Arquivos da Categoria: Fotografia

Geraldo de Barros em Londres

23/jan

A exposição “Geraldo de Barros | What Remains” organizada pela The Photographers’ Gallery, 16-18 Ramilies Street, Londres, Inglaterra, visa prestar uma homenagem ao talento de Geraldo de Barros. A mostra é uma tentativa de “diálogo” entre duas séries fotográficas criadas pelo artista, a saber: “Fotoformas” e “Sobras”. Estas séries pertencem aos anos de 1941 a 1946, e de 1996 a 1998. Artista múltiplo, Geraldo de Barros nasceu em São Paulo em 1923, e sua obra estende-se à pintura e ao design.

 

Pautado pelo experimentalismo em tudo que criou, Geraldo de Barros é reconhecidamente como um dos nomes precursores da fotografia moderna brasileira. Como membro ativo do Clube Bandeirantes, e influenciado por teorias psicanalíticas, acabou criando sua própria identidade visual. Como desbravador usou de técnicas e recursos inesperados para aquele período: ângulos e perspectivas inesperados, que geram formas abstratas. Mas também múltiplas exposições, filtros caseiros, justaposição de luz e sombra, rabiscos e desenhos sobre os negativos. Muitos desses elementos fazem parte de diversas composições na série “Fotoformas”.

 

Já a série “Sobras” localiza-se na parte final de sua vida. Motivado pela criatividade costumeira, o artista resolveu revigorar, através de experimentos, seu arquivo fotográfico e passa a utilizar de colagens feitas a partir de recortes e desenhos sobre negativos antigos, colados em placas de vidro que ganham novos significados através de lapsos, com cortes vazados que revelam fundos vazios.

 

Até 07 de abril.

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Miro no século XVII

25/out

A FASS, Vila Madalena, São Paulo, SP, galeria especializada em fotografias do início do século XX, além de cópias de época, ou vintage, apresenta “Miro – Um fotógrafo no século XVII”, exposição composta por onze trabalhos de Miro, releituras de  pinturas do século XVII, entre as quais, telas de Caravaggio.

 

São onze imagens que capturam por linguagem fotográfica obras renascentistas italianas, flamengas, francesas e espanholas, uma seleção que Miro utilizou como referência, para admirar a semelhança, atingida sem qualquer tipo de intervenção ou manipulação digital. As fotos, com tiragem de cinco, foram feitas em estúdio, apenas com os recursos à mão do fotógrafo na década de 1980: câmeras de grande formato e filmes positivos em placas de 4×5 polegadas.

 

As fotografias reunidas na mostra refletem um momento de introspecção do autor, às voltas com questões existenciais como a finitude e transitoriedade da vida, temas caros aos mestres daquele período.  Na versão de Miro, obas como “São Jerônimo”, de 1606, “São João Batista”, de 1604, e “Flagelação de Cristo”, de 1607, encantam e emocionam pela sensação de presença que exalam os personagens, os corpos que, vindos da pintura, parecem avançar em nossa direção reivindicando humanidade.

 

Nas naturezas mortas, essa procura obsessiva por um vislumbre da verossimilhança representada em telas de 400 anos atrás alcança um grau de expressividade que transcende a mera reprodução e gera uma nova mensagem.  Exemplos desse estilo recriados por Miro são as telas “Bodegon de Cocina”, de 1665, de Mateo Cerezo e “Bodegon e Paisagem”, atribuída a Juan Van Der Hamen y Léon.

 

Sobre o artista

 

Azemiro de Souza, o Miro, nasceu em 1949, na cidade de Bebedouro, SP. Foi laboratorista, assistente e nos anos 70 e 80 tornou-se um dos fotógrafos de publicidade e moda mais influentes do Brasil. Com um estilo influenciado pelas artes cênicas, pintura e cinema, Miro criou não só belos trabalhos fotográficos, mas tendências, além de dar cara a várias marcas. Sua busca quase obsessiva pela imagem precisa e fiel à sua imaginação moldou o mito criado em torno de sua obra. Em 2010 lançou o livro “Artesão da Luz”, pela Luste Editores.

