AGENDA CULTURAL

Registro: Fayga Ostrower

29/mar

O MAM Rio como as demais entidades culturais do Rio de Janeiro encontra-se com suas atividades paralisadas. Registre-se a inauguração da mostra panorâmica “Fayga Ostrower: formações do avesso”, ocorrida em 20 de março. Com cerca de 60 trabalhos – entre gravuras, aquarelas, desenhos, tecidos e jóias – a exposição explora a pluralidade da produção da artista. O conjunto possibilita um estudo apurado sobre o abstracionismo informal na arte brasileira e o uso das cores na técnica da gravura.

A atuação de Fayga como teórica e educadora também é destacada. A artista conduziu o curso de composição e análise crítica no MAM Rio, onde lecionou entre 1953 e 1969; escreveu diversos livros e artigos sobre criatividade, processo de criação e arte. Trechos de seus textos, publicações e arquivo documental são apresentados no espaço expositivo, estabelecendo correlações entre a prática em educação e sua criação artística.

A curadoria da exposição “Fayga Ostrower: formações do avesso” é um projeto conjunto da equipe curatorial do museu, com Beatriz Lemos, Keyna Eleison e Pablo Lafuente, e da gerência de Educação e Participação, com Gilson Plano, Daniel Bruno e Shion Lucas. Saiba mais em www.mam.rio

Sobre a artista

Nascida em Lodz, Polônia, em 1920, Fayga Ostrower emigrou para o Brasil em 1934. Estudou artes gráficas na FGV, foi bolsista da Fullbright em Nova York e recebeu numerosos prêmios, inclusive das bienais de São Paulo e de Veneza. Fayga experimentou quase todas as mídias gráficas, incluindo a estamparia. Foi professora no MAM Rio, entre 1953 e 1969; no Spellman College, em Atlanta, nos EUA; na Slade School da Universidade de Londres; em cursos de pós-graduação em várias universidades brasileiras; e lecionou para operários e em centros comunitários. Fayga foi também uma importante pensadora do abstracionismo informal brasileiro e autora de ensaios e livros. A artista faleceu no Rio de Janeiro em 2001. Obras suas integram coleções de museus no Brasil e no exterior.

Bonomi, publicação inédita

18/mar

Uma das mais importantes gravadoras da atualidade, Maria Bonomi, de 85 anos, terá sua trajetória explicitada no livro “Maria Bonomi com a Gravura: do meio como fim ao meio como princípio” (Editora Rio Books), de Patrícia Pedrosa. A publicação inédita será lançada no dia 23 de março, às 18h, através de uma live no canal de Youtube da Editora Rio Books, com a participação da artista, da autora Patrícia Pedrosa, da editora Denise Corrêa e da professora, crítica e historiadora de arte Maria Luísa Távora. Com 140 páginas, o livro parte de obras emblemáticas da artista para discutir a gravura de forma expandida, mostrando o pioneirismo de Maria Bonomi em diversos aspectos.

“O livro fala da forma diferenciada como esta artista lida com a gravura, inserida em seu tempo e, também, como um dos agentes propulsionadores da vanguarda brasileira rumo ao contemporâneo, uma atitude nova em relação a como a gravura tem sido pensada e praticada até agora no Brasil”, afirma a autora Patrícia Pedrosa, cujo livro resulta de sua dissertação de mestrado em Artes Visuais, na Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ).

Referência como gravadora e muito atuante até hoje, Maria Bonomi aprovou o livro: “Nada ficou para ser acrescentado. Nunca me senti tão despida, mas motivada no passado presente e futuro. Até minhas experiências e indecisões foram promovidas a matéria prima para todos os leitores”, diz a artista, que não parou de trabalhar mesmo durante a pandemia, tendo participado, no ano passado, da Bienal de Xangai de Gravura, na China, com a xilogravura em grandes dimensões “Lena”, medindo 3mX1,20m, e da primeira Trienal Internacional de Artes Gráficas de Livno, na Bósnia-Herzegovina. Além disso, mesmo em isolamento, participou de diversos eventos ligados ao centenário de Clarice Lispector, sua amiga e comadre.

