AGENDA CULTURAL

Cinco artistas na Pinakotheke São Paulo

20/jun

A Pinakotheke, Morumbi, São Paulo, SP, convida para a abertura da exposição “Monumental – Angelo Venosa, Beatriz Milhazes, Jorge Guinle, Leda Catunda e Luiz Zerbini”, no dia de 22 de junho de 2024, às 11h. Com curadoria de Max Perlingeiro, a exposição apresenta obras que exploram o conceito de monumentalidade, desses artistas expoentes da Geração 80, no momento em que se celebra os quarenta anos da icônica mostra realizada na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro, “Como vai você, Geração 80?”, com curadoria de Marcus Lontra, Sandra Magger e Paulo Roberto Leal. “Esses artistas buscaram transcender as fronteiras físicas e conceituais dos trabalhos para criar impacto e desafiar o público”, afirma Camila Perlingeiro, diretora editorial da Pinakotheke.

“A produção de obras de arte de grandes formatos na cena artística brasileira contemporânea é reflexo de uma expressão única da identidade cultural do país. Artistas brasileiros têm explorado a monumentalidade como uma forma de transmitir narrativas tanto quanto provocar reflexões sobre questões sociais, políticas e ambientais. Através de esculturas, instalações, pinturas murais e intervenções urbanas, a arte brasileira em grande escala ressoa com o público e transforma o espaço”, afirma Camila Perlingeiro no texto que acompanha a exposição.

As análise de Camila Perlingeiro

Na exposição, o destaque é “Catilina” (2019), obra tridimensional de Angelo Venosa (1954-2022), em madeira, tecido e fibra de vidro, medindo 305cmx372cm x372cm, uma grande ampulheta sustentada sobre três pernas de madeira. Do centro da escultura, coberta por fibra de vidro, a areia desce em direção ao solo, “uma metáfora para a precariedade da memória”, como assinala Camila Perlingeiro. Sobre este trabalho, o artista disse: “O tempo é assim. Ou está na frente, ou atrás. A gente só o percebe como armadilha, ou reflexão”. No texto que acompanhou a exposição “Catilina”, no Paço Imperial, Rio de Janeiro, em 2019, quando a obra foi apresentada, a crítica Daniela Name citou a famosa frase “Quousque tandem abutere, Catilina, patientia nostra?”, a pergunta de Cícero, “grande filósofo e orador romano, em 63 a.C, em um de seus discursos dirigidos contra Lucius Sergius Catilina, político corrupto e sanguinário que dedicou a vida a tentar destruir a República”. “Quão longe você vai abusar da nossa paciência, Catilina?”, a tradução culta da frase, ou como preferia Angelo Venosa: “Até quando você vai encher o nosso saco?”. “Essa ambiguidade de tempos e processos é muito forte em “Catilina”, que nos fala de ruína, de um mundo ameaçado, mas também de gênese, daquilo que ainda pode vir”, escreveu Daniela Name.

De Beatriz Milhazes (1960), a pintura “Tonga II” (1992), acrílica sobre tela, com 160cmx160cm90), “é um exemplo de como a artista se utiliza das sobreposições e formas circulares, além da exuberância gráfica e cromática”.

“Sexta-feira” (1985), em óleo sobre tela com 189cm x 340cm, de Jorge Guinle (1947-1987), “apresenta uma vontade ordenadora, com áreas bem delineadas, contornos definidos, e recortes de estampas que têm relação com planos de fundo de obras de artistas como Paul Klee ou Bram van Velde”.

Leda Catunda (1961) esgarça os limites da arte investindo em materiais como tecido ou plástico e superfícies ora vazadas, ora volumosas. “Rio Comprido” (2009), obra tridimensional em tinta acrílica, plástico e tela, medindo 420cmx310 cm, “é parte do processo de amadurecimento de sua produção”.

