AGENDA CULTURAL

Exposição de Diogo Santos

06/out

A galeria samba arte contemporânea, São Conrado, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a primeira exposição individual do artista carioca Diogo Santos no Rio de Janeiro, “Vigésima terceira carta”. Em sua primeira exposição individual na cidade, o artista apresenta pinturas, esculturas, gravuras, desenhos e uma instalação, que partem de elementos das fábulas infantis, dos games e dos quadrinhos para retratar um mundo imaginário melhor. Serão apresentadas 25 obras inéditas, produzidas entre 2018 e 2022. Os trabalhos partem da inquietação do artista diante da percepção de um mundo, com uma sociedade desigual, que parece caminhar para a autodestruição, e retratam um ambiente utópico mágico, mais justo e igualitário. Anna Bella Geiger e Victor Arruda assinam os textos críticos da exposição.

Diogo Santos se apropria de elementos das fábulas infantis, do imaginário acerca dos games e dos quadrinhos, do ambiente da casa, do lar, criando uma atmosfera lírica e acolhedora. Seres fantásticos, utopias, armas místicas, elementos do imaginário brasileiro, mesclados a personagens de fotografias que o artista adquiriu em feiras de antiguidades, estão presentes nos trabalhos. “Aceito todas as referências, sem julgamento, para formar esse mundo lírico, mágico, que passa pelo universo da casa, do aconchego, do lar e da família”, conta o artista. Curiosamente, assim como eu, Diogo Santos teve uma formação acadêmica na área da literatura. Destaco esse aspecto em comum porque percebo questões de narrativa em suas obras, refletidas também nos próprios títulos, que promovem um diálogo entre texto e imagem, e levam a uma inquietação e uma busca de significados, afirma a artista Anna Bella Geiger no texto que acompanha a exposição.

Obras em exposição

Um dos destaques da mostra é a instalação “Voltar ao lugar de origem” (2018), composta por 300 pequenas latas, com 0,5cm de diâmetro cada, dentro das quais estão pinturas, desenhos, esculturas e fotos. “São pequenas memórias, que formam um mapa da cultura, o que somos, falam sobre os afetos, as esperanças, os pequenos rastros que nos constituem enquanto indivíduo e nossa posição diante da sociedade, do poder e do medo”, conta o artista, que acrescenta que esta instalação “tende ao infinito, pois sempre será possível acrescentar mais elementos”. A instalação será colocada propositalmente no chão, para que as pessoas precisem se abaixar para ver, aproximando-as do mundo infantil. Pinturas em grandes dimensões, estarão lado a lado com obras de menor tamanho. Vestígios e símbolos que transitam silenciados em sonhos, jogos, brincadeiras infantis e ficção são apresentados em obras como “Labirintos de utopia”, construindo um jogo poético com diversas influências, que vão desde os quadrinhos e o videogame até a filosofia e a literatura. Da série “As bandeiras de meu País”, produzida em 2022, são apresentadas três pinturas sobre tecido, que ressignificam as fantasias advindas do imaginário medieval, apontando para novos mundos utópicos. Também fazem parte da exposição cerca de 25 desenhos da série “Levar o Monstro para Casa”, produzidos entre 2019 e 2020; com líricos traços em nanquim e aquarela, nos quais são mostrados a perplexidade do mundo infantil diante do atual momento histórico em que as opressões políticas, sociais e ambientais se contrastam com sonhos, promessas e lutas. Completam a mostra três pinturas em grande formato (1,90m X 1,60m) da série “Mais do que apenas desejar o Infinito”, ganhadoras do 3º prêmio do 13º Salão dos Artistas Sem Galeria (2022), duas linóleogravuras únicas e duas esculturas inéditas em bronze e cerâmica, que representam seres quiméricos que jogam luz sobre a dicotomia entre as forças do mágico e do real, o passado e o presente, a opressão e a esperança. Haverá, ainda, a obra “Tomei Morada em Anor Londo”, um conjunto constituído por um altar e peças que dialogam com os arquétipos do tarô e o zine, com poemas da série “Glória ao Sol e ao Deus Sombrio”, gravado em uma chapa de latão de 29cm x 42cm. O título da exposição, “a vigésima terceira carta”, tem a ver com o jogo de tarot, mas em referência a uma carta imaginária e que não existe no jogo tradicional.