 

 

Até 22 de dezembro.

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Um olhar livre

23/out

Antanas Sutkus

Pela primeira vez encontra-se em exibição 120 retratos de um dos mais importantes fotógrafos do século XX. Aos 73 anos, o lituano Antanas Sut­kus ganha retrospectiva no Centro de Arte Contemporânea e Fotografia, Centro, Belo Horizonte, MG. A mostra compõem-se de imagens da vida cotidiana na União Soviética (da qual a Lituânia fazia parte) dos anos 50 aos 90. Antanas Sutkus abordou com delicadeza e certa intimidade cenas comuns de sua terra. Um dos exemplos mais famosos nessa exposição é a premiada foto “Pioneiro”, que mostra um melancólico menino mas também são evidentes na produção do artista reflexos de sua biografia. Por ter sido criado pelos avós no meio rural, ele registra com ternura pessoas idosas e camponeses. Outra preciosidade, que surgiu do seu acervo de quase 1 milhão de negativos, é uma série de fotografias da visita dos filósofos Jean-Paul Sartre e Simone de Beauvoir à Lituânia, em 1965. Essa sequência de imagens ganhou lugar de destaque no mezanino da galeria.

 

Segundo o curador Luiz Gustavo Carvalho, “o principal interesse do lituano eram as pessoas simples, a rotina e a expressão particular de cada um, além de posicionar-se contra os arbitrários do movimento realista soviético”, o crador afirma ainda que “cada imagem (de Antanas) contém uma dose de subversão tingida com a doçura do olhar deste fotógrafo excepcional. O olhar de Antanas Sutkus é o olhar de um homem livre”.

 

Em 1969, fundou a Sociedade da Arte da Fotografia, em Vilnius, na Lituânia, que reunia fotógrafos que possuíam as mesmas aspirações. Em 1976, Antanas Sutkus foi condecorado com um prêmio da Associação Internacional de Fotografia Artística, associação da qual ele até hoje é membro, e é também, desde 1996, presidente da Associação Lituana de Fotógrafos.

 

A exposição já foi apresentada em Curitiba e, depois da capital mineira, segue para Salvador e Fortaleza.

 

Até 04 de novembro.

 

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Em busca do essencial

17/out

A LUME Photos, Itaim-Bibi, São Paulo, SP, inaugura “Naïve”, a primeira exposição individual do fotógrafo Gabriel Wickbold com 14 imagens da série homônima. Em sua busca pela essência do homem, registrou imagens de rostos de modelos pintados com guache e efeitos craquelados, sobrepostos por insetos ou plantas. Para Gabriel Wickbold, este ser humano ingênuo (tradução da palavra francesa naïve), fossilizado, atua “adubando algo novo, gerando vida através de sua carcaça pura”. O título da série faz alusão ao sentimento de superioridade do homem em relação à Natureza.

 

Sempre estiveram presentes no trabalho do fotógrafo a figura humana e a criação de interferências em seus personagens com o emprego da tinta. Em “Naïve”, a novidade fica por conta da interação com outros elementos da natureza, acessórios dispostos com a intenção de questionar a posição do homem no mundo. Apesar de forte relação com a temática do impacto ambiental provocado pela ação humana, as questões fundamentais nas obras de Gabriel Wickbold são filosóficas, interiores. Nesses trabalhos, o fotógrafo foca-se na natureza do homem, arrogante devido a sua falta de conhecimento acerca da vida que o cerca, da vida que está além de sua própria vida.