A artista nascida na Itália e radicada no Brasil desde criança transgrediu diversas tradições estabelecidas nas artes, como o aumento das dimensões da gravura, criando obras em tamanhos monumentais. Além disso, ela desloca a função original da matriz da gravura, transformando-a em objeto, colocando-a no centro de suas reflexões. Este mesmo pensamento está em suas criações de obras públicas e instalações, que partem da lógica da gravura. Sempre à frente do seu tempo, utilizou a informática a seu favor e, no início da década de 1970, já afirmava que dois pontos eram imprescindíveis para a atualização de sentidos na arte: a integração com a tecnologia e a integração no sentido social de reprodução.

O nome do livro “Maria Bonomi com a gravura: do meio como fim ao meio como princípio” foi escolhido pelo fato de a artista não usar a gravura apenas como fim, como sendo a arte final. Ao contrário do entendimento moderno, a artista utiliza a gravura também como meio para todas as suas criações. “Bonomi entra de cabeça no informalismo e a gravura é seu grande trampolim no salto para o desconhecido contemporâneo, no qual a pauta é a impureza, o híbrido, o não limite, e para ela o meio é o princípio de todas as suas experimentações e ousadias. A gravura é o princípio para instalações, esculturas, murais, relevos, ilustrações, monumentos públicos, intervenções e até mesmo… gravura!”, conta a autora.

No livro, sem obedecer a uma ordem cronológica, Patrícia Pedrosa parte de 18 trabalhos emblemáticos de Maria Bonomi para discutir questões relacionadas à gravura. As obras foram escolhidas a dedo e cobrem um arco de 1957 a 2016. “A autora identifica as tensões conceituais provocadas por Maria Bonomi, aspectos históricos, rupturas com a tradição moderna, uma artista sempre afinada com seus tempos existenciais, integrando-se à produção artística contemporânea”, escreve a professora, historiadora e crítica de arte Maria Luísa Távora no prefácio do livro.

A íntegra da entrevista de Maria Bonomi concedida à autora também está no livro, mostrando um olhar reflexivo sobre sua produção e sobre o mundo da arte, revelando uma artista muito antenada com as questões da cena contemporânea. Com uma linguagem simples, a publicação é interessante não só para estudantes de arte e história da arte, mas também para todos que tenham interesse pelo assunto e que desejem ampliar seus conhecimentos sobre a arte brasileira.

Obras em destaque no livro

Na capa do livro está a instalação “Sobre a Essência: Os Sete Horizontes do Homem” (1998). “Esta obra é um tratado histórico sobre a gravura que a atualiza na contemporaneidade”, afirma a autora. A instalação é inspirada na sobreposição dos materiais necessários para se produzir uma gravura, como suporte, matriz, tinta e papel. No caminho entre o conceitual e o simbólico, a artista traz, em camadas, areia, sal, vidro, carvão, argila, cimento e terra, sobre espelho, por cima de uma base coberta por textos, como uma página gigante de um livro.

Dentro do livro, a primeira obra com a qual o leitor se depara é “Circumstantian” (2014), uma instalação escultórica efêmera, pendente, composta de 15 xilogravuras inscritas em 21 quadrantes de 4mX4m entre cabos e espelhos, feitas em papéis recicláveis e alumínio degradável, suspensa a 30 m do solo. As imagens impressas pelo processo digital resultam do escaneamento de xilogravuras feitas segundo o método tradicional, impressas em papel japonês. “Para Maria Bonomi, o salto do artístico-manual para o digital é um voo para o infinito das possibilidades gráficas. Esta obra reúne diversas questões cruciais para o entendimento da gravura como ideia praticada no presente”, ressalta a autora.

A primeira obra de arte pública da artista, “Ascensão” (1974), em concreto, que fica na Igreja Mãe do Salvador (Cruz Torta), São Paulo, também ganha destaque. Com essa obra, Bonomi inicia a transposição do pensamento gravador para um mural de concreto, um imenso plano vertical com traços, sulcos e relevos, em estreita relação com a arquitetura. Outras obras públicas, como “Etnias: do Primeiro e Sempre Brasil” (2008), em argila, bronze e alumínio, localizada no Memorial da América Latina, em São Paulo, também ganham destaque no livro. Nesta obra, a artista contesta o conceito de obra prima. Para esta instalação, ela requisitou a ajuda de índios das aldeias Krukutu e Tenonde Porã. Os painéis de argila, alumínio e bronze foram moldadas em barro e as imagens trabalhadas em relevos, entre a escultura e a gravura. “Esta obra discute o Brasil como nosso lugar de fala, em que somos todos estrangeiros, e os primeiros habitantes, os indígenas, excluídos”, ressalta a autora.

Outra obra pública que ganha destaque no livro é “A Construção de São Paulo” (1998), uma homenagem ao colega e também gravador Evandro Jardim, na Estação de metrô Jardim São Paulo, onde ela transpõe o ideário gráfico para o concreto, evocando a ideia da xilogravura. Na instalação, dois imensos cubos com quatro faces cada, de concreto armado, pairam sobre as cabeças dos passantes. Os sulcos e relevos de sua superfície dialogam com os planos de concreto liso das paredes e estrutura dos túneis do metrô.

Com quase 3 metros de largura, a xilogravura “A Ponte” (2011) também ganha espaço no livro. “Para Bonomi a arte tem que alcançar o maior número de pessoas, e ‘A Ponte’ pode ser considerada esse acesso para o outro, e a gravura, no aspecto de sua reprodução em múltiplos originais tem este sentido”, conta Patrícia Pedrosa.

“Popessuara” (2016), uma xilogravura feita de forma tradicional também está no livro. “Para a transgressora Maria Bonomi, a arte é o território da liberdade humana por excelência e, nesse espaço, se permite fazer até a arcaica, artesanal, rudimentar, atemporal e analógica xilogravura, pura e simplesmente”, justifica a autora.

Além dessas, outras onze obras são ressaltadas no livro, por apresentarem aspectos inovadores, que promovem uma discussão sobre a gravura e o fazer artístico. “Para mim o conteúdo de meu trabalho foi tão sentido e não apenas analisado que habilita o leitor, seja ele leigo ou não, a viajar seguramente pelos caminhos da Arte. Mastiga até os detritos e os restitui como meios para desvendar o sagrado”, afirma Maria Bonomi.

Sobre a artista

Maria Bonomi nasceu em 1935 em Meina, nas proximidades de Milão, Itália, de mãe brasileira e pai italiano, mudando-se em 1944 para o Brasil com sua família em decorrência das turbulências da II Guerra. Inicialmente, estuda pintura e desenho. Em 1953, a artista visita uma exposição do gravador Lívio Abramo (1903-1992), torna-se sua aluna e em 1960 era sua assistente no Estúdio Gravura. Esse intervalo de tempo é um período intenso de estudos e trabalho no exterior e no Brasil: em 1955, em sua primeira exposição fora do Brasil, expõe gravura. Realiza a sua primeira individual em São Paulo, em 1956. Em 1958 recebe bolsa de estudos da Ingram-Merrill Foundation e estuda no Pratt Institute Graphics Center, em Nova York, com o pintor Seong Moy (1921-2013). Em paralelo, cursa gravura com Hans Müller e teoria da arte com Meyer Schapiro (1904-1996), na Columbia University, também em Nova York. De volta ao Brasil, frequenta a Oficina de Gravura em Metal com Johnny Friedlaender (1912-1992), no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro – MAM/RJ, em 1959. Sua carreira revela uma artista plural: pintora, gravadora, ilustradora, cenógrafa, figurinista, muralista, professora, curadora. Doutora pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo – ECA/USP. Dentre muitas exposições no Brasil e no exterior, foi a artista convidada na Printmaking Base de Guanlan, na China, participando da Bienal Internacional de Guanlan em 2014.