Eventos em torno da exposição

Ao longo do período da mostra, serão realizados diversos eventos relacionados:

No dia 15 de outubro, Diogo Santos fará o workshop de desenho “A poética da criação”, na galeria samba.

No dia 22 de outubro, haverá uma conversa na galeria entre os artistas Diogo Santos e Victor Arruda.

No dia 29 de outubro, será realizado o finissage da exposição com o lançamento do “Livro de artista”, um fac-símile dos cadernos de estudo de Diogo Santos, que virão acompanhados de uma gravura, uma história em quadrinhos original e uma cópia impressa do poema gravado em latão.

Sobre o artista

Diogo Santos é multiartista visual, poeta e educador. Doutor em Poética pela UFRJ (2011), graduado em Letras Português/Literaturas (2004), e Mestre em Literatura Comparada (2007) pela mesma instituição. Paralelamente, desenvolveu seus estudos na área de artes visuais com passagens por instituições como: IART-UERJ, Sesc, Centro Cultural Calouste Gulbenkian e EAV – Parque Lage. Foi coordenador do festival online Parada Fotográfica: Cartografias Insurgentes (2021) e curador da exposição 100tenário Fayga Ostrower (Galeria Candido Portinari, 2022). Dentre suas exposições estão as individuais Memórias Transeuntes (Sesc – 2019) e Até a Última Sílaba do tempo (FAN Niterói -2016) e as coletivas Festival Internacional de Arte Urbana – Paratissima, Lisboa (2016), Gravura – Novos Rumos (Sesc, 2020) e do 13º salão dos Artistas Sem Galeria, organizado pelo Mapas das Artes e realizado nas galerias Zipper e Lona, em São Paulo (2022), entre outras.

Até 29 de outubro.

Na Galeria São Paulo Flutuante

Ter um olhar atento para novos artistas sempre foi uma marca de Regina Boni desde a sua época na Galeria São Paulo. Desde que abriu a S P Flutuante em fevereiro de 2021, não foi diferente. Já se foram cinco exposições e, agora, o amplo galpão na Barra Funda recebe dois jovens nomes. O paulistano do Capão Redondo R.Trompaz e a sergipana Fabiana Wolf. Primeira individual de ambos em galerias, eles se identificam nas linhas, na intensidade de preencher os espaços de suas plataformas, as intersecções das ideias entre o social, a periferia, o feminino e a urbe. Enquanto R.Trompaz, de 33 anos, explora a cidade andando quilômetros a pé, Fabiana deixou Aracaju aos 18 anos para tentar a vida de artista na capital paulista. Ele se formou em Design Gráfico na Belas Artes. Fabiana começou e deixou cerca de seis faculdades.

Admirador de Lívio Abramo e Artur Barrios, R.Trompaz produziu muito em PB, mas para a exposição que seguirá até 24 de novembro ele colocou cores nas obras. Serão 20 no total, de desenhos com caneta ponta de feltro a pintura em acrílica e verniz acrílico com pigmento em pó, processos de reprodução negativados nos quais usa uma técnica de guache sobrepondo com nanquim. R.Trompaz utiliza a arte como meio de expressão e crítica social, principalmente por meio do projeto Segregação Social Geograficamente Escancarada (SSGE). “É a minha concepção de um fazer sobre a condição de vida das periferias e suas contradições”, comenta.

Com 26 anos, Fabiana realiza seus trabalhos em um ateliê no bairro do Cambuci e exerce o seu fazer artístico e político em grandes telas que chegam a 5 metros utilizando técnica mista, giz, pastel oleoso, seco e tinta acrílica. Para essa mostra na São Paulo Flutuante ela pretende levar de 10 a 12 trabalhos, todos realizados ao longo de 2022, portanto inéditos.

A palavra dos curadores

Para Regina Boni, curadora e proprietária da SP Flutuante, o trabalho de Fabiana emociona: “Já comecei a redigir o texto curatorial algumas vezes, mas me deparo muito mais com uma emoção profunda do que qualquer categorização ou análise teórica”. “Acho o trabalho da Fabiana extremamente maduro para uma jovem artista. Não tenho dúvida sobre o caminho promissor que ela terá. Para mim, é muito claro”, complementa Regina.

