Arquivos da Categoria: Galerias

Espaço para as pinturas de Maria Polo

11/jun

A Pinakotheke apresentará na feira ArPa – feira de arte contemporânea no Mercado Livre Arena Pacaembu, São Paulo, de 26 a 30 de junho – um estande solo, dedicado à obra de Maria Polo (1937-1983), com aproximadamente quinze trabalhos emblemáticos da artista dos anos 1960 e 1970, período em que foi um dos nomes mais marcantes da abstração informal no Brasil. Na ArPa, a Pinakotheke estará no Estande D7, no Setor Principal.

Sobre a artista

Nascida em Veneza, Itália, em 1937, Maria Polo se mudou para São Paulo em 1959, convidada por Pietro Maria Bardi, então diretor do MASP, para preparar sua exposição individual no Museu, no ano seguinte, sua primeira individual no Brasil, quando escreveu sobre ela: “A pintura de Maria Polo é violenta e ao mesmo tempo grave, lança-se na aventura aforista das formas, compõe as manchas, juntando cores berrantes, gritando. É uma tímida com fogo por dentro. Os inúmeros críticos que dela falaram não descobriram que é uma mediterrânea: as cores vem do sol do Adriático que ilumina o imenso ungarettiano, mas através de um módulo pacato e harmônico. Maria Polo, por vezes mistura as luzes de sua terra com os trópicos, e deste conúbio saem as novidades colorísticas das mais estranhas e curiosas (Gauguin, fundindo os climas da Bretanha com os de Taiti, encontrou as suas soluções de cor)”.

Com estética própria, Maria Polo faleceu precocemente, no ápice de sua carreira. O físico, matemático e crítico de arte Mário Schenberg (1914-1990) escreveu sobre ela em 1969: “Em sua pintura, processava-se uma luta entre o naturalismo construtivista de sua formação italiana com o lirismo e a fantasia musical de sua personalidade. Nas paisagens pernambucanas, pintadas pouco depois de sua vinda para o Brasil, já se podia constatar que o impacto poderoso do cromatismo e da luz nordestinos haviam auxiliado a artista a afirmar suas tendências mais profundas, abalando a disciplina construtiva e o objetivismo naturalista de sua formação. A assimilação das experiências do expressionismo abstrato e do informalismo vieram, posteriormente, reforçar a manifestação do lirismo e da dramaticidade inerentes à personalidade de Maria Polo. No começo de 1965, a pintura abstratizante, de tendência expressionista caligráfica, solidamente construída, de Maria Polo atingiu ao seu nível mais alto. Realizou então telas soberbas, que lhe deram uma posição eminente no movimento artístico brasileiro. Poder-se-ia esperar uma pausa no desenvolvimento de Maria. Muito ao contrário, insatisfeita com os resultados obtidos, mas encorajada pelo que alcançara, iria iniciar uma fase de transformações radicais de sua arte. A última etapa do caminho de Maria Polo representa indiscutivelmente uma afirmação mais nítida de sua personalidade, numa libertação mais essencial dos condicionamentos objetivistas e estruturalistas de sua formação europeia. Paradoxalmente assim se aproximou mais do verdadeiro espírito da grande pintura de sua Veneza natal, tão cromaticamente musical e tão aberta para a fantasia e o sonho”.

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As estratégias da natureza

Ana Paula Oliveira – Um halo um elo, saudade de pedra

Na exposição “Um halo um elo, saudade de pedra” a artista Ana Paula Oliveira, com texto critico de José Augusto Ribeiro, a artista apresenta uma série de esculturas instáveis, através das quais investiga a dinâmica do funcionamento das plantas e das estratégias da natureza, além de uma série de desenhos e colagens realizadas com diversos materiais, textos e imagens extraídos do livro “Geologia Aplicada à Engenharia”. A abertura contará com a participação de uma performance realizada por uma equilibrista convidada que ativará algumas peças através de ações interativas.

Galeria Marcelo Guarnieri & Ana Paula Oliveira

A Galeria Marcelo Guarnieri apresentar, entre 15 de junho e 20 de julho, “Um halo um elo, saudade de pedra”, exposição individual de Ana Paula Oliveira (1969, Uberaba – Minas Gerais) em na unidade de São Paulo, nos Jardins. A mostra reúne um conjunto de esculturas inéditas que surgem dos estudos em botânica desenvolvidos pela artista durante os últimos quatro anos.

“Um alo um elo, saudade de pedra” está formada por uma variedade de materiais, desde esqueletos de insetos, casca de coco e madeira, até metais como ferro, alumínio e latão. Interagem entre si por meio das esculturas criadas pela artista, que com seus gestos e soluções formais propõe uma relação mais simbiótica entre materiais orgânicos e industriais, entre humanos e mais que humanos. A ideia de elo é explorada tanto a nível material, quanto funcional, quando, por exemplo, produz pequenas esculturas de exoesqueletos metalizados que podem adquirir a qualidade de acessórios utilizáveis.

