Arquivos da Categoria: Design

Palatnik em Porto Alegre

07/jul

A Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, RS, exibe a retrospectiva itinerante do mestre

internacional da arte cinética Abraham Palatnik, com curadoria assinada por Pieter Tjabbes e

Felipe Scovino. “A Reinvenção da Pintura” apresenta 78 obras produzidas entre os anos de

1940 e 2000. A exposição composta por pinturas, desenhos, esculturas, móveis, objetos e

estudos do artista brasileiro conhecido por obras que combinam luz e movimento e, em

muitos caso, utilizam instalações elétricas.

 

“A obra de Palatnik caracteriza-se por uma qualidade inegável: permite não só observar as

passagens do moderno ao contemporâneo, mas também estudar e reconhecer uma das

primeiras associações entre arte e tecnologia no mundo, um diálogo cada vez mais presente a

partir da metade do século XX. Esta exposição ultrapassa os limites da pintura e da escultura

modernas, intenção que o artista manifestou claramente nos Aparelhos cinecromáticos, nos

Objetos cinéticos e em suas pinturas, quando passou a promover experiências que implicam

uma nova consciência do corpo”, pontuam os curadores no texto de abertura do catálogo da

exposição.

 

Segundo os curadores, a singular contribuição de Palatnik para a história da arte não se dá

apenas por sua posição como um dos precursores da chamada arte cinética — caracterizada

pelo uso da energia, presente em motores e luzes —, mas também pela leitura particular que

faz da pintura e em especial pela articulação que promove entre invenção e experimentação:

“Seu lado ‘inventor’ está presente em uma artesania muito particular que o deixa cercado em

seu ateliê por porcas, parafusos e ferramentas construídas por ele mesmo e não pelas tintas,

imagem característica de um pintor. O crítico de arte Mário Pedrosa e o escritor Rubem Braga

já afirmavam, na década de 1950, que Palatnik pintava com a luz”.

 

“Palatnik dinamizou a arte concreta expandindo-a para além de seu campo usual e integrou-a

à vida cotidiana por intermédio do design. Ao longo de sua trajetória, o artista produziu

cadeiras, poltronas, ferramentas, jogos e sofás, entre outros objetos. Sua obra habita o mundo

de distintas maneiras, apontando para uma formação incessante de novas paisagens e leituras

à medida que diminui, desacelera e molda o tempo. Nesta exposição reunimos todos esses

momentos da obra extraordinária de Abraham Palatnik. Uma obra que oferece ao público

experiências marcantes e solicita, em troca, uma entrega total”, concluem os curadores.

 

 

A palavra da curadoria

 

A obra de Abraham Palatnik (1928) caracteriza-se por uma qualidade inegável: permite não só

observar as passagens do moderno ao contemporâneo, mas também estudar e reconhecer

uma das primeiras associações entre arte e tecnologia no mundo, um diálogo cada vez mais

presente a partir da metade do século XX. Esta exposição ultrapassa os limites da pintura e da

escultura modernas, intenção que o artista manifestou claramente nos Aparelhos

Cinecromáticos, nos Objetos Cinéticos e em suas pinturas.

 

A retrospectiva  Abraham Palatnik — A Reinvenção da Pintura começa pelas obras nas quais se

vê a técnica acadêmica com a qual ele romperia no final da década de 1940 para dedicar-se à

arte cinética, caracterizada pelo uso da energia, presente em motores e luzes, com as séries

Aparelhos Cinecromáticos e Objetos Cinéticos.

 

Essa mudança de rumos na produção de Palatnik ocorreu em um momento decisivo para a

arte nacional. Nascia a Bienal de São Paulo, um dos marcos na entrada do país no circuito da

arte internacional. Palatnik participou da Bienal de 1951 com um Aparelho Cinecromático, uma

invenção — tão artesanal quanto engenhosa — de uma pintura feita de luz e movimento.

 

Se os Aparelhos Cinecromáticos criaram uma nova forma de pintar, os Objetos Cinéticos

podem ser vistos como uma renovação na forma de ocupar o espaço. No lugar dos volumes da

escultura, esses aparelhos lúdicos, coloridos e quase sempre motorizados ocupam o espaço

com movimento, aproximando a pesquisa de Palatnik das proposições de Alexander Calder e

Soto. Palatnik foi um dos precursores da arte cinética e da arte concreta. Mas também

dinamizou a arte concreta, expandindo-a para além de seu campo usual, e integrou-a à vida

cotidiana por intermédio do design. O experimentalismo e a organicidade sobrevoam a sua

trajetória — em particular na série de obras que utilizam a madeira como suporte e meio,

aproveitando os desenhos naturais dos veios dos troncos de jacarandá.