Já para Manu Maltez, artista visual, músico e co-curador da galeria, o trabalho de R.Trompaz é quase uma síncopa de notas sobre a pauliceia e suas discrepâncias: “R.Trompaz cria um abcdário próprio. Usa dos signos para produzir um dialeto das ruas, sobrepondo elementos gráficos. É uma partitura. Quando olho para os seus quadros é como se sentisse ruídos saindo deles”, analisa. “Quando estava elaborando o material gráfico a ligação poética entre os dois artistas ficou evidente. São artistas densos, trabalham com o excesso, ambos têm a denúncia presente em suas obras mas trazem ao mesmo tempo um primor estético, uma inesperada leveza; alcançam uma beleza inusitada. São as contradições da arte, por isso ela existe, resiste”, afirma Manu Maltez.

A palavra dos artistas

“Conheci o trabalho da Fabiana agora no momento da produção e fiquei feliz, pois a linguagem conversa bastante comigo quando você foca nos detalhes, no preenchimento. Tenho horror a espaços vazios. Acho que ela também”, diz R.Trompaz.

“Meu trabalho reflete muito da minha busca interna e política. A política é importante na minha vida. Ela se apresenta na obra. Sobretudo uma revolta muito presente. Fiquei feliz de imediato quando vi o trabalho do R.Trompaz. Se as nossas linhas se cruzam nos processos de intersecção, nossa poética fala alto dentro de um viés de insurgência”, avalia Fabiana.

Representação do acervo de León Ferrari

A Fortes D’Aloia & Gabriel e a Gomide&Co, São Paulo, SP, anunciam a representação conjunta do acervo de León Ferrari (Buenos Aires, 1920 – 2013). Um dos mais importantes artistas do século XX, León Ferrari desenvolveu uma obra provocativa, singular, escorada na experimentação com suportes e materiais, e de forte cunho político. Herdeira da imaginação surrealista, sua produção dialogou com a abstração, com a pop art e foi pioneira no conceitualismo latino-americano.

A correpresentação de León Ferrari propõe uma atualização de seu legado. Juntas, as galerias visam ampliar o alcance e a influência de sua obra no debate contemporâneo. A Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta na Paris+ par Art Basel, em outubro, uma seleção de obras de Ferrari em diálogo com artistas jovens de seu programa. A Gomide&Co, por sua vez, levará trabalhos pontuais de Ferrari para seu stand em Art Basel Miami Beach, em dezembro.

Relatos, Retalhos e profecias

05/out

A multiartista Clara Pechansky exibe sua mais recente série de trabalhos que obedece a titulação geral de “Relatos, Retalhos e profecia”, depoimento visual memorialístico até 29 de outubro na Galeria Gravura, Porto Alegre, RS. O evento de abertura, na verdade, traz duas exposições. A Sala Branca da galeria receberá a colorida exposição “Relatos, retalhos e profecias”, com 19 desenhos inéditos com temas judaicos. A Sala Negra vai expor a edição 43 – MINIARTE MAGIA – do tradicional projeto criado e coordenado por Clara Pechansky. Desta vez, trazendo 192 artistas de 12 países: Argentina, Brasil, Colômbia, Costa Rica, Cuba, Espanha, Equador, Estados Unidos, índia, Irã, México e Portugal.

Um novo olhar sobre a tradição

por Cíntia Moscovich

Nesta que é sua primeira exposição com temática judaica, Clarita relembra as origens de sua família materna e paterna. Em 19 desenhos nos quais a música se faz presente, em que predominam a expressividade dos traços, a exuberância da cor e a graça das colagens, Clarita festeja suas origens e o fato de pertencer a uma das 10 gerações de descendentes abençoados pelo rabi Levi Itzhak – ela pertence à sexta geração. Com suavidade, com cor, com brilho, mas também com amor pelas lembranças e com fé na bênção recebida: aqui está Relatos, Retalhos e Profecias e nossa Clara Pechansky em sua melhor forma a nos abençoar com vida e com beleza.

