AGENDA CULTURAL

Polípticos de Bruno Veiga

31/mar

A nova exposição individual de Bruno Veiga, “Polípticos”, acontece na Galeria da Gávea, Rio de Janeiro, RJ, traz uma reflexão sobre Brasil contemporâneo e texto de apresentação de Iatã Cannabrava. Desdobramento de um processo de observação que começou nas eleições de 2014, a exposição é composta por fragmentos de imagens dos candidatos com as quais cidadãos cariocas foram obrigados a conviver diariamente durante o período eleitoral do ano passado. Nos banners pelas ruas, os retratos mostravam olhares e sorrisos muito semelhantes, uma consequência direta da supremacia da estratégia publicitária sobre diferenças políticas. Os cartazes eram muito parecidos e, ao mesmo tempo, tão distantes quando registrados em macrofotografia, técnica usada pelo fotógrafo neste trabalho.

Segundo Bruno Veiga, uma das ideias da exposição é chamar atenção para os detalhes que o olho humano não vê, como as retículas que formam a impressão de uma imagem digital. “É importante não ignorar o fator político. Faço uma reflexão sobre a tendência, desde a queda do Muro de Berlim, da convergência das práticas dos partidos da centro-direita até a centro-esquerda e o consequente aumento da percepção pelo cidadão de que ‘os políticos são todos iguais’, ponto de vista com o qual eu não concordo. Optei então por discutir essa realidade por meio de jogos de profundidade e da plasticidade, um caminho mais subjetivo”.

Sobre o artista

Bruno Veiga tem 13 individuais no currículo, entre elas Paisagem Blindada (2013, Galeria da Gávea, Rio de Janeiro), Território Suburbano (2013, Parque das Ruínas, Rio de Janeiro), Garagem Hermética (2013, FotoRio, Centro Municipal de Arte Helio Oiticica, Rio de Janeiro) e Pedras Portuguesas (2010, Galeria da Gávea, Rio de Janeiro), para citar as mais recentes. Sua trajetória como fotógrafo começou nos anos 80, com trabalhos para os jornais O Globo e Jornal do Brasil, e seguiu nos anos 90 na Agência Tyba, como freelancer. Já em 1995, abriu a Strana Agência Fotográfica. Suas obras podem ser encontradas em coleções do Brasil e exterior, como a Maison Européene de la Photographie, de Paris, o Instituto Itaú Cultural, de São Paulo e no MAM-RJ.

Até 15 de maio.

Arquitetura latina no MoMA

27/mar

: Marcel Gautherot

: Marcel Gautherot

Em 1955 o Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA) promoveu a exposição “Latin American Architecture since 1945”, um levantamento sem precedentes da arquitetura moderna da América Latina. No 60° aniversário desse importante marco, o MoMA revisita a região para oferecer um complexo panorama das posições, debates e criatividade arquitetônica do México e Cuba ao Cone Sul entre 1955 e o início da década de 1980.
Esse período de auto-questionamento, exploração e complexas mudanças políticas também viu o surgimento da imagem da América Latina como uma paisagem em desenvolvimento em que todos os aspectos da vida cultural eram coloridos, de uma forma ou de outra, por essa nova atitude que emergiu como o “Terceiro Mundo”. Essa exposição de 1955 apresentava o resultado de uma única série fotográfica; agora, a “Latin America in Construction: Architecture 1955–1980” reúne uma grande variedade de materiais originais que nunca antes haviam sido compilados e, em sua maioria, são raramente expostos mesmo em seus países de origem.

A exposição conta com desenhos arquitetônicos, modelos, fotografias de época e registros audiovisuais, além de maquetes e fotografias recentes. Embora a exposição foque no período de 1955 a 1980 na maioria dos países da América Latina, ela é introduzida por um vasto prelúdio sobre as três décadas precedentes de desenvolvimento arquitetônico na região, apresentando a construção de diversas universidades importantes em cidades como Cidade do México e Caracas, além de expor o desenvolvimento de Brasília. Os arquitetos da época abordaram esses desafios com inovações formais, urbanísticas e programáticas, muitas das quais ainda relevantes para os desafios de nosso tempo; um tempo em que a América Latina continua mostrando respostas arquitetônicas e urbanísticas vibrantes e desafiadoras às questões de modernização e desenvolvimento, embora em contextos econômicos e políticos bastante diferentes daqueles considerados na grande retrospectiva apresentada na exposição.

