Arquivos da Categoria: Exterior

Figuras Centrais da Op Art e da Arte Cinética

23/maio

A Nara Roesler New York apresenta até 16 de julho a exposição Parallel Inventions: Julio Le Parc e Heinz Mack, que reúne cerca de 25 obras históricas e recentes de ambos artistas, figuras centrais da Op Art e da Arte Cinética, que exploram a luz e o movimento em suas práticas artísticas. A exposição inclui trabalhos icônicos dos artistas. 

Com trajetórias iniciadas na década de 1950, os Heinz Mack e Julio Le Parc direcionaram suas poéticas para a compreensão e o estudo de fenômenos visuais de forma pura, tanto através da interação dos mesmos quanto por meio da experiência sensorial que estes causam no espectador. Dessa forma, acabaram tanto rompendo com suportes e materiais artísticos tradicionais, utilizando em seus trabalhos materiais como areia, espelhos, motores e aço, quanto promovendo uma crescente participação do espectador nos trabalhos. 

Ao longo de sua trajetória, Heinz Mack (n.1931, Lollar, Alemanha) desenvolveu uma produção artística pioneira marcada por investigações com a luz, a cor, a temporalidade e o movimento. Mack iniciou sua carreira na década de 1950, ao fundar o Grupo ZERO (1957-1966) ao lado de Otto Piene em 1957, ao qual viria a se juntar Gunther Uecker, em 1961. O objetivo do coletivo estava em criar um espaço desprovido de estruturas prévias, um lugar silencioso no qual poderiam se originar novas possibilidades. “O objetivo é alcançar a clareza pura, grandiosa e objetiva, livre da expressão romântica e arbitrariamente individual. Em meu trabalho eu exploro e busco fenômenos estruturais, cuja lógica estrita eu interrompo ou amplio por meio de intervenções aleatórias, ou seja, de eventos fortuitos.” Em consonância com esse pensamento, a prática de Mack passou a se apoiar em três pilares principais – luz, movimento e cor -, que ele explorou por meio de uma produção variada que vai desde esculturas cinéticas, estruturas em metal ou espelho, até projetos de land art, assim como pinturas compostas por modulações cromáticas. 

Julio Le Parc (n.1928, Mendoza, Argentina), por sua vez, também é reconhecido internacionalmente como um dos principais nomes da arte óptica e cinética e foi co-fundador do Groupe de Recherche d’Art Visuel (1960-68), um coletivo de artistas que se propunha a incentivar a interação do público com a obra, a fim de aprimorar suas capacidades de percepção e ação. De acordo com essas premissas, somadas à aspiração bastante disseminada na época de uma arte desmaterializada, indiferente às demandas do mercado, o grupo se apresentava em locais alternativos e até na rua. As obras e instalações de Julio Le Parc, feitas com nada além da interação entre luz e sombra, são resultado direto desse contexto, no qual a produção de uma arte fugaz e não vendável assumia claro tom sociopolítico. Ao longo de seis décadas, Le Parc realizou experiências inovadoras com luz, movimento e cor, buscando promover novas  relações entre arte e sociedade a partir de uma perspectiva utópica. Suas telas, esculturas e instalações abordam questões relativas aos limites da pintura a partir de procedimentos que se aproximam da tradição pictórica na história da arte, como o uso de acrílico sobre tela, ao mesmo tempo que investigam potencialidades cinéticas em assemblages, instalações e aparelhos que exploram o movimento real e a atuação da luz no espaço.

 

 

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Mostra individual de Gustavo Nazareno

A Cassina Projects, Milão, tem o prazer de anunciar a representação de Gustavo Nazareno (1994, Minas Gerais, Brasil), que se junta à galeria após sua estreia na Itália e sua primeira individual na Cassina Projects, “Notas pessoais de fé”, com curadoria de Deri Andrade, em 2022. Gustavo Nazareno vive e trabalha em São Paulo, Brasil.

Trabalhando com pinturas a óleo e carvão sobre papel, Gustavo Nazareno parte para uma exploração espiritual e visual dos Orixás, divindades veneradas pelo culto sincrético da Umbanda brasileira e outras religiões da diáspora africana relacionadas aos iorubás, que encontraram seu caminho para a maioria dos mundo como uma emanação do comércio atlântico de escravos.