A palavra da artista

Uma forma bem humorada de traduzir o judaismo

Das lojas do meu pai e do meu avô, ficou a lembrança do papel de embrulho onde eu desenhava. Dos retalhos de seda e de brocado, e dos botões que me fascinavam, recolhi a matéria para esta exposição. Cresci ouvindo histórias sobre o Rabino de Berdichev, meu antepassado. Os relatos se mesclam com a cantoria da noite de Pessach, com o Profeta Elias para quem eu abria a porta da casa, com o Rei David e sua música, com minhas próprias fantasias infantis, com as fábulas da Bíblia e com as lendas da família. O resultado é uma exposição em que retalhos e relatos se aproximam de profecias, num tempo que não existe, mas que perdura dentro de mim. Minhas raízes se situam na região da cidade histórica de Berdichev, no norte da Ucrânia. Lá viveu e compôs canções o Rabino Levi Itzhak (1740 – 1809), que era uma espécie de santo, e que benzeu as 10 gerações posteriores a ele. Pertenço à 6ª geração bendita pelo Rabino de Berdichev, e portanto minhas próximas gerações também estão abençoadas. Da Ucrânia imigraram meus avós paternos e maternos, meu pai e minha mâe. Ao produzir esta exposição, movida pela situação que a Ucrânia está vivendo, senti necessidade de localizar a cidade de Korets, onde nasceu em 1840 e viveu até 1934 meu ancestral Jukah Scaletzky, bem como as cidades de Lipovets, Novokontantinov e Voronovitza. Todas estes pequenos povoados (shtetls) de onde a família é originária orbitam a província de Zhitomyr, na região de Kiev. Os amuletos contra o mau olhado, como a hamsa, o olho grego, a estrela de David, estão presentes na maioria das obras, mas a ambientação é brasileira, com nossa floresta e nossas cidades, numa maneira muito pessoal de representar as tradições judaicas. Para criar estes desenhos, usei nanquim, lápis de cor, pastel, tecido e tinta acrílica, em técnicas combinadas de pintura, desenho a traço e colagem. É uma exposição que evoca o passado mas que prevê o futuro, como fazia o Rabino. Uma forma bem humorada de festejar a vida, as mulheres e a tradição.

Sobre a artista

Clara Pechansky nasceu em Pelotas, RS, 1936. Vive e trabalha em Porto Alegre, RS. Diplomou-se Bacharel em Pintura aos 19 anos, com Medalha de Ouro, pela Universidade Federal de Pelotas (UFPEL, 1956). Começou sua carreira profissional em Porto Alegre em 1957, trabalhando para jornais e agências de publicidade. Produziu mais de 100 capas de livros e ilustrações para diversos fins. Licenciada em Desenho e História da Arte, e especializada em Educação Audiovisual pela UFRGS, criou o Atelier Clara Pechansky em 2001, onde orienta grupos de Desenho e Pintura. Trabalha em diferentes técnicas, como desenho, gravura em metal, litografia e pintura. Realizou 75 exposições individuais em galerias e museus da Alemanha, Brasil, Bélgica, Colômbia, Espanha, Estados Unidos, Holanda, México e Portugal. Selecionada e convidada para mais de 200 exposições coletivas, premiada e homenageada em muitos países, atua também como gestora social e cultural no Brasil e América Latina. Criou em 2003 o Projeto Miniarte Internacional, que depois de 45 edições já percorreu 5 continentes. Em 2018, criou o Projeto Fiesta de Paz Brasil, que está em sua 5ª edição. Homenageada em 2022 pela Gravura Galeria de Arte com a Sala Clara Pechansky.

Sobre Cintia Moscovich

Cintia Moscovich é escritora, jornalista e mestre em Teoria Literária, com especialização na área de oficinas de criação literária. Autora de oito livros individuais, tem publicações nos Estados Unidos, Alemanha, Suécia, Espanha, Portugal, Itália, França, Argentina e Uruguai. Recebeu os prêmios Açorianos (Secretaria Municipal da Cultura), Jabuti (Câmara Brasileira do Livro), Portugal Telecom e Clarice Lispector, da Fundação Biblioteca Nacional. Foi patrona da 62ª Feira do Livro de Porto Alegre. Escreve uma coluna semanal no jornal Zero Hora em Porto Alegre, cidade onde vive.