 

Em “Naïve”, Gabriel Wickbold optou por fotografar apenas as cabeças dos modelos, já que é a parte do corpo onde se concentram as ideias e emoções. Antes do clique, o inseto ou planta é posicionado sobre a face. Todos os elementos que compõem as obras do artista estão presentes no momento da fotografia. Tão importante quanto a técnica do manuseio da câmera é esse processo de transformação dos modelos em homens-instalação. O artista trata a fotografia como instrumento para representar sua estética, que é utilizada como um impulso para o conteúdo, um meio de exprimir sua visão de mundo. “A arte é reflexo do homem e suas questões. Essa série veio como uma transpiração desse meu momento”, diz. A curadoria é de Paulo Kassab Jr e a coordenação de Felipe Hegg.

 

Até 23 de novembro.

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Fotos exóticas

16/out

A fotógrafa Christiana Carvalho abre sua primeira exposição na Galeria Marcia Barrozo do Amaral, Shopping Cassino Atlântico, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ, na qual exibe 22 fotografias que contam a história de sua experiência em alto mar. Christiana Carvalho começou a fotografar espetáculos de dança e teatro em São Paulo na década de 70. Em 1976 começou a se interessar também pela natureza e povos de lugares distintos, foi quando resolveu passar 10 anos de sua vida a bordo do navio sueco “Lindblad Explorer” onde produziu um fascinante acervo mostrando fotos submarinas, a vegetação exótica e diversos povos de lugares como Antártica, África, Ásia e Austrália.

 

Sobre a artista

 

Christiana Carvalho colaborou com assiduidade em várias publicações, no Brasil e no exterior, como National Geographic e People Magazine na Austrália. No início de 2000, voltou a fotografar teatro e foto still para cinema e começou a expor todo o seu material em galerias. Participou de coletivas na França, África, Bolívia, Peru, além do MASP, São Paulo e do MAM-Rio. Também realizou individuais no Museu da Imagem e do Som, Rio de Janeiro, RJ, e em diversos espaços profisionais no eixo Rio-São Paulo.

 

 

Até 26 de novembro.

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City Lights

10/out

A Huma Art Projects, Humaitá, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição “City Lights”, com 19 obras inéditas de Patricia Thompson, pensadas especialmente para sua primeira exposição individual na galeria. A ideia para esta exposição surgiu na última viagem da artista à Nova York, cidade onde viveu por seis anos e que continua sendo uma fonte de inspiração para seu projeto autoral de arquitetura abstrata, trabalhos que ela nomeou como “Abstracted Urbanism”. Nesta série, fotografa construções urbanas com composições elaboradas, através de detalhes geométricos e arranjos visuais. Na atual exposição, a artista apresenta um desdobramento dessa pesquisa, mostrando, pela primeira vez, fotografias noturnas. Todos os efeitos foram obtidos no momento exato da captação da foto, sem uso posterior de photoshop ou qualquer outro programa de edição. Patricia Thompson trabalha com o tempo e a luz ambiente.

 

No primeiro andar da galeria, Patricia exibe 12 fotografias impressas em papel de algodão, nas quais dá continuidade ao processo de pesquisa da arquitetura novaiorquina, com fotos diurnas: arranjos visuais gráficos de objetos reconhecíveis, como uma vitrine, uma escada ou uma parede de um prédio; uma intenção não representativa. Trata-se de uma transformação do real.

 

Mais um desdobramento dessa pesquisa é exibido no segundo andar, com fotos feitas durante a noite. Ao todo, nove fotografias sobre construções urbanas e iluminação noturna, produzidas em backlight. Neste espaço, com luzes apagadas para criar um ambiente escuro, a iluminação surge através de caixas de luz que envolvem o espectador no universo em que a artista encontrava-se ao realizar as obras.

 

Sobre a artista

 

Nascida no Rio de Janeiro, em 1985, Patrícia Thompson é fotógrafa de interiores e arquitetura. Morou um ano em Londres e seis anos em Nova York, onde se formou na Parsons School of Design com um BFA Photography. Foi nesta cidade que ela descobriu sua identidade artística e a preferência por construções urbanas. O projeto desenvolvido durante esses anos se chama “Abstracted Urbanism” e rendeu uma bolsa no penúltimo ano de faculdade e uma exposição individual patrocinada pela MaxMara para o evento mundial “Fashion’s Night Out 2010”. Participou das exposições coletivas “As Quatro Pontes”, na Huma Art Projects, em 2011 e em duas ocasiões na Parsons School of Design, em 2009 e 2010.

