Arquivos da Categoria: Arte Naif

Destaque na Ricardo Camargo Galeria.

18/out

A Ricardo Camargo Galeria apresenta a exposição “Alcides: arte naif, art brut, arte espontânea, arte contemporânea, todas inclusive”, do artista baiano Alcides Pereira dos Santos (1932-2007). A mostra reúne 16 obras inéditas da coleção do marchand Roberto Rugiero (1942-2020), adquiridas no início dos anos 2000. As obras abordam temas centrais da produção de Alcides, como a natureza e a espiritualidade, e transitam entre a arte naif e a art brut, posicionando-o como um nome singular na arte contemporânea brasileira.

Nascido em Rui Barbosa, na Bahia, migrou para Mato Grosso, onde se estabeleceu em Rondonópolis. Sua carreira artística ganhou força na década de 1970, quando ingressou no Atelier Livre de Cuiabá, coordenado por Aline Figueiredo e Humberto Espíndola. Sob a orientação de Dalva de Barros, o artista desenvolveu um estilo próprio, utilizando materiais inusitados como fragmentos de vidro e tapetes, aproximando-se da estética da art brut.

Roberto Rugiero, importante defensor da obra de Alcides Pereira dos Santos, destacou a originalidade do artista, observando que sua pintura ultrapassa os limites da arte popular tradicional, com uma abordagem minimalista e contemporânea. Roberto Rugiero ressaltava que sua arte oferece uma visão profunda da cultura e da espiritualidade brasileiras, em diálogo com correntes diversas, como a art brut e a arte espontânea. Em 2007, Alcides Pereira dos Santos participou de sua única exposição individual na Galeria Estação, em São Paulo. Compareceu em cadeira de rodas à abertura, falecendo três dias depois. Sua trajetória, marcada por uma vida simples e distante do mercado convencional, conquistou críticos renomados como Frederico Morais e Aracy Amaral. A parceria entre Ricardo Camargo e Roberto Rugiero, iniciada nos anos 1970, foi fundamental para a promoção de artistas espontâneos no Brasil. Após o falecimento de Roberto Rugiero, sua filha Fedra deu continuidade à seleção das obras de Alcides Pereira dos Santos que compõem esta exposição, consolidando o legado do artista e reafirmando sua relevância no cenário da arte contemporânea nacional.

Duração da exibição: de 22 de outubro a 14 de novembro.

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Arte Naïf do Brasil

21/jun

A Galeria Jacques Ardies, Vila Mariana, São Paulo, SP,  abriu uma nova coletiva “Arte Naïf ou Arte Popular? Tanto faz, Arte do Brasil!”, com 32 pinturas assinadas por oito artistas que apresentam trabalhos que representam o Brasil isento de influências externas. A curadoria está a cargo de Jacques Ardies, ativo no segmento há mais de quatro décadas. Em cartaz até julho de 2023.

A seleção dos pintores – Isabel de Jesus, Francisco Severino, Fefe Talavera, Dalva Magalhães, Gilvan, Ivan Moraes, Antônio de Olinda, José de Freitas – possibilita duas ações simultâneas e superlativas: resgata alguns artistas cujos trabalhos devem voltar ao foco público pela excelência das técnicas envolvidas e coloca, lado a lado, obras recém finalizadas de criativos do mesmo padrão e que compõe a soma positiva característica das escolhas do curador.

A questão que intitula a exposição: Arte Naïf ou Arte Popular – pode provocar críticas, comentários, desavenças e concordâncias mas não interfere no propósito maior: diminuir a polêmica sobre a utilização do termo Naïf e mostrar a arte que é o mote principal. Naïf tornou-se um termo pejorativo que se denomina uma arte menor, não relevante, sendo que é um termo utilizado internacionalmente como referência de um estilo.

“Estou mostrando uma bela arte brasileira, que é o que importa. Arte a qual me dedico há anos e acho que existe muito ainda para mostrar!”.        

Jacques Ardies

Sobre os artistas

Isabel de Jesus, até onde se saiba, não é uma médium. No entanto, ao estar mais conectada com a terra e com as divindades, ou seja, com a essência mais profunda de nossa existência, ela descobre espontaneamente, sem ter aprendido nada, um passado fascinante do nosso planeta. De alguma forma, surgem dessas descobertas sereias – pássaros, assim como meandros e murmúrios da floresta equatorial. Não se trata apenas de uma decoração com manchas aleatórias de luz ou escuridão. Essas criações são animadas por uma poderosa e profunda inspiração, representando o único mistério e o único segredo de uma criação ingênua e verdadeiramente autêntica.