O passado e o presente em Rosário López

A galeria Marli Matsumoto Arte Contemporânea, Sumarezinho, São Paulo, SP, apresenta “Tapizar el Paisaje”, da artista colombiana Rosário López. A exposição apresenta trabalhos recentes e inéditos, incluindo instalações, fotografias, esculturas e uma intervenção site-specific no local, ocupando o pátio da galeria. “Tapizar el Paisaje” compreende uma pesquisa iniciada em 2017, uma exploração artística que habita um lugar onde o território é visto como matéria e brinca com a percepção do espectador, dando forma ao invisível ou transformando uma formação geológica pesada em uma construção leve.

A mostra “Tapizar el Paisaje”, fundamentada na descoberta dos Tapices del Apocalípsis, do século XIV, (atualmente em Castillo de Angers, França), que estampam cenas apocalípticas retratando forças primárias de destruição e morte, misturadas a seres fantásticos e anjos. Rosário López orienta-se por esta série de tapeçarias contrastando os tempos históricos à tradição têxtil local de San José de Suaitá, no norte da Colômbia.

“As questões que emergem deste diálogo captam este momento da história em que apocalipse e antropoceno parecem se tornar espelhos de tempos históricos do passado e do presente”, diz a curadora. Como a definição de território vem mudando? O que constitui a ética do cuidado? Quais as nossas responsabilidades para com o planeta em transformação, e como nosso espaço está sendo afetado por nossas próprias ações? Tais questões são levantadas por esta exposição, centrada em dois eixos: primeiro, a representação do território e suas metamorfoses; segundo, a relação entre comunidades sociais e a terra, e a maneira com que os corpos relacionam-se com ela.

Enquanto os visitantes percorrem a exposição, deparam-se com dois espaços, ambos preenchidos por tecidos usados sobre os quais a artista interveio através de recortes, bordados e técnica mista, que dialogam com duas séries de fotografias: uma delas colorida, retratando a antiga tapeçaria francesa, e outra em preto e branco, que tem como tema a fábrica têxtil na Colômbia. O segundo espaço apresenta uma série de maquetes, estudos e pequenos objetos.

Concebida como uma exposição que atravessa diferentes épocas, estabelecendo uma ponte entre o passado e o presente, “Tapizar el Paisaje” fornece pistas para pensarmos o território e a realidade atual de um planeta à beira do colapso. Nesta intersecção de tempos e referências, as obras contemporâneas de Rosário López ganham força e relevância. Como resultado, a prática da artista passa por uma análise sociológica do desastre (e das ruínas) proveniente de uma conexão silenciosa, embora profunda, com a terra, revelando assim sua reinterpretação estética.

No contexto brasileiro, “Tapizar el Paisaje” é apresentada em um período de enorme instabilidade pós-pandêmica e incerteza social e política. Em tempos como este, à medida em que o mundo muda rapidamente diante de nossos olhos, a artista visual Rosario López explora experiências espaciais e corpóreas para nos levar a outras formas de pensar e de lidar com a paisagem em um outro ritmo, mais reflexivo e contemplativo, que visa desafiar nossas próprias ações em relação a ela.

Está marcada uma conversa entre artista e a curadora para o sábado, 08 de outubro às 16h30.

O processo criativo de Alice Quaresma

04/out

A primeira exposição individual de Alice Quaresma – “Origens” – acontece na Galeria Silvia Cintra + Box 4, Gávea, Rio de Janeiro, RJ. A mostra é o resultado de um arquivo fotográfico de mais de 18 anos da cidade natal da artista, o Rio de Janeiro.

Origens é uma exposição que começa com vestígios fotográficos de um passado, rastros de tinta sobre a imagem de um corpo presente e uma janela para o futuro com a pintura que renasce no processo criativo da artista. Ao entrar na galeria, a narrativa se inicia pelas fotografias que, caminhando para o fundo, passam a pertencer a tela de algodão.

Ao final, na última parede, a pintura prevalece por si só. As marcas nas pinturas são referências das formas registradas nas imagens do Rio. Essa é uma exposição que oferece uma visão completa: de onde começou a pesquisa com fotografias do Rio de Janeiro sobre memória e identidade e os próximos atos de experimentos na pintura.