A exposição vem acompanhada de duas grandes publicações: um catálogo e uma antologia de textos seminais traduzidos do português e do espanhol. Organizado por Barry Bergdoll, Curador, e Patricio del Real, assistente de curadoria, Department of Architecture and Design, The Museum of Modern Art; Jorge Francisco Liernur, Universidad Torcuato di Tella, Buenos Aires, Argentina; e Carlos Eduardo Comas, Universidade Federal do Rio Grande do Sul, Porto Alegre, Brasil; com o apoio de um comitê consultivo da América Latina. Colaboradores no Brasil: Igor Fracalossi, Rafael Saldanha Duarte e Carlos Castro. O apôio principal é do The International Council of The Museum of Modern Art com financiamento adicional do The Reed Foundation e MoMA Annual Exhibition Fund.

De 29 de março a 12 de julho.

Mécanique des femmes

25/mar

Chama-se “Mécanique des femmes – la suíte” a exposição do consagrado fotógrafo Miguel Rio Branco atual cartaz da Silvia Cintra + Box 4, Gávea, Rio de Janeiro, RJ. Em sua última exposição na Silvia Cintra + Box 4 em 2013, Miguel Rio Branco mostrou fotografias que em sua totalidade falavam sobre o feminino de forma suave e poética.

Para esta nova exibição, o artista propõe uma continuação do tema, mas desta vez transformando completamente o espaço da galeria e trazendo novos materiais para compor uma verdadeira “suíte” misteriosa e sensual. A luz será baixa e as paredes serão todas pintadas de cinza e o chão de vermelho. Numa tela em LED o espectador poderá ver filmes do artista, passando ininterruptamente ao lado de aquarelas em papel pintadas, também repletas de um erotismo velado.

Em outra parede, um mural de ferro traz uma assemblage de fotografias, impressas no seu próprio atelier, sobrepostas e coladas a outros objetos, formando um altar perverso e sensual. Os trípticos e dípticos fotográficos, marcas da obra de Miguel também completam o ambiente. Ao todos serão 6 novas peças, feitas especialmente para a continuação da “Mécanique des femmes”.

Para completar o clima da mostra, foram produzidas caixas de luz (backlights) que o artista apresenta pela primeira vez. Um trabalho de parede e três mesas de luz que revelam transparências de imagens do corpo feminino nu. Conhecido como um dos maiores nomes da fotografia brasileira, Miguel Rio Branco acredita que esta exposição é uma chance para o espectador entender um pouco mais sobre o seu processo criativo. A colagem de várias imagens, interferências de objetos que vão ganhando novos significados, desenhos, pinturas e não somente a fotografia completam o universo que Miguel explora e transforma.

Até 25 de abril.

Rubens Mano na Millan

Em sua nova individual na Galeria Millan, Pinheiros, São Paulo, SP, denominada “contrato social”, o artista Rubens Mano expõe 17 trabalhos inéditos – entre fotografias, instalações, vídeo e objetos – que informam como certas tensões culturais, políticas e sociais materializam-se no espaço e “naturalizam” determinados processos de fixação territorial.

A exposição desdobra uma pesquisa iniciada em outras duas individuais do artista: let’s play (Galeria Casa Triângulo, 2008) e incessante – incurável (Galeria Millan, 2011). Enquanto na primeira a abordagem recaiu sobre implicações decorrentes da inscrição do artista e da obra de arte no espaço expositivo, na segunda, Rubens Mano se debruçou sobre distintos aspectos definidores da superfície visível do universo artístico. Agora, o artista expande a investigação para os processos de apropriação de territórios e suas implicações e expressões na constituição de espaços. Como ele próprio diz: “É no território do instável que se moldam as formas do aparentemente estável”.