O mérito notável de Francisco Severino reside na maneira como lida com a cor verde, explorando suas variações com a consciência de que a pintura é muito mais do que um tema em si, mas uma forma de desenvolver um pensamento por meio de cores e formas. O que impressiona em suas imagens é a harmonia entre o domínio técnico e a sensação paradisíaca de que o tempo se deteve para que cada cena, predominantemente rural, pudesse ser retratada. Seu trabalho é caracterizado por uma abordagem meticulosa, onde os detalhes desempenham um papel fundamental, resultando em composições visualmente perfeitas.

Fernanda Talavera acumulou uma vasta experiência em exposições realizadas em museus e galerias de arte ao redor do mundo. Embora tenha sido inicialmente reconhecida como grafiteira, ela expandiu sua abordagem artística, explorando diferentes suportes para suas obras. Seu foco principal passou a ser a representação de animais imaginários provenientes de um universo subconsciente fantasmagórico que ela denomina “Bichos tipográficos aleatórios”. Com essa temática, Fernanda Talavera busca incorporar elementos da cultura urbana ao seu universo artístico, estabelecendo novas categorias conceituais.

Dalva de Magalhães, nascida em São Paulo e, há quase cinco décadas, se dedica à sua arte, sustentando-se por meio dela. Sua técnica envolve o uso de diferentes materiais, como acrílico, guache e óleo, aplicados sobre tela ou madeira. A arte regional e folclórica exerce uma forte influência sobre seu trabalho. Além disso, Dalva de Magalhães é uma maratonista dedicada, residindo na região montanhosa da serra da Bocaina, onde concentra sua preocupação na preservação da natureza e se engaja fervorosamente na luta pelos direitos dos povos indígenas. Sua pintura é caracterizada pela criatividade e atenção aos detalhes, retratando um mundo intimista que reflete seu ambiente ecológico.

Gilvan é Paulo Gilvan Duarte Bezerril, um autodidata em pintura e música, deu início à sua carreira artística em 1964. Sua abordagem única envolvia o uso de uma técnica por ele mesmo inventada, utilizando tinta automotiva e acrílica sobre chapa de eucatex ou, ocasionalmente, chapa de madeira. A arte de Paulo Gilvan Duarte Bezerril é caracteristicamente ingênua, transbordante de alegria, cores vibrantes e atmosferas tropicais. Ele evita fórmulas estereotipadas, retratando desde festas populares rurais até histórias em quadrinhos que narram a vida de Lampião e Maria Bonita.

Ivan Moraes capta com riqueza de detalhes as temáticas mais frequentes de sua obra, inspiradas pela representação dos cultos religiosos afro-brasileiros da Bahia, assim como pelas baianas vestidas com trajes brancos rendados. Sua pintura une a alegria das cores com o mistério da cenografia, onde os personagens são imersos no esplendor da natureza tropical, exibindo trajes festivos e expressões de felicidade. Em seu Dicionário de Pintores Brasileiros de 1997, Walmir Ayala descreveu essa fusão de elementos, destacando a forma como o artista retrata com precisão esses aspectos em sua obra.

Antônio de Olinda, é natural de Olinda, PE, cultivou seu amor pela arte desde a infância, sempre vivendo próximo ao mar na sua amada cidade natal. Sua jornada artística começou com o mamulengo, um popular teatro de bonecos regional. Em 1984, participou de sua primeira exposição coletiva, conquistando também uma premiação no “Salão dos Novos de Pernambuco” e o primeiro lugar no Projeto Lista Telefônica do Estado de Pernambuco, ambos no mesmo ano. Sua arte é marcada pelo uso de cores vibrantes, traços enérgicos e uma abordagem pouco convencional, que busca expressão e irreverência, sem se preocupar excessivamente com a perfeição estética. Essa autenticidade essencial permeia sua obra.

José de Freitas, nascido na década de 1930 – artista já falecido – em Vitória de Santo Antão, PE, posteriormente mudou-se para o Rio de Janeiro durante a década de 1950. Embora tenha dado seus primeiros passos como artista no teatro e na televisão, sua paixão pela pintura começou a se desenvolver paralelamente, ganhando maior atenção a partir de 1964. Desde o início, sua arte tem sido habitada por minúsculas figuras que preenchem toda a dimensão da tela. Seus temas variam desde ilustrações de peças teatrais até representações da Bíblia e do circo, sempre permeados de humor e sensibilidade.