Luiz Zerbini (1959), artista que trabalha com diferentes suportes – pinturas, esculturas e instalações, entre outros – se utiliza de camadas de imagens da flora tropical e referências à história da arte e à cultura pop em sua obra “The Railway Surfer and the Ghost Train” (1990), pintura em óleo sobre tela com 140cmx290 cm, “um experimento entre o uso do espaço pictórico e de cores luminosas e vibrantes”, diz Camila Perlingeiro.

De 22 de Junho a 20 de Julho.

Galatea com Miguel dos Santos na 3ª edição da ArPa

19/jun

A Galatea anuncia sua participação na 3ª edição da ArPa, entre os dias 26 e 30 de junho no Mercado Livre Arena Pacaembu, São Paulo, em continuidade à proposta de trazer artistas de fora do eixo do Sudeste para a feira, apresentando um projeto solo de pinturas e esculturas do artista Miguel dos Santos (Caruaru, PE, 1944), representado pela galeria.

A seleção traz dezoito obras históricas produzidas entre 1968 e meados da década de 1980, permitindo acompanhar o desenvolvimento das características formais e simbólicas decisivas na consolidação do corpo de trabalho de Miguel dos Santos. Entre as pinturas “São Miguel” (1968), dotada de um estilo que se alinha às propostas do Movimento Armorial do qual fez parte, e “Um neto de Aleijadinho” (1977), produzida no mesmo ano em que participou do Second World Black and African Festival of Arts and Culture – FESTAC ’77 (Lagos, Nigéria), onde a depuração dos seus traços e composições resultaram em figuras de caráter inconfundível. Como fio condutor entre as obras, há a combinação de referências da cultura popular do Nordeste, das mitologias dos povos originários das Américas e da arte iorubá trazida pelos povos da África.

A Galatea ocupará o estande U7 do setor UNI, organizado sob a curadoria de Germano Dushá e Benedicta M. Badia, que reúne projetos com artistas da América Latina e Caribe que exploram o mistério da vida por diferentes meios. A seleção traz artistas que, em seus diferentes contextos e práticas, sintetizam ou reelaboram questões terrenas a partir de dimensões espirituais, imaginação e pensamento especulativo. Seus trabalhos, entre o corpóreo e o etéreo, reverberam visões cosmológicas, imaginários coletivos, tensões contemporâneas e futuros povoados por forças ancestrais e fenômenos inefáveis. É nesse encontro da espiritualidade com a materialidade cotidiana que dinâmicas críticas à colonização e à modernidade se transmutam em caminhos para a potência da vida.

Dois artistas na Galatea Salvador

18/jun

A Galatea Salvador anuncia sua segunda exposição, intitulada “Bahia afrofuturista: Bauer Sá e Gilberto Filho”. A mostra se estrutura em dois núcleos distintos: no primeiro, fotografias de Bauer Sá (1950, Salvador, BA), produzidas entre os anos 1990 e 2000, exploram a potência da ancestralidade afro-brasileira através de figurações do corpo negro representado como protagonista da cena; no segundo, esculturas em madeira que retratam cidades utópicas e modernas imaginadas por Gilberto Filho (1953, Cachoeira, BA) se reúnem pela primeira vez de forma tão ampla em uma exposição, com obras produzidas desde 1992 até o momento atual.

Este diálogo entre os trabalhos dos artistas baianos cria uma rica narrativa visual, conectando ancestralidade e fabulação em torno de futuros possíveis. A exposição conta também com texto crítico do artista e curador Ayrson Heráclito, reconhecido por abordar símbolos e tradições vinculados à cultura afro-brasileira em sua obra, e Beto Heráclito, escritor e historiador.

Com abertura em 04 de Julho e duração até 28 de Setembro.

Waltercio Caldas em BH

14/jun

A individual “Mero Espaço”, de Waltercio Caldas, acaba de chegar à Albuquerque Contemporânea, em Belo Horizonte.

“Não há melancolia, há desconcerto” diz Luiz Camillo Osorio, referindo-se às obras recentes de Waltercio Caldas. Nos trabalhos do artista, as noções de tempo e espaço são exploradas com linguagem e rigor formal próprios. Diversas obras, diante da perspectiva tridimensional, exaltam a temporalidade, sugerindo movimentos e deslocamentos no espaço e provocando tensões, outra marca de seu percurso artístico.