Um dos trabalhos centrais da exposição, intitulado “Córgo”, utiliza dormentes de madeira que outrora foram trilhos de trem. Nessas peças, o chumbo escorrido corre estagnado pelos veios seculares da madeira, evocando a imagem de um pequeno rio. A escolha pela diversidade de metais corresponde ao desejo de explorar a luminosidade de cada um, criando, em seu conjunto, uma particular gama de tons. As peças de parede da exposição são estruturadas a partir de presilhas, suportes de encaixe e batedores de porta, que complementam as esculturas. Outras obras incluem “Cardume particular”, esculturas de chão fundidas com piranhas, e “Para Munch todos os gritos”, um conjunto de côcos secos e fundidos que, através dos contornos de suas texturas e orifícios, aludem à famosa pintura “O Grito” de Edvard Munch. Além deste conjunto de trabalhos inéditos, podem ser vistos alguns trabalhos da série “Estudos para alguma coisa significativa”, formados por colagens realizadas com diversos materiais.

Motivada pelo vigor da matéria viva, Ana Paula Oliveira cria, com suas esculturas e instalações, situações de tensão e equilíbrio entre materiais ora muito brutos, ora muito delicados. Seus trabalhos parecem nos colocar num estado de suspensão, testemunhas de um movimento que está prestes a ocorrer, mas incapazes de ter qualquer tipo de controle sobre o que se apresenta. A artista provoca diversos tipos de encontros em suas peças e instalações, como por exemplo entre animais – vivos, taxidermizados ou fundidos em chumbo e toras de madeira, blocos de ferro ou placas de vidro; contrapondo, através de gestos pujantes, a leveza de um à força do outro.

Ana Paula Oliveira já participou de inúmeras exposições individuais e coletivas, destacando-se as seguintes instituições: MAM – Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Brasil; MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil; MUBE – Museu Brasileiro de Escultura, São Paulo, Brasil; Centro Cultural São Paulo, Brasil; Caixa Cultural, Rio de Janeiro, Brasil; Paço das Artes, São Paulo, Brasil; Capela do Morumbi, São Paulo, Brasil; Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brasil; Casa da imagem no Beco do Pinto, São Paulo, Brasil; CEUMA – Centro Universitário Mariantonia, São Paulo, Brasil; Fábrica Asa, Guimarães, Portugal; Museu de Arte Contemporânea de Ribeirão Preto, São Paulo, Brasil; Casa de Cultura do Parque, São Paulo, Brasil.

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Pietrina Checcacci em exposição na Galatea

04/jun

A Galatea, Jardins, anuncia a exibição de Pietrina Checcacci: táticas do corpo, sua próxima exposição em São Paulo até o dia 13 de Julho.

A individual da artista ítalo-brasileira Pietrina Checcacci (1941, Taranto, Puglia, Itália) apresenta obras que datam desde a década de 1960 até os desdobramentos atuais de sua produção. A mostra coloca em evidência tanto os trabalhos de cunho político que dialogam com a estética da Nova Figuração Brasileira quanto as pinturas que trazem o corpo em primeiro plano a partir do olhar feminino, explorando ora as suas minúcias anatômicas, ora o seu potencial erótico.

Em uma ação coordenada visando lançar novos olhares curatoriais para a produção da artista, a Danielian Galeria inaugurou no dia 28 de maio mostra individual de Pietrina Checcacci, no Rio de Janeiro, sob o título de “Carnação”.

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Chico Cunha em cartaz na Danielian

O pintor Chico Cunha, importante nome da Geração 80, ocupa os espaços expositivos da casa principal da galeria na Gávea até o dia 20 de Julho com sua produção recente. Ele trabalha a pintura a partir de diálogos entre a História da Arte e suas referências visuais afetivas. O título da exposição é uma alusão ao livro publicado em 1977 pelo filósofo francês Roland Barthes (1915-1980), em que analisa a linguagem das relações amorosas. Curadoria: Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto.

Sobre o artista

Chico Cunha é artista visual, professor, arquiteto e cenógrafo. Dentre exposições coletivas destacam-se a Bienal de SP, a Bienal de Cuba e a histórica exposição “Como vai você Geração 80?”, da qual se tornou um dos principais expoentes. É professor da Escola de Artes Visuais do Parque Lage desde 2002. Realizou individuais recentes em galerias e centros culturais como Paço Imperial no RJ, Centro Cultural Oi Futuro, Cavalariça do Parque Lage e Galeria Eduardo Fernandes, em São Paulo. No último ano participou, no Rio de Janeiro, de coletivas na Casa França Brasil, Pinakotheke Cultural e Casa Roberto Marinho. Seus trabalhos integram acervos de coleções como MAM RJ, MAM SP, MAC Niterói, Cisneros, Sattamini, Gilberto Chateaubriand, UNESCO e Shell, entre outras.

Texto curatorial

Fragmentos de uma pintura amororsa

Chico Cunha faz parte de um momento brasileiro em que a arte surgiu como um grito de liberdade de expressão. A Geração 80, da qual Chico de destaca no campo da pintura, resgatou a experimentação como ferramenta de conexão entre vida e arte: a aventura da expressão liberta de véus filosóficos ou trincheiras conceituais. Das inquietações plásticas de uma sociedade que produz imagens, entre o consumo e o descarte, o olhar do artista captura os hiatos. Em suas telas Chico Cunha reúne fragmentos de memórias afetivas, artísticas, visuais e ficcionais, na investigação da pintura como um palimpsesto, entre o ontem e o hoje, o transitório e o eterno. A voz íntima, delicada e sofisticada da pintura de uma geração de cores, contrastes, gestos e narrativas. Paisagens de Guignard, iluminuras medievais e a natureza fauve de Gauguin, suas obras suspendem a questão do tema através de uma névoa de imaginação que nos envolve. Os títulos parecem servir de farol do percurso do olho sobre a tela. O nome da mostra é uma citação ao famoso livro de Roland Barthes, “Fragmentos de um discurso amoroso”, publicado em 1977, onde o autor discute a linguagem romântica a partir de textos de filósofos, poetas e intelectuais como Sócrates, Freud, Werther e Nietzsche. No flerte entre estas duas pesquisas, essa exposição que reúne a produção recente de Chico Cunha aponta direções sobre a pintura como linguagem que são fundamentais para o cenário artístico contemporâneo, e fazem parte da trajetória de Chico de maneira íntima e processual.

Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto.

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Os 91 anos de Anna Bella Geiger

03/jun

O Sesc RJ, apresenta (até 08 de Setembro) na Galeria do Sesc Copacabana – 1° andar a exposição “Anna Bella Geiger – Entre o relevo e o recorte”. Mostra inédita que celebra os 75 anos de carreira da artista, que também completa 91 anos. A mostra inédita mergulha no universo multifacetado de Anna Bella Geiger, uma das mais influentes artistas brasileiras do século XX. A individual é realizada pela Agência Dellas e produzida pela Atelier Produtora, e conta com a curadoria de Ana Hortides. A mostra foi contemplada pelo Edital de Cultura Sesc RJ Pulsar 2024.

A mostra apresentará 29 trabalhos fundamentais que datam da década de 1960, especificamente no período entre 1960 e 1966. Destacando-se a obra Sem título, de 1961, vencedora do 1º Concurso Interamericano de Grabado, na Casa de las Americas, em Havana, Cuba, no ano de 1962.  “Anna Bella Geiger – Entre o Relevo e o Recorte” destaca especificamente a fase inicial da artista como gravadora, revelando a sua ousadia ao desafiar as convenções do meio. Um aspecto crucial da exposição é a exploração da técnica de recorte da chapa de metal da gravura, uma prática não usual na época, que sinalizava a direção de suas futuras experimentações.