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Espiritualidade na pintura

11/jan

 

A Galeria Evandro Carneiro Arte, Shopping Gávea Trade Center, Rio de Janeiro, RJ, apresenta até 02 de fevereiro a “Exposição JMS – Julio Martins da Silva”. Considerado um dos mais importantes artistas Naïf, a mostra individual exibirá 23 pinturas à óleo do artista niteroiense. Entre os destaques estão as obras “A chegada da família”, “Na praia”, “Barco à espera”, “Jardim com estátua de guerreiro”, “Jardim com casa e riacho” e “Serenata”.

 

Exposição JMS – Julio Martins da Silva

Julio Martins da Silva – JMS, como assinava seus trabalhos – nasceu em 1893, na cidade de Niterói, RJ. De família pobre, era neto de negros escravizados e filho de trabalhador rural. Aos 29 anos, trabalhava como cozinheiro em um hotel, quando começou a pintar “porque tinha aquela inclinação, gostava (…) via os outros desenhando e ficava interessado”, disse em entrevista à Lélia Coelho Frota (1975, p. 39).

Boêmio e devoto, residia no centro do Rio quando conheceu a tinta a óleo e começou a usar sobre papelão, material que encontrava facilmente à sua volta. Apenas ao se aposentar, com 71 anos de idade, Julio passou a viver exclusivamente da pintura e, então, pode aperfeiçoar seu estilo.

O artista tinha predileção pela cor verde, muito representada em seus jardins harmoniosos. Neles, caminhos floridos, animais pacatos e fontes d’água são o cenário perfeito para casais apaixonados e criancinhas felizes, refletindo uma ordem espiritual que ele buscava por meio de sua arte. Tudo em sua obra é delicadeza, apesar de não ter negado a angústia histórica de seu tempo, conforme Lélia (2005, p.268). Favelado e negro, não poderia deixar de notar a marca da desigualdade, mas não a expressava. Transcendia-a ao compor em jardins a espiritualidade de sua fé, a arte como purificação da vida.

Realizou exposições individuais em galerias de São Paulo e Rio de Janeiro, bem como no MNBA – RJ (1975). Participou da Bienal de Veneza em 1978, ano de sua morte e expôs em Washington (EUA) no ano de 1984.

 

Laura Olivieri Carneiro

Janeiro 2023

Visitação: de segunda a sábado, das 10h às 19h.

 

 

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Poteiro em exposição panorâmica

15/dez

 

Exposição sobre Antonio Poteiro reúne trabalhos que contam a trajetória do pintor. O português filho e neto de ceramistas, nascido e criado em olarias, construiu um mundo de mitos e fantasias inspirados em questões sérias e reais, uma mistura cuja dimensão pode ser acompanhada com detalhes em “As matérias vivas de Antonio Poteiro: Barro, cor e poesia”. Em cartaz no Museu Nacional da República, Brasília, DF, a partir de 15 de dezembro, a exposição tem curadoria do também artista Divino Sobral e traz um percurso bastante completo sobre a trajetória do português que era também goiano e ganhou o Brasil com pinturas e esculturas naifs.

Antonio Poteiro morreu há 10 anos. Se estivesse vivo, estaria prestes a completar 97 anos. Pensando nessa trajetória que se estende por praticamente todo o século 20, Divino Sobral foi atrás de obras capazes de sintetizar os percursos do artista e contextualizá-lo em um tempo, em uma região e na própria família. “O grande volume de obras são do Poteiro, mas tem três gerações da família, que são três peças do pai, que era português e chegou ao Brasil um ano depois do nascimento de Poteiro. Ele era de uma família de ceramistas da região de Braga. Para mim, Poteiro carrega no sangue essa herança de arte, embora ele, durante grande parte da vida, não quisesse ser poteiro”, diz o curador.

Fonte: Correio Braziliense

 

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Chico da Silva

11/ago

 

 

Brazilian Mythologies (MitologiasBrasileiras)

 

A Galatea, Jardins, São Paulo, SP, anuncia sua participação na Independent 20th Century, no Battery Maritime Building, NY, dos dias 08 a 11 de setembro. O projeto “Chico da Silva: mitologias brasileiras” é uma exposição monográfica das obras de Chico da Silva (1910, Alto Tejo, Acre – 1985, Fortaleza, Ceará). Francisco Domingos da Silva é um artista brasileiro autodidata e de ascendência indígena, que lida com elementos, imagens e referências das culturas, cosmologias e mitologias indígenas e populares brasileiras.

 

Chico da Silva nasceu cercado pela floresta amazônica na região do Alto Tejo, mas ainda criança mudou-se para o Ceará, no Nordeste do Brasil, passando por algumas cidades do interior até se instalar em Fortaleza em 1935, onde viveu até sua morte. Foi pintando os muros caiados das casas de pescadores da Praia Formosa que começou sua produção artística. Da Silva dava forma e cor a seus desenhos com pedaços de carvão, tijolos, folhas e outros elementos encontrados ao seu redor.