A individual ocupa todo o espaço da Galeria Millan. No andar térreo, além de fotografias (como as da série natureza privada) e objetos, o artista exibe uma instalação na área externa, que recebe o mesmo título da exposição. O andar superior será ocupado por fotografias e também um vídeo, intitulado análise de sistemas.

Em contrato social, Rubens Mano explora certas complexidades constitutivas do espaço e como estas se desdobram em múltiplas dimensões da vida privada e pública, individual e coletiva, natural e cultural.

Até 17 de abril.

Um olhar em Brasília

A Galeria Almeida Prado, CLN 405 Bloco C Loja 45, Asa Norte. Brasília, DF, inaugura a exposição “Olhar sobre uma cidade singular”, da artista francesa Virginie Caquot. São mais de 20 fotografias que retratam sua visão, como estrangeira, do cotidiano brasiliense. Para Virginie, além do impacto de morar temporariamente em outro país, sua grande surpresa foi se deparar com uma cidade singular. Como ela mesma diz, não existe nenhum outro lugar no mundo como Brasília. De imediato, a artista sentiu-se esmagada pelo concreto árido e os grandes espaços vazios que compõem o espaço urbano da cidade. A falta de domínio da língua tampouco ajudava. Foi então que, como artista e fotógrafa, Virginie transformou seus registros fotográficos em suas novas palavras e identidade.

Através de seu olhar, expressou a saudade de sua antiga moradia, a solidão por estar cercada de pessoas desconhecidas, os contrastes entre os vários lugares onde já morou, a arquitetura angulosa da cidade que se revelava a cada dia, e a surpresa e curiosidade em explorar e viver uma nova cultura. Essa série de fotografias nasceu de uma explosão de sentimentos da artista em busca de equilíbrio e harmonia entre todos os elementos que permeiam um instante fotográfico.

Entre cores, luzes e sombras, a artista mescla, em meio à arquitetura moderna de linhas retas ou curvas, registros de desconhecidos vivendo seu cotidiano sem que percebam que estão sendo retratados. Tudo isso para captar um momento único e espontâneo, real e fiel tanto ao seu olhar estrangeiro quanto ao olhar de qualquer um.

De 26 de março 17 de abril.

Vergara em Paris

19/mar

Em co-produção com MdM Gallery, Paris, França, em parceria com YIA Art Fair fora das paredes, o pintor Carlos Vergara exibe na igreja de Paris Saint-Gervais, 4º arrondissement, trabalhos inéditos da série mortalha já apresentada no Museu de Arte Contemporânea de Niterói e no Museu Nacional do Conjunto Cultural da República, Brasília. Conforme explica o artista, “…tudo começa em 1970, com uma vontade irresistível de olhar para fora da oficina e produzir um trabalho que seria o resultado do acaso e da colisão com o desconhecido.”

Desde então, percorrendo diversos lugares, Vergara vem realizando obras (site-specific) na Capadócia, Turquestão, Pompéia e em cidades do interior do Brasil. Não se limitando a visão documentária, o artista tenta capturar o invisível no visível de cada lugar. Juntamente com fotografias, vídeos e esculturas, produz monotipias – estampas exclusivas tecidos estampados – a partir de contato com os restos de terra (lençóis, redes, palha …).

O convite para expor na Capela de St. Lawrence, no lado esquerdo da nave em Saint-Gervais, imediatamente lembrou Vergara sua série de obras em 2008 na missão jesuíta de mesmo nome. Localizado na histórica região de Sete Povos, no Rio Grande do Sul. A missão de São Lourenço se desenvolveu a partir do final de 17 a início do século 18 um modelo singular de convivência entre os sacerdotes e indios com base na ausência da propriedade privada e da catequese transmitida através da música. Trabalhando na construção dos edifícios previstos pelos missionários, foram dadas carta branca aos nativos para reinterpretar a doutrina católica através dos ornamentos arquitetônicos.