Aos 18 anos de idade, Alice saiu do Brasil e desde então fotografa a cidade, de forma afetiva, como uma maneira de se sentir perto de suas raízes. No entanto, em 2014, percebeu que não se tratava apenas de um registro afetivo. Ao fazer o movimento de trazer para seu trabalho essas imagens despretensiosas de qualquer valor técnico ou conceitual, mas cheio de memorias, surpresas e valor sentimental, a artista constatou que estava explorando a ideia de identidade e pertencimento como imigrante.

Ao longo desse processo, é possível observar a admiração de Alice pelo movimento de arte carioca Neoconcretista. Através de pesquisas sobre Hélio Oiticica e Lygia Clark, como no livro “Cartas”, manifestou-se cada vez mais o interesse pela arte experimental e o poder da arte como ativação da mente e do pensamento e, não como resposta concreta. E assim surgiram as marcas geométricas imperfeitas, linhas coloridas pintadas a mão sobre fotografias do Rio de Janeiro, para criar obras que existem na interseção entre a memória e o campo imaginário, onde os fatos e as certezas são anulados. Cada obra, através de sua composição, cria espaço para imaginação do espectador. Os trabalhos falam de passado e presente usando pintura sobre a fotografia, questionando o limite de cada formato como um só.

“Na minha exposição Origens, mostro como a evolução da minha procura através das minhas imagens do Rio me levaram de volta a pintura, por si só, chegando de volta não só a minha Origem que é o Rio, mas também a minha origem na pintura, onde comecei nas artes plásticas. Meu olhar de fascínio e questionamento nas artes, começou na pintura com a obra “Quattro Stagioni” de Cy Twombly quando eu tinha 13 anos”, comenta a artista.

Até 05 de novembro.

Na Galeria Raquel Arnaud São Paulo

03/out

Encontra-se em cartaz até 05 de novembro duas exposições na Galeria Raquel Arnaud, Vila Madalena, São Paulo, SP. São elas: Shirley Paes Leme e Nuno Sousa Vieira.

“Suspiro em vão” de Shirley Paes Leme exibe obras poéticas que relacionam o tempo, o ar e o caos da cidade grande, enquanto “Um entre nós” de Nuno Sousa Vieira tensiona as hierarquias entre o espaço e o espectador.

As obras de Shirley Paes Leme que compõem a mostra “Suspiro em vão”, reúne cerca de 20 obras, a curadoria tem como eixo-central duas séries bastante conhecidas da artista, que têm sido trabalhadas há anos. A primeira consiste em composições geométricas feitas a partir de filtros de ar-condicionado de automóveis. Estes, tingidos com a poluição da cidade, são meticulosamente trabalhados através da extração de resíduos, adquirindo múltiplos tons de cinza e fazendo alusão aos arranha-céus das grandes metrópoles. Já na segunda, frases como “O invisível mais longe”, “Respiração”, “O ar uma miragem”, “Tempo” e “O pó habita” são extraídas de seu caderno de poemas e anotações, materializando-se em relevos de bronze e pátina preta feitos a partir de sua própria caligrafia. Todas as frases em forma de obra também foram incluídas no texto crítico de Paula Borghi. A cidade, o tempo, os resíduos, a fumaça, o pó, o ar, a respiração. São todos temas recorrentes na produção de Shirley Paes Leme e o ponto de encontro entre as duas séries da exposição. São obras que nascem de experiências e reflexões da artista a partir das coisas mais simples, e ao mesmo tempo complexas, da vida.

A exibição individual “Um entre nós” de Nuno Sousa Vieira, conta com texto crítico de Jacopo Crivelli Visconti. Com uma série de desenhos, uma pintura e uma escultura, montada no jardim, que se conecta de forma intrínseca com as obras do espaço expositivo interno, esta exposição reforça a relação entre o dentro e o fora, a frente e o verso. Nuno propõe uma “desierarquização” entre as obras em si, mas também entre a obra e o público que, como diz o artista, também assume o seu lugar, visto que é parte da sua condição não apenas justificar a existência da obra, como também lhe conferir posteridade. O artista comenta: “No meu trabalho, as obras são o resultado de uma ação politicamente igualitária na qual as hierarquias, por um lado, se dissipam, mas, por outro, são questionadas; e o raso está em pé de igualdade com o que se encontra numa conta mais elevada; o interior está empatado com o exterior; a frente e o verso são simultaneamente a mesma face de um mesmo plano, até porque nenhum dos demais pode existir sem o outro”.