 

Jean-Pierre Chabloz (1910, Lausanne, Suíça – 1984, Fortaleza, Ceará, Brasil), crítico e artista suíço que se mudou para o Brasil em 1940 devido à Segunda Guerra Mundial, viajou para Fortaleza a trabalho em 1943, onde conheceu os desenhos de Chico da Silva em uma visita à praia. Admirado, Chabloz incentivou-o e forneceu-lhe materiais para que se aprofundasse em sua pesquisa artística. Tal encontro teve grande relevância na consolidação e difusão do trabalho de Chico da Silva, abrindo portas para que circulasse nos principais centros urbanos do Brasil, como Rio de Janeiro e São Paulo, e pela Europa, em cidades como Genebra, Neuchâtel, Lausanne e Paris.

 

Em seus guaches e pinturas, Chico da Silva representou sobretudo os seres da floresta, como os pássaros e peixes amazônicos, além de figuras fantasiosas, como dragões. Suas obras dão forma a histórias e mitologias da tradição oral da cultura do Norte do Brasil, em composições marcadas por uma rica policromia e pelo grafismo detalhado do desenho, composto por tramas e linhas coloridas. Acerca do seu universo e de seus procedimentos, Jean-Pierre Chabloz faz as seguintes considerações no texto “Un indien brésilien ré-invente la peinture” (Um indígena* brasileiro reinventa a pintura), originalmente publicado na revista francesa Cahier d’Art, em 1952:

 

“Por toda parte em que os guaches visionários do Pintor da Praia foram expostos, em Fortaleza mesmo, no Rio, em Genebra, em Lausanne, em Lisboa, encontraram-se destes bem-aventurados que souberam ver no maravilhoso universo de Francisco Silva, o índio, o que eu próprio tinha visto. Pois cada um de seus guaches contém e propõe um universo que ultrapassa muito o tema tratado. Lendas amazônicas, lembranças da infância, ritos e práticas mágicas, espetáculos naturais transpostos pela assunção poética, complexos psíquicos individuais e raciais exteriorizados através do símbolo, voluptuosidade (…) de linhas, de movimentos, de cores, formam o fundo extraordinariamente rico e sutil desse universo. Como se podia prever, ele atraiu as atenções mais diversas. Artistas e poetas, críticos de arte e jornalistas, etnógrafos e psicanalistas se entusiasmaram e se entusiasmarão ainda diante destas surpreendentes condensações coloridas em diversos planos, que revelam, em cada um, horizontes novos (…).”

 

Dada a originalidade do seu estilo e de suas composições, destacou-se no contexto da chamada arte popular brasileira e, além de experimentar bastante sucesso comercial em vida, atraiu grande interesse da crítica. Entre as principais exposições que participou, estão: Francisco da Silva, Galerie Pour L’Art, Lausanne, Suíça, em 1950; Exposition d‘Art Primitif et Moderne, Musée d‘Ethnographie, Neuchâtel, Suíça, em 1956; 8 Peintres Naïfs Brésiliens, Galerie Jacques Massol, Paris, France, em 1965; 9ª Bienal Internacional de São Paulo, São Paulo, SP, Brasil, em 1967; Tradição e Ruptura: Síntese de Arte e Cultura Brasileiras, Fundação Bienal de São Paulo, Brasil, em 1984. Além disso, recebeu, em 1966, o prêmio de Menção Honrosa por sua participação na 33ª Bienal de Veneza.

 

Convencido quanto à relevância da obra de Chico da Silva e o quanto ela agrega à arte brasileira, Chabloz projeta, ainda, a recepção que estaria à sua altura: “Agrada-me, às vezes, imaginar Francisco Silva decorando ministérios e palácios do governo, correios e telégrafos, bancos, escolas e ricas casas particulares. Uma vida inteira não seria suficiente. Mas, consagrando a sua vida a esta tarefa, o humilde pintor paradisíaco da praia cearense, através da radiosa proclamação de uma arte (…) autenticamente brasileira, redimiria sozinho seu País da desagradável e involuntária sabotagem que, outrora, privara-o de sua primavera pictórica.”

 

Embora tenha caído em certo esquecimento, por conta dos rumos que tomou ao fim de sua carreira, hoje o trabalho de Chico da Silva vem sendo retomado e atualizado com novas leituras e abordagens. Esse dado acompanha um crescente interesse contemporâneo pela arte produzida por artistas autodidatas, atuantes fora do sistema tradicional das artes, que criaram visões próprias e originais sobre suas culturas e sobre a sociedade em que viveram. Atualmente, seus trabalhos fazem parte de inúmeras coleções públicas, entre elas: Museo del Barrio, Nova York; Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro – MAM Rio; Museu de Arte do Rio de Janeiro – MAR; Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo – MAC USP; e Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand – MASP.