Nesta mostra, Waltercio Caldas descarta as noções de desenho, pintura, escultura e objeto. Para ele, todos os trabalhos têm caráter tridimensional e convidam o espectador a estabelecer as relações entre os objetos: “A exposição só acontece se você estiver fisicamente, ela não se reproduz, ela não se transforma em imagem de vídeo ou celular. Ela propõe uma relação física das pessoas com os objetos que elas vão ver”, explica.

“Mero Espaço” descarta a ideia de “produção mais recente do artista” e apresenta mais de cinco décadas de trabalho de Waltercio Caldas. De acordo com o artista, a mostra não é o fim do trabalho, mas característica fundamental da própria obra.

Na Raquel Arnaud SP

A Galeria Raquel Arnaud, Vila Madalena, São Paulo, SP, apresenta até 10 de Agosto, duas exposições com jovens expoentes da arte contemporânea brasileira. Trata-se da exibição coletiva “Em Mãos” que promove um diálogo entre seis artistas, com curadoria de Ana Roman e Marina Schiesari. Já “Deslocamentos”, é a nova mostra individual de Frida Baranek, com curadoria de Ana Carolina Ralston. As mostras dão continuidade ao legado de renovação estética buscada por Raquel Arnaud ao longo de décadas.

Parte da programação dos 50 anos da instituição paulistana, “Em Mãos” mostra 30 obras de seis jovens artistas contemporâneos. A proposta é trazer um diálogo entre as obras de artistas representados pela galeria – Carla Chaim, Carlos Nunes e João Trevisan – e convidadas: Ana Takenaka, iah bahia e Nathalie Ventura.

“O gesto e sua interação com os jogos de aparição e desaparecimento na esfera dos objetos e das formas são explorados por estes artistas participantes, que, por meio de diversas abordagens, dedicam-se a transformações: elementos visuais e literários surgem para logo se dissolverem”, destaca a curadora Ana Roman. Entre os temas, destacam-se a representação do tempo no mundo contemporâneo veloz, assim como as questões ambientais e experimentações de cor, luz e sombras.

Com três pinturas a óleo, João Trevisan evoca lugares introspectivos realizando uma jornada interior. Depois do sucesso da individual “O Dorso do Tigre”, no início de 2024, o artista apresenta um recorte de seu universo silencioso com “Em Mãos”. Seus trabalhos noturnos mostram a interação entre a tinta a óleo e a porosidade do linho, evidenciando as camadas de tinta que dão densidade às atmosferas. Uma busca pelo sublime pode ser vista em pinturas como “Sinto o Suor Escorrer”. João Trevisan reflete sobre o vazio, o tempo e a luz, convidando o espectador ao meditativo.

“Em mãos” também mostra uma artista dedicada à experimentação: Carla Chaim, que aborda o desenho em uma variedade de formas, incluindo mídias virtuais, tridimensionais e instalativas. Os trabalhos de Carla Chaim revelam o próprio processo de criação, unindo elementos dicotômicos como regras estritas e movimentos físicos naturais.

Já iah bahia apresenta uma intrigante interação entre corpos moles e o espaço, evocando figuras de Lygia Clark e dos neoconcretos. Sua habilidade em alojar esses corpos suspensos evoca também figuras fantasmas, elevando a forma invisível para uma atmosfera volumosa, caso da obra da série “outras frequências”, em papel pardo. “iah bahia forma um gesto quase mágico, encantado”, pontua a curadora.

