Arquivos da Categoria: Exposições

No Centro Cultural dos Correios

31/jan

 

A arte ao alcance de todos. Seguindo este conceito, o Centro Cultural dos Correios, Centro, Rio de Janeiro, RJ, inaugurou a exposição De Fotografia à Tactography™, do fotógrafo Gabriel Bonfim. Unindo seu olhar único da fotografia à tecnologia de Tactography™, uma espécie de impressão em alto-relevo, o artista brasileiro radicado na Suíça assina essa mostra que pode ser apreciada tanto pelo público em geral como por pessoas com deficiência visual. Tecnologia suíça, a Tactography™ escaneia o objeto fotografado e mapeia as proporções e profundidade para criação de peças em 3D.

 

As obras desta exposição foram todas produzidas para serem “vistas” através do tato, com o toque das mãos. Para isso, logo na entrada do espaço, o público receberá vendas para cobrir os olhos. Assim, todos poderão ter a mesma experiência de visitação, e compreender também como os deficientes visuais fazem sua leitura do mundo e da arte.

 

“Meu intuito foi mostrar como uma mesma obra pode ser apreciada de formas diferentes – com a visão e com o tato. E como a acessibilidade, a interação e a leitura desta obra podem fazer com que todos os públicos tenham a oportunidade de interagir e dialogar com a arte”, indica Gabriel. “É importante destacar como a tecnologia, sem nenhuma interferência na visão no processo de criação artística, possibilita hoje essa grande transformação e quebra de barreiras”.

 

Para a visitação da mostra, serão possíveis dois movimentos diferentes, não convencionais para uma exposição tradicional de fotografias. Desta vez, os portadores de deficiência visual e os visitantes que optarem por vestir as vendas serão conduzidos por guias no chão para tocar as obras em Tactography™. As pessoas com visão que desejarem fazer a visita sem as vendas irão apreciar as obras um pouco mais de longe, como peças brancas em relevo, explica o artista.

 

A exposição foi dividida em duas séries. A primeira destaca o tenor italiano Andrea Bocelli, e a segunda sobre o jovem bailarino catarinense Denis Vieira, integrante do Ballet da Ópera de Zurique. Cada série apresenta sete imagens tridimensionais, num total de 14 obras.

 

“Nossa experiência com testes realizados em escolas de deficientes visuais de Zurique mostra que uma pessoa cega, com alguma prática, pode aprender a ler e a ver uma Tactography™ rapidamente”, afirma Gabriel Bonfim. “Um dos objetivos que motivou a realização dessa mostra é também motivar deficientes visuais a ler e, consequentemente, a vivenciar uma nova dimensão da percepção. A nova tecnologia de impressão de Tactography™ tridimensional cria uma oportunidade a mais para os deficientes visuais. Durante a exposição, iremos entrevistar visitantes cegos sobre suas experiências para melhorar ainda mais a técnica”, completa.

 

A exposição, que tem entrada gratuita, acontece de 25 de janeiro a 13 de março no Centro Cultural dos Correios, Centro do Rio de Janeiro.

 

 

Sobre o artista

 

Gabriel Bonfim nasceu em São Paulo em 1990. Desde cedo desenvolveu uma grande afeição pela arte. Depois de dedicar três anos à faculdade de Direito e de trabalhar em um escritório de advocacia, decidiu dedicar-se permanentemente à fotografia. Como fotógrafo de moda, desenvolveu sua habilidade profissional e técnica. Depois de anos de aprendizado e viagens pela Holanda, Alemanha e Bélgica, mudou-se para a Suíça, onde conheceu Thomas Kurer atualmente gerente de seu acervo.