 

Apresentar, discutir e difundir a obra de Chico da Silva sob uma perspectiva contemporânea coloca em debate as diversas matrizes de conhecimento que constituem a cultura e a arte brasileira, escapando das perspectivas tradicionais e eurocêntricas que, por muito tempo, dominaram as narrativas da nossa produção artística e cultural.

 

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* Alguns termos usados no período em que Jean Pierre Chabloz escreveu seu texto caíram em desuso, de modo que os atualizamos para o contexto atual.

Chico da Silva: Brazilian Mythologies [Mitologias brasileiras]

Convidados [Preview]

Quinta-feira, 8 de Setembro | 10h às 20h – horário local

[Thursday, September 8 | 10AM-8PM – local time]

 

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Temas cotidianos de Wilma Ramos

20/maio

 

 

Jacques Ardies exibe em sua galeria, Vila Mariana, São Paulo, SP, e assina a curadoria de uma exposição em tributo a uma artista parceira de muitos anos: “Homenagem a Wilma Ramos”. Composta por 24 telas em acrílico pintadas pela artista no período entre 1981 e 2005, serve como homenagem e agradecimento à lealdade e presença da artista junto a trajetória da galeria desde os seus primórdios em 1979 (Galeria Cravo e Canela). Conhecida e reconhecida como artista naïf, Wilma Ramos criou obras de colorido intenso e figuras com detalhamento minucioso. Mesmo sendo inserida na classificação de uma arte onde a espontaneidade, a criatividade autêntica, o fazer artístico sem escola nem orientação, a artista possui características baseadas na simplificação dos elementos, valorizando a representação de temas cotidianos e manifestações culturais de um povo.

 

 

As obras de Wilma Ramos possuem especificidades, de um colorido vibrante; ela pintava, principalmente com a tinta acrílica, que tem uma luminosidade maior que a tinta óleo; contornava seus personagens, que no geral tinham um aspecto muito comum, parecendo ser da mesma família. Os temas dos oxuns, pescadores trabalhando, feiras livres, colheitas de laranja e cana de açúcar, festas populares – como a do bumba meu boi, os bonecos gigantes, a malhação de Judas, as procissões religiosas e a festa do Divino Espírito Santo, os retratos de imagens sacras, como a incrível Nossa Senhora do Arco-Íris e de São Francisco dormindo na mata brasileira, rodeado de animais e de índios – estão entre os temas preferidos da artista. Foi com a obra “As Baianas” que Wilma Ramos conquistou reconhecimento e sucesso no mundo da Arte Naïf. Elas são únicas, com saia geométrica estampada, que lembra os panos de chita, muito comum na arte popular. Na parte superior, usam uma blusa branca de mangas curtas enfeitadas por colares de contas coloridas e levam na cabeça um pano branco amarrado, típico. O rico universo dos orixás e oxuns tiveram espaço garantido na obra da artista. Nas palavras da artista, em declaração dada em 2007, “Quase tudo que pinto ligo a fauna e a flora. Sou defensora da natureza. Essa é uma forma de dar um alô sobre a necessidade de preservar o meio ambiente.” Não necessariamente o artista naif está isolado dos acontecimentos de sua época e momento cultural. Já em São Paulo, para onde se transfere na década de 1970, através de uma amiga artista, Wilma Ramos tem acesso e contato com artistas do movimento modernista como Di Cavalcanti e Tarsila do Amaral, além de outros grandes expoentes culturais como Manabu Mabe, Takeschi Susuki, Takaoca Fukushima, Alzira Pecarari e Flávio de Carvalho. A arte ingênua de Wilma Ramos se mantém intacta mas, o contato com outras vertentes criativas possibilita influências e opções antes indisponíveis ao pequeno universo pessoal da artista. O curador explica e justifica, com maestria, a mostra: “Wilma Ramos se dedicou a pintura bem cedo, em 1968. Encontrou sua linguagem e manteve-se fiel ao seu estilo particular de se expressar. Rostos redondos, olhos puxados, os seus personagens são inconfundíveis e, na maioria das vezes, parecem formar um grupo de pessoas entrosadas e de boa convivência e isto é totalmente coerente com o seu próprio jeito carismático de se relacionar. Wilma era meiga, doce e sensível. Interessou-se pelos rituais afro-brasileiros do candomblé e pelas festas folclóricas, tão populares Brasil afora e, mais intensamente, na Bahia. Gostava também de interpretar cenas campestres com cores harmoniosas e bem orquestradas que demonstrava seu inabalável otimismo em relação ao dia de amanhã. Após uma estada de 4 anos na Espanha, em 1979, Wilma juntou-se a turma dos artistas que iam apoiar a nova Galeria Cravo e Canela, no Alto da Boa Vista. A partir desse momento passou a aceitar todos os convites para participar de exposições. Recebemos um apoio irrestrito da artista Wilma Ramos e hoje, 43 anos depois, montamos esta exposição para expressar e demonstrar nosso agradecimento”.