Uma iniciação

Lembro-me bem de quando cheguei a uma compreensão mais plena e profunda dos princípios abstracionistas na minha própria obra em meados do ano de 1952. Estávamos num momento cultural em que alguns e algumas de nós, artistas, vínhamos buscando, individualmente, radicalizar essas  transformações, fosse aqui no Brasil, como internacionalmente. Isso após uma longa iniciação, desde 1949, no ateliê da artista Fayga Ostrower, através de incansáveis estudos e pesquisas baseados nos princípios cubistas de Pablo Picasso e Georges Braque, assim como nos exercícios propostos nos Notebooks de Paul Klee na Bauhaus. Incluiria aí também estudos sobre o uso da cor e da composição estrutural na gravura japonesa do século XVIII e na complexidade da escultura africana em suas diversas regiões. Naquele turbilhão de ideias, comecei a encontrar soluções próprias, individuais, em meus desenhos, guaches e gravuras abstratas. Nessa época, alguns de nossos pioneiros na área gráfica, como Osvaldo Goeldi, Lasar Segall, Lívio Abramo, inclusive a própria Fayga Ostrower (até 1952), eram artistas figurativos, não viam o mundo somente do ponto de vista estético, mas sim sob os seus aspectos sociais e humanos. Havia um conflito, um verdadeiro tabu, na questão da eliminação da figura humana na Arte. As desavenças eram profundas, e, no Brasil, ainda tínhamos uma questão extra-artística, como a do regionalismo ou do realismo. As questões desenvolvidas na minha obra, eram denominadas no vocabulário internacional como abstração informal ou lírica, com certa identidade com os pintores da Escola de Nova Iorque e de Paris, bem como as  levantadas pela  Fayga,  Iberê Camargo, Yolanda Mohalyi, entre outros. Desses artistas internacionais, podem ser citados, por exemplo, Franz Kline, Willem De Kooning, Robert Motherwell, Philip Guston, Jackson Pollock, assim como o franco-alemão Hans Hartung e o espanhol Antoni Tàpies. Em 1965, a minha própria concepção sobre a arte abstrata começa a se radicalizar, assumindo recortes e relevos na sua composição. É o caso de duas gravuras sem título, que diferem das outras anteriores porque recorto uma forma trapezóide na própria placa de latão, e assim, o relevo surge impresso no papel branco, vazio. É interessante notar que, apesar de não termos tido contato naqueles mesmos anos com os artistas abstratos internacionais, principalmente os da Escola de Nova Iorque, ocorreu uma certa concomitância com a obra internacional numa identidade de princípios, por exemplo, por certas posições políticas semelhantes do pós-guerra, culminando numa semelhança formal. Não devemos nos esquecer que a arte abstrata surge também em consequência da 2ª Guerra Mundial e adota um pensamento baseado na filosofia existencialista, do individualismo, do conceito de liberdade individual em Jean-Paul Sartre. Em fevereiro de 1953, organizou-se a Primeira Exposição Nacional de Arte Abstrata, no Hotel Quitandinha, em Petrópolis, da qual participei com três obras. Podemos dizer que ali, pela primeira vez no Brasil, os artistas abstratos marcariam posição contra as principais tendências da arte no país, compreendidas pela primeira vez do ponto de vista plástico-formal e não a partir de questões extra-artísticas, como o regionalismo e o realismo social. Já sobre o abstracionismo na minha obra, ele se desenvolveu até 1965, período em que participei de inúmeras Bienais Internacionais, como a de São Paulo (de 1961,1963,1965 até o ano de 1967), quando eu aderi ao boicote contra o AI-5. Ao longo de 1962 a 1966, integrei exposições, como o 1º Concurso Interamericano de Grabado, em Havana, Cuba, 1962, onde recebi o primeiro e único Prêmio “Casa de Las Américas”; o Brazilian Art Today, no Royal College of Art, Londres, em 1965; a 1ª Bienal Latino-Americana de Grabado, Santiago do Chile, em 1966, da qual recebi menção honrosa; a 1ª Exposição Jovem Gravura Nacional, do programa Jovem Arte Contemporânea (JAC), do Museu de Arte Contemporânea (MAC) de São Paulo no qual ganhei o 1º Prêmio de gravura. Além dessas, participei de exposições   individuais e coletivas, como a EL ARTE en America y España, em 1963, no Instituto de Cultura Hispânica, Madrid, entre outras. Em 1978, fui convidada por Paulo Sérgio Duarte, da recém-criada FUNARTE, para escrever uma publicação sobre o Abstracionismo no Brasil, que intitulei de Abstracionismo geométrico e informal: a vanguarda brasileira nos anos 50, publicada em 1987. Na ocasião, convidei o crítico de arte Fernando Cocchiarale para colaborar no livro. O Abstracionismo é considerado internacionalmente o último “ismo” da história da Arte Moderna.

Anna Bella Geiger.

O Ato Institucional Número Cinco (AI-5) foi o quinto de dezessete grandes decretos emitidos pela Ditadura militar nos anos que se seguiram ao golpe de estado de 1964 no Brasil, promovendo inúmeras ações arbitrárias que reforçaram a censura e a tortura como práticas da ditadura.

Texto curatorial

A mostra propõe uma viagem no tempo para o início da produção de uma das maiores artistas brasileiras, a carioca Anna Bella Geiger. Apresentando, pela primeira vez ao público, um recorte considerável dos seus primeiros trabalhos abstratos realizados em gravura e desenho ao longo da década de 1960, sendo muitos deles nunca expostos anteriormente. Anna Bella, ainda uma jovem artista com os seus 16 anos, em 1949 e ao longo dos primeiros anos da década de 1950, inicia os estudos em arte frequentando o ateliê da artista Fayga Ostrower no Rio de Janeiro, de quem Lygia Pape também fora aluna no mesmo período. Ambiente que lhe proporcionou uma aproximação com a produção de arte brasileira e estrangeira por meio de exercícios práticos e discussões teóricas. Já em 1953, participou com grandes nomes da época, como Lygia Clark, Antônio Bandeira, Abraham Palatnik e Ivan Serpa, da 1ª Exposição Nacional de Arte Abstrata, que se deu no Hotel Quitandinha, em Petrópolis, reunindo a vanguarda dos artistas das mais diversas tendências do abstracionismo brasileiro. Ao longo dos anos 1960, a artista começa a frequentar o ateliê de gravura do Museu de Arte Moderna (MAM) do Rio de Janeiro, quando se detém à produção, aprofundamento e experimentação plástica e conceitual em torno do processo de produção das suas gravuras abstratas. Radicalizando, por volta de 1965, o seu processo criativo por meio do corte da chapa de metal da gravura e assumindo nas suas composições a ideia do relevo e do recorte de forma expressiva e experimental. Logo, podemos observar que o espaço vazio, predominantemente o do recorte, se faz presente na sua impressão gráfica. Apontando, assim, para um processo artístico arrojado, de uma artista que, já no início de sua trajetória, explora a técnica e a subverte. Uma pioneira nos campos da gravura e, também, da videoarte brasileiras por sua ousadia e experimentalismo da época. Além de uma educadora fundamental que esteve sempre em companhia e colaboração com os seus estudantes ao longo dos processos artísticos e educacionais que propunha e desenvolvia. Anna Bella contribuiu para a formação das gerações mais recentes de artistas e curadores da cena contemporânea carioca. Ministrou aulas como professora e compôs o conselho administrativo do MAM Rio nos anos 1970, promovendo cursos, encontros e acompanhamentos com artistas dentro e fora da instituição. Posteriormente, nas últimas décadas e até hoje, promove encontros e cursos na Escola de Artes Visuais do Parque Lage e no Hoger Instituut Voor Schone Kunsten, na Bélgica. A artista é autora e responsável pela organização da mais relevante publicação sobre arte abstrata que conhecemos até a atualidade. O livro “Abstracionismo Geométrico e Informal: a Vanguarda Brasileira nos anos 50” foi realizado em pesquisa conjuntamente com o curador e crítico de arte Fernando Cocchiarale e lançado pela editora da Funarte em 1987. Traçando um panorama dos primórdios da vanguarda abstrata geométrica e informal no Brasil, do pós-guerra até a retomada da figuração com a Nova Objetividade, a publicação se estrutura por meio de uma introdução, entrevistas e textos selecionados. Contribuindo, desse modo, por seu teor histórico e didático para a difusão e fortalecimento das questões fundamentais do debate em torno do abstracionismo no período. Feita essa nossa viagem no tempo, pudemos percorrer parte da sua produção em gravura e desenho, nos surpreender com o seu processo de trabalho e pesquisa, vislumbrar a sua atitude audaz e empírica. Hoje, com seus 75 anos de carreira e ativa no campo da arte e da educação, celebramos o legado da artista Anna Bella Geiger, que com sua genialidade e coragem, transformou os rumos da arte e se tornou uma inspiração para todos nós.

Ana Hortides.

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Celebrando a obra de Pietrina Checcacci

29/maio

Perto de completar 83 anos, a artista Pietrina Checcacci, nascida na Itália e residente no Rio de Janeiro desde seus treze anos, ganha uma dupla homenagem, no Rio e em São Paulo. No Rio, a Danielian Galeria, na Gávea, apresenta a partir do dia 28 de Maio a exposição “Carnação”, com 35 obras produzidas, principalmente, desde 2005 até agora, várias delas inéditas. Estarão também esculturas emblemáticas feitas nos anos 1970, 80 e 90.  O corpo feminino passou a ser o principal tema da artista a partir dos anos 1970, quando em meio à tortura ou ao exílio, “o corpo representava o primeiro espaço da manifestação política”, observam Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto, curadores da exposição. As obras abordam questões que atravessam a trajetória da artista, e o reconhecimento de uma matriz pop/kitsch com referências surrealistas em sua pintura.

Os curadores Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto afirmam no texto que acompanha a exposição “Carnação”: “Em um caminho adjacente às guerrilhas artísticas do cenário na época, suas investigações estéticas no campo da pintura e do desenho levaram-na a desenvolver uma identidade visual própria que trazia do pop, a apropriação da imagem, e do kitsch a assimilação de visualidades e linguagens na popularização destas imagens”.

“Pietrina acentua a presença feminina na arte pop brasileira com suas figuras sensuais repletas de desejo. Fiel à imagem, Pietrina faz do corpo a sua principal ferramenta de criação e encantamento de mundo. Suas formas arredondadas, como as curvas e dobras barrocas, fazem do corpo feminino um território de luta, empoderamento e prazer”, diz Marcus de Lontra Costa.

Em São Paulo, a Galeria Galatea, Jardins, abrirá no dia 04 de Junho a mostra “Pietrina Checcacci – Táticas do corpo”, com destaque para seus trabalhos de cunho político, que dialogam com a estética da Nova Figuração Brasileira, e também para as pinturas que trazem o corpo em primeiro plano a partir do olhar feminino.