 

 

Sobre a tecnologia Tactography™

 

Tomando como base o princípio da impressora 3D – a confecção de objetos tridimensionais por meio de um arquivo digital – Gabriel Bonfim chegou a dois processos que considerou satisfatórios: reproduzir suas obras com acessibilidade para deficientes visuais. O primeiro deles foi pensado para as fotografias que Bonfim já tinha em seu acervo. Neste processo, a imagem digital tradicional foi enviada a um software e um programador apontava para o computador estimativas de proporções e profundidades – um trabalho bastante minucioso de marcação de profundidades ponto a ponto. A partir dessa técnica, foram impressas 12 imagens de uma série especial captada por Bonfim com o grande tenor italiano Andrea Bocelli durante uma turnê na Turquia, em 2014, que revelam os principais momentos do astro, inclusive com sua família.

 

O segundo processo, em conjunto com o estúdio Digitalwerkstatt, dos alemães Claudio Kuenzler e Daniel Koelliker, Bonfim chegou a uma solução em que a captação da foto tradicional já gerava a obra em 3D. Foi, então, que convidou o jovem bailarino brasileiro Dênis Vieira, integrante do Ballet da Ópera de Zurique, na Suíça, para este desafio. A sessão de fotos teve dois momentos. Primeiro, Bonfim fotografava Vieira com uma câmera digital. Em seguida, um scanner 3D fazia a leitura das mesmas informações visuais, criando a modelagem digital do bailarino. Enviada à impressora 3D, a fotografia era impressa em alto-relevo. Com este processo, foram produzidas mais 12 obras.

 

 

 

 

Até 12 de março.
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Tantão, Eu sou o Rio

No dia 02 de fevereiro, a Galeria Pretos Novos de Arte Contemporânea, Gamboa, Rio de Janeiro, RJ, marca a sua reinauguração com a exposição “Eu sou o Rio”, do artista visual, músico e poeta Tantão. A curadoria é de Marco Antonio Teobaldo. A sua trajetória artística de Tantão começa pela criação do grupo pós-punk Black Future, que apresentava uma mistura de punk-rock, samba e os sons do sample. Desta forma eclética, apresentou mais tarde a música “Eu sou o Rio” e marcou um estilo que se tornou, sem exagero algum, referência para as gerações futuras. Desde então, a musicalidade veio pautando o seu trabalho como um todo, que envolveu os campos da poesia, performances e artes visuais.

 

O seu traçado lembra, por vezes, um plano geométrico e plantas baixas de algum projeto de engenharia, que não por acaso, vem de seus conhecimentos em estruturas navais adquiridos na escola técnica Henrique Lage, em Niterói e dos estaleiros por onde trabalhou. De acordo com o curador Marco Antonio Teobaldo, o artista cria seus próprios esquemas e metáforas, fruto de sua experiência como andarilho da cidade, tal qual fazia o novaiorquino Jean-Michel Basquiat, ao beber direto da fonte e ainda exercer um fascínio sobre os habitués da cena underground.

 

Materiais encontrados nas ruas ou doados por amigos se tornam terreno fértil para a criação do artista, que em alguns casos, ganham um “choro” com os desenhos e pinturas transpostas no verso das obras. Tido como artista marginal e provocador, Tantão é na verdade um pensador que está a dois passos a frente de seu tempo, cuja poesia visceral transborda em si mesma para diversas espécies de suportes.

 

A exposição “Eu sou o Rio” marca a nova fase de seu trabalho, realizado recentemente, que flerta com as composições de Piet Mondrian (cuja Fundação, em Amsterdã, acolheu Tantão duas vezes, em residências artísticas) e as pinceladas do uruguaio Joaquim Torres-García. O título da mostra é homônimo ao filme sobre a sua vida, que o levará para o 68º Festival de Berlim, no qual ele é anunciado como grande personagem da cena alternativa mundial.

 

 

Até 31 de março.

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Individual de Diógenes Moura

O escritor, curador de fotografia e editor Diógenes Moura expõe “Livro de Rua (série fashion-abandono)”, na Galeria Utópica, Vila Madalena, São Paulo, SP. As 34 imagens inéditas que compõem a mostra foram clicadas pelo autor em seu celular, ao longo da pesquisa que vem realizando desde 2010, no bairro paulistano dos Campos Elísios – onde reside há 30 anos. O projeto versa sobre literatura, imagem e esquecimento.