​Forças híbridas, espíritos ancestrais e negociadores mitológicos entre o mundo humano e o divino – profetas da sabedoria e encarnação de legados históricos -, no universo poético de Gustavo Nazareno os Orixás são figuras gloriosas de um panteão pungente onde se fundem tradições africanas, rituais brasileiros, espiritismo e catolicismo.

​Por meio do enigmático jogo de luz e sombra e da representação de entidades divinas e da paisagem como manifestação alegórica e universal da beleza, Gustavo Nazareno pondera sobre os atributos heterogêneos da identidade e sobre os contornos nebulosos de nossa experiência terrena enquanto confronta a persistência do colonialismo como narração.

 

 

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León Ferrari em Buenos Aires

17/maio

Durante 2020, o Museu Nacional de Belas Artes, Buenos Aires, Argentina, apresentou uma série de ações, atividades, propostas virtuais e exposições para comemorar o centenário do nascimento de León Ferrari, o grande artista argentino.

Desde setembro de 2020, o site do museu veicula material audiovisual com depoimentos, documentário e publicações digitais, entre outras iniciativas dedicadas a evocar a vida e a obra do artista.

Em 17 de maio de 2023, a tão esperada exposição antológica “León Ferrari. Recorrências”, com curadoria de Cecilia Rabossi e Andrés Duprat. Inicialmente agendada para abril de 2020, a exposição teve de ser adiada devido à emergência mundial provocada pela pandemia de Covid-19.

Palavras de Andrés Duprat sobre León Ferrari

“Tive a alegria de ser seu amigo e conhecê-lo intimamente. Além de grande artista, era um homem de qualidades excepcionais, de imensa generosidade e de uma inteligência aguçada marcada por uma nobreza extraordinária. Era alguém absolutamente comprometido não só com o seu trabalho, mas com todos os que necessitavam da sua ajuda, promovendo jovens artistas, até ajudando financeiramente quem precisava. Estudioso, prolífico, solidário, dono de uma notável lucidez e senso de humor, às vezes feroz, sem amarras, típico do livre-pensador que era. A sua formação em engenharia deu-lhe método e rigor; nada é casual ou superficial nas suas obras, fruto de meditações amadurecidas, por vezes durante décadas, e trabalhos técnicos, artesanais cultivados obsessivamente até à perfeição.

Em sua carreira, ele colocou em jogo sua aptidão em vários ofícios. Artista multidisciplinar, foi pintor, gravador, desenhista, escultor, também um grande teórico e polemista. Ele se aventurou em outras disciplinas, como música, dramaturgia, produção cinematográfica e redação. Suas experimentações formais incluíam esculturas e cerâmicas; estruturas de arame concebidas como construções geométricas e desenhos abstratos; scripts transbordantes, transcrições e caligrafia; colagens, Brailles e assemblages que, ao colocarem em diálogo elementos díspares, geram novos significados, não sem humor e denúncia; plantas de arquiteturas paranoicas, desenhos de cidades impossíveis e planetas de poliuretano expandido, entre outras pesquisas. Foi definitivamente um humanista, uma personalidade contemporânea de estilo renascentista, interessado em tudo o que diz respeito ao homem e às suas circunstâncias”.

Fotografia: Adrian Rocha Novoa.

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Jac Leirner no Swiss Institute

12/maio

O Swiss Institute apresenta a primeira grande exposição individual institucional em Nova York da artista brasileira Jac Leirner. A exposição encapsula um amplo período cronológico da experiência da artista, com obras que vão desde a década de 1980 até hoje.

Em pilhas, pilhas e camadas, a acumulação seletiva de objetos do cotidiano de Jac Leirner segue uma lógica acretiva. O processo de Jac Leirner, ao mesmo tempo controlado e compulsivo, leva a obscurecer parcialmente a própria natureza dos materiais que ela reúne à medida que eles se transformam em escultura. A performance paradoxal do apagamento por acumulação ecoa o desaparecimento dos objetos de escolha de Jac Leirner ao longo dos anos: sacolas plásticas, cigarros, notas e cartões de visita, outrora onipresentes e aparentemente insubstituíveis, são cada vez mais expulsos de circulação.