Buscando inspiração nas pequenas coisas do cotidiano, como objetos simples e a luz, Carlos Nunes revela os processos de esgotamento da matéria. Ele estabelece procedimentos para testar hipóteses sobre a criação do universo, como na obra “Big Bang”. Em “Em Mãos” ele mostra o impacto da luz solar através dos papéis manteiga coloridos, evocando práticas elementares da física em suas obras. Este flerte com o mundo natural também pode ser visto na obra de Nathalie Ventura, que faz justaposições entre ferro e rocha, e explora a turmalina e o carvão. A artista constrói pequenas paisagens com elementos distintos, matérias faturadas para pensar o antropoceno. “Nathalie Ventura dialoga com a discussão ambiental, tema onipresente e urgente”, coloca Ana Roman.

O filosofo francês Jean-Luc Nancy dizia que todas as coisas do mundo podem se encostar, mas elas não se encostam, pois sempre existe um espaço entre elas: inbetween. E é neste lugar, inbetween, que reside o trabalho de Ana Takenaka. Em processos manuais sobre matérias muito delicadas, como o papel japonês, a artista desenvolve gravuras que vão se tornando outra coisa, em um pensamento muito aproximado ao de Mira Schendel, que é uma referência, mas, ao mesmo tempo, a especificidade do trabalho de Ana Takenaka é de não ocupar totalmente a superfície pictórica. Ao preencher o desenho em lugares específicos, a artista explora o espaço entre a superfície que ela se apropria enquanto desenho e a superfície vazia. O trabalho dela recai sobre esse lugar de pensar os espaços “entre”. Como destaca Ana Roman, “Nesta exposição propomos investigar o lugar do gesto e a sua importância e posição dentro da arte. E no trabalho da Ana Takenaka isso se coloca de uma forma muito presente e visível”.

A exposição “Em Mãos” não apenas destaca a diversidade e a inovação características da Galeria Raquel Arnaud, como também traz ao público discussões contemporâneas, políticas e ecológicas que pautam artistas emergentes. Com obras que variam de escultura e instalação a trabalhos em papel e pinturas a óleo, o diálogo temático construído entre os seis jovens artistas transpassa as barreiras das limitações estruturais e materiais.

Já a individual da artista carioca radicada em Portugal Frida Baranek é uma ode ao movimento. “Deslocamentos”, o título da exposição, nomeia também duas esculturas inéditas da mostra, em que a artista trabalha com acrílico e madeira. “É a primeira vez que a artista mostra este estudo tridimensional na galeria”, ressalta a curadora Ana Carolina Ralston. Frida Baranek é uma artista que vem trabalhando com escultura, – tendo estabelecido uma relação formal entre essas técnicas. Em sua obra, Frida Baranek utiliza materiais industriais, como ferro e aço, em contraste com elementos naturais, como pedra e madeira, revelando a contradição entre a impessoalidade da matéria e a delicadeza. “Frida propõe novos formatos. A fluidez com que transita com seu corpo pelo espaço físico aparece na polpa e água que compõem os papéis, fio-condutor da mostra.”, destaca a curadora. Centrada na questão da materialidade do mundo, base da arte contemporânea, Frida Baranek ressignifica objetos ordinários coletados ao longo dos anos. Onde compõe e transforma estes fragmentos em obras de arte. É notável como suas esculturas são marcadas por estruturas que lembram redemoinhos e emaranhados, explorando temas de equilíbrio e desequilíbrio. Em toda obra da artista, a versatilidade é uma característica forte. Seus trabalhos podem assumir diferentes formas em cada espaço. Esta inquietação de Frida Baranek reverencia seus mestres, os escultores João Carlos Goldberg e Tunga. No caso de “Deslocamentos”, o papel está no cerne da exposição. “Nesta mostra, todas as obras têm a celulose. Pode ser em madeira, como parte da matéria prima, ou mesmo no papel. Ela traz o deslocamento pelas figuras geométricas, essa busca de encaixe que, na verdade, nunca acontece. Mas fica a sensação de que pode acontecer.”, destaca a curadora. “Deslocamentos” se relaciona com o encaixe e desencaixe da artista em convenções sociais e momentos artísticos. “Frida Baranek sempre trabalhou em fios emaranhados, essa confusão do material é comum em sua obra: vem do material geometrizado, das formas mais simples e descomplicadas. A complexidade do não encaixe, do objetivo final, é o deslocamento da artista em sua trajetória. É uma artista em movimento”, ressalta a curadora.