 

Os “pacotes-existência”, como define o autor, estão aos nossos pés como resquícios de humanidades à beira do grande abismo que se tornou o mundo contemporâneo. Em “Livro de Rua (série fashion-abandono)”, uma poética da crueza toma forma de imagem para chamar atenção a uma discussão importante: os inúmeros indivíduos que passam a viver nas ruas da cidade em situação de abandono. “Pode doer, sim. Como doem e não doem os pacotes-existência que aqui estão e que se espalham (cada dia mais um, ou dois, ou três) pelas ruas do bairro, na região central de São Paulo depois de perderem o emprego, a casa, a família, a esperança, o amanhã dilacerado pelo que está por vir. Lá e aqui eles estão no silêncio e nos gritos da loucura coberta por fuligem: a segunda pele da imagem. São como nós. Estão aos nossos pés”, comenta.

 

Sobre a técnica, Diógenes Moura define: “Não são fotografias. São imagens feitas com um celular. Fotografia é abismo. Imagem feita com celular não possui segunda pele. Basta olhar e pronto. A diferença pertence a quem ver. O outro se incorpora ao primeiro plano e nada mais”. Mais que estética, a reflexão: “Fashion-abandono é um subtítulo perverso. Tem a ver com modismo, com a variação dos invólucros que protegem cada um desses personagens. (…) Na mesma cidade onde cachorros passeiam em carrinhos de bebê e são chamados pelos donos de ‘meu filhinho’. Na mesma cidade onde um homem, catador de papelão, é assassinado com uma flechada no pescoço em pleno Século XXI. As imagens de ‘Livro de Rua’ são o que me interessam na cidade onde vivo, entre violência e paixão. Meu por de sol é o Minhocão. Meu contraluz são as lanternas vermelhas dos automóveis no caos do trânsito interrompido. Minha poesia vem da voz da mulher belissimamente desvairada que corre em baixo do viaduto gritando que ‘a saudade é como um dia de Domingo, às 17h30′. Dói nela e dói em mim. Deus tomou Gardenal. Mas nada de tragédias. Aqui estamos e a cidade é um presépio. Tem alma. Pulsa e adormece. E cochicha bem baixinho nos ouvidos de cada um de nós: “Ou você me decifra ou te devoro em trinta segundos”.

 

 

Sobre o artista

 

Escritor, curador de fotografia, roteirista e editor independente. Nasceu em Recife, Pernambuco. Viveu durante 17 anos em Salvador, onde fez parte da equipe de criação da TV Educativa da Bahia. Vive em São Paulo desde 1989, no mesmo bairro, Campos Elísios. Premiado no Brasil e no exterior, foi Curador de Fotografia da Pinacoteca do Estado de São Paulo entre 1999 e 2013, onde realizou exposições, edições de livros e reflexões sobre o pensamento fotográfico tornando o acervo do museu um dos mais importantes da América Latina. Recebeu três vezes o Prêmio APCA (Associação Paulista dos Críticos de Arte) pelo seu trabalho como curador. Com Ficção Interrompida – Uma Caixa de Curtas, ganhou novamente o Prêmio APCA de melhor livro de contos/crônicas, em 2010. Com o mesmo título, foi finalista do Prêmio Jabuti de Literatura, em 2011. Tem publicados, entre outros, Elásticos Chineses – Poemas Sujos (Casa de Palavras/Fundação Casa de Jorge Amado, 1999), Drão de Roma – Dezembro Caiu (Casa de Palavras/Fundação Casa de Jorge Amado, 2006) e Fulana Despedaçou o Verso (Terra Virgem Editora, 2014). O Livro dos Monólogos – Recuperação para Ouvir Objetos, seu novo livro, será publicado pela Vento Leste Editora em maio de 2018.