 

Na década de 1980, o artista inicia outra pesquisa com cor: a criação de telas com cordas

coladas para dar volume, e novamente a exploração das cores com a tinta. Na série W, o

artista estuda os jogos óticos resultantes do corte (que hoje realiza com laser) e subsequente

reagrupamento de tiras de madeira pintada, técnica que teve origem na série Relevos

Progressivos (feitos com papel cartão) iniciada na década de 1960. Palatnik movimenta as

varetas do ‘quadro fatiado’ no sentido vertical, ‘desenhando’ o futuro trabalho, construindo

um ritmo progressivo da forma, conjugando expansão e dinâmica visual e “explorando o

potencial expressivo de cada material”. A produção de Palatnik, apresentada nesta

retrospectiva em todas as suas facetas, intriga e encanta: suas obras vão construindo uma

narrativa visual marcante e profundamente elaborada sobre os horizontes alargados por ele.

 

 

Até 25 de novembro.

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Rogério Duarte no MAM-Rio

17/jun

O MAM-Rio, Parque do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, através do Edital de Fomento à Cultura Carioca, da Secretaria Municipal de Cultura do Rio de Janeiro, apresenta, a partir do próximo dia 20 de junho, a exposição “Marginália 1”, uma retrospectiva da obra do artista gráfico, músico, compositor e poeta Rogério Duarte, um dos mentores do Tropicalismo. Rogério Duarte criou capas dos principais discos do período tropicalista, e foi parceiro de Gilberto Gil e Caetano Veloso em algumas músicas. Criou ainda cartazes de filmes emblemáticos do Cinema Novo, como “Deus e o Diabo na Terra do Sol”, do diretor Glauber Rocha, de quem era amigo. Produziu também capas para álbuns de artistas da MPB, como Gal Costa, Gilberto Gil e Jorge Ben Jor. Como compositor, fez a trilha de “A Idade da Terra”, filme de Glauber Rocha. A mostra terá cerca de 70 obras, dentre capas de discos, publicações e cartazes, incluindo trabalhos inéditos e objetos pessoais, como notas, esboços, rabiscos, fotos, vídeos, estudos, poemas e pedras, para que o público aprecie de perto o rico universo criativo do artista.

 

 

Em 2009, foi realizada uma grande exposição sobre a obra de Rogério Duarte no The Narrows, na Austrália. A partir disso, outras mostras sobre o trabalho do artista foram realizadas em Frankfurt, na Alemanha, em 2013, e na III Bienal da Bahia, em 2014. A exposição do MAM é uma síntese dessas duas últimas mostras. Para a exposição, que tem curadoria de Manuel Raeder e do próprio artista, com a colaboração de seu filho Diogo Duarte, será reeditado o livro “Marginália 1 – Rogério Duarte” (2ª Edição), que reúne diversos trechos da sua obra literária que, em grande parte, permanece inédita. Além disso, no dia 12 de agosto, haverá o evento especial “Musicúpula”, no qual composições musicais de autoria de Rogério Duarte serão apresentadas em uma escultura poliédrica de alumínio que ele chama de “neodésica”.

 

 

 

 

A palavra do curador do MAM-Rio

 

 

“Desde meados da década de 1960, por suas parcerias definitivas em momentos cruciais das carreiras de Glauber, Oiticica e os tropicalistas, a trajetória de Rogério Duarte vem sendo protagonista em nossa história e, ao mesmo tempo, menos valorizada do que deveria. Indo muito além da experimentação marginal dos anos 1960, o design, a inteligência visual e o vigor plástico de sua obra são uma contribuição definitiva para a história da arte no Brasil”, afirma Luiz Camillo Osorio.

 

 

 

Sobre o artista

 

 

Rogério Duarte nasceu em Ubaíra, interior da Bahia, em 1939. Intelectual multimédia, é artista gráfico, músico, compositor, poeta, tradutor e professor. No início dos anos 1960, ele, sobrinho do sociólogo Anísio Teixeira, é enviado ao Rio de Janeiro para estudar arte industrial, tendo sido aluno de Max Bense (fundador de uma nova estética, de base semiótica e teórico-informacional). Militante político de esquerda nos anos 1960, Rogério Duarte aderiu ao movimento HareKrishna na década seguinte. Nos últimos anos, tem se dedicado à tradução de clássicos da literatura da Índia, à luteria (construção de violões), à geologia, à numismática, ao estudo do xadrez, à literatura, tendo criada prolífica obra, e à música. No disco “Abraçaço” (2014), de Caetano Veloso, está uma das canções inéditas de Rogério Duarte, “Gayana”. Além disso, ele vem, há décadas, se dedicando ao seu projeto rural ecológico no interior da Bahia.

 

 

 

Até de 16 de agosto.

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Op-Art em São Paulo

15/abr

O Museu da Casa Brasileira, instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, Jardim Paulistano, São Paulo, SP, apresenta, até 01 de junho, a exposição “Op-Art – Ilusões do Olhar”, um vasto panorama da optical art, ou arte ótica, e sua influência no Design, Arquitetura, Mobiliário, Moda, Cinema e Publicidade. Com curadoria de Denise Mattar, a mostra foi idealizada pela Fundação Oftalmológica Dr. Rubem Cunha, e tem patrocínio da Allergan do Brasil e Acuvue.