Sobre a Galeria Raquel Arnaud

Criada em 1973, com o nome de Gabinete de Artes Gráficas. Com espaços marcantes assinados por arquitetos como Lina Bo Bardi, Ruy Ohtake e Felippe Crescenti, o Gabinete passou por diferentes endereços, como as avenidas Nove de Julho e Brigadeiro Luís Antônio, além do espaço que havia pertencido ao Subdistrito Comercial de Arte, na rua Artur de Azevedo, em Pinheiros, no qual permaneceu de 1992 a 2011. O foco no segmento da abstração geométrica e a atenção especial dada às investigações da arte contemporânea – arte construtiva e cinética, instalações, esculturas, pinturas, desenhos e objetos – perpetuaram a Galeria Raquel Arnaud no Brasil e no exterior, tanto por sua coerência como pela contribuição singular para valorização e consolidação da arte brasileira. Para isso, contribuíram de forma fundamental artistas como Amilcar de Castro, Willys de Castro, Lygia Clark, Mira Schendel, Sergio Camargo, Hércules Barsotti, Waltercio Caldas, Iole de Freitas e Arthur Luiz Piza, entre outros. Atualmente com sede na rua Fidalga, 125, Vila Madalena, a Galeria Raquel Arnaud representa artistas reconhecidos nacional e internacionalmente – Waltercio Caldas, Carlos Cruz-Díez, Arthur Luiz Piza, Sérvulo Esmeraldo, Iole de Freitas, Maria Carmen Perlingeiro, Carlos Zilio e Tuneu. Os mais jovens atestam a consolidação de novas linguagens contemporâneas – Frida Baranek, Geórgia Kyriakakis, Daniel Feingold, Julio Villani, Célia Euvaldo, Wolfram Ullrich, Elizabeth Jobim, Carla Chaim, Carlos Nunes e Ding Musa, Raquel Arnaud também fundou o Instituto de Arte Contemporânea (IAC) em 1997, a única instituição no Brasil que cataloga documentação de artistas.

Os anéis de tecidos de Lidia Lisbôa

A artista Lidia Lisbôa apresenta sua nova individual no Museu de Arte do Rio – MAR, Praça Mauá, Centro, Rio de Janeiro, RJ, até 08 de Setembro.

A exposição “Têta”, apresenta cerca de trinta obras, em sua maioria inéditas, abarcando diferentes aspectos e técnicas que constituem a produção de Lidia Lisbôa (1970, Terra Roxa, PR, Brasil). O ponto de partida da seleção são as obras “Tetas que deram de mamar ao mundo”, série iniciada em 2011, nas quais Lidia Lisbôa crocheta e sobrepõe anéis de tecidos, formando esculturas de grandes dimensões que pendem do teto até próximo ao chão.

Uma gestualidade semelhante é constituinte das esculturas Cupinzeiros, outra longeva série da artista que integra a mostra. Além desses, são apresentados trabalhos comissionados especialmente para a ocasião.

A curadoria é de Amanda Bonan, Marcelo Campos, Thayná Trindade e Jean Carlos Azuos.

A arte de Tadáskia

13/jun

Ave preta mística de Tadáskía alça voo e chega ao MoMA de Nova York

Uma vigorosa composição de desenhos coloridos em movimentos expansivos, que tomou as paredes de uma sala circular na edição da Bienal de São Paulo no ano passado, ganhou um novo pano de fundo em exposição no Museu de Arte Moderna (MoMA), em Nova York. A obra ave preta mística mystical black bird (2022), da artista carioca Tadáskía (1993), foi recentemente adquirida pela instituição nova iorquina, uma das mais relevantes dedicadas à arte moderna e contemporânea no mundo.