“Eu achei interessante trazer essa atmosfera do sul do Brasil dentro da capela parisiense de St. Lawrence,” disse ao artista que retornou recentemente a São Lourenço para criar uma nova série original para Exposição da igreja de St. Gervais. Uma dessas novas obras é uma instalação que representa uma cruz missioneira, a cruz de origem espanhola retrabalhada com o fio de lã. Símbolo da experiência entre jesuítas e índios guaranis, a cruz missioneira de Vergara foi por outro caminho, de volta ao Velho Mundo.

Sudário, os antigos lenços nome usado por viajantes para enxugar o suor, é uma metáfora para o processo criativo de Carlos Vergara nos lugares por onde passou. O título da exposição ganha uma segunda direção neste espaço religioso.

Sobre o artista

Nascido em 1941, em Santa Maria, no Rio Grande do Sul, Carlos Vergara é uma das figuras mais importantes da arte brasileira desde sua participação na exposição “Opinião 65” dedicados à Nova Figuração brasileira e no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro em 1965. Seu trabalho com múltiplas facetas – pinturas, instalações, monotipias e fotografias – compreendem a figuração e a abstração. Suas obras fazem parte das maiores coleções brasileiras: MAM Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, MAC Museu de Arte Contemporânea, Niterói, Pinacoteca do Estado de São Paulo, Gilberto Chateaubriand Coleção e Fundação Calouste Gulbenkian.

Até 05 de abril.

Lançamento de Claudia Jaguaribe

17/mar

A Casa Nova, Jardim Paulista, São Paulo, SP, – em parceria com a Editora Madalena, lança dia 22 de março a edição exclusiva (com tiragem de 60 unidades) do “box São Paulo” da artista Claudia Jaguaribe. O box contém os ultimos dois livros da artista, “SobreSãoPaulo” e o recente “Entre Vistas” juntamente com um print especial assinado pela artista. Durante o dia do evento serão exibidas obras da mesma série produzida pela artista nos últimos anos. A instalação de caixas de luz, “Céu”, recentemente exposta no Itau Cultural, ocupará o espaço central da Casa. Nas outras salas estarão expostas esculturas e imagens que utilizam a fotografia num processo de documentação e na criação de visões poéticas sobre a cidade.

Em Entre Vistas

Fotografando no Jaguaré, no Morumbi, passando pelo Brás, Água Funda e Jardins, entre outros bairros da metrópole, a fotógrafa visitou a casa de mais de 70 moradores de São Paulo para produzir esta série. “É a continuação do trabalho que começou com “Sobre São Paulo”, só que agora fotografei a cidade, com seus contrastes, de dentro das casas, além de mostrar os próprios ambientes e os moradores”, conta Claudia. “Em ‘Entrevistas’, temos uma espécie de inversão da visão que se tem no primeiro livro, contrapondo a colossal massa construída da cidade observada de longe, das fotos aéreas e de coberturas, a uma dimensão mais íntima, observada de dentro das casas, daí o título”.

Sobre a editora

Fundada em 2002, a Editora Madalena é uma produtora cultural que tem a criação e a difusão fotográfica como temas centrais de trabalho. “Trabalhar com fotografias é trabalhar para a sociedade. Acreditamos nelas como forma de entender a realidade, como maneira de compreender o próprio mundo através das imagens.”

Endereço e hora: Domingo, das 15:30 as 19:00, Rua Chabad, 61. Jardim Paulista

Lançamento: Líris #1

16/mar

O “Mundo Líris”, plataforma de desenvolvimento artístico e desdobramento de projetos, promoveu o lançamento da publicação impressa Líris #1. Formado por 10 fotógrafos – Beatriz Pontes, Bernardo Dorf, Daniele Queiroz, Flávia Tojal, Helena Rios, Luciana Mendonça, Marcelo Guarnieri, Márcio Távora, Marina Piedade e Renata Angerami -, além de Marcelo Greco, que atua no projeto também como orientador, o grupo propõe a Identidade como tema para esta primeira edição, que traz, além do trabalho individual de cada participante, textos, artigos e entrevistas.