 
“Op-Art – Ilusões do Olhar” é a primeira mostra abrangente, realizada no Brasil, sobre esse movimento, surgido no final da década de 1950. A exposição conta com mais de 200 itens, que estarão divididos em três módulos temáticos: 1. Design gráfico, mobiliário e objetos; 2. Obras de arte; e 3. Moda, cinema e publicidade. A lista de artistas participantes inclui alguns dos mais importantes e expressivos representantes do movimento no Brasil e no exterior, dos concretistas aos contemporâneos, mostrando como, na era digital, a Op-Art voltou a ser uma referência. Estarão em exposição, por exemplo, trabalhos dos designers Alexandre Wollner, Almir Mavignier e Antonio Maluf; dos estilistas: Alceu Penna, Versace, Gareth Pugh, Martha Medeiros e Sandro Barrros; além dos artistas plásticos Abraham Palatnik, Lygia Clark, Hélio Oiticica, Hércules Barsotti, Hermelindo Fiaminghi, Luiz Sacillotto, Angelo Venosa, Hilal Sami Hilal, Julio Le Parc, Victor Vasarely e Carlos Cruz-Diez.

 
Com expografia de Guilherme Isnard, que utilizará efeitos de luz e profundidade para acentuar as características da mostra, OP-Art terá um espaço interno para a Fundação Oftalmológica Rubem Cunha que realizará, durante o período expositivo, a medição da acuidade visual a estudantes atendidos pelo Educativo MCB. “O desconhecimento de problemas visuais é um dos principais elementos responsáveis pela evasão escolar no Brasil”, afirma o Dr. Marcelo Cunha, da Fundação Rubem Cunha. “Dessa forma, a exposição Op-Art – Ilusões do Olhar cria um evento único, associando design, arte e moda a uma causa social”, conclui o médico.

 

 
Conteúdos da exposição por módulos:

 
1: Op-art no Design gráfico, mobiliário e objetos

 
Cartazes originais de Rubem Ludolf, Alexandre Wollner e Antonio Maluf; design gráfico da Tricot-lã, década de 1960, Adolpho Leirner;  cerca de 50 objetos entre pratos, canecas, xícaras, luminárias, mouse-pads, skates, almofadas e relógios de parede de designers brasileiros e estrangeiros; mobiliário de Zanine Caldas, Abraham Palatnik e Julien Pecquart;  exemplos de arquitetura Op-Art no Brasil e no mundo, em projeções; projeto original de Raymundo Colares para pintura em prédio no Rio de Janeiro.

 
2 : Arte

 
Cerca de 30 trabalhos, entre pinturas, esculturas e objetos de artistas brasileiros, pinturas de Lygia Clark, Hélio Oiticica, Aluísio Carvão, Luiz Sacillotto, Mauricio Nogueira Lima, Hércules Barsotti, Hermelindo Fiaminghi, Geraldo de Barros, Lothar Charoux, Ivan Serpa, Ubi Bava, Hilal Sami Hilal, entre outros; esculturas e objetos de Abraham Palatnik, Mary Vieira, Raymundo Colares, Paulo Roberto Leal, Angelo Venosa, entre outros. Artistas estrangeiros: Julio Le Parc, Victor Vasarely, Carlos Cruz-Diez, entre outros.

 
3: Moda, Cinema e Publicidade

 
Vestido de noite de Alceu Penna e Hercules Barsotti, 1960; vestidos criados especialmente para a mostra pelos estilistas Sandro Barros e Martha Medeiros; roupas vintage como capa de chuva em vinil, vestidos curtos, blusa Versace; projeção com fotos de roupas de época e dos desfiles de Givenchy (2010),Louis Vuitton (2013), Mark Jacobs (2013), Gareth Pugh (2014), entre outros; acessórios vintage e contemporâneos: bolsas, óculos, sapatos, lenços etc.; publicidade: Pond’s, Ferrari, Avon, entre outras, apresentados em vídeo;  cinema: “The Responsive Eye”, de Brian de Palma e “Anémic Cinema”, de Marcel Duchamp.

 

 
Sobre a OP-Art

 
A Op-Art surgiu no final da década de 1950, e despontou internacionalmente a partir da exposição “The Responsive Eye”, organizada pelo MoMA, de Nova York, em 1965. Descendente de movimentos como o Suprematismo, Construtivismo e Concretismo, seus trabalhos têm como principais características a repetição de formas simples, o uso do preto e branco, os contrastes de cores vibrantes e as luzes e sombras acentuadas. A ambiguidade entre primeiro plano e fundo gera ilusões de movimento e profundidade. As obras da Op-Art criam um espaço tridimensional, que não existe, mas parece tornar-se real. Tais efeitos despertaram uma nova relação com a obra de arte, exigindo do público uma verdadeira participação.