 

 Exposição: De 11 de outubro a 11 de novembro.

 

 Lançamento do catálogo: 11 de novembro, às 18h.

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Série ‘Nós’

09/out

O fotógrafo Paulo Gouvêa Vieira estreia na edição 2012 da Casa Cor, Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, com a série “Nós”, sob curadoria do arquiteto Chicô Gouvêa. As 51 imagens, selecionadas a partir de um total de 220, mostram detalhes da natureza flagrados em close de nós de arames farpados. Borboletas, gotas de orvalho, teias de aranha, por do sol, lua… A interação da natureza com os arames farpados surpreende pela beleza e riqueza visual.

 

Feitas em diferentes cenários – não há arame farpado repetido – as fotos são o resultado de um trabalho realizado entre os anos de 2009 e 2010, em Itaipava e Arco Verde, interior de Pernambuco. Todas as fotos foram feitas com luz natural e não passaram por corte, tratamento ou qualquer outra interferência.

 

Entre as curiosidades que envolvem o trabalho está o fato de as fotos serem únicas, nenhuma foi refeita. Para ambientar o espaço de 61 metros, que dá acesso a diferentes ambientes da Casa Cor, Chicô Gouvêa escolheu imagens que “conversam entre si” e formam uma composição independente do que representam isoladamente.

 

Até 19 de novembro.

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Exposição de Luiza Baldan

07/out

A fotógrafa Luiza Baldan apresenta coletânea de trabalhos recentes no Centro Carioca de Design/Studio X Rio, Praça Tiradentes, Rio de Janeiro, RJ. A exposição, “São Casas”, recebeu curadoria assinada por Guilherme Bueno e reúne 20 fotografias e uma videoinstalação de projetos de residências realizados entre 2009 e 2011 como “Natal no Minhocão”, “Pinturinhas”, “De murunduns e fronteiras”, “Insulares”, “Marginais”, “Serrinha” e “Beira”.

 

Luiza Baldan seleciona áreas urbanas transfiguradas por construções arquitetônicas para viver durante um mês e trabalhar através da experiência do habitar. Foi assim que a artista viveu por um período no Conjunto Habitacional Pedregulho, em Benfica; no condomínio de luxo Península, na Barra da Tijuca e no Conjunto Residencial Rapozo Tavares, o Rapozão, em Santa Teresa.

 

Os deslocamentos têm sido também deslocamentos de olhar ou, mais do que isso, a criação de “outro” olhar a partir da experiência que um lugar estrangeiro desencadeia. Não se trata de documentar a experiência, mas de produzir ficção a partir dos fatos cotidianos. Entre residências, mudanças, errâncias e cidades, Baldan se habituou ao trânsito e ao transitório, e seu olhar vem acompanhando o percurso, ora cinematográfico, ora pictórico, mas sempre fotográfico. A artista trabalha diretamente com a sua memória em relação ao morar. O cinema, a pintura e a literatura atravessam suas imagens, sempre marcadas pela convivência com a arquitetura, com o espaço construído.

 

Sobre a artista

 

Nasceu no Rio de Janeiro, 1980.  Mestre e bacharel em Artes Visuais pela UFRJ , Rio de Janeiro, 2010, e Florida International University, Miami, 2002. Selecionada pelo programa Rumos Artes Visuais 2011–2013 do Itaú Cultural e premiada com a bolsa-residência no CRAC Valparaíso; recebeu o XI Prêmio Marc Ferrez de Fotografia da Funarte, 2010, o prêmio aquisição na 1ª Mostra de Fotografia CCSP, 2008, além dos internacionais Color Express Award e Brown L. & Marion Whately Scholarship, 2002.