Muitas vezes localizada entre as canônicas definições formais abstrato e figurativo, a prática artística de Tadáskía não cabe somente nesse tipo de parâmetro. A tenuidade evocada pela artista ao produzir é encontrada também em uma dança entre o visível e invisível, o místico e o mundano, o inteligível e o indecifrável. Formada em Artes Visuais e Licenciatura pela UERJ (2012-2016) e mestra em Educação pela UFRJ (2019-2021), a artista já realizou individuais em São Paulo, Lisboa e Barcelona, e participou de coletivas em Amsterdam, Marselha e Nova York, além de sua cidade natal, Rio de Janeiro. A obra ave preta mística mystical black bird (2022) é composta por 61 páginas soltas de um livro bilíngue, com uma poética que se materializa em desenho e escrita. Quando exposta, é acompanhada por desenhos expandidos – e intuitivos – que envolvem o ambiente no qual é instalada. Em proposição site-specific – criada especialmente para cada ambiente expositivo -, os desenhos feitos com carvão e pastel seco adaptam-se ao espaço e surgem a partir de uma relação criada entre o corpo da artista com o espaço.

Na 35ª Bienal de São Paulo – coreografias do impossível, Tadáskía também incluiu um grupo de esculturas feitas de bambu, palha e taboa, postas em bases circulares e acompanhadas de elementos como frutas, cascas de ovos costurados e pintados, e pó facial. Segundo declaração da artista, “a ave preta mística é uma população negra reunida além do tempo-espaço conhecido. Livre interpretação de Sankofa, um pássaro preto olhando para trás com um ovo em seu bico. Mística, a ave preta se transforma, tal como na ampliação de seus voos, nos mostrando um desejo incansável de liberdade”. Em participação no Em obras, podcast produzido pela Bienal de São Paulo, a artista relatou como o processo de produção do desenho nas paredes da Bienal exigiu de forma intensa uma entrega do seu corpo ao longo de 15 dias. Sem um projeto prévio para ocupar a sala circular, a artista se entregou a um processo orgânico, sem um ponto de partida e chegada pré-definido, desenhando de olhos fechados em muitos momentos, o que ela chama de “desenho cega”, buscando um estado meditativo e aberto ao inesperado.

Projects: Tadáskía

A aquisição da obra de Tadáskía para o acervo do MoMA é seguida por sua exibição a partir do The Elaine Dannheisser Projects Series, um programa criado pela instituição em 1971 com o intuito de apresentar artistas contemporâneos em ascensão. Atualmente, o projeto acontece em parceria com o the Studio Museum in Harlem, iniciativa que tem como missão o suporte e difusão de artistas afrodescendentes. À frente do the Studio Museum, a Diretora e Curadora Chefe Thelma Golden celebra a presença de Tadáskía enquanto representante da arte brasileira no exterior: “há e sempre houve uma arte incrível vindo do Brasil e estou emocionada que Tadáskía, com seus desenhos e esculturas imaginativas, irá transpor esse dinamismo criativo e fundamentá-lo em uma instalação site-specific para o espaço de projetos do MoMA. Esta colaboração especial é uma oportunidade notável para defender uma voz emergente na arte contemporânea e promove o compromisso do the Studio Museum com artistas de ascendência africana em todo o mundo. Sou infinitamente grata a Glenn Lowry e ao Museum of Modern Art pela parceria, que durante cinco anos garantiu a continuação do trabalho fundamental do the Studio Museum”. Com sua primeira exposição individual ocorrendo em Nova York, Tadáskía se junta a Ernesto Neto, Lygia Clark, Roberto Burle Marx e Tarsila do Amaral, o seleto grupo de artistas brasileiros que já tiveram suas obras expostas em individuais no museu. Em comunicado à imprensa, a artista revela a sensação de estar apresentando sua obra em Nova York: “é como se eu tivesse em um desenho animado, indo para uma terra estrangeira em que nunca estive e realizando um sonho de expor em um dos maiores e mais importantes museus do mundo, o MoMA”.