 

 
Sobre a curadoria

 
Denise Mattar é uma das mais conhecidas e premiadas curadoras do Brasil. Em instituições trabalhou no Museu da Casa Brasileira, SP (1985-1987), MAM-SP (1987-1989) e MAM-RJ (1990-1997). Como curadora independente realizou de 1997 a 2014 mostras retrospectivas de Di Cavalcanti, Flávio de Carvalho (Premio APCA), Ismael Nery (Prêmios APCA e ABCA), Pancetti, Anita Malfatti, Samson Flexor (Prêmio APCA), Frans Krajcberg, Mary Vieira, Maria Tomaselli, Aluísio Carvão, Abelardo Zaluar, Raymundo Colares, Hildebrando de Castro, Norberto Nicola, Aldo Bonadei, Alfredo Volpi, Alberto da Veiga Guignard. E as mostras temáticas (2004/14): “Traço, Humor e Cia”, “O Olhar Modernista de JK”, “O Preço da Sedução”, “O’ Brasil”, “Homo Ludens”, “Nippon”, “Brasília- Síntese das Artes”, “Tékhne” e “Memórias Reveladas”( prêmio ABCA), “Pierre Cardin”, “Mário de Andrade – Cartas do Modernismo”, “Projeto Sombras”, “No Balanço da Rede” e “Duplo Olhar”.

 

 
Sobre a Fundação Dr. Rubem Cunha

 
A Fundação Oftalmológica Dr. Rubem Cunha é uma entidade sem fins lucrativos que tem como objetivo prevenir e tratar doenças oculares da população de baixa renda. Em 2007, foi reconhecida como entidade filantrópica OSCIP, faz parte da associação GIFE e do Instituto Azzi. Os recursos levantados pela Fundação, por meio de eventos socioculturais, subsidiam os custos relacionados aos exames e consultas, proporcionando aos pacientes armações e lentes de óculos, medicamentos e tratamento cirúrgico. A Fundação trabalha com os projetos: Boa Visão, Boa Educação, voltado às crianças em idade escolar; Nosso Olhar, vinculado à APAE, e Senhor Olhar, para a terceira idade, além de projetos especiais como Olhar do Sertão, realizado recentemente no interior de Alagoas. A mostra Op-Art – Ilusões do Olhar comemora os dez anos de trabalho filantrópico prestado a crianças e idosos carentes pela entidade criada pelos Drs. Rosana e Marcelo Cunha.

 

 
Até 31 de maio.

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Projeto Viés

20/mar

A Way Design, Barra, Rio de janeiro, RJ, apresenta o “Projeto Viés”, a primeira linha da coleção 2015. A série é composta por peças inéditas assinadas por premiados designers nacionais contemporâneos como Zanini de Zanini, Ronald Scliar Sasson e Flavio Franco, e ainda nomes marcantes do design, como Aida Boal e o saudoso José Zanini Caldas. Os móveis abusam da madeira catuaba unindo o modernismo e o clássico.

 

De um lado, as formas puras, criadas por ícones criativos das décadas de 50 e 60, que contavam com os recursos nem sempre suficientes da indústria moveleira nacional, ainda em seus primeiros passos. Do outro, uma geração que poderia contar exclusivamente com tecnologia a serviço do móvel, mas que não abre mão da poesia. Com o intuito de reunir tradicionais nomes de diferentes épocas em uma única e exclusiva coleção, nasceu a ideia do projeto, um selo mobiliário assinado, catalogado e carregado de histórias. “Com o Viés, vamos apresentar uma linha de raciocínio, que têm brasilidade em diferentes momentos, como o Zanini Caldas, nos anos 50, e o Ronald Scliar Sasson e o Flavio Franco, na década de 90. Sempre reforçando o contraste de diferentes regiões dessa imensidão que é o Brasil”, completa Zanini de Zanine. A cenografia das lojas é assinada por Beto Consorte.

 

 

A partir de 26 de março.

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Mobiliário brasileiro em NY

12/fev

Depois de Joaquim Tenreiro e Sérgio Rodrigues, a R & Company, galeria de Nova York especializada em mobiliário moderno brasileiro, vai destacar a produção de Lina Bo Bardi e Roberto Burle Marx numa exposição marcada para o final de março.
Não é nenhuma surpresa que reservaram a data para coincidir com a abertura da megamostra “Latin America in Construction”, também marcada para o fim de março, no MoMA, em Nova York. Ou seja, enquanto um dos maiores museus da cidade revê a produção arquitetônica de Bo Bardi e Burle Marx, será possível –para poucos– levar uma dessas peças para casa.

 
Em meio às comemorações do centenário de Bo Bardi, celebrado no fim do ano passado, a exaltação de seu mobiliário, tema de uma mostra na Casa de Vidro, em São Paulo, no ano passado, era a vertente que faltava entre os movimentos de mercado.
Burle Marx, alvo de uma retrospectiva com suas pinturas agora em cartaz na Pinacoteca do Estado, também merece a lembrança no exterior, em especial por sua atuação em projetos icônicos na fase heroica da implantação do modernismo no Brasil.

 

Fonte: Silas Marti (Folha de São Paulo).

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LZ Studio, 3ª edição do LZ Arte

09/set

O multicultural bairro de Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, foi o cenário escolhido por Anny Meisler, Luiz Felipe Burdman e João Ricardo Coutinho como endereço para o seu espaço múltiplo, o LZ Studio. Entre a praia e a Lagoa Rodrigo de Freitas, o casarão de muro colorido recebe, dia 11 de setembro, a terceira edição do LZ Arte, projeto cultural idealizado por Anny Meisler.

 

A mostra conta com a participação de dez artistas cariocas selecionados por Anny Meisler e sua equipe. Entre eles estão pinturas assinadas por Poe, Ani Cuenca, Vitoria Frate, Cela Luz, Carlos Mattos e Pedro Vasconcellos, mais as fotografias de Denise Perez, Guilherme Torres, Heberth Sobral e Paula Klien. As obras poderão ser vistas durante o evento e pelos próximos quatro meses, tempo em que a exposição continuará em cartaz. O coletivo Pablo A Tribo, promete não deixar ninguém parado com seu rock maracatu, que se funde às mensagens do rap declamado. Com poesias e músicas autorais, Pablo A Tribo, leva na palavra e nos atos a ideologia dos valores simples.

 

Nesta edição do projeto, ainda será lançada a Revista Wish Casa, especial Rio de Janeiro. A publicação do mês de setembro será toda dedicada à cidade e terá novidades inéditas.

 

 

Sobre o LZ Studio

 

Sob o comando de Anny Burdman Meisler, a LZ Studio abriu as portas em outubro de 2012. Trabalha com exclusividade no Rio de Janeiro, produtos Diesel, Moroso, Flou, Droog, Alessi, Pedrali, Flos, Seletti, Muuto, Fatboy, Maurício Arruda, Surface Project, Maneco Quinderé, Adriana Barra, Zanini de Zanine entre outros, de um mix que chega a duas mil peças. O projeto do espaço é assinado por André Piva, um imóvel de 400 m² datado de 1938, organizado em 17 ambientes.

 

 

A partir de 11 de setembro.

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Rodrigo Edelstein em projeto autoral

12/ago

O GRIS Escritório de Arte, Pinheiros, São Paulo, SP, em parceria com o designer Rodrigo Edelstein, expõe o projeto “Conversa Forjada”, composto por 12 trabalhos sobre papel e 8 peças de design. Com curadoria de Paulo Azeco, esta é a primeira exposição individual da galeria, com sua recente inclusão no circuito cultural paulistano, com uma ação dirigida à busca de novos caminhos de disseminação de arte.

 

Como designer de mobiliário, o trabalho de Rodrigo Edelstein é marcado pelo uso de aço, com peças de estilo industrial e acento brutalista. Em “Conversa Forjada”, sua pesquisa se estabelece no universo das artes plásticas, com um trabalho autoral sobre papel de algodão, utilizando aquarela, nanquim, e caneta BIC. O artista imagina um diálogo seco e curto entre duas pessoas por meio de palavras e símbolos, como assertivamente descreve o filósofo francês Gilles Lipovetsky a respeito da sociedade “hipermoderna”. Porém, o diálogo aqui também é estético, encontra a herança concreta brasileira, e carrega forte interação com seu design e seus materiais do uso cotidiano.

 

O projeto será montado junto a uma retrospectiva de peças do designer, com itens de acervo e objetos de inspiração, no intuito de possibilitar ao expectador uma visita ao universo do artista e a melhor interpretação de seu pensamento criativo.

 

 

 

De 16 de agosto a 20 de setembro.

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Modernos / contemporâneos: design brasileiro de móveis

28/jul

A nova exposição da galeria Bolsa de Arte, Jardins, São Paulo, SP, “Modernos/Contemporâneos: design brasileiro de móveis”, exibe peças de alguns dos nomes mais expressivos do design nacional. Com curadoria de Alberto Vincente e Marcelo Vasconcellos, sócios da Galeria Memo, a exposição traz cerca de 50 criações, assinadas por artistas das décadas de 1940, 1950 e 1960, mas também de nomes contemporâneos.

 

O critério que norteia a mostra é o caráter pouco óbvio do que será apresentado neste panorama. A exposição traz cerca de 50 criações que dialogam naturalmente com o mercado de arte. A ideia é fazer um contraponto entre itens vintage e novos, ressaltando a essência do que torna cada peça atemporal, mas extinguido qualquer seqüência cronológica na apresentação. Entre os destaques ressalte-se, por exemplo, a cadeira “Três Pés”, de Joaquim Tenreiro, mas também lançamentos como a série “Palafitas” de Brunno Jahara.

 

Entre os contemporâneos está um banco de Zanini de Zanine e peças pouco vistas, como a mesa lateral da série “Desconfortáveis”, dos irmãos Campana, a mesa “Metro” de Carol Gay, a cadeira “Cuica” de Carlos Motta e a mesa “Cone”, de Nido Campolongo, todos de tiragens limitadas. Peças do acervo particular de Aida Boal, uma rara cômoda da fábrica Cimo, um lustre de três andares, assinado por Joaquim Tenreiro, a “Easy Chair vintage”, de Oscar Niemeyer, e a poltrona “Revisteiro”, de Zanine Caldas também poderão ser apreciados na exibição.

 

 

Sobre as duas fases

 

O design de móveis teve uma época áurea no Brasil entre as décadas de 1940 e 1960, com grandes criadores, guiados quase sempre por uma estética alinhada com a arquitetura modernista. Além de peças que ficaram para a história, um grande legado do movimento foi a introdução de aspectos de brasilidade na produção moveleira nacional, contrapondo-se à cultura copista que se impunha até então. Hoje, a atividade vive novamente um momento de efervescência no País. Não se pode falar em movimento, talvez não caiba pensarmos em uma geração (apenas). A diversidade expressiva e do perfil de seus criadores é a marca do design brasileiro de móveis contemporâneos, que hoje ganha o mundo, revivendo com características tão distintas

 

o reconhecimento conquistado há décadas pelos designers brasileiros modernos. Entre
os expoentes de agora, há herdeiros do modernismo, gente da marcenaria, artistas ecléticos, designers próximos da arte contemporânea, outros embrenhados na cultura popular. Madeira, metais, plástico, acrílico, tecidos e revestimentos sintéticos fazem parte deste amplo universo, em processos artesanais e industriais.

 

 

Sobre a curadoria

 

Albert Vicente e Marcelo Vasconcellos são sócios da Galeria MeMo (Mercado Moderno), especializada em design, no corredor cultural do Rio de Janeiro. Entre as ações de divulgação do design em que estão envolvidos nos últimos anos, estão a organização dos livros Móvel Brasileiro Moderno (Aeroplano/FGV) e Design brasileiro de móveis: cadeiras, poltronas, bancos (Olhares), a curadoria das mostras  Hiperbólico – Jahara 10 anos, Isto é uma mesa e Do moderno ao contemporâneo, todas no Museu Histórico Nacional. Além disso, a produção de mostras de Sergio Rodrigues, Fernando Mendes, Rodrigo Calixto e Zanini de Zanine na própria galeria e em espaços como a Casa Electrolux e o Museu Oscar Niemeyer, entre 2012 e 2014. A MeMo foi o único espaço dedicado ao design na América Latina a sair publicada por três anos consecutivos na revista WallPaper, guia de viagem para turistas antenados.

 

 

Sobre a Bolsa de Arte

 

Criada em 1971, a Galeria Bolsa de Arte tem sido um importante agente propulsor do mercado de arte nacional, especialmente no segmento de leilões de arte moderna e contemporânea. Em 1999, lança a edição bilíngue do livro “Joaquim Tenreiro – o mestre da Madeira” com exposição retrospectiva na Pinacoteca do Estado de São Paulo, sob a curadoria da arquiteta Janete Costa, antecipando a revalorização do móvel moderno brasileiro, observada na última década. Com escritórios em São Paulo e Rio de Janeiro, a Galeria foi pioneira, em 2008, quando promoveu um leilão com peças de design.

 

 

Até 04 de agosto.

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Sem Medo de Ser Kitsch

07/jul

A exposição “Com o Rio da Cabeça aos Pés – Sem Medo de ser Kitsch” traz a pesquisa e a curadoria da designer e historiadora Isabella Perrotta para o Centro Carioca de Design – Instituto Rio Patrimônio da Humanidade, Praça Tiradentes, Centro, Rio de Janeiro, RJ.

 

A mostra conta a evolução do souvenir do Rio a partir dos primeiros álbuns de lembranças do século 19 (litografias), passando pelas faianças, porcelanas e vidros produzidos na Europa até os anos 1920, as bandejas de asas de borboleta (a partir dos anos 1930), as caixas de marchetaria (a partir dos anos 1950), os artefatos de pedras semi-preciosas, a mistura de remissões ao Brasil exótico, até a explosão de produtos tão diversificados e banais quanto os de qualquer outra cidade turística do mundo. E também a tatuagem aparece no repertório de lembranças da cidade. Como os artefatos que reproduzem imagens do Rio, originalmente concebidos como souvenirs de viagem para turistas, estão hoje incorporados ao gosto do carioca e são produzidos por marcas descoladas

 

Entre os expositores, estão artistas, designers e marcas contemporâneas como Chicô Gouveia, Francesca Romana Diana, Gilson Martins, Papel Craft, Limits e Sobral.

 

 

As possibilidades plásticas do souvenir

 

A exposição é dividida em três segmentos de conteúdo, que se relacionam entre si. O primeiro perpassa a história do souvenir do Rio, a partir dos álbuns de lembranças do século 19, com textos sucintos e fotos de vários momentos históricos, pertencentes a acervos públicos e de colecionadores particulares.
O segundo é um ensaio fotográfico, encomendado ao fotógrafo Beto Felício, que lança um olhar aguçado sobre a relação dos usuários (nativos e estrangeiros) com os ícones cariocas que vestem – seja através de artefatos ou até mesmo de tatuagens. E também sobre seus pontos de venda (de ambulantes a lojas de grife).
O terceiro reúne trabalhos de artistas e designers contemporâneos que produzem objetos com temáticas da cidade – roupas, jóias, bijuterias ou produtos utilitário-decorativos – que costumam agradar tanto a turistas quanto a cariocas.

 

 

Sobre a curadora

 

Designer formada pela ESDI-UERJ, com doutorado em história pela FGV, é professora e pesquisadora.da Escola Superior de Propaganda e Marketing – ESPM. Como designer gráfica, dirige a Hybris Design, cujos projetos são focados na área cultural: design de livros, programas de concertos, balé e ópera (principalmente para o Theatro Municipal), além de projetos de exposições. É especialista na representação do Rio de Janeiro, e autora de livros e palestras sobre o tema.

 

 

Designers e marcas participantes

 

Ana Paula Castro: Designer e artista plástica com formação no Rio e na Itália. Seu trabalho é fundamentado na tradição do trabalho manual, com temas sobre a natureza. Utiliza materiais de baixo impacto ambiental como aço e madeira de reflorestamento.

 

Beatriz Lamanna: Designer e ilustradora, trabalha para a Vista Alegre Atlantis, empresa portuguesa centenária no ramo de louças finas.É Master em Design Textil e Superficies no IED de Madrid.

 

Chicô Gouvêa – Olhar o Brasil: Nascida da parceria entre Chicô Gouveia, o carioquíssima arquiteto carioca, e Paulo Reis, cria projetos de ambientação e uma grande variedade de móveis e objetos de decoração, além de investir em atividades culturais.

 

Cristina Dias: Artista plástica, designer, artesã de e utilitários. Já participou de exposições e eventos com o tema dos ícones do Rio, inclusive, a Vitrine do Panorama Carioca, na exposição Rio+Design, Milão 2009.

 

Francesca Romana Diana: Já desenhava peças em seu atelier em Roma, quando decidiu mudar-se para o Brasil, que lhe ofereceu as mais belas pedras naturais, sua matéria prima favorita. É uma das mais conhecidas designers de jóias do país.

 

Gilson Martins: O designer começou a fornecer bolsas para as melhores marcas do Rio, mas foi em 1990 que seu trabalho passou a percorrer um caminho além da moda. Acabou fazendo de suas bolsas obras de arte.

 

Henrique Mattos e David Duarte: Os tatoos vão mostrar as tatuagems com imagens do Rio de Janeiro.

 

Kakau Höfke: Através de cores alegres e animadas, ela vem transmitindo desde 2007 a aura carioca em quadros, almofadas, cangas, estátuas, camisas e qualquer outro suporte que possa encontrar pela frente.

 

Lili Kessler – La Modiste: Estúdio de criação multidisciplinar que atua em vários segmentos como moda, estamparia, cenografia, design de ambientes, desenvolvimento de produtos, identidade visual e arte. Suas estampas do Rio (para móveis e vestuário) partem de fotografias da orla da cidade.

 

Limits: Desde 2001, ano em que surgiu, possui uma forte identidade urbana e jovem.  Trazendo a essência carioca de suas raízes, a marca tem estilo próprio, utiliza cores quentes, leveza nos tecidos e foca no meio ambiente.

 

Papel Craft: Criada em 1994, com a ideia de desenvolver produtos diferenciados, tornou-se referência no segmento de papelaria. Uma boutique de papel com objetos de design. Qualidade, humor, modelos e padronagens são o ponto forte da marca. Desde 2007, utiliza-se de temas cariocas em suas padronagens.

 

Use Huck: Parceria da grife carioca Reserva com o apresentador Luciano Huck, a marca estreou em outubro de 2011. As camisetas ganham a cada semana uma estampa diferente. A carioquice aparece em grírias e na representação da sua irreverência.

 

Ressurgir: A Ong, que criou peças exclusivas para a exposição, transforma produtos e tecidos doados, desenvolvendo uma linha que caracteriza-se pelo uso de patchwork e pintura a mão.

 

Sandra Gullino: Designer e origamista, tem trabalhos publicados na Alemanha, Itália, Estados Unidos, França, Chile, Colômbia e Ucrânia, além de peças de cenários e programas para a TV Globo. Produziu peças de origami exclusivas para a exposição e vai ministrar duas oficinas durante o evento.

 

Sobral: Carlos Alberto Sobral começou a vender colares e acessórios de resina nos anos 70 na feira hippie em Ipanema. Hoje, tem vários pontos de venda espalhados pelo Brasil e ganhou prêmio em Paris, concorrendo com mais de 600 expositores.

 

Terravixta: Cariocas apaixonadas pelo Rio, criaram mini esculturas de madeira para montar, onde cada peça narra um fragmento da vida de um dos nossos monumentos históricos.

 

Zeppelin Artes: As criações exclusivas de design em pop art renovam o jeito de olhar a cidade, e são estampadas em vários artigos – de  t-shirts a  objetos essenciais para o dia a dia de casa.

 

 

De 15 de julho a 30 de agosto.

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O design italiano em exibição no Rio

27/maio

Istituto Europeo di Design faz a inauguração oficial de sua sede no Rio de janeiro, no local onde funcionou o Cassino da Urca (hoje restaurado), e recebe para a exposição de móveis e luminárias da coleção da Fondazione Sartirana Arte, de Pavia, Itália. A curadoria é de Giorgio Forni, presidente da Fondazione Sartirana Arte. A produção é do Istituto Italiano di Cultura.  A mostra, denominada “Protagonistas do Design Italiano”, apresenta mais de 100 peças marca a inauguração oficial do IED Rio, prestando uma homenagem especial a Giotto Stoppino, um dos mais importantes designers italianos, falecido em 2011. Stoppino foi o ícone do dressing home design dos anos 1960 e 1970, e é o criador de 21 obras que compõem a exposição, sendo três delas suas peças emblemáticas: as cadeiras “Alessia” e “Maia” e o sofá “Cavour”. A curadoria é de Giorgio Forni, presidente da Fondazione Sartirana Arte.  “Protagonistas do Design Italiano” reúne criações de Gancarlo Zompi, Enzo Catellani, Marco Lodola, Ferruccio Laviani, Marcelo Pirro, Vico Magistretti, Castigioni & Frattini e Philippe Starck. Estão também na mostra móveis e luminárias desenvolvidos pelas empresas Zanotta, Poggi e Kartell.

 

 

Criatividade e inovação

 

A exposição destaca a excelência do design, como a indústria do móvel optou por peças criativas e inovadoras para mobiliar casas. São dois grandes pensamentos que estão na mostra: a produção da região da Lombardia, de que participaram arquitetos e pesquisadores criativos, e a da Toscana, com escultores que fizeram móveis, diluindo, em meados do século 20, as fronteiras entre arte e design.  Milão, capital do design italiano, tem sua síntese em seu Salão do Móvel (Salonedel Mobile) evento anual, realizado entre março e abril, que apresenta as criações de uma rede, única no mundo, de empresas que desenham e produzem o melhor dos móveis. O design italiano é principalmente reconhecido por ter empresas tradicionais, muito ativas há mais de um século, famosas por sua estreita simbiose entre a excelência no rendimento, a tecnologia industrial e a qualidade dos materiais, muitas vezes incomuns, aliadas à inovação criativa dos arquitetos. O resultado dessa cultura de design tem se convertido em um modelo para toda a indústria internacional. Esta busca de excelência estará na exposição, que vai refletir a filosofia do design italiano, o de impressionar e seduzir o espectador com formas inesperadas com as quais são definidas, de maneira única, as funções de um objeto de uso comum: uma cadeira, uma mesa, um sofá, uma cama, uma fonte de luz… Eficiência e comodidade devem ser garantidas, mas com o valor agregado de uma nova estética, que capture e acenda o desejo naqueles que poderão usá-los.

 

 

 

Sobre o designer homenageado

 

Giotto Stoppino (1926 – 2011), o designer homenageado na mostra “Protagonistas do Design Italiano”, foi um revolucionário do design nas décadas de 1960 e 1970, participou em várias edições da Trienal de Milão, e exibiu suas obras na Itália e no exterior. As cadeiras de Giotto Stoppino que estarão na exposição irão destacar para o público um aspecto notável da atividade de projetos deste autor que marcou, de maneira decisiva, a história do desenho da decoração deste último meio século. “Esta exposição foi concebida a partir da maneira de vestir e de enfeitar as casas onde moram os italianos”, afirma Giorgio Forni, curador e presidente da Fondazione Sartirana Arte . “Escolhemos como recorte da Coleção o melhor do melhor, a ponta do iceberg, pode-se dizer”, conclui.

 

 

De 27 de maio  a 29 de junho.

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