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Riqueza ancestral

A GW Gallery, Bela Vista, em nova parceria com a Whitebox | Rosewood, São Paulo, inaugurou a exposição “Ìmólè Oòrùn” do artista Luiz Moreira que permanecerá em cartaz até 10 de Junho. A mostra, que promete ser uma baliza na agenda cultural da cidade, traz uma reflexão profunda sobre a ancestralidade e a identidade afro-brasileira através de uma perspectiva afro diaspórica e contra colonial. Luiz Moreira, com sua sensibilidade artística e comprometimento com a cultura afrodescendente, nos convida a uma imersão em seus trabalhos, que reverenciam a riqueza e a sabedoria de seus ancestrais.

“Ìmólè Oòrùn” (Luz do Sol) é uma homenagem a seus antepassados, destacando a riqueza da tecnologia, conhecimento e sabedoria que eles produziram. O artista mergulha em sua subjetividade para revelar sua cosmo percepção do mundo. Suas obras desafiam a lógica eurocêntrica, dando centralidade à cultura, filosofia, religião e mitologia de grupos historicamente marginalizados. Este enfoque é evidente na marca afro futurista de suas criações, fruto de pesquisas que exaltam a beleza e o legado ancestral, possibilitando às pessoas se reconhecerem como protagonistas na arte. Os frutos da criação de Luiz Moreira realçam o encanto resplandecente da luz sobre a pele, evidenciando um resultado denso e sensível que ensina a importância de reconectar com o passado para buscar lá o que ficou. As obras expostas constituem um verdadeiro “ebó” a seus ancestrais, enaltecendo a grandeza e a riqueza de seu povo através de uma narrativa visual poderosa. Os adereços em suas obras, que surgem de memórias de infância, viagens, leituras e experiências, carregam narrativas ricas em referências ancestrais e rituais africanos, além de memórias carnavalescas. Estes elementos ressaltam a importância histórica de reis e rainhas africanos, figuras sagradas escolhidas pelos deuses para reinar na terra. Sua arte reforça a identidade e a história da comunidade afrodescendente, enfatizando que sua história é rica em saberes e tecnologia cultural, e não se inicia com a escravidão.

Sobre o artista

Luiz Moreira, 34 anos, nasceu em São Paulo e atualmente divide seu tempo entre o Brasil e Miami. Sua jornada na fotografia teve início em projetos acadêmicos durante o curso de Comunicação Social, evoluindo para a fotografia de rua em grandes centros urbanos como São Paulo e Nova York. Sua abordagem estética e documental combina sensibilidade com a cultura contemporânea, condições humanas, perspectivas diaspóricas e a veneração das imagens divinatórias de religiões de matrizes africanas.

A GW Gallery, fundada em 2015 pelo fotógrafo e empresário Gabriel Wickbold, é um marco na cena da fotografia contemporânea, representando artistas de renome nacional e internacional. Com uma sede em São Paulo e presença em importantes feiras de arte, a galeria dedica-se à formação e enriquecimento do público consumidor de arte, promovendo diálogos artísticos, oficinas e exposições.

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A natureza poderosa e autônoma de Diambe

27/maio

A Simões de Assis, Jardins, apresenta a primeira individual de Diambe, intitulada “Sensação Térmica” em São Paulo. Ao redor do mundo dos sonhos e de possibilidades fabulativas de novos seres, dentre os dezenove trabalhos, dez pinturas manifestam escolhas cromáticas calorosas, e nove esculturas, feitas em bronze e alumínio com pátinas coloridas, discutem como culturas, em diversos contextos geográficos, consideram a temperatura local como fator determinante na escolha dos materiais a comporem seus objetos, endereçando a assimetria na reciprocidade de recepção sociocultural estabelecida pela diáspora africana no Brasil. As obras expostas foram produzidas em um momento crítico de temperatura ambiental no início de 2024, com sensação térmica maior que 60 graus Celsius em algumas cidades do sudeste brasileiro. Esse pensamento também está presente no projeto expográfico, com bases feitas de argila craquelada, compõem e refletem o uso de matérias vivas e elementos ornamentais da natureza. A artista possui obra em exibição na coleção permanente da Pinacoteca e seus trabalhos integram coleções de importantes instituições no Brasil, como o Museu de Arte de São Paulo (MASP), Pinacoteca de São Paulo e Museu de Arte do Rio (MAR).

Sensação térmica

A expandir sua poética através de fabulações de seres que podem ser assimilados como paisagens, figuras zoomórficas, alimentos, entidades trans-espécies e manifestações de uma memorabilia sonhada, Diambe (Rio de Janeiro, 1993) reverencia a inventividade efervescente que responde a máculas e muralhas impostas a corpos dissidentes na contemporaneidade. Em seu processo criativo, materializa criaturas que habitam uma natureza poderosa e autônoma, cujo poder sobrepuja o do ser humano e proporciona um escape de uma ilusória situação de dominação antropocêntrica. Paralelamente, na presente exposição, Diambe discute como culturas, em diversos contextos geográficos, consideram a temperatura local como fator determinante na escolha dos materiais a comporem seus objetos, endereçando a assimetria na reciprocidade de recepção sociocultural estabelecida pela diáspora africana no Brasil.