Ancorando a galeria do andar térreo do Swiss Institute está a Fase Azul de Leirner (1992), uma escultura em loop feita de notas de cruzeiro, cuja forma empilhada esconde a antiga identidade e função da moeda agora sem valor. Referências ao minimalismo também são encontradas em várias esculturas de parede espalhadas pela galeria, onde coleções de objetos do cotidiano, como espirais de cadernos, níveis de bolha, lápis de instituições de arte e limas de unhas, entre outros materiais, são metodicamente transformadas em linhas e fileiras.

A galeria vault reúne uma peça-chave da série Lung de Leirner (1987) e a recém-produzida 4 de julho (2023). Enquanto o novo trabalho consiste em um monte de réplicas antigas em pergaminho falso da Declaração de Independência dos Estados Unidos manuscrita original, Pulmão/Lung (Vegetal/Mineral) é uma pilha de centenas de papéis forrados de alumínio, minuciosamente extraídos de maços de cigarro. A fusão de histórias, do pessoal ao político, do diarístico ao sistêmico, aponta para o interesse do artista pelos materiais que sustentam as interações sociais cotidianas.

Atravessando o edifício, Straight with Rounds (2023) reúne uma grande seleção de objetos que Jac Leirner escolheu em virtude de sua circularidade, leveza e tamanho modesto. Como contas díspares em um cabo de tensão aparentemente sem fim esticado, retirado de seu contexto de uso e extraído do que a artista descreve como “a infinidade de materiais”, as rodas e anéis convidam à admiração e ao exame, como se fossem vistos pela primeira vez.

A galeria do segundo andar apresenta Village Inside I e II (2023), feito de material impresso selecionado de todo o East Village. Cobrindo duas telas, a miríade de folhetos, menus, guardanapos, caixas de fósforos e muito mais oferecem uma representação pictórica da vibrante vida cotidiana do bairro histórico. Sua qualidade estridente ressoa em Hardcore Drummer (Talco) I (2023), uma nova peça feita de baquetas quebradas outrora usadas na cena punk paulistana dos anos 1980. Esses objetos ecoam exemplos dos primeiros experimentos geométricos do artista em duas aquarelas exibidas lado a lado no mesmo espaço.

Amarrado entre um desejo essencial de acumular e formas incidentais de serendipidade, o compromisso de Jac Leirner ao longo de mais de 40 anos para reunir materiais, objetos e produtos compõe “um léxico idealista de signos em que a própria vontade de viver é discernível em uma materialidade cada vez mais distante”. como Baudrillard escreveu sobre objetos de consumo. (1) Seu tributo formal contínuo a materiais descartáveis ​​eleva o efêmero ao biográfico, ao coletivo e ao sublime.

(1) Jean Baudrillard, O Sistema dos Objetos, trad. James Benedict (Londres: Verso, 1996), 203.

O Swiss Institute agradece a Jac Leirner Exhibition Circle, Consulado Geral do Brasil em Nova York / Instituto Guimarães Rosa, Esther Schipper e Fortes D’Aloia & Gabriel.

Esta exposição é organizada por Simon Castets, ex-diretor do Swiss Institute, e Alison Coplan, curadora sênior e chefe de programas.

 

Sobre a artista

Jac Leirner nasceu em 1961 em São Paulo, onde vive e trabalha. Em 1984, recebeu seu BFA em Belas Artes pela Fundação Armando Álvares Penteado, em São Paulo. As exposições individuais selecionadas incluem: Prêmio Wolfgang Hahn 2019, Museu Ludwig, Colônia (2019); Jac Leirner: Add It Up, The Fruitmarket Gallery, Edimburgo (2017); Fantasma Institucional, IMMA Dublin (2017); As bordas são desenhadas à mão, MoCa Pavilion, Xangai (2016); Jac Leirner. Funções de uma variável, Museo Tamayo, Cidade do México (2014); Jac Leirner: Pesos y Medidas, Centro Atlantico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canária (2014), Jac Leirner, Hardware Silk, Edgewood Avenue Gallery, Yale University School of Art, New Haven (2011); Jac Leirner, Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo (2011); Adhesive 44, Miami Art Museