Arquivos da Categoria: Fotografia

Processos criativos

23/fev

O Wesley Duke Lee Art Institute, São Paulo, SP, abre na Ricardo Camargo Galeria, Jardim Paulistano, a exposição coletiva Proces/sos Cri/ativos –  Ex/periência  com 15 jovens artistas convidados a vivenciar uma experiência única: produzir a partir de uma imersão no universo de Wesley Duke Lee. Com obras em suportes diversos como pintura, colagem, fotografia, gravura, serigrafia e projeção em slide, e curadoria de Patricia Lee, concretiza-se mais um dos sonhos do artista de poder transmitir às novas gerações seu conhecimento e influências.

 

Por um período de dois meses, com encontros semanais, os artistas frequentaram a instituição – uma casa/museu – e tiveram acesso aos livros, textos diversos, fotografias, filmes, desenhos, livros, objetos e obras, podendo assim captar o artista em sua  essência. Como comentava Wesley Duke Lee, sua casa era ele mesmo virado de dentro para fora. Muitos artistas utilizaram referências do Grupo Rex, do qual Wesley Duke Lee foi um dos fundadores, que oferecia um contraponto combativo e bem-humorado ao mercado de artes, na década de 1960. Essas referências estão agora disponíveis na biblioteca do WDLAI.

 

A possibilidade de imersão no universo de Wesley Duke Lee é um dos objetivos do Instituto e um dos sonhos do artista, coordenado por sua sobrinha, Patrícia Lee: fazer circular seu conteúdo cultural e informativo na sociedade. Grande parte dos materiais já está à disposição de estudantes, pesquisadores e público. “Queremos, com iniciativas como esta, provocar o pensamento artístico e criativo, reinventar a didática à maneira de Wesley Duke Lee e estimular o autoconhecimento”, diz Patrícia Lee, diretora cultural do Instituto.

 

“PROCES/SOS CRI/ATIVOS” é o resultado do resgate da memória de Wesley Duke Lee através das mentes jovens do nosso tempo.  Artistas participantes: Adriana Moreno, Bruna Meyer, Claudia Di, Coletivo Quatro Patas, Felipe Ferraro, Gustavo Prata, Ile Sartuzi, Julia Kavazzini, Julia Milaré, Karina Ferro, Leandro Muniz, Margarita Jaime, Pedro Ermel, Wal Braz, Yuli Yamagata.

 

 

 

De 29 de fevereiro a 05 de março.

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Art Winwood 2016

04/fev


A brasileira BOSSA Gallery anuncia sua participação na Art Wynwood 2016, The Art Wynwood Pavilion, 2901 NE 1st Avenue, Miami – Flórida, exibindo trabalhos de Ilana Bessler, Patricia Gouvêa, Flávia Junqueira, Fabio Knoll, Lucas Lenci, Cássio Vasconcellos e Fernando Velázquez. A proposta do stand vai ao encontro da principal missão da galeria : promover e divulgar a produção fotográfica contemporânea de artistas brasileiros.

 

Citando algumas das obras em exposição no stand da galeria, Ilana Bressler apresenta a fotografia colorida “Photo Float #1”, e Lucas Lenci exibe “Beijo Miami”.

 

Dirigida por Liliana Beltran, a BOSSA Gallery é a primeira galeria de arte, em Miami, especializada em fotografia brasileira, representando tanto nomes conhecidos como jovens talentos. Inaugurada há poucos meses, a BOSSA pretende aumentar a participação de artistas brasileiros no mercado mundial, ao promover eventos especiais, exposições, conversas abertas, palestras e participando de feiras internacionais.

 

 

Sobre Liliana Beltran

 

Liliana Beltran traz em seu currículo mais de 10 anos de experiência no circuito cultural. Brasileira, foi proprietária da Galeria Dropz. Atuou como Diretora Institucional do Instituto de Economia Criativa, com graduação em Publicidade e Mestrado em Marketing, ambos pela ESPM – Escola Superior de Propaganda e Marketing/São Paulo. Sua vasta experiência em vendas e desenvolvimento corporativo incluem passagem pelos segmentos industrial, comercial e mercado financeiro. Com a transição para a área cultural, Liliana foi capaz de adequar sua prática corporativa a um olhar aguçado para o talento criativo.