Em Sensação térmica, materialização de um sonho perpétuo ignizado por Diambe, apresentam-se pinturas que manifestam escolhas cromáticas calorosas, esculturas gotejadas em bronze com pátinas coloridas e bases de argila crua que racham em resposta ao tempo. As obras expostas nessa ocasião foram produzidas em um momento crítico de temperatura ambiental no início de 2024, com sensação térmica maior que 60 graus Celsius em algumas cidades do sudeste brasileiro. Ar e fogo confundiam-se. O calor alucinante atravessava não somente a matéria, mas a subjetividade posta em fogo no estabelecimento de uma poética do delírio. As gotas de suor que escorrem pelo corpo dançante. A saliva morna que recebe a água fresca. O suco da fruta mordida que colore o queixo e escorre pelo peito aberto. Nesse contexto de assombroso fervor, o transporte das esculturas em cera do ateliê de Diambe para a fundição em metal tornou-se crítico: os corpos derretiam, desmontavam, metamorfoseavam-se em resposta à fulminante onda de calor. Esse torpor também causa uma zona de descontrole, estabelecendo limites desobedientes sobre a manipulação da cera de abelha que molda as esculturas. Desse modo, Diambe não detém total autoridade plástica sobre a matéria, mas respeita sua própria agência, sua multiplicidade vital e suas delirantes possibilidades de comportamento. A partir de profunda intimidade com os elementos plásticos, congrega em torno do calor uma relação colaborativa com os materiais, sempre em trabalho sinérgico e ação mútua.

Depois de confeccionados os moldes, receptáculos que transfeririam suas formas e entidades ao bronze incandescente, os seres em cera retornavam da oficina de fundição a Diambe em pedaços, logo derretidos novamente para corporificar outras subjetividades e produzir novas esculturas com o mesmo material, já impregnado de tantos ciclos de vida e morte. No décimo primeiro andar de um edifício no centro de São Paulo – repleto de frutos, vegetais e raízes colhidas na Mata Atlântica, na floresta amazônica ou negociadas em mercados no Benin -, o aroma que exalava da cera de abelha reaquecida por Diambe atraía frequentemente um pequeno enxame que retornava, em transe, ciclicamente à matéria que havia criado. A preparação de novos corpos desencadeava um chamado aos seres que produziram aquela massa plástica, em um reencontro no momento da transformação material. Esse ecológico fluxo cíclico sugere, inclusive, uma postura harmônica e sustentável de lidar com a matéria, em constante mutação. Apesar das potências poéticas do calor, Diambe também alerta para os exílios climáticos e o racismo ambiental, a denunciar que as mudanças causadas pelo aquecimento global afetam de forma mais voraz pessoas com corpos dissidentes e grupos sociais marginalizados. Sua prática artística é perpassada pela temperatura desde quando ateava fogo em monumentos públicos que reverenciam ícones totalitaristas que, mesmo estáticos, continuam a violentar corpos e corroer histórias. O calor, por outro lado, também serve como analogia à entropia social causada pelos sistemas que mantêm predatórias dinâmicas colonialistas e imperialistas. Ao fundir corpos de diferentes âmbitos biológicos e espirituais, Diambe incorpora entidades híbridas que desafiam categorizações e encorajam relações mais respeitosas em uma natureza que pode ser aplicada às esferas sociais. Sendo pessoa negra, desobediente da binariedade de gênero, Diambe entende o corpo como lugar e o lugar como corpo, em uma espelhada geografia sempre política: “o assentamento (também chamado de ibá) no candomblé é, ao mesmo tempo, a morada do orixá, o próprio orixá materializado e o local onde a relação entre pessoa e orixá se faz”. Suas pinturas em têmpera de ovo retomam a origem da técnica milenar originária do nordeste africano, encontrando-se na indeterminação entre paisagens figurativas, seres surrealistas, abstrações cromáticas e outras miríades de possibilidades de existência. Seus trabalhos acontecem propositalmente em uma zona limiar, inegociavelmente híbrida, a amalgamar reinos naturais e metafísicos. Em respeito à individualidade dos seres que cria e põe no universo, Diambe escolhe que suas esculturas em bronze fundido sejam únicas, sem outras edições. Dessa forma, obedece a epistemologias ancestrais que entendem a criação – artística, nesse caso, mas também de qualquer outra natureza – como provedora de agência, dotando um ser de corpo e integrando-o em dinâmicas naturais como indivíduos que, embora autônomos, não existem sem comunidades harmônicas de cooperação. Através de sistemas de saberes da diáspora africana e de tradições amefricanas, as criações e corporificações de Diambe se relacionam com a noção de alimento, de oferenda, como combustível do corpo e da alma. Comer é, portanto, exercer a sua própria divindade e a do alimento, irradiando energia, prazer, felicidade e alegria de viver. Oferendar isso ao mundo abarca noções dilatadas de tempo ao criar entidades que, postas nesse banquete-encruzilhada, vão durar muito mais tempo que seu próprio corpo, que os vegetais moldados que constituem partes das esculturas e que o ovo utilizado na conservação da vivacidade dos pigmentos na têmpera. Ao reconhecer a perecibilidade do próprio corpo, Diambe sonha em direção a uma oferenda mais duradoura em temporalidades que extrapolam certas noções de vida.

