, São Paulo, SP, com apoio da Simões de Assis, inaugurou uma grande mostra individual do artista Sergio Lucena. Com curadoria de Claudinei Roberto, “Na Raiz do Tempo, a Matriz da Cor” traz mais de 70 obras do artista paraibano, realizadas ao longo de seus mais de 40 anos de carreira.

Com séries antigas como os “Deuses”, e conjuntos inéditos como a série “Platibandas”, a exposição revela a vitalidade da linguagem da pintura que se verifica nos processos articulados pelo artista, que resultam em uma obra de alta voltagem poética e simbólica.

O projeto reúne de maneira ímpar referências à religiosidade de matriz africana, ao sincretismo caboclo, à arquitetura vernacular nordestina, às encruzilhadas e aos encontros. Essa síntese, apresentada nas pinturas, sugere uma narrativa em que convivem harmoniosa e poderosamente aquilo que convencionalmente chamamos de “arte erudita” e “arte popular”.

A mostra ficará em cartaz até fevereiro de 2024.