Em 2004, Marcelo Greco uniu-se a outros artistas para semanalmente discutir e pensar a fotografia como forma de expressão. Nascia assim o “Mundo Líris”, um grupo de estudos que, ao longo de 10 anos, cresceu e transformou-se em realizador de publicações eletrônicas, exposições coletivas e individuais, imersões fotográficas, ações educativas, intercâmbios internacionais etc. Agora, o momento é de lançar outro projeto de longo prazo, com um novo tema a cada edição, sobre o qual os participantes realizam ensaios fotográficos, preparam textos e entrevistas. Identidade é o mote da Líris #1, onde encontramos trabalhos diversificados como o de Flavia Tojal, que, além de seu ensaio, faz uma entrevista com o fotógrafo holandês Leo Divendal; Bernardo Dorf, cujo autorretrato é repetido em vários cliques, mostrando alterações físicas em sua aparência, como barba, bigode, cavanhaque, cabelos, uso ou não de óculos; Renata Angerami, que, por sua vez, apresenta fotografias coloridas e desfocadas, feitas num ambiente de praia e mar; entre vários outros.

A publicação Líris foi concretizada por meio de um financiamento coletivo, como os chamados crownd fundings, e não possui periodicidade fixa, já que os projetos do “Mundo Líris” são sempre desenvolvidos de modo livre, autônomo e independente. Acerca disso, Marcelo Greco comenta: “Não temos patrocínio, e nenhum outro tipo de demanda que imponha uma periodicidade às nossas criações. Somos comprometidos com a qualidade dos projetos, nos empenhamos em aprofundar as questões escolhidas para discussão e a partir delas geramos, no nosso tempo, no tempo da obra, um resultado artístico a ser compartilhado”.

Ao longo de duas semanas, o público poderá visitar o Estúdio Távora, Rua Valois de Castro, 50, Vila Nova Conceição, São Paulo, SP, onde uma parte dos trabalhos da Líris #1 será exposta, juntamente com uma mostra individual com fotografias de Márcio Távora.

Exposição: de 16 a 27 de março.

Fotografias de Eggleston

O Instituto Moreira Salles, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, apresenta “William Eggleston, a cor americana”, maior exposição individual do fotógrafo norte-americano já realizada no mundo. A mostra apresenta 172 obras, pertencentes a coleções prestigiosas como a do Museu de Arte Moderna de Nova York, Museum of Fine Arts de Houston, acervo pessoal do artista e das galerias Cheim & Read e Victoria Mir.

William Eggleston é um dos maiores nomes da história da fotografia do século XX. Suas famosas imagens coloridas apresentam o cotidiano e a paisagem das pequenas cidades e subúrbios do sul dos Estados Unidos, a região natal do fotógrafo, durante os anos 1960 e 1970. Eggleston abriu novos caminhos para a fotografia ao mirar suas lentes nos elementos que simbolizavam a modernização americana (carros, estradas, supermercados, outdoors, shopping centers, estacionamentos, motéis), ao apresentar essa realidade em cores vibrantes, e ao registrar o próprio dia a dia, apresentando amigos, familiares e outros personagens em imagens que combinam intimidade e estranhamento. Nos anos de Elvis Presley e Martin Luther King, o sul dos Estados Unidos ainda vivia as cicatrizes do passado escravocrata, com intensos conflitos raciais e uma classe média interessada em usufruir dos novos padrões de consumo.

William Eggleston descobriu o sucesso em 1976, quando o influente John Szarkowski, na época diretor do departamento de fotografia do MoMA/NY, organizou uma exposição de suas fotografias coloridas na instituição. Até então, o preto e branco dominava a fotografia de arte. A exposição, que apresentava cenas prosaicas, uma liberdade na composição das imagens e apostava na sedução da cor – até então mais presente na fotografia amadora e publicitária –, tornou-se objeto de intenso debate entre a comunidade fotográfica, e foi duramente criticada. Ao longo dos anos, no entanto, a mostra se transformou num marco.

Hoje, as imagens de Eggleston estão entre as mais célebres da história da fotografia, com uma lista de admiradores que vai da fotógrafa Nan Goldin ao músico David Byrne, do cineasta Wim Wenders ao brasileiro Karim Aïnouz. Filmes como “Elefante”, de Gus Van Sant, foram notoriamente inspirados no universo visual do fotógrafo. Tanto Van Sant quanto David Byrne convidaram Eggleston para colaborar em seus projetos.

“William Eggleston, a cor americana” é uma das maiores exposições já realizadas sobre o artista e traz ao Brasil, pela primeira vez, uma extensa seleção de fotografias produzidas durantes as décadas de 1960 e 1970, considerados os anos de ouro do fotógrafo. Um dos núcleos da mostra reunirá boa parte das fotografias presentes na lendária exposição de 1976, no MoMA. Outras duas salas reunirão as imagens da série “Los Alamos”, resultado de diversas viagens de carro pelo sul dos Estados Unidos, do Delta do Mississippi à Califórnia, entre 1965 e 1974. Os dois conjuntos são formados por cerca de 150 raras e delicadas fotografias feitas através do processo de dye-transfer, uma técnica de impressão fotográfica quase extinta, que se tornou marca registrada do artista por permitir um controle preciso das cores e intensa saturação.

Mesmo os fãs de Eggleston se supreenderão com a exposição, que também trará obras menos conhecidas, mas não menos importantes, do período. É o caso do formidável conjunto de retratos feito com uma câmera de grande formato em 1974 e conhecido como 5×7, em referência ao tamanho das chapas usadas. É também o caso de um conjunto de cinco fotografias em preto e branco, feitas antes que Eggleston abraçasse definitivamente a cor. O filme experimental “Stranded in Canton” (Encalhado em Cantão), rodado em preto e branco entre 1973 e 1974, com registros íntimos e de noitadas com amigos nos bares de New Orleans será exibido em uma das salas da casa da Gávea.

William Eggleston, a cor americana tem curadoria de Thyago Nogueira, editor da revista ZUM e coordenador de fotografia contemporânea do IMS. O projeto expográfico é de Martin Corullon, do escritório Metro Associados, e a identidade visual é da artista gráfica Luciana Facchini.

Até 28 de junho.

Fórmulas abstratas

Abrindo a temporada de mostras da Sala dos Pomares em 2015, a Fundação Vera Chaves Barcellos apresenta, de 21 de março a 18 de julho 2015, a exposição “Nelson Wiegert I Fórmulas Abstratas”.

Com organização e expografia de Vera Chaves Barcellos e do próprio Nelson Wiegert, a exposição individual do artista destaca sua mais recente produção: fotografias de grande formato, em preto e branco, que reproduzem intervenções sobre fórmulas matemáticas, gerando imagens de grande força e rigor. A esse conjunto de trabalhos, o artista denominou de “Fórmulas Abstratas”.

A ideia da obra surgiu em uma visita ao Instituto de Mineralogia e Física de Munique no momento em que o artista observou fórmulas deixadas em um quadro negro. O trabalho é uma espécie de acerto de contas do artista com a matemática, campo do conhecimento humano que nunca antes havia despertado seu interesse.

A execução da obra revelou ao revelou ao artista um novo método de desenho rápido sem a utilização do papel. “Por permitir apagar e refazer, o desenho a giz sobre o quadro é um ótimo método de trabalho, ágil e constante. Os desenhos selecionados são fotografados e computadorizados, podendo ser reproduzidos. As reproduções são igualmente selecionadas e, posteriormente, impressas como peças únicas. Com essa breve exposição, espero que este trabalho chegue ao espectador com o mesmo impulso livre que despertou em mim” – diz o artista.

A série ocupará toda a galeria do térreo da Sala dos Pomares. Desenhos, fotografias e colagens que esclarecem sobre o processo de construção da obra de Nelson Wiegert poderão ser vistas pelo público no mezanino. A mostra exibirá trabalhos da coleção do artista e do Acervo da FVCB.

A exposição contará com uma programação paralela constituída por palestras com teóricos e visitas mediadas que integram o Programa Educativo da FVCB, que segue apostando no poder socialmente transformador da arte.

Até 18 de julho.