Ensacamento

Depois de dez anos da última individual do grupo no Centro Cultural São Paulo, os trabalhos do 3NÓS3 voltam a ocupar a cena artística, num momento de grande movimentação política, com individual até 05 de novembro na Galeria Jaqueline Martins, Vila Buaque, São Paulo, SP.

O coletivo formado por Hudnilson Jr. (1957-2013), Mario Ramiro (1957) e Rafael França (1957-1991), com atuação entre 1979 e 1982, teve um importante papel na arte brasileira no período de reabertura democrática, ao final da Ditadura. Para aquela geração de artistas a arte do momento era alternativa, marginal, underground, de contestação e derivada da contracultura dos anos 1960.

Em 1979, 11 anos depois do fim do Tropicalismo e do decreto do AI-5, uma arte urbana coletiva e crítica ressurgia com força no Brasil, quando o 3NÓS3 realiza suas intervenções urbanas esteticamente marginais – como o ensacamento de monumentos públicos da cidade de São Paulo – ao lado da crítica cultural e de intervenção na mídia.

A mostra exibe um conjunto de obras criadas ao longo dos três anos de atividade do grupo e reintroduz seu trabalho a uma nova geração de público, evidenciando a relevância de sua produção 40 anos depois de sua criação. São intervenções urbanas, fotografias, vídeos e arte postal que circularam também virtualmente, como informações pelos meios de comunicação, parte essencial dos trabalhos do grupo.

“O trabalho do 3NÓS3 tem uma capacidade fantástica de se manter atualizado. Toda a produção deles foi, em si, uma posição política de resistência. É uma arte de guerrilha: artistas que criaram ferramentas para driblar a opressão, a caretice e o conservadorismo político e social. Hoje estamos na mesma, e os artistas estão criando suas ferramentas novamente para driblar essa censura”, conta a diretora e fundadora da galeria, Jaqueline Martins.

A exposição também acontece simultaneamente em Zurique sob o título 3Nós3, Rafael França, Hudinilson Jr., Mario Ramiro – Above all, They Had No Fear of Vertigo, a partir do dia 28 de outubro, na galeria Peter Kilchman.

Dois escultores na Central Galeria

A Central Galeria, Vila Buarque, São Paulo, SP, apresenta até 12 de novembro, “Opositores” exposição de Dora Smék e Paul Setúbal, realizada em parceria com a Casa Triângulo e com texto assinado por Benjamin Seroussi. Refletindo o momento de crescentes tensões sociais no país, os artistas apresentam um projeto instalativo formado por esculturas de bronze e correntes que cruzam todo o espaço da galeria, buscando ampliar o debate a respeito da democracia e das polaridades políticas, éticas e territoriais.

“Opositores” compreende uma série de esculturas criadas colaborativamente por Dora Smék e Paul Setúbal em 2017, até então inéditas. Feitas em bronze a partir dos moldes das mãos dos artistas, elas são unidas e posicionadas como em um jogo infantil – a “guerra de polegares”, cujo objetivo é capturar o polegar do outro usando apenas o próprio polegar. No trabalho da dupla, porém, o movimento dos dedos não aponta nenhum vencedor: cristaliza-se o momento da disputa, dilatando a sensação de impasse e tensão permanente.

Para a exposição, os artistas apresentam as esculturas através de um sistema de tensionamento que envolve o uso de correntes, ganchos e esticadores de aço dispostos como vetores, valendo-se das colunas de concreto da Central. As correntes atravessam o espaço expositivo em diferentes direções, criam obstáculos de passagem e acentuam ainda mais a relação de oposição entre cada um dos movimentos.