Sobre a autora

Patrícia Pedrosa é artista visual e pesquisadora. Formou-se em Gravura em 1994 e fez Mestrado em Artes Visuais em 2016, ambos na Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Publicou o livro “Oficina de litografia”, em coautoria com Kazuo Iha, pela Rio Books, em 2020. Atualmente, dá prosseguimento às suas pesquisas que tratam de gravura no doutorado em curso na mesma instituição. Dentre os resultados desses estudos destaca a participação no livro Histórias da Escola de Belas Artes: Revisão Crítica de sua História (2017), com o texto “A Oficina de Litografia e a EBA”. Foi Professora Substituta na EBA – UFRJ de 2016 a 2018 e é Professora Docente I – Secretaria de Estado de Educação – RJ desde 2008. Realiza individuais e participa de coletivas desde 1992, dedicando-se a ministrar cursos, workshops e oficinas, atuando principalmente com gravura, desenho e história da arte. Tem obras nos acervos do Centro Cultural Paschoal Carlos Magno (Niterói, RJ), Museu Casa da Xilogravura (Campos do Jordão, SP), Museu Florestal (São Paulo, SP) e no Museu do Trabalho (Porto Alegre, RS). Seu ateliê fica em Petrópolis, RJ, onde reside e trabalha.

Serviço: Lançamento do livro “Maria Bonomi com a Gravura: do meio como fim ao meio como princípio”, de Patrícia Pedrosa.

Lançamento: 23 de março de 2021, às 18h.

Preço: R$ 75

140 páginas

Formato: 16cmX23cm

Venda on-line com preço promocional de lançamento: R$65,00 www.riobooks.com.br

Prêmio em Artes gráficas

12/mar

O Núcleo de Estudos Marcello Grassmann, São Paulo, SP, anuncia o I Prêmio Marcello Grassmann – artes gráficas. Uma realização do Ministério do Turismo, Secretaria Especial da Cultura e Governo do Estado de São Paulo, por meio da Secretaria de Cultura e Economia Criativa.

O I Prêmio Marcello Grassmann – artes gráficas é para artistas que inscreverem um projeto inédito em gravura.
As inscrições estão abertas de 07 de março a 07 de abril de 2021, para trabalhos inéditos em gravuras produzidas por artistas visuais brasileiros.

Três artistas selecionados terão acompanhamento com as juradas artísticas, receberão R$ 8.000,00 cada um e terão suas obras expostas na XXIX Semana Cultural Marcello Grassmann, que acontece online em setembro de 2021.

A convite do Núcleo, Luise Weiss, Maria Bonomi e Mayra Laudanna formam o corpo de juradas artísticas responsáveis pela seleção e acompanhamento dos processos artísticos dos artistas.

Confira a convocatória em

nucleomarcellograssmann.org.br/premio

Duas artistas no Projeto “Interações”

03/mar

A LONA, Galeria, Centro, São Paulo, SP, e Anexo, inicia o Projeto INTERAÇÕES que irá ocupar, alternadamente, seus dois espaços expositivos. Em uma sequência de mostras, os artistas representados pela LONA são agrupados de forma a transmitir mensagens tanto únicas como uníssonas em exposições coletivas. As mostras estarão disponíveis para visitas com agendamento e em formato virtual nas plataformas digitais da galeria.

INTERAÇÕES 1

As artistas Cristina Elias e Thais Stoklos exibem 21 trabalhos, entre pinturas, desenhos, instalações e vídeos no ANEXO LONA.

Cristina Elias traz “Releituras de Hokusai”, onde faz uma reescritura particular do traço do artista japonês por meio de técnicas diversas, que se interpenetram: desenho e tricô. Esse resultado pode ser visto em desenhos, pinturas e uma instalação. “O meu processo criativo prioriza a ação, aquilo que se está fazendo, ao objeto (estático) de arte. (….) Por isso, dada a relação intrínseca entre ação do corpo e objeto, chamo meus trabalhos de objetos-ação. Além disso, trabalho na intersecção entre as artes visuais e as artes do corpo (especificamente o Butô japonês) e, o que vou expor é o resultado de anos de treino psicofísico nessa zona de interação”, define Cristina Elias. “Partindo do movimento, seja especificamente das mãos ou do corpo de forma sistêmica, a artista dá continuidade à pesquisa iniciada há 10 anos com a abstração do texto em imagem e da aplicação de uma forma sinestésica de percepção à produção visual”, define Duilio Ferronato.

Em diálogo com as obras de Cristina tem-se o trabalho de Thais Stoklos, no momento representado pela série “Déficit” onde a artista apresenta trabalhos compostos por desenhos, instalação e vídeos, onde o gesto se torna visível através de apagamentos de uma ação insistente. “A palavra “déficit” significa: aquilo que está faltando para completar uma conta; o que falta para preencher certo valor ou quantidade; aquilo que está faltando para completar um todo. O “déficit” abala uma expectativa comum, surpreende o esperado, e indica uma nova atenção “, define a artista. Há interação, “porque os dois atos opostos são criadores. O impulso de criar já pressupõe a possibilidade de erro e este, então, já estimula uma insistência, um ajuste, uma renovação do olhar. Os trabalhos apresentados falam da informação dada através do rastro do gesto, onde a inclinação inata da combinação é a resistência das potências contrárias. O diálogo entres elas é o que faz se aprimorar”, explica Thais Stoklos.

Projeto INTERAÇÕES

Por falta de imunidade, foram excluídas as possibilidades de encontros. A simples perspectiva de interação sugere contaminação.” As relações dos últimos 2 anos entre os artistas da Lona Galeria têm se mostrado fecundas e incomuns. O grupo vem mantendo constante contato, trocando ideias e analisando ações mútuas. O contato artístico é tanto antropofágico como apropriador; basta um olhar e a transformação já principia. Artistas se contaminam de propósito com ideias, imagens e conversas. Não há lugar para barreiras. Os processos artísticos interessam tanto quanto o resultado e, as provocações constantes que surgem de todas as partes, sejam na área criativa ou comercial, nos mantém em alerta constante”, explica o coordenador Duilio Ferronato.

Com INTERAÇÕES, pretendem discutir os processos e alcançar uma nova etapa de amadurecimento artístico, institucional e comercial.

“Os 2 primeiros anos nos mostraram diversas possibilidades, que firmamos nossa convicção de que incentivar o processo artístico é o que nos deixa animados para os próximos lances.”

De 06 de março até 17 de abril.

Iole de Freitas no Sul

26/fev

A exposição “Decupagem”, individual de Iole de Freitas é o cartaz atual do Instituto Ling, Porto Alegre, RS. A curadoria traz a assinatura de João Bandeira.

Decupagem

Vinda do vocabulário cinematográfico, significando ações que produzem continuidades a partir de recortes, a noção de decupagem poderia caracterizar sumariamente a extensa produção de Iole de Freitas, em mais de quatro décadas de atividade artística. Como se pode ver nas obras e documentos desta exposição, desde os anos 1970 seu trabalho se desdobra em continuidades que, em boa parte, vivem de sua disposição entrecortada. Da faca que avança rompendo um tecido, em um de seus filmes daquela época, até os desvios com que tubos metálicos e placas de policarbonato recortam os espaços onde se instalam ao lançarem-se neles, em obras mais recentes. Pode-se pensar também nas sequências fotográficas em que um corpo se entrega ao olhar apenas na medida mesma em que se reflete em fragmentos, nos trabalhos em que diversos materiais industrializados encadeiam suas diferenças, no entrelaçar complexo de telas e fios metálicos de seus relevos ou nas novas esculturas de aço que, como várias de suas instalações, interrogam-se sobre até que ponto o atravessamento de formas em contraposição chega a constituir um ser.