 

De 09 de outubro a 13 de dezembro.

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Roger Ballen no MAM-Rio

04/out

O MAM-Rio, Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição retrospectiva do artista americano radicado na África do Sul, Roger Ballen, um dos fotógrafos contemporâneos mais importantes de sua geração. “Roger Ballen – Transfigurações, Fotografias 1968-2012” é a primeira grande exposição na  América Latina do artista, que recentemente teve retrospectivas em grandes instituições dos Estados Unidos e da Europa.

 

A exposição apresentará uma seleção de trabalhos de Roger Ballen, que datam desde a década de 1960 até os dias de hoje, possibilitando ao espectador a observação do processo de desenvolvimento da obra do artista. Ballen começou a fotografar aos 18 anos e menos de uma década depois se mudou para a África do Sul, onde ainda reside.  A partir dos anos 1980, ele passa a fotografar com câmera de médio formato, que exige uma abordagem mais consciente e meticulosa frente a seus objetos, e que resulta na imagem quadrada que utiliza até hoje.

 

A série “Platteland”, publicada em livro em 1994, ano em que Nelson Mandela seria eleito presidente, atraiu a ira dos setores conservadores da África do Sul, fazendo com que Ballen chegasse a ser preso diversas vezes, e a sofrer ameaças de morte por seu trabalho. A partir de 1995, Ballen começa a ter reconhecimento internacional. Abandona a prática da fotografia documental e começa a desenvolver, a partir da série “Outland”, uma nova linguagem, fundamentada nas teorias junguianas. Essa fotografia repleta de ambiguidades e criadora de uma estética do grotesco culmina em “Shadow Chamber” e “Boarding House”. Ballen continua trabalhando com uma Rolleiflex – mesma câmera analógica empregada em “Dorps” há 30 anos –  e se mantém, até o momento, distante das manipulações digitais. As fotos são todas em preto e branco.

 

Com curadoria de Daniella Géo, brasileira radicada na Bélgica, a exposição cobre desde os primeiros anos da trajetória de Ballen até o seu projeto mais recente. São oito séries fotográficas e mais de cem obras, que abrangem a produção do artista, apresentadas em um espaço labiríntico, projetado pelo arquiteto belga Koen Van Synghel, ganhador do Leão de ouro da Bienal de Arquitetura de Veneza, em 2004.  Daniella Géo é doutoranda em artes visuais pela Université de la Sorbonne Nouvelle, Paris.

 

“Roger Ballen – Transfigurações, Fotografias 1968-2012” terá um catálogo bilíngue, com textos de Luiz Camillo Osorio, Philippe Dubois, Koen Van Synghel e uma conversa entre a curadora e o artista. O design é da Mameluco.

 

Sobre o artista

 

Nascido em Nova York, em 1950, vive e trabalha em Joanesburgo, África do Sul. Roger Ballen expôs individual e coletivamente em diversas instituições internacionais, tais como George Eastman House, Rochester, exposição retrospectiva nomeada finalista na categoria de melhor exposição de 2010 do Lucie Awards, considerado o Oscar da Fotografia; Gagosian Gallery, NY, uma das diversas galerias de arte que o representa; Sala Rekalde, Bilbao; Berlin Biennial; Wurttembergischer Kunstverein, Stuttgart; Sydney Biennale, Australia; National Library of Australia; PhotoEspana, Madri, onde recebeu o prêmio de melhor livro monográfico em 2001; Iziko South African National Gallery, Cidade do Cabo; State Museum of Russia, São Petersburgo; Bozar, Brussels; Hasselblad Center, Gutenberg; Kunsthaus, Zürich; Triennale, Milan; Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris; Festival de la Photographie d’Arles, onde foi selecionado como fotógrafo do ano de 2002; Biblioteque Nationale, Paris; Noordelicht, Amsterdã; Kunstal Museum, Rotterdã; BIP 2010, Biennale internationale de la Photographie, Liège, Haus der Kulturen der Welt, Berlin; Victoria and Albert Museum, Londres; Zacheta National Gallery, Varsóvia; New Museum, MoMA-NY etc. Suas exposições individuais figuraram entre as Top 10 Exhibitions da ArtForum, nos anos 2002 e 2004.