Sobre os artistas

Dora Smék (Campinas, 1987) vive e trabalha em São Paulo. Dentre suas exposições recentes, destaca-se a individual “A dança do corpo sem cabeça” na Central Galeria (São Paulo, 2021), além das coletivas: 13ª Bienal do Mercosul (Porto Alegre, 2022); Arte em Campo, Estádio do Pacaembu (São Paulo, 2020); No presente a vida (é) política, Central Galeria (São Paulo, 2020); Arte Londrina 8 (Londrina, 2020); Hinter dem Horizont, Reiners Contemporary Art/Sammlung Jakob (Freiburg, Alemanha, 2020); “Cuerpos Atravesados”, Reiners Contemporary Art (Marbella, Espanha, 2020); Mulheres na Arte Brasileira: Entre Dois Vértices, CCSP (São Paulo, 2019); 47. Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto (Santo André, 2019); 13. Verbo, Galeria Vermelho (São Paulo, 2017). Sua obra está presente em coleções públicas como o Museu de Arte do Rio (Rio de Janeiro) e o Museu Nacional de Belas Artes (Rio de Janeiro), entre outras.

Paul Setúbal (Aparecida de Goiânia, 1987) vive e trabalha em São Paulo. Realizou exposições individuais em: Museu da República (Rio de Janeiro, 2022); C. Galeria (Rio de Janeiro, 2022 e 2018); Casa Triângulo (São Paulo, 2021); Andrea Rehder Arte Contemporânea (São Paulo, 2016); Elefante Centro Cultural (Brasília, 2015). Dentre as exposições coletivas, destacam-se: 40° Arte Pará, Casa das Onze Janelas (Belém, 2022); No presente a vida (é) política, Central Galeria (São Paulo, 2020); Aparelho, Maus Hábitos (Porto, 2019); 36º Panorama da Arte Brasileira, MAM-SP (São Paulo, 2019); 29º Programa de Exposições, CCSP (São Paulo, 2019); Demonstração por Absurdo, Instituto Tomie Ohtake (São Paulo, 2018); “Arte, democracia, utopia”, Museu de Arte do Rio (Rio de Janeiro, 2018); entre outras. Sua obra está presente em coleções públicas como o Museu de Arte do Rio (Rio de Janeiro), o Museu de Arte de Brasília e o Museu de Arte Contemporânea de Goiânia, entre outras

Comemorando 35 anos

30/set

A Casa de Cultura Laura Alvim está localizada no início da Praia de Ipanema, Zona Sul, Rio de Janeiro, RJ, e se destaca por ser uma das únicas residências originais à beira-mar e um centro cultural que oferece ao público diversas atividades artísticas e eventos em um ambiente elegante e eclético. Para celebrar o legado cultural deixado desde os anos 1980, foi inaugurado o projeto “35 anos de Laura”, uma exposição inédita e imersiva pela história da dona do imóvel. Gerida pela Fundação Anita Mantuano de Artes do Estado do Rio de Janeiro (FUNARJ) e vinculada à Secretaria do Estado de Cultura, a Casa de Cultura Laura Alvim foi inaugurada em 12 de maio de 1986

Laura Alvim, falecida em 1984, era filha do médico Álvaro Alvim, pioneiro no uso de raios-X no Brasil, e neta de Angelo Agostini, precursor da caricatura nacional que teve papel de destaque na abolição da escravidão e no advento da República, através de suas sátiras e críticas políticas. Considerada por muitos como a primeira “garota de Ipanema”, a filantropa queria ser atriz, mas nunca atuou profissionalmente. Em prol das artes, que a encantava, doou sua casa ao Governo do Estado do Rio em 1983, sendo inaugurada como espaço cultural dois anos após sua morte.

Homenageando o sonho realizado de Laura Alvim, o projeto apresenta, pela primeira vez, peças originais, que foram catalogadas para trazer à tona a história, vivências, sentimentos e lembranças, na forma de obras de arte, mobiliários, louças e outros itens, dos momentos vividos por Laura Alvim e sua família. Também foram digitalizados mais de 1500 itens, como fotografias e materiais culturais, e organizados 720 objetos, como candelabros, cristaleiras, mesas e cadeiras. O acervo cultural e museológico passará a fazer parte da casa em um espaço permanente, o Memorial Laura Alvim.

Em cartaz até o dia 13 de novembro.