Iole também decupa minuciosamente o que intenciona produzir. Mas permitindo-se alterações de percurso durante o confronto direto com as propriedades dos materiais que utiliza em suas obras. E em função de sua situação, isto é, do leque de relações que se estabelecem entre elas e os espaços em que se encontram, modificando-se reciprocamente. Nesse constante ir e vir, o desenho, em suas mais diversas maneiras, parece ser o principal instrumento de condução, decupando o fazer – seja a rápida notação de uma ideia vislumbrada, o diagrama para um filme, a procura repetida da melhor impulsão de uma curva numa peça tridimensional ou o comentário gráfico de uma instalação já realizada.

Associados a outros documentos da artista mostrados aqui, muitos desses desenhos possibilitam entrever a intuição e o raciocínio vertidos no trabalho, que revertem-se, para ela e para nós, em obras – incluindo desenhos. No entanto, assim como obras quando prontas não são, em si, um fim – dado que é justamente quando sua vida pública pode começar –, os desenhos diversos não são apenas testemunhos de origem. Entre anotações, projetos, estudos de elaboração variada e o que já obteve o estatuto de obra, tudo na fluidez tensa da produção de Iole de Freitas parece manter no horizonte as articulações do próprio movimento.

João Bandeira

curador

Até 29 de maio.

Na prensa alemã de Iberê Camargo

05/fev

Depois de inaugurar, no início de dezembro, a exposição “Pardo é Papel: Close a door to open a window”, na sede da Galeria David Zwirner, em Londres, o artista carioca Maxwell Alexandre retornou a Porto Alegre, para finalizar a gravura produzida na prensa que pertenceu a Iberê Camargo, sob a supervisão do assistente do pintor gaúcho e coordenador do Ateliê de Gravura da Fundação Iberê, Eduardo Haesbaert.

A obra (1,20cm x 80cm) é linda e, ao mesmo tempo, impactante: uma corrente de ouro e um revólver como pingente. Aos 30 anos, Maxwell retrata uma poética que passa pela construção de narrativas e cenas estruturadas a partir da vivência cotidiana pela cidade e na Rocinha, onde nasceu, trabalha e reside.

Talvez a obra integre “Reprovados”, uma série que trata de questões mais ácidas de sua vivência, como o conflito da comunidade com a polícia, a dizimação, o encarceramento da população negra e a falência do sistema público de educação. O uniforme escolar da rede pública municipal do Rio de Janeiro é o motivo principal da série. Talvez não. Maxwell também vê na gravura uma atmosfera religiosa, que tem escolhas formais, como a luz dourada e o processo de fotografia.

A palavra do artista

“Penso que o artista falar sobre seu trabalho tira a potência da obra, por isso eu gosto de saber o que as pessoas veem”.

Intervenções, mostra nos Correios

27/jan

“Intervenções”, exposição do artista Roberto Gallo, apresenta uma instalação artesanal que reproduz o fundo do mar e um ateliê com técnicas construtivas, além de aquarelas, pinturas e desenhos, sob curadoria de Edson Cardoso. A mostra ocupa três salas e no Centro Cultural Correios, Centro, Rio de Janeiro, RJ, com dois artistas convidados: Eurico Poggi e Francisco Schönmann Gallo. Fazendo uma alusão à paisagem como início e fim, meta do seu propósito artístico, Roberto Gallo apresenta um olhar sobre as paisagens urbanas e marinhas.

“A exposição “Intervenções” nos introduz em um mergulho profundo na arte, uma imersão espetacular que leva a experimentar o interior da vida marítima através de um cenário cuidadosamente concebido pelo artista plástico Roberto Gallo. Além dessa experiência mágica e única, podemos apreciar suas pinturas numa abordagem de termos urbanos (composição de prédios criados a partir do imaginário que beiram a abstração), obras de um lirismo apaixonante. Há também as telas marinhas de tons suaves e delicados”, avalia o curador, Edson Cardoso.

A palavra do artista

“Vivo em observação constante, contemplando o espaço ao meu redor. O que move meu impulso criativo é um sentimento puramente emotivo e intuitivo, surge da necessidade de expressar meu amor pela vida e pela natureza, seja ela Humana ou Divina. Na minha série de pinturas em aquarela e acrílico, a atenção está voltada para a relação entre os elementos ar, terra, fogo e água, o movimento das marés, a incidência da luz, a profundidade da atmosfera, a linha do horizonte”.