 

 

De 12 a 15 de fevereiro.

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Na Galeria do Ateliê

02/fev

“Kitinete” é a primeira exposição a ocupar este ano a Galeria do Ateliê, Urca, Rio de Janeiro, RJ, apresentando cerca de 20 obras inéditas da artista visual Patrizia D’Angello que, desde 2008, vem trabalhando no cruzamento da fotografia com os cinco gêneros existentes da pintura: retrato, auto-retrato, natureza-morta, paisagem e nu, mostrando sua preferência pela pintura a óleo, pastel seco e aquarela que se dá pela possibilidade de manuseio e alterações durante o período em que elabora suas imagens com irônico realismo, a partir de referências de seus registros fotográficos ou apropriados de terceiros. A curadoria traz a assinatura do experiente Marco Antonio Teobaldo.

 

 

A palavra do curador

 

A obra de Patrizia D´Angello passa a largos passos de algum aspecto naïf, uma vez que cada detalhe é criado de um registro prévio, editado, transformado ou remixado sobre o suporte final. Sua intenção está em cada pincelada sobre a tela ou o papel, sem se intimidar com as escalas de seus trabalhos, que podem ser pequenos ou generosamente ampliados. Imagens de alimentos à mesa se apresentam de forma voluptuosa e em alguns casos, com forte apelo erótico. Assim como a fotografia se torna o ponto de partida para a referência de seus trabalhos, o vídeo assume o papel de registro final para a performance aplicada, que a artista realiza com amigos em volta de uma mesa de jantar, com uma elaborada sucessão de experiências sensoriais propostas aos seus participantes. O tato, aroma, visão, audição e paladar revelam diferentes expressões e reações que podem ser observadas na tela exibida no ambiente expositivo. Se na foto o registro caracteriza-se pelo espontâneo e inusitado, no vídeo existe a expectativa dos acontecimentos após cada estímulo provocado. Patrizia D’Angello apresenta as suas obras inéditas nesta exposição como um amigável convite para entrar em sua casa e conhecer sua intimidade, sem muita cerimônia. Pode entrar, fique à vontade! Patrízia D´Angello direciona seu objeto de estudo para alguns aspectos da rotina da vida doméstica e familiar. Momentos íntimos, memórias, pequenas histórias para serem contadas… As imagens são registradas e armazenadas em arquivos digitais ou impressas e guardadas em caixas, para que estejam disponíveis no momento adequado de transformá-las em obras de arte.

 

Sobre a artista

 

Patrizia D’Angello, vive e trabalha no Rio de Janeiro, formada em Artes Cênicas pela Uni-Rio, em Moda pela Cândido Mendes e com diversos cursos livres na EAV – Parque Lage. Entre as principais exposições estão: Novíssimos 2010 (Galeria Ibeu RJ), SAMAP (Casarão 34, João Pessoa PA 2010/2011) e Banquete Babilônia (individual Galeria Amarelonegro RJ 2011). Indicada ao Prêmio PIPA 2012.

 

 

De 19 de fevereiro até 08 de abril.

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“Quem viver, Verão!”

01/fev

 

A terceira edição da mostra “Quem viver, Verão!” abriu o calendário 2016 da Sergio Gonçalves Galeria, na Rua do Rosário no Centro Histórico, Rio de Janeiro, RJ, reunindo obras de 46 artistas homenageando a estação que bem expressa o Rio de Janeiro.

 

 

“Neste ano a galeria abriu uma convocatória através do Facebook, lançando mão da rede social para poder alcançar o mais diverso número de artistas. Essa é a proposta da Mostra atual”, diz o marchand Sergio Gonçalves, proprietário da galeria que leva seu nome, “Assim como o verão é uma estação democrática e que as praias cariocas misturam todos os níveis sociais e toda nossa diversidade de raças e credos, a Sergio Gonçalves Galeria resolveu abrir o ano acolhendo artistas que nunca haviam exposto na galeria. Claro que tivemos que fazer uma triagem pois o número de inscrições foi bem superior ao que poderíamos mostrar, mas até isso foi uma surpresa agradável.”

 

 

A mostra deste ano conta com obras de artistas representados pela galeria e de nomes, até então, pouco conhecidos. Como é o caso de Ariadne Rigas, que expõe pela primeira vez no Brasil em “Quem viver, Verão!”. Americana de apenas 18 anos, Ariadne graduou-se no ano passado pelo International Center of Photography em New York.

 

 

“Me senti muito honrada em poder participar dessa mostra junto a tantos artistas conhecidos. Eu nunca havia imaginado que com apenas 18 anos eu já estaria expondo ao lado desses artistas no meu início de carreira.  A obra apresentada foi feita no Rio de Janeiro como parte de um projeto em que eu discuto a dicotomia entre riqueza e pobreza no Brasil. Esse projeto significa muito para mim e eu estou muito feliz em poder mostrar um pouco dessa série para um público como o da galeria, afirma Ariadne Rigas, que inicia no segundo semestre a Universidade de Artes Visuais em Nova Iorque.

 

 

Construindo suas obras a partir da apropriação de elementos do cotidiano, como bolas de futebol, tampas de garrafa, notas de dinheiro e mesas de sinuca, Felipe Barbosa também estará presente na mostra com a obra “Densidade”. Para o artista fluminense que é um dos representados pela Sergio Gonçalves Galeria, é sempre um prazer poder participar de mostras em que pode conhecer a obra de novos artistas e a interação com os novos talentos é sempre bem-vinda, sendo ele mesmo prova disso ao despontar para o mercado com apenas 22 anos de idade. Felipe abre paralelamente a mostra “Geodésia e Gelosia” na Galeria do Lago no Museu da República e em fevereiro terá uma mostra de suas obras no Museu Olímpico de Lausanne, Suíça.

 

 

Participam da coletiva os artistas: Ana Biolchini, Ana Tavares, Andréa Facchini, Ariadne Rigas, Cecilia Ribas, Claudia Hirszman, Cristina Sá, Deneir, Denise Campinho, Denize Torbes, Eda Miranda, Eduardo Ventura, Elmo Martins, EneGóes, Fabio Cançado, Fabio Carvalho, Felipe Barbosa, Gian Shimada, João Moura, Jorge Calfo, Jorge Fonseca, Karla Gravina, Leonardo Etero, Ligia Teixeira, Lourdes Barreto, Lucia de Bom, Luiz Carlos de Carvalho, Marcela Lanna, Marcelo Oliveira, Marcio Zardo, Marco Cavalcanti, Maria Cherman, Maria Lucia Paixão Maluf, Newman Schutze, Norma Mieko Okamura, Paulo Jorge Gonçalves, Paulo Mendes Faria, Rafael Bezerra, Raimundo Rodriguez, Renan Cepeda, Rita Manhães, Roberto Tavares, Rosana Ricalde, Sandra Passos, Virna Santolia e Wladimyr Jung

 

 

 

Até 27 de fevereiro.

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Dois no Museu Afro Brasil

29/jan

O Museu Afro Brasil, instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, abriu duas exposições: “Giracorpogira II” do artista Jaques Faing, que apresenta 38 obras, resultado de pesquisa realizada desde 2003 sobre o Carnaval do Rio de Janeiro e de São Paulo e “Devoção” do fotógrafo Rodrigo Koraicho, que traz imagens captadas nas cidades de Katmandu (Nepal) e Varanasi (Índia) em 2013.

 

 

 

“Giracorpogira II”

 

As imagens obtidas pelo artista visual carioca, Jaques Faing, que vive e trabalha em São Paulo, sugerem inúmeras camadas de significados, fruto de seu trabalho tanto como poeta quanto como performer. Elas conduzem o espectador a prolongar seu olhar sobre o movimento dos corpos nelas insinuados, possibilitando uma nova experiência estética. Em suas obras, Faing busca apreender o invisível, explorando seu próprio movimento, circulando ousadamente dentro das passarelas, o movimento da câmera fotográfica e o das figuras para ousar captar algo mais do que uma imagem. O resultado são cores pulverizadas pela harmonia entre a baixa velocidade da câmera, a alta velocidade da dinâmica das personagens e o deslocamento contínuo do olhar do artista.  São baianas desmaterializadas girando delicadamente acima do chão, como abstrações que revelam sutilezas cromática, cinética e poética. Estes corpos flutuam com suavidade e leveza para além da realidade do carnaval, transportando o espectador para um campo sensível, silencioso e transcendente.