 

 

Sobre a galeria

 

 

A Galeria Jacques Ardies, localizada na Vila Mariana, ocupa uma casa antiga completamente restaurada. A galeria, que iniciou suas atividades em agosto de 1979 (Galeria Cravo e Canela), tem por vocação a divulgação e a promoção da arte naïf brasileira. Ao longo de 42 anos, muitas exposições foram realizadas: 120 mostras individuais e mais de 200 coletivas, no seu próprio espaço e também em museus como o MAC de Campinas (SP), MAM de Goiânia (GO), Espace Art 4 de Paris (FRA), Espaço Cultural de FMI em Washington D.C. (USA), Musée International de Arte Naïf Anatole Jakovski em Nice (FRA), Memorial da America Latina em São Paulo (SP), para citar apenas alguns e também em galerias de arte como a Galeria Jacqueline Bricard, em Lourmarin (França), a Galeria Pro Arte Kasper, em Morges (Suíça) e a Gina Gallery em Tel-Aviv (Israel). Em 1998, Jacques Ardies lançou o livro Arte Naïf no Brasil com a colaboração do crítico Geraldo Edson de Andrade e em 2003, publicou o livro sobre a vida e obra do artista pernambucano Ivonaldo, com texto do professor e crítico de arte Jorge Anthonio e Silva. Em 2010, lançou o segundo livro sobre a “Arte Naïf no Brasil” com texto da sua autoria e comentários de 4 amigos também apaixonados por esta arte. Quatro anos depois, em 2014, foi editado este mesmo livro numa versão em francês. A galeria expõe permanentemente quadros e esculturas de 80 artistas selecionados e considerados como representativos do movimento da arte naïf brasileira.

 

 

De 24 de maio a 18 de junho.

 

 

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Tradicional coletiva

06/dez

 

 

A Galeria Jacques Ardies, Vila Mariana, São Paulo, SP, encerra a temporada de 2021 com a “Grande Coletiva de Arte Naïf” que apresenta trabalhos de 13 artistas brasileiros, e propõe um resgate da produção recente no campo da arte popular nacional, destacando temas da vida cotidiana, experiências pessoais, festas, paisagens campestres e urbanas, além da beleza da natureza.

 

A missão da galeria é incentivar a Arte Naïf brasileira; foram convidados os artistas que resistiram ao desanimo e continuaram pintando apesar das malezas e do desconforto causados pela pandemia. “Esses artistas têm em comum a sutileza com que retratam os temas ligados à natureza e ao dia-a-dia. Usando as cores com habilidade, eles transmitem em cada um de seus quadros a alegria, o lirismo e o otimismo característicos do povo brasileiro”, explica Jacques Ardies, curador da mostra.

 

A chamada Arte Naïf é uma expressão artística que surgiu junto com a eclosão da arte moderna. Os artistas naïfs, na maioria das vezes, não fazem questão de seguir as regras da academia e, por meios próprios, criam uma linguagem pessoal, transmitindo suas experiências de vida. Buscam, com determinação, superar eventuais desafios técnicos, propondo um estilo original, sem compromisso com a perspectiva, e executado com total liberdade.

 

“Grande Coletiva de Arte Naïf”

 

Artistas expositores: Ana Denise, Ana Maria Dias, Cristiano Sidoti, Edivaldo, Enzo Ferrara, Helena Coelho, Isabel de Jesus, Lucia Buccini, Mara D. Toledo, Rodolpho Tamanini Netto, Sônia Furtado e Vanice Ayres Leite.