 

 

Galeria Utópica

 

Em 2017 a FASS, pioneira na apresentação de fotografias do início do século 20 no mercado brasileiro, comemorou 10 anos de existência e passou a chamar-se Utópica. Pesquisamos e mostramos a fotografia moderna, a ligação entre fotografia e literatura, o fotojornalismo e vários outros assuntos atiçados pela curiosidade e as contribuições de nossos colaboradores e parceiros, aos quais devemos grande parte de nosso prestígio. Sediada em São Paulo, a Utópica representa as obras de 17 fotógrafos. São eles: Wagner Almeida, Rogério Assis, Luiz Carlos Barreto, Aracy Esteve Gomes, Fernando Lemos, German Lorca, Juca Martins, Beth Moon, Carlos Moreira, Monica Piloni, Rogério Reis, Felipe Russo, Guillermo Srodek-Hart, Evandro Teixeira e Valdir Zwetsch, e os acervos dos fotógrafos Annemarie Heinrich e Martín Chambi. Além desses nomes, a Galeria conta em seu acervo com obras de mais cerca de 30 fotógrafos consagrados, como o brasileiro Carlos Bippus (primeira metade do séc. 20), o húngaro Lászlo Moholy-Nagy e o alemão Heinz Hajek-Halke (1898 – 1983).

 

 

De 03 de fevereiro a 03 de março.

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Basquiat em São Paulo

29/jan

“Eu sei desenhar, mas não quero”, costumava dizer Jean-Michel Basquiat (1960-1988), conhecido por pinturas que lembram grafites e traços robustos que se assemelham a desenhos infantis. Nos anos 1970, o artista negro começou a ganhar popularidade ao pichar muros em Nova York com a assinatura de “SAMO” (“same old shit”, ou “mesma merda de sempre”) passando depois ao suporte convencional das telas.

 

“Ele queria ser visto, por isso grafitava em lugares que chamassem a atenção”, diz Pieter Tjabbes, que assina a curadoria da primeira retrospectiva do artista no Brasil.

 

A mostra, no CCBB São Paulo, Centro, São Paulo, SP, conta com cerca de 80 obras do artista do acervo do israelense Jose Mugrabi. Considerado o maior colecionador de Basquiat no mundo – embora não revele quantas peças do artista possui, nem o valor pelo qual cedeu as obras ao CCBB – Mugrabi tem ainda em seu acervo peças de Andy Warhol.

 

Segundo o curador da mostra, foi por colecionar trabalhos de Warhol que Mugrabi conheceu Basquiat. Warhol foi um grande colega de Basquiat e calcula-se que tenham produzido cerca de cem telas juntos.

 

No CCBB, estarão expostas três telas da dupla. “Eles tinham uma relação muito intensa”, explica o curador, frisando que, no entanto, o cunho não era sexual. Além de telas, há na exposição desenhos e objetos – caso da porta de um apartamento em que o artista morou com uma namorada e traz escritos como “famous negro athlets” (famosos atletas negros), um aceno crítico de Basquiat ao fato de que, na época, negros só atingiam a fama se fossem jogadores de basquete ou cantores de jazz.

 

Fora de museus

 

Calcula-se que mais de 80% dos trabalhos de Basquiat estejam na mão de colecionadores, e não de museus. Ao morrer precocemente – Basquiat teve overdose de ecstasy e cocaína aos 27 anos – ele tinha produzido, em sete anos, cerca de 2.000 peças. Os preços das obras do artista subiram exponencialmente após a sua morte, e os museus não conseguiram acompanhar suas vendas.

 

Além disso, instituições não costumavam comprar obras de iniciantes. “Hoje os museus não têm fundos para comprar mais as obras de Basquiat”, diz o curador. Por exemplo, em 2017, uma obra do neoexpressionista bateu recorde em vendas de artistas americanos em leilão ao ser arrematada por US$ 110 milhões em Nova York.

 

Marcus Bastos, professor do departamento de artes plásticas da USP, acredita que a crise econômica dos anos 1970 tenha ajudado na ascensão de Basquiat. Para Bastos, a crise possibilitou que artistas vivessem em Manhattan, e não na periferia de Nova York, então “uma cidade com clima underground”. Quando a situação econômica melhorou, nos anos 1980, eles estavam bem posicionados e “estouraram”.

Fonte: Touch of class

 

 

Até 07 de abril.

 

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Exposição coletiva na Cavalo

No dia 01 de fevereiro inaugura “Jardim das delícia com juízo final” [sic] na Cavalo, Botafogo, Rio de Janeiro, RJ, exibição coletiva com curadoria do artista Pedro Caetano.  A primeira exposição de 2018 na galeria carioca conta com trabalhos de 18 artistas de diversas gerações, além de reproduzir o disco homônimo de Nelson Cavaquinho e exibir o documentário de Leon Hirszman sobre o cantor.

 

O título da exposição, que faz referência a duas obras do pintor medieval Hieronymus Bosch sobre o inferno e o paraíso, reflete também “a visão estereotipada de um paulista sobre a cidade do Rio de Janeiro e suas linguagens – por isso a falta do plural no “delícia(s)” do nome da mostra” conta o curador Pedro Caetano. Para ilustrar simbolicamente a imagem de cidade romântica e trágica, o artista/curador escolhe trabalhos menos explícitos de mentores como Jac Leirner, Paulo Monteiro, Leda Catunda e Marcelo Cipis, assim como os artistas de gerações seguintes como Erika Verzutti, Tiago Carneiro da Cunha, Adriano Costa e Marina Perez Simão.

 

Pedro Caetano encontra no álbum “Nelson Cavaquinho” de 1973 e no curta metragem de mesmo nome lançado por Leon Hirszman em 1969 a ligação entre o Rio de Janeiro histórico, o Rio estereotipado e o Rio atual. Para a mostra na Cavalo, decidiu criar cenários antagônicos nas duas salas expositivas da galeria. A serenidade das obras na sala de entrada se contrapõe à montagem conturbada da seguinte.

 

Na sua pesquisa como artista, Pedro Caetano confronta humoradamente a linguagem da cultura de massa com as concepções comuns de “bom-gosto”. Encontra-se com frequência em sua obra referências ao hedonismo, tanto em suas esculturas com bustos de manequins ou cinzeiros quanto em suas pinturas de picolés e de personagens lisérgicos. A obra de Pedro Caetano costuma ter um caráter ambíguo, preocupado em mostrar os lados prazerosos e melancólicos da vida. Acostumado a exercer várias funções, geralmente se apresenta também como curador e ex-galerista, pelo seu tempo na galeria Polinésia, inaugurada em 2007. Durante os três anos em que esteve aberta, Pedro exibiu no espaço em São Paulo uma cena intensa de artistas de sua geração.

 

“Jardim das delícia com juízo final” conta também com trabalhos de Marcius Galan, Alberto Simon, Alexandre da Cunha, Tiago Tebet, do venezuelano Ricardo Alcaide, do português Tiago Mestre, uma parceria entre Laura Lima e Jarbas Lopes além de uma obra do próprio Pedro. Em suas palavras, é uma exposição que presta homenagem à cidade, “essa que fica entre as duas pinturas do Bosch, entre a beleza e a violência, o Rio da Anitta e um outro Rio, o do Nelson, do Cartola, do Noel Rosa e etc.”

 

 

Até 21 de abril.

 

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Coletiva na Luciana Caravello

Luciana Caravello Arte Contemporânea, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, inaugura, no dia 29 de janeiro, exposição coletiva com obras de seu acervo. Serão apresentas seis obras, dentre pinturas, esculturas e objetos dos artistas Daniel Lannes, Fernando Lindote, Gisele Camargo, Igor Vidor, Ivan Grilo e Lucas Simões.