Atrações inéditas

Na primeira sala foi montada uma cenografia imersiva, onde o visitante é convidado a “submergir” em uma experiência inclusiva através de uma instalação que reproduz o fundo do mar, num espaço sensorial. Uma escultura de isopor, resina, argamassa e pintura especial simula uma caverna subaquática, com colunas e janelas que exibem cenas do fundo do mar, seguindo uma sequência lógica com sonorização, em vídeos repetidos em looping a cada 5 min. “A ideia principal é levar o espectador a uma experiência de mergulho em uma paisagem submersa. O recurso que usaremos será a construção de uma espécie de câmara feita com materiais cenográficos, utilizando técnicas e conceitos desenvolvidos em nossa área de atuação profissional que é a construção de aquários de grande dimensão. Pretendo despertar o interesse do visitante e fazer com que se sinta parte do espaço através de uma experiência sensorial, não apenas de imagens e texturas mas também de sons”, revela Gallo.

A segunda sala reproduz um ateliê, como uma espécie de espaço íntimo do artista, com desenhos, imagens de cenografias, rochas artificiais, ensaios de esculturas subaquáticas e objetos em construção, revelando algumas técnicas construtivas. Já a terceira, ocupada com os trabalhos dos três artistas, tem também vídeos exibidos em monitores.

A palavra do curador sobre dois artistas convidados

Francisco Schönmann Gallo conduz a uma remota demonstração de inquietude percebida nos traços de seus trabalhos. Obras mediúnicas, com seres enigmáticos que aguçam a imaginação de forma pragmática. Mostrando um jeito único de se expressar, suas obras perpassam o ocultismo, com uma inclinação para definir o que não pode ser definido.

Já nos trabalhos de Eurico Poggi é possível detectar uma verdadeira aglutinação criativa de formas e movimentos. Uma arte extremamente pictórica, cuja grandeza e força são facilmente identificadas pelo olhar. Afora qualquer polêmica teórica, a mostra define com grande desenvoltura o resultado desse diálogo enriquecedor, produzindo um resultado que surpreende pelo encontro dos artistas convidados com as obras de Roberto Gallo e seus cenários imersivos.

Sobre o artista

Natural de Campinas, SP, Roberto Gallo expressa sua arte por meio da pintura, paisagismo, escultura e cenografia. Trabalhou com paisagismo e arquitetura e, desde 1981, vem participando de mostras individuais e coletivas no Brasil e América Latina. Manteve ateliê de arte no Rio de Janeiro por 10 anos, onde trabalhou como professor de desenho e pintura. Neste período, formulou e executou experiências com cenografia, painéis em grande dimensão, pinturas, esculturas, e cenários para teatro, exposições, mostras científicas, museus e zoológicos. Especializou-se na criação de habitats para aquários de visitação pública a partir de 1995, unindo técnicas de modelagem sobre argamassa, fibras de vidro e resina. Desde então, vem realizando aquários no Brasil e no mundo, entre eles o Aquário de Ubatuba, Oceanic Atrativos Turísticos, Aquário do Balneário Camboriú e Aquário Marinho do Rio de janeiro. Atualmente executa o Aquário do Pantanal em Campo Grande, MS.

De 28 de janeiro a 21 de março.

“Relicto”, por Fernando Limberger.

15/jan

O Museu da Cidade, Sé, São Paulo, SP, convida até 14 de junho para a exibição de “RELICTO”, uma exposição orquestrada pelo talentoso artista visual Fernando Limberger dividida em dois espaços, a saber: Casa da Imagem e Beco do Pinto.

Para a visitação é solicitado o uso de máscara, higiene das mãos e distanciamento social.