 

Sobre a galeria

 

A Galeria Jacques Ardies, na Vila Mariana, está sediada em imóvel antigo totalmente restaurado. Desde sua abertura em Agosto de 1979, atua na divulgação e a promoção da arte naif brasileira. Ao longo dos últimos 42 anos, realizou inúmeras exposições tanto em seu espaço como em instituições nacionais e estrangeiras, onde podemos destacar MAC/ Campinas, MAM/ Goiânia, Espace Art 4 – Paris, Espaço Cultural do FMI em Washington DC, USA, Galeria Jacqueline Bricard, França, a Galeria Pro Arte Kasper, Suíça e Gina Gallery, Tel-Aviv, Israel. Em 1998, Jacques Ardies lançou o livro Arte Naif no Brasil com a colaboração do crítico Geraldo Edson de Andrade e em 2003, publicou o livro sobre a vida e obra do artista pernambucano Ivonaldo, com texto do professor e crítico de arte Jorge Anthonio e Silva. Em 2014, publicou Arte Naïf no Brasil II, que acaba de ser impresso em língua francesa, com textos de Daniel Achedjian, Peter Rosenwald, Marcos Rodrigues e Jean-Charles Niel. A galeria possui em seu acervo obras, entre quadros e esculturas, de 80 artistas representativos do movimento da Arte Naif brasileira.

 

Até 22 de Dezembro.

 

 

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Pequeno Notável

16/nov

 

 

 

Miman, Minimuseu de Arte Naïf de Paraty, abre as portas no coração do Centro Histórico de Paraty, RJ.

 

Uma joia localizada no Caminho do Ouro, o Mini Museu de Arte Naïf de Paraty, que foi idealizado pelo artista naïf André Cunha, nasce com a proposta de enriquecer ainda mais a cidade detentora do título de Patrimônio da Humanidade da UNESCO. O Miman se instala no mezanino da galeria da qual André Cunha é fundador, juntamente com seu sócio, Pedro Cruz Lima. A partir do dia 20 de novembro, o museu abrigará um acervo permanente formado por obras de menores formatos de 122 artistas naïfs das cinco regiões do país, entre nomes consagrados e recém-chegados, provenientes de coleções particulares e de doações. Todas as telas passaram pela análise e filtro da equipe de curadores experientes no assunto: Jacqueline Finkelstein, museóloga e diretora do MIAN (Museu Internacional de Arte Naif do Brasil, RJ); Augusto Luitgards, doutor em Linguística Aplicada e especialista em História da Arte e Pedro Cruz Lima, publicitário que também participa da curadoria.

 

Vocação para ser uma ponte entre artistas naïfs de todo o Brasil

 

Recebendo os visitantes, um vibrante painel da arte naïf brasileira reúne nomes de longa estrada apresentados lado ao lado com novos talentos, reforçando a vocação de ser um espaço democrático, com a proposta de organizar mostras temáticas e temporárias abertas para artistas de todo o Brasil.

 

“Pretendemos estabelecer contato direto de visitantes nacionais e estrangeiros com uma extensa gama de artistas naïfs brasileiros, estreitando os laços entre público e artistas”, afirma André Cunha, que pretende realizar projetos de formação de novos artistas locais, estabelecendo forte vínculo com a comunidade.

 

O Mini Museu Naïf será aberto gratuitamente ao público e às escolas da região e projetos de educação e arte estão sendo conversados com as Secretarias de Educação e de Cultura de Paraty.

“A ideia é le

 

Miman, Minimuseu de Arte Naïf de Paraty, abre as portas no coração do Centro Histórico de Paraty, RJ.

 

Uma joia localizada no Caminho do Ouro, o Mini Museu de Arte Naïf de Paraty, que foi idealizado pelo artista naïf André Cunha, nasce com a proposta de enriquecer ainda mais a cidade detentora do título de Patrimônio da Humanidade da UNESCO. O Miman se instala no mezanino da galeria da qual André Cunha é fundador, juntamente com seu sócio, Pedro Cruz Lima. A partir do dia 20 de novembro, o museu abrigará um acervo permanente formado por obras de menores formatos de 122 artistas naïfs das cinco regiões do país, entre nomes consagrados e recém-chegados, provenientes de coleções particulares e de doações. Todas as telas passaram pela análise e filtro da equipe de curadores experientes no assunto: Jacqueline Finkelstein, museóloga e diretora do MIAN (Museu Internacional de Arte Naif do Brasil, RJ); Augusto Luitgards, doutor em Linguística Aplicada e especialista em História da Arte e Pedro Cruz Lima, publicitário que também participa da curadoria.

 

Vocação para ser uma ponte entre artistas naïfs de todo o Brasil

 

Recebendo os visitantes, um vibrante painel da arte naïf brasileira reúne nomes de longa estrada apresentados lado ao lado com novos talentos, reforçando a vocação de ser um espaço democrático, com a proposta de organizar mostras temáticas e temporárias abertas para artistas de todo o Brasil.

 

“Pretendemos estabelecer contato direto de visitantes nacionais e estrangeiros com uma extensa gama de artistas naïfs brasileiros, estreitando os laços entre público e artistas”, afirma André Cunha, que pretende realizar projetos de formação de novos artistas locais, estabelecendo forte vínculo com a comunidade.

 

O Mini Museu Naïf será aberto gratuitamente ao público e às escolas da região e projetos de educação e arte estão sendo conversados com as Secretarias de Educação e de Cultura de Paraty.

“A ideia é levar a arte naïf para outros locais da cidade, entrando para o calendário de eventos de Paraty”, conclui Pedro Cruz Lima.

 

Com a palavra, os curadores

 

“Este espaço dedicado à arte naïf brasileira é um convite para que o público desfrute o encantamento produzido por talentosos artífices das cores, verdadeiros guardiões da ampla diversidade cultural brasileira. É possível constatar, com emoção, que pequenos formatos podem acolher grandes expressões, com beleza, colorido e lirismo”.

 

var a arte naïf para outros locais da cidade, entrando para o calendário de eventos de Paraty”, conclui Pedro Cruz Lima.

 

Com a palavra, os curadores

 

“Este espaço dedicado à arte naïf brasileira é um convite para que o público desfrute o encantamento produzido por talentosos artífices das cores, verdadeiros guardiões da ampla diversidade cultural brasileira. É possível constatar, com emoção, que pequenos formatos podem acolher grandes expressões, com beleza, colorido e lirismo”.

 

 

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Coletiva de Arte naïf

11/ago

 

A Galeria BASE, São Paulo, SP, abre a exposição “Eles já estavam aqui”, com curadoria de Paulo Azeco e coordenação artística de Daniel Maranhão, exibindo, aproximadamente, 50 obras. Os trabalhos apresentados possuem um pluralismo de cores e formas, composições e olhares de artistas nativos dos mais distintos cenários brasileiros. “Sem nos atermos às discussões de nomenclaturas da Arte “dita” popular, como ingênua, espontânea, naïf ou não erudita, nos apraz apresentar um conjunto potente, extenso e, sobretudo, plural”, explica Daniel Maranhão.

 

 

Os artistas selecionados

 

 

“são indivíduos cuja criatividade espelha um viver assumido, onde a imaginação reintegra e reinventa os objetos do existir. (…..) O fazer artístico, como processo vital ligado a condição humana, encontra nos artistas dessa exposição seus canais amplificadores, onde a partir da sabedoria e das experiências herdadas, transcendem o ato do simples fazer alcançando o “Sonho”, como na frase de Ferreira Gullar (‘a arte existe porque a realidade não basta… O que eu quero é sonho’)”, define o curador.

 

Foram reunidas obras importantes, entre pinturas e esculturas, de nomes como Agnaldo dos Santos, Artur Pereira, Conceição dos Bruges, Chico da Silva, GTO, José Antônio da Silva, José Bezerra, Lorenzato, Maria Auxiliadora, Mestre Guarany, Mestre Nuca, Mirian, Nino, Nhô Caboclo, Poteiro, Ranchinho, Véio, acrescido de Rubem Valentim, que representam o que há de maior destaque.

 

 

Como um presente adicional ao público, a mostra apresenta um recorte de uma valiosa coleção particular, resultante de décadas de aquisições feitas sob o olhar apurado de seu proprietário, cujo projeto é criar um museu para receber o conjunto completo. Possivelmente, essa será uma das últimas oportunidades de se admirar essas obras antes que elas sejam alocadas no novo espaço.

 

 

Em relação aos artistas da mostra

 

 

“São subversores inconscientes de um padrão tanto de processo quanto de criação e por isso sua potência merece ser vista e pensada como força motriz essencial para a formação de uma identidade cultural verdadeiramente Brasileira”, conclui Paulo Azeco.

 

A Galeria BASE cumpre todos os protocolos sanitários determinados pelas autoridades competentes referentes a COVID 19.

 

 

Até 18 de Setembro.

 

 

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Uma joia naïf 

03/nov

A cidade histórica de Paraty, Rio de Janeiro, RJ, deverá ganhar, em breve, um Mini Museu de Arte Naïf: o MIMAN, será uma joia no Caminho do Ouro. Uma das curadoras do novo espaço será Jacqueline Finkelstein, diretora do Museu Internacional de Arte Naïf (MIAN), que fechou as portas no Cosme Velho, em 2016, e possui um dos maiores acervos do gênero de trabalhos. Completam o time, na curadoria das obras e artistas, o especialista em História da Arte Augusto Luitgards e Pedro Cruz Lima, sócio-fundador e diretor do MIMAN com André Cunha. O museu ficará instalado no centro histórico da cidade e terá como proposta apresentar telas em pequenos formatos, em local intimista, sendo esta a razão do nome. A inauguração está prevista para julho de 2021.

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