Mateus Nunes

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Um diálogo entre Gerben Mulder & Iberê Camargo

23/maio

A Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta até 20 de Julho “Gerben Mulder & Iberê Camargo” na Carpintaria, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ. A mostra-diálogo evidencia paralelos entre dois pintores figurativos, de contextos geográficos e gerações distintas, cujos trabalhos traçam afinidades temáticas, plásticas e simbólicas. Curadoria de Luiz Zerbini, Paulo Azeco e Tiago Mesquita. Entre novas pinturas de Mulder (Amsterdã, Holanda, 1972)   e uma seleção histórica de Camargo (Restinga Seca, Brasil, 1914 – Porto Alegre, Brasil, 1994), os trabalhos da exposição pensam dimensões dramáticas da pintura contemporânea, sugerindo cenas e narrativas fragmentárias por meio de superfícies densas de tinta e pinceladas turbulentas e gestuais. Destacam-se as figuras-personagens presentes no repertório de ambos e suas relações com o vazio. Animadas  como fantoches desconjuntados, elas nos guiam por espaços soturnos e indeterminados.

Motociclistas (1988) de Iberê, traz duas figuras montadas sobre uma motocicleta esquelética. Suas cabeças pendem para o lado e devolvem um olhar vago ao espectador por trás da máscara de tinta a óleo que forma seus rostos, e suas silhuetas se borram contra o fundo noturno. Em Mommy’s favorite little soldier (2024), Mulder representa uma dupla de mulheres numa superfície arranhada, respingada e corroída. Tais atributos formais, presentes nas obras de ambos, traduzem-se numa atmosfera psicológica angustiada e taciturna e num campo pictórico onde criaturas se furtam à visibilidade, habitando uma região de manchas, nódoas e vultos sobrepostos.

Gerben Mulder explora flores, figuras humanas e animais como pontos de partida para suas pinturas oníricas repletas de energia erótica. Em cenas fragmentárias ou naturezas-mortas, a ambientação taciturna de seus quadros responde à observação do público com ecos de alucinação. Vacilando entre rostos de adultos e corpos infantis, seus personagens em permanente transformação trilham uma linha tênue entre inocência e perversidade. Mulder emprega paletas de cor sombrias e gestos turbulentos para retratar seres ameaçadores. Apesar do teor lúgubre de suas imagens, o artista trata suas criaturas algo patéticas e deslocadas com um senso de humor sarcástico, conforme os sorrisos tortos e títulos irônicos em muitas de suas pinturas dão a ver.

Figura decisiva da pintura brasileira no século XX, Iberê Camargo revolvia a matéria pictórica incessantemente, dando forma às suas composições com figuras em espaços ermos e imaginários, imersas numa paisagem solitária e metafísica. Na sua insistência sobre o motivo do carretel, aproximava-se da abstração com uma fatura a um só tempo tecnicamente profícua e emocionalmente densa. Iberê criou um campo pictórico movediço e pegajoso e articulou as oposições entre expressão e incomunicabilidade, figura e fundo, vigor material e esvaziamento subjetivo em pinceladas nervosas. Sempre em posição antagônica com relação às vertentes construtivas tão influentes na arte brasileira de sua época, o artista empregava influências expressionistas em obras carregadas de pathos e tensão dramática.

O diálogo se desdobra em O burro cansou, exposição retrospectiva de Mulder na NONADA ZN com curadoria de Luiz Zerbini e Paulo Azeco em parceria com a Fortes D’Aloia & Gabriel. Com abertura no dia 25 de maio, a mostra reúne pinturas, desenhos e esculturas dos últimos 20 anos da produção do artista.

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Gustavo Nazareno em Milão

A Cassina Projects, Milão, Itália, anuncia “Estrela de um Herói”, segunda exposição individual na galeria do artista brasileiro Gustavo Nazareno nascido em 1994 em Minas Gerais, 1994. Nazareno vive e trabalha em São Paulo, SP. A mostra estará em exibição de 06 de Junho até 20 de Julho.

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