Salão Online de Artes Visuais do Ibeu

11/jan

Pela primeira vez desde que foi concebido, há quase 50 anos, o Salão de Artes Visuais Galeria Ibeu será realizado em formato digital. Após seleção aberta em novembro de 2020, a 1ª edição do “Salão Online de Artes Visuais Galeria Ibeu” reabre o calendário de exposições em janeiro. Tendo como objetivo divulgar a produção de artistas brasileiros realizada em 2020, em meio às medidas de prevenção ao contágio pelo Coronavírus, o Salão acontece até o dia 5 de fevereiro através das plataformas Instagram (@galeriaibeu) e Blog da Galeria Ibeu (ibeugaleria.blogspot.com).

Naturais do Rio de Janeiro, São Paulo, Brasília, Bahia, Pernambuco, Rio Grande do Sul, Goiás e Espírito Santo, foram ao todo 32 artistas selecionados: Alexandra Ungern, Aline Moreno, Ana Klaus, Antônio Freire, Bruno Alves, Bruno Lyra, Camille Fernandes, Claudia Lyrio, Edson Macalini, Fabi Cunha, Fava da Silva, Fernando Brum, Fernando Correia, Júnior Franco, Larissa Camnev, Laura Villarosa, Leo Stuckert, Liliana Sanches, Lucas Ribeiro, Luísa Prestes, Maria Eugênia Baptista, Mariane Germano, Mateus Morbeck, Myriam Glatt, Nina Maia, Patricia Pontes, Paulo Juno, Raul Leal, Rodrigo Westin, Sandra Gonçalves, Thomaz Meanda, Vicente Brasileiro. Entre as mídias utilizadas encontram-se pinturas, esculturas, instalações, desenhos, colagens, vídeos e fotografias.

“Franklin Cassaro – O Fantasma Chinês”, ocupação na vitrine da galeria Simone Cadinelli. Em seu primeiro trabalho da pesquisa sobre a China o artista cria “máquinas da prosperidade”, em “atos escultóricos”

22/dez

Vitrine chinesa

Em seu primeiro trabalho da pesquisa sobre a China, a que pretende se dedicar, o artista Franklin Cassaro cria “máquinas da prosperidade”, em “atos escultóricos” que ocupam a vitrine da galeria Simone Cadinelli, que dá para a Rua Aníbal de Mendonça, Ipanema, Rio de Janeiro. A quase totalidade de objetos, materiais e aparelhos foi comprada na China. Os demais foram construídos pelo próprio artista, que buscou seguir a lógica e a cultura chinesas nessa produção. A instalação “O Fantasma Chinês” integra a exposição “Como habitar o presente? Ato 3 – Antecipar o futuro”, com curadoria de Érika Nascimento.

A partir da ópera chinesa, suas cores e sonoridades, Cassaro criou uma cena teatral no espaço de cinco metros quadrados da vitrine da galeria, usando símbolos como Velho Sábio, o dragão, porcelana, alfinetes perolados chineses e cédulas históricas de renmimbi (nome oficial da moeda da China, enquanto a palavra yuan, mais comum, é uma unidade de conta, o valor).

“Esta é uma exposição que fala de prosperidade. O objetivo principal é a produção de máquinas de prosperidade através dos atos escultóricos. Não são peças estáticas, se movimentam com o vento”, explica Franklin Cassaro. “A vitrine é visitável: pode ser vista do lado de fora ou penetrar. É um penetrável pensado para causar uma sensação”.

Franklin Cassaro embaralha conceitos de sorte/azar, correto/incorreto, e brinca com preconceitos com números que não trariam boa fortuna: na China se evita o “quatro”, pois sua pronúncia se assemelha à da palavra “morto”, ao passo que no ocidente é o “treze” o número temido.

O artista convidou sua filha Lara Cassaro, estudante de design na PUC, para ajudá-lo na pesquisa sobre a simbologia do vento, das nuvens chinesas. Ela é coautora de um dos trabalhos: são discos, feitos de caixa de papelão pintadas de preto, a mesma cor usada na parede, onde ela desenhou bordos dourados como se fossem a louça chinesa.

Até 16 de janeiro de 2021.