A relação com a ideia de estrangeiro está fortemente presente nas pesquisas da artista que, a partir de elementos familiares e íntimos, elabora sobre a diáspora negra. Artista negra e trans, Tadáskía utiliza as linguagens do desenho, fotografia, instalação e matéria têxtil, para desdobrar uma poética que dança nas esferas micro e macro, partindo muitas vezes de elementos particulares e íntimos, como sua família, todavia com capacidade de abordar questões mais amplas e coletivas. Tanto nos poemas e desenhos presentes no livro, como nas esculturas e na instalação site-specific, os conceitos de mudança e efemeridade pavimentam a poética de Tadáskía. A múltipla narrativa em torno da ave preta mística, por exemplo, acompanha as mudanças vividas pela ave, seja pela influência de outras aves em convívio, seja através de adornos por ela utilizados, e sua forma, que se aproxima de outros elementos como estrelas e montanhas. Com uma visão bem resolvida sobre a importância do erro no processo artístico, bem como uma relação menos impositiva com as expectativas de finalização da obra, Tadáskía abre espaço para deixar fluir o pensamento em ação. Seus desenhos e materiais orgânicos escolhidos refletem um estado de espírito buscado pela artista.

Diogo Barros é curador, arte educador e crítico, formado em História da Arte, Crítica e Curadoria pela PUC SP.

As estratégias da natureza

11/jun

Ana Paula Oliveira – Um halo um elo, saudade de pedra

Na exposição “Um halo um elo, saudade de pedra” a artista Ana Paula Oliveira, com texto critico de José Augusto Ribeiro, a artista apresenta uma série de esculturas instáveis, através das quais investiga a dinâmica do funcionamento das plantas e das estratégias da natureza, além de uma série de desenhos e colagens realizadas com diversos materiais, textos e imagens extraídos do livro “Geologia Aplicada à Engenharia”. A abertura contará com a participação de uma performance realizada por uma equilibrista convidada que ativará algumas peças através de ações interativas.

Galeria Marcelo Guarnieri & Ana Paula Oliveira

A Galeria Marcelo Guarnieri apresentar, entre 15 de junho e 20 de julho, “Um halo um elo, saudade de pedra”, exposição individual de Ana Paula Oliveira (1969, Uberaba – Minas Gerais) em na unidade de São Paulo, nos Jardins. A mostra reúne um conjunto de esculturas inéditas que surgem dos estudos em botânica desenvolvidos pela artista durante os últimos quatro anos.

“Um alo um elo, saudade de pedra” está formada por uma variedade de materiais, desde esqueletos de insetos, casca de coco e madeira, até metais como ferro, alumínio e latão. Interagem entre si por meio das esculturas criadas pela artista, que com seus gestos e soluções formais propõe uma relação mais simbiótica entre materiais orgânicos e industriais, entre humanos e mais que humanos. A ideia de elo é explorada tanto a nível material, quanto funcional, quando, por exemplo, produz pequenas esculturas de exoesqueletos metalizados que podem adquirir a qualidade de acessórios utilizáveis.

Um dos trabalhos centrais da exposição, intitulado “Córgo”, utiliza dormentes de madeira que outrora foram trilhos de trem. Nessas peças, o chumbo escorrido corre estagnado pelos veios seculares da madeira, evocando a imagem de um pequeno rio. A escolha pela diversidade de metais corresponde ao desejo de explorar a luminosidade de cada um, criando, em seu conjunto, uma particular gama de tons. As peças de parede da exposição são estruturadas a partir de presilhas, suportes de encaixe e batedores de porta, que complementam as esculturas. Outras obras incluem “Cardume particular”, esculturas de chão fundidas com piranhas, e “Para Munch todos os gritos”, um conjunto de côcos secos e fundidos que, através dos contornos de suas texturas e orifícios, aludem à famosa pintura “O Grito” de Edvard Munch. Além deste conjunto de trabalhos inéditos, podem ser vistos alguns trabalhos da série “Estudos para alguma coisa significativa”, formados por colagens realizadas com diversos materiais.