 

As fotografias de Roger Ballen fazem parte das coleções: MoMA, NY; Brooklyn Museum, NY; Museum of Fine Arts, Houston; Centre Georges Pompidou, Paris, França; Maison Européenne de la Photogrpahie e Musée Nicephore Niepce, França; Fotomuseum, Munique, Alemanha; Victoria & Albert Museum, Londres, Inglaterra; Stedelijk Museum, Amsterdã, Holanda; Hasselblad Center, Gothenburg, Suécia, entre outros.

 

 

Exposição: De 03 de outubro a 02 de dezembro.

 

Palestra: No dia 04 de outubro, às 19h30, haverá uma palestra de Roger Ballen, no Parque Lage, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ.

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Ponto Cego/Miguel Rio Branco

27/set

Carro-doce

“Ponto Cego”, individual de Miguel Rio Branco, é uma das principais exposições de artes visuais realizadas pelo Santander Cultural, Porto Alegre, RS, em 2012. São 110 criações que representam a multiplicidade do artista, possuidor de um domínio no emprego de cores, fato de reconhecimento internacional como uma das maiores manifestações poéticas da arte contemporânea.

 

O recorte de obras produzidas entre 1986 e 2012 atesta o vigor da expressão criativa de Miguel Rio Branco. Trata-se de quase cinco décadas de criação do artista que nasceu na Espanha, em 1946, uma diversida poética da imagem e da fotografia que permitem refletir sobre o seu trabalho.

 

Paulo Herkenhoff, crítico de arte e curador da exposição, selecionou obras que traduzem a extensa produção fotográfica, pictórica, fílmica, de livros e projetos do artista. A disposição dos trabalhos não obedece ordem cronológica ou temática e muito menos por técnicas. A montagem é organizada para propiciar ao público um contato com o esforço vital do artista na elaboração de sua expressão.

 

Sobre o artista

 

Brasileiro nascido por acaso nas Ilhas Canárias, na Espanha (é filho de um diplomata, além de neto do gênio carioca das artes gráficas Jota Carlos), Miguel Rio Branco é frequentemente descrito como o único fotógrafo do país a integrar a agência Magnum. As fotos de Miguel Rio Branco são frequentemente mostradas em exposições e revistas internacionais e estão documentadas em 4 livros: “Dulce Sudor Amargo ” (85, México), “Nakta”, com poema de Louis Calaferte (96-Paraná), “Miguel Rio Branco” com ensaio de Davi Levi Strauss (ed. Apertur/ Cia das Letras) e “Silent Book” (ed. Cosac Naify) em 98.

 

Como pintor, realizou duas exposições, em 1964 na Galeria Alikerkeller, Berna, Suiça e em 1989, na Galeria Saramenha, Rio de janeiro, RJ. O artista já dirigiu 14 curtas-metragens e fotografou 8 longas, muitos deles premiados. No Brasil, Miguel Rio Branco participou de mostras em várias cidades, participando inclusive da Bienal Internacional de São Paulo, nas edições de 1967, 1983 e 1998;  de exposições no MAM/RJ e na Bienal Internacional de Fotografia de Curitiba, PR, em 1996; mostra de arte no MAM/RJ na Eco -92. No ano 2000, realizou exposições na Grécia, França, Espanha, Bélgica e Estados Unidos e participou do módulo de Arte Contemporânea do evento “Brasil+500″. Em 2010 foi inaugurado o pavilhão Miguel Rio Branco em Inhotim, MG.

 

Até 11 de novembro.

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