 

 

Sobre o artista

 

Jaques Faing nasceu no Rio de Janeiro, formou-se em engenharia e atualmente vive e trabalha em São Paulo. Realizou várias mostras coletivas e individuais, expondo em instituições como a Pinacoteca e o Museu de Arte Moderna de São Paulo, entre outras. Em seu trabalho, Faing se inspira no movimento, tanto pela maneira de gerar e captar imagens, considerando o ato fotográfico uma performance, como pela utilização de suportes cinéticos para as imagens que produz. Pesquisa a transposição da fotografia para suportes tridimensionais que ele mesmo projeta e constrói, transformando a imagem em objetos e esculturas. Faing possui obras nos acervos do Museu de Arte Moderna (MAM) e no Museu de Arte Contemporânea da USP (MAC), ambos em São Paulo, no Museu Nacional de Belas Artes (MNBA) e no Museu de Arte do Rio (MAR), na cidade do Rio de Janeiro.

 

 

 

“Devoção”

 

Rodrigo Koraicho apresenta ao público 40 imagens realizadas entre outubro e novembro de 2013 nas cidades de Katmandu, no Nepal e Varanasi, na Índia. Integra ainda a exposição uma série de registros do cotidiano de trabalho do fotógrafo e de seu assistente durante a viagem. Segundo o curador, Claudinei Roberto da Silva, “o jovem fotógrafo Rodrigo Koraicho (1985) é animado pelo espírito de alteridade característico a certa parcela de artistas que, como ele, vem empreendendo, desde muito tempo, viagens motivadas pelos propósitos mais variados, sendo, portanto, possível inseri-lo na interessante tradição dos artistas viajantes.” Ainda segundo o curador, o fotógrafo não somente realizou na Índia e no Nepal fotografias de inegável qualidade, mas, além disso, prospectou filosofias, sistemas de ideias, modos de veneração à vida e, sobretudo, uma compreensão da realidade que quase sempre é, na sua beleza, estranha e não raro incompreensível às mentalidades dominadas pelo exacerbado materialismo da sociedade ocidental. As 40 fotografias que Koraicho apresenta no Museu Afro Brasil transportam o público a um mundo onde homens e mulheres comungam com a ideia de que a santidade, entendida como busca pelo Divino, pelo transcendental, é possível de ser alcançada através do labor devoto. O que emerge dessas imagens é a força espiritual e a excepcional sabedoria estampada em mãos, olhos, pele vincada, enfim, no corpo dessa gente que vem definindo e pavimentando através de tempos imemoriais os caminhos da Devoção.

 

 

Sobre o artista

 

Com uma trajetória na fotografia iniciada as 16 anos de idade, Rodrigo Koraicho é formado em Comunicação Social pelo Centro Universitário Belas Artes de São Paulo e mestrando em Estética e História da Arte pela Universidade de São Paulo. Sua experiência profissional inicial se deu no mercado publicitário onde trabalhou para a Agência Africa de Publicidade e Propaganda e junto a fotógrafos do ramo. Abriu estúdio próprio em 2010 e hoje divide suas atividades entre a fotografia comissionada e projetos autorais, nos quais procura conhecer e registrar diferentes povos, culturas e estilos de vida.

 

 

 

Até 03 de abril.

 

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“da banalidade” Volume 1

Criado pelo Instituto Tomie Ohtake, Pinheiros, São Paulo, SP, em 2013, o Programa Arte Atual se consolida como plataforma para pesquisas e trabalhos inéditos de jovens artistas e como um espaço de mostras coletivas construídas a partir de perspectivas múltiplas e heterogêneas sobre uma mesma questão. De início concebido para realizar-se anualmente, apresentou em suas três primeiras edições 10 artistas em distintas configurações e motes e, em 2015, gerou um novo programa associado: o Festival Arte Atual, no qual artistas ainda mais jovens são convidados para um processo dinâmico e experimental de exposição.