 

De Daniel Lannes, será apresentada a pintura “Totem &Tabu”, de 2017, em óleo sobre linho. Fernando Lindote também apresentará uma pintura em óleo sobre tela de 2017. De Gisele Camargo será apresentada a obra “brutos” Cipó, de 2017, em acrílica e óleo sobre algodão esticado em madeira. Igor Vidor estará com a obra “Esquemas #1”, de 2017, composta por madeira e cartucho de bala. A obra “Não é um muro. É um abismo”, de Ivan Grilo, feita em bronze, em 2017, também integra a coletiva. A obra “White Lies 16”, de Lucas Simões, feita em papel, concreto e metal, também fará parte da exposição.

 

      

Sobre a galeria

 

O principal objetivo da Luciana Caravello Arte Contemporânea, fundada em 2011, é reunir artistas com trajetórias, conceitos e poéticas variadas, refletindo assim o poder da diversidade na Arte Contemporânea. Evidenciando tanto artistas emergentes quanto estabelecidos desde seu período como marchand, Luciana Caravello procura agregar experimentações e técnicas em suportes diversos, sempre em busca do talento, sem discriminações de idade, nacionalidade ou gênero.

 

 

Até 24 de fevereiro.

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Individual de Daniel Feingold

Foi prorrogada até o dia 16 de fevereiro a exposição do artista plástico Daniel Feingold, na Cassia Bomeny Galeria, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ. A mostra traz 24 obras inéditas, produzidas este ano pelo artista, que tem 30 anos de trajetória. Para fazer suas pinturas, Feingold não utiliza o tradicional pincel. Em uma técnica desenvolvida por ele, a pintura é feita entornando as tintas sobre a tela. Ele a coloca na vertical e, através de latas que ele mesmo retorce, criando bicos de diversos tamanhos, derrama a tinta, que escorre verticalmente por toda a tela, formando linhas retas. Ao secar, o artista vira o quadro e repete o procedimento, resultando em diversas linhas coloridas, com espessuras variadas, que se cruzam, se sobrepõem e se entrelaçam. A exposição apresenta oito pinturas em esmalte sintético sobre tela desta série, que apresentam sua pesquisa sobre trama e estrutura, e dezesseis pinturas em bastão oleoso sobre papel, onde a estrutura desconstruída dá lugar a um novo espaço de investigação, numa potente expansão de sua pesquisa construtiva. 
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Semana temática

Durante esta semana, o Wesley Duke Lee Art Institute, Jardim Paulistano, São Paulo, SP, mostrará como foi o período vivido por Wesley no Japão. Em 1965, ele é convidado por Pietro Maria Bardi como principal representante do Brasil na 8ª Bienal de Tóquio e não só participa como também recebe o primeiro prêmio dedicado à pintura.  Devido ao sucesso na Bienal, passa mais cinco meses no país, expondo na Tokyo Gallery (a galeria de arte mais importante do Japão) e estudando caligrafia e Sumi-ê. O Japão se tornou uma grande inspiração para o Wesley em toda sua carreira, sendo parte importantíssima de sua trajetória.
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Em Bolzano

 

O pintor Alessandro del Pero divide seu tempo entre os Estados Unidos – vive em Nova Iorque onde mantém atelier – e a Itália. O artista já teve passagem de impacto e sucesso pelo Brasil com exposição individual de pinturas em grandes formatos no Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli, MARGS, Porto Alegre, RS. Agora ele expõe “Ogni giorno”, série de novos trabalhos na Galerie Prisma, em Bolzano, Itália, com apresentação de Denis Isaia.