Motivada pelo vigor da matéria viva, Ana Paula Oliveira cria, com suas esculturas e instalações, situações de tensão e equilíbrio entre materiais ora muito brutos, ora muito delicados. Seus trabalhos parecem nos colocar num estado de suspensão, testemunhas de um movimento que está prestes a ocorrer, mas incapazes de ter qualquer tipo de controle sobre o que se apresenta. A artista provoca diversos tipos de encontros em suas peças e instalações, como por exemplo entre animais – vivos, taxidermizados ou fundidos em chumbo e toras de madeira, blocos de ferro ou placas de vidro; contrapondo, através de gestos pujantes, a leveza de um à força do outro.

Ana Paula Oliveira já participou de inúmeras exposições individuais e coletivas, destacando-se as seguintes instituições: MAM – Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Brasil; MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil; MUBE – Museu Brasileiro de Escultura, São Paulo, Brasil; Centro Cultural São Paulo, Brasil; Caixa Cultural, Rio de Janeiro, Brasil; Paço das Artes, São Paulo, Brasil; Capela do Morumbi, São Paulo, Brasil; Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brasil; Casa da imagem no Beco do Pinto, São Paulo, Brasil; CEUMA – Centro Universitário Mariantonia, São Paulo, Brasil; Fábrica Asa, Guimarães, Portugal; Museu de Arte Contemporânea de Ribeirão Preto, São Paulo, Brasil; Casa de Cultura do Parque, São Paulo, Brasil.

Burle Marx e Amílcar um diálogo de gigantes

04/jun

O dia 04 de junho é a data do 30º aniversário da morte de Roberto Burle Marx e, trinta esculturas de grandes dimensões de Amilcar de Castro irão compor o Jardim Burle Marx no Eixo Monumental de Brasília, onde permanecerão por dois anos. Esse diálogo de gigantes faz parte do Projeto Amilcar de Castro No Jardim Burle Marx e representa um marco na capital do país. O evento é uma realização do IPAC em parceria com o Banco de Brasília.

Celebrando a obra de Pietrina Checcacci

29/maio

Perto de completar 83 anos, a artista Pietrina Checcacci, nascida na Itália e residente no Rio de Janeiro desde seus treze anos, ganha uma dupla homenagem, no Rio e em São Paulo. No Rio, a Danielian Galeria, na Gávea, apresenta a partir do dia 28 de Maio a exposição “Carnação”, com 35 obras produzidas, principalmente, desde 2005 até agora, várias delas inéditas. Estarão também esculturas emblemáticas feitas nos anos 1970, 80 e 90. O corpo feminino passou a ser o principal tema da artista a partir dos anos 1970, quando em meio à tortura ou ao exílio, “o corpo representava o primeiro espaço da manifestação política”, observam Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto, curadores da exposição. As obras abordam questões que atravessam a trajetória da artista, e o reconhecimento de uma matriz pop/kitsch com referências surrealistas em sua pintura.

Os curadores Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto afirmam no texto que acompanha a exposição “Carnação”: “Em um caminho adjacente às guerrilhas artísticas do cenário na época, suas investigações estéticas no campo da pintura e do desenho levaram-na a desenvolver uma identidade visual própria que trazia do pop, a apropriação da imagem, e do kitsch a assimilação de visualidades e linguagens na popularização destas imagens”.

“Pietrina acentua a presença feminina na arte pop brasileira com suas figuras sensuais repletas de desejo. Fiel à imagem, Pietrina faz do corpo a sua principal ferramenta de criação e encantamento de mundo. Suas formas arredondadas, como as curvas e dobras barrocas, fazem do corpo feminino um território de luta, empoderamento e prazer”, diz Marcus de Lontra Costa.

Em São Paulo, a Galeria Galatea, Jardins, abrirá no dia 04 de Junho a mostra “Pietrina Checcacci – Táticas do corpo”, com destaque para seus trabalhos de cunho político, que dialogam com a estética da Nova Figuração Brasileira, e também para as pinturas que trazem o corpo em primeiro plano a partir do olhar feminino.