 

Neste ano, o Arte Atual ganha novo fôlego, apresentando-se como um programa que ao longo do ano realiza diversas mostras pensadas a partir de um tema central que funciona como denominador comum, lido por diferentes horizontes a cada nova montagem. “O conjunto da Banalidade (volumes 1, 2, 3 e 4) pode ser entendido como um livro e seus vários capítulos, organizados intermitentemente com diferentes artistas, abordagens e leituras”, explica Paulo Miyada, curador do Instituto Tomie Ohtake.

 

Tomando emprestado seu nome da clássica tratadística renascentista do século XV, da Banalidade funciona, diz Miyada, como um ensaio sobre o senso comum, a superfície das coisas, as coisas pequenas, a delicadeza, a banalidade do mal e a banalização do político. Segundo o curador, a cada leitura novos jeitos de lidar com este grande tema se desdobram nos projetos dos artistas convidados a integrar essa proposta.

 

Neste primeiro volume, Ana Elisa Egreja, Julia Kater e Cabelo – por meio de pinturas, serigrafias, instalações e vídeos– associam e discutem a frivolidade, a futilidade, o mau gosto, a tolice, o que passa despercebido, a delicadeza, o pequeno e o ordinário, numa tentativa inicial de refletir sobre a muitas formas da banalidade. “O que interessa aqui não é demonstrar como os artistas podem fazer algo especial valendo-se de coisas materiais banais, ao contrário, é acompanhá-los no manuseio do banal enquanto banal, aproveitando sua suposta falta de especificidade, aura e valor na tentativa de pensar seus significados mais desconcertantes”, explica Miyada.

 
O Programa Arte Atual é realizado por meio de parcerias entre o do Instituto Tomie Ohtake e galerias de arte, que apoiam a realização do projeto e das obras de seus artistas representados.  Nesta edição, contou com a colaboração das galerias Leme, Marília Razuk e SIM.

 

Até 06 de março.

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Claudia Jaguaribe na Suiça

28/jan

Até 21 de março, a Fundação Brasilea, Basel, Suiça, apresentará obras da fotógrafa brasileira Claudia Jaguaribe. A artista nasceu no Rio de Janeiro e reside em São Paulo desde a década de 1990.

 

Claudia Jaguaribe
As obras da artista tem sido moldadas por uma investigação sobre as metrópoles e a natureza. Fortemente influenciada pelas atuais questões sócio-políticas de nosso tempo, a artista trata da dicotomia entre a urbanidade e a natureza. Suas obras tem como objetivo mostrar a relação de tensão entre o crescimento urbano e a paisagem; como a cidade recria o espaço urbano e modifica a natureza ao seu redor. A intenção da artista nao é documentar a realidade. Ela pretende amplificar através da justaposição de elementos uma visão de um futuro provável onde está contida uma crítica de como acontece o desenfreado desenvolvimento urbano. As obras de Claudia Jaguaribe são baseadas em técnicas fotográficas, instalações de vídeo e trabalhos que embora trazendo um aspecto documental vão além procurando enriquecer os registros com uma discussão da própria linguagem da fotografia. As transições entre as metodologias aplicadas são fluidas. Isto forma o núcleo de suas criações: um desfoque de contornos, limites e da percepção da realidade. Ela trabalha com a matéria primordial da natureza como uma realidade determinada – e nos traz novas percepções. Este tipo de processo recria a realidade e traz imagens trabalhadas por um novo contexto influenciado por suas próprias experiências que criam a estrutura necessária da percepção. A série de Claudia Jaguaribe, “Topografias”, que está sendo exibida na Fundação Brasilea, é um exemplo da sua forma de trabalhar misturando documentação com criação; entre as técnicas de produção e construção fotográfica. Através da composição de azulejos individuais para formar o complexo trabalho, cria-se a impressão de uma imagem fotográfica da realidade ainda que seja, na verdade, uma composição fictícia. Azulejos são grandes superfícies compostas por diversos quadrados parecido com um mosaico, uma forma herdada da herança portuguesa e incorporada as técnicas da fotografia de hoje. O conceito da exposição explora nos 3 andares as diferentes abordagens pictóricas sobre os temas da natureza e da urbanidade e como estas se relacionam em diferentes formatos. No piso do porão a natureza é vista num grande painel com uma interferência gráfica que cria partes cobertas numa referência ao desmatamento. No térreo, a urbanidade da cidade do Rio de Janeiro é abordada em diversas perspectivas repensando a relação do urbano com a natureza, tanto nas imagens da Série Entre Morros quanto na série Topografias. As outras duas series exibidas são: Homenagem a Hélio que mostra restos de construção encontradas em favelas do Rio que adquirem formatos de esculturas e a série Cacotocea onde a natureza é apropriada para criar azulejos numa crítica ao aquecimento e a consequente desertificação da paisagem brasileira. Por ultimo, temos os livros da artista expostos juntamente com a série das Bibliotecas – fotografias que criam um trompe l’oeil de uma biblioteca aonde livros com lombadas de florestas fazem uma alusão a preservação da memória da mata. (Daniel Faust, Diretor)