 

 

 Palavra de Denis Isaia

 

“…Se há uma questão que diz respeito a Alessandro del Pero é a representação do sujeito. E como todos os artistas que têm lidado com as habilidades projetivas também Alessandro não renuncia em suas pinturas a declarações de princípio. Isto tem uma correspondência flagrante tanto sobre os retratos temas e na disposição das formas que os determinam….Desde o início a escolha de Alessandro del Pero recai sobre a representação do self. Como para a prática do retrato, ainda vida e naturalmente o Self-retrato convergem em um limiar do espelho cuja função seja questionável e emblemática. Isto informa o quadro de forma assertiva e constitutiva que aumenta o peso específico do espectador. As imagens são propostas na força de uma determinada e inescapável e ainda incompleta fixação. De modo que está ausente o elemento conclusivo, desse modo a epifania ou sublimação dá lugar a uma agitação manifesta, mas não fatal, que desempenha o papel de instabilidade e incompletude como uma condição genética. O campo em que as imagens são apresentadas é sempre um ambiente privado (um espaço psicológico em fertilização) iluminado por uma fonte escondida da vista. Interior e interioridade coincidem…”

 

 

Até 09 de fevereiro.

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Rugendas, imagens do Brasil

24/jan

A CAIXA Cultural, Centro, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição “Rugendas, um cronista viajante”, que exibe 50 obras do pintor, desenhista, ilustrador, aquarelista e litógrafo alemão Johann Moritz Rugendas (1802-1858). A curadoria é de Angela Ancora da Luz e o projeto tem patrocínio da Caixa Econômica Federal e o Governo Federal.

 

Rugendas foi um dos mais conhecidos artistas viajantes e, ao lado do francês Jean Baptiste Debret, foi responsável pela divulgação das primeiras imagens do Brasil no exterior. Em sua trajetória, retratou o país durante os anos 1820 com toda a exuberância da natureza e os costumes da população. Era como se Rugendas fosse, dois séculos atrás, um fotógrafo antes da invenção da fotografia.

 

A exposição apresenta um panorama de sua obra com desenhos, aquarelas, litografias e pinturas, divididos em três núcleos: Olhar a terra, com paisagens do Rio de Janeiro, São Paulo e Minas; Olhar o homem, na qual apresenta cenas da vida cotidiana da população brasileira; e Plantas da terra, que traz estudos da fauna e flora brasileira. Entre as obras reunidas estão presentes 36 originais do famoso álbum Viagem pitoresca através do Brasil (Voyage Pittoresque dans le Brésil), considerado um dos mais importantes documentos iconográficos sobre o Brasil do século 19.

 

Segundo a curadora Angela Ancora da Luz, a importância de se revisitar as obras de Rugendas se dá pela oportunidade de um encontro com o documentarista, que é um dos principais ilustradores do Novo Mundo. “Ele que, possivelmente foi impactado pela natureza exuberante e pela luminosidade de lenta acomodação aos olhos de um europeu, quando participou da Expedição Langsdorff, retorna a partir de suas obras. A exposição objetiva apresentá-las com o olhar de hoje, comprovando que a arte se recria a cada novo olhar, e que nesta dinâmica ela terá sempre propostas e observações atuais a nos acrescentar, como as que serão apresentadas”, comenta Angela.

 

 

Sobre o artista

 

Rugendas chegou ao Brasil em 1821 como documentarista e desenhista da Expedição Langsdorff, que percorreu 16 mil km pelo interior do país com objetivo de constituir um inventário completo do Brasil. Capitaneada pelo barão Georg Heinrich von Langsdorff, médico alemão naturalizado russo, e patrocinada pelo Czar Alexandre I, por D. Pedro I e José Bonifácio, a caravana visava estreitar as relações comerciais com a Rússia.

 

O artista abandonou a expedição em 1824, mas continuou sozinho o registro de tipos, costumes, paisagens, fauna e flora brasileiros. Retornou à Europa no ano seguinte para dedicar-se a produção do luxuoso álbum Voyage Pittoresque dans le Brésil, editado em Paris, 1835, em francês e alemão. A publicação continha 100 obras acompanhadas por textos explicativos.

 

Rugendas ainda retornou Brasil em 1845 e, no Rio de Janeiro, participou das Exposições Gerais de Belas Artes, realizadas pela Academia Imperial de Belas Artes, tornando-se o artista preferido da família Imperial e realizando retratos de seus integrantes.

 

De 28 de janeiro a 11 de março.

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