 

 

Até 21 de março.

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Artista havaiana

A Gabriel Wickbold Studio & Gallery, Vila Nova Conceição, São Paulo, SP, inaugura seu espaço com a individual “Celestial Bodies – A Fotografia Subaquática de Christy Lee Rogers”, com curadoria de Gabriel Wickbold. Expostos pela primeira vez no Brasil, 11 trabalhos da artista visual havaiana Christy Lee Rogers compõem a mostra, exibindo seu domínio técnico em cenas inspiradoras, que representam corpos submersos em água, durante a noite, com efeitos naturais criados pela refração da luz.

 

A obsessão de Christy Lee Rogers com a água como ferramenta para quebrar as convenções da fotografia contemporânea ganhou força na última década, por meio de um mergulho contínuo no universo dos grandes mestres da pintura. Autora de imagens turbulentas em cor e complexidade, constrói cenas elaboradas de coloração coalescente e corpos que exaltam a figura humana como fonte de vigor e calor, em um processo frágil de experimentação. “O propósito por trás do meu trabalho é questionar e encontrar um lugar de compreensão em meio a loucura, a tragédia, a vulnerabilidade, a beleza e o poder da humanidade. Minha preocupação encontra-se em questões de liberdade, tanto no ganho quanto na perda”, reflete a artista. Sobre seu trabalho, Adam Jacques, jornalista do londrino The Independet, comenta: “A recompensa etérea é, de fato, sinônima de uma mistura de Mestres – os tons vívidos de Ticiano, os corpos tencionados de Rubens, o chiaroscuro de Caravaggio, mas também as pinceladas soltas e o movimento fluido de Delacroix; pistas, também, das ascensões celestiais ao estilo de Tiepolo que adornam muitas capelas venezianas do século XVIII”.

 

A mostra marca a inauguração da Gabriel Wickbold Studio & Gallery, espaço desenvolvido fora dos moldes de uma galeria convencional. “Vamos trabalhar em prol da memória fotográfica na cena cultural brasileira”, diz Gabriel Wickbold. Acerca da individual de Christy Lee Rogers, o curador comenta: “Os trabalhos têm uma relação muito forte com o ambiente da galeria. Eles são energéticos, acessíveis para diversos públicos, e ao mesmo tempo estimulam a reflexão com uma pesquisa profunda sobre a história da arte e um domínio técnico e autoral da fotografia”.

 

 

 

De 28 de fevereiro a 11 de março.

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110 anos

16/jan

A Índica Arte e Design, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, realiza a abertura da exposição de José Oiticica Filho.

 

Com curadoria de Cesar Oiticica Filho e Carlo Cirenza, a mostra comemora 110 anos de nascimento do fotógrafo e pintor. Pai de Hélio Oiticica, J.O.F. foi um dos grandes nomes da fotografia moderna brasileira, criando experimentações com fotografias construtivas e abstratas através de intervenções no processo de revelação.

 

 

Até 12 de março.

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Quatro artistas na Hathi

14/jan

Instalada na galeria Ipanema 2000, Rio de Janeiro, RJ, a Hathi Galeria, abre sua primeira exposição prometendo periodicidade. Márcio Niemeyer, Ani Cuenca, Poe e Maíra Allemand expõem telas e fotografias, com técnicas, temas e propostas diferentes. Em comum, a “Simplicidade no olhar”, que não por acaso dá nome à mostra.

 

Márcio Niemeyer atribui à vocação da família a atração pela arte da imagem através das lentes, que o levou a fotografar desde pequeno. Ele expõe trabalhos da série “Skandinaviska”. Arquiteta por formação, Ani Cuenca, que se se define essencialmente como uma desenhista, assina telas monocromáticas sempre inspiradas em recortes da natureza. Maíra Allemand teve seus primeiros contatos com a fotografia na Faculdade de Desenho Industrial. Poe se define como um artista visual. Na série “Fine Line”, a busca pela essência na obra é levada ao rigor máximo do minimalismo. Apenas uma linha corta o espaço pictórico, ora contra uma cor sólida, ora contra a tela crua.

 

 

Sobre os artistas

 

Ani Cuenca

 

Arquiteta formada, com passagem em vários escritórios badalados da cidade, Ani Cuenca se define essencialmente como uma desenhista. Desde a época da faculdade, cursada na UFRJ, ela admite que adorava as aulas em que os trabalhos eram feitos em pranchas de nanquim sobre papel vegetal. Simples e essencial. O tempo passou, Ani se formou, e, o computador se tornou a principal ferramenta na sua vida profissional, mas a vontade de retomar os pincéis e canetas continuava forte. “Percebi o quanto o traço a mão era importante quando via os registros depois das reuniões. Sem perceber, os cadernos ficavam sempre cheios de rabiscos”, conta ela. Seus cadernos eram verdadeiras obras de arte e suas composições orgânicas inspiradas na natureza compensavam os excessos de linhas retas de seus projetos. Há cerca de um ano, Ani resolveu investir na carreira artística. Montou um atelier e passou a assinar telas monocromáticas sempre inspiradas em recortes da natureza.

 

 

 

Márcio Niemeyer

 

Márcio Niemeyer nasceu no Rio de Janeiro. Sua atração pela arte da imagem através das lentes o levou a fotografar desde pequeno, talvez pela influência de seu avô. Começou a clicar a beleza natural do Rio de Janeiro com as câmeras mecânicas de seus pais. Atraído por paisagens, cenários naturais, e pelo cotidiano no mundo, é cativado pela simplicidade no olhar. A série apresentada por ele na Hathi, “Skandinaviska” apresenta fotos clicadas na Dinamarca, Noruega e Suécia. Ele destaca, entre outros detalhes, as excêntrica Copenhagen, a pitoresca e chuvosa Bergen, a energizante Honningsvåg – onde se encontra a 15 km Nordkapp, o ponto continental mais ao norte no Círculo Polar Ártico do planeta -, e a encantadora Estocolmo, que contrasta o lado histórico de seu “reino” com o arrojado desenvolvimento tecnológico.

 

 

 

Maíra Allemand

 

Maíra Allemand nasceu em Florianópolis, onde reside atualmente. Conheceu a fotografia na faculdade de desenho industrial em 2000, e graças às influências dentro de casa desde pequena na área de decoração de interiores, fez com que sua verdadeira paixão despontasse através desse segmento. Formada em Fotografia pela UNIVALI em 2013, atualmente a artista segue clicando exclusivamente para uma fábrica de móveis, onde também atua como designer gráfica, profissional de marketing, na curadoria de projetos e na organização de eventos e conceito das novas coleções. Profissionais da área de decoração estão entre os clientes que compram seu trabalho.

 

 

 

Poe

 

O olhar saturado por informações encontra o conforto no horizonte. A linha da vida e os segredos decifrados pelas cartomantes. O caminhar de uma existência visto de fora como uma estrada. Na série “FINE LINE”, do artista visual Poe, a busca pela essência na obra é levada ao rigor máximo do minimalismo. Apenas uma linha corta o espaço pictórico. Ora contra uma cor sólida, ora contra a tela crua. A jornada começa no Leste em direção ao Oeste, sai do excesso indo ao encontro do essencial. BIO Poe Ramon, 40 anos, trabalha no Rio de Janeiro. Formado em Comunicação Social PUC e estudos nos cursos de fundamentação na EAV. Os movimentos de vanguarda do século XX, como o dadaísmo, cubismo, a pop art, expressionismo abstrato são as inspirações dos seus trabalhos.

 

 

A partir 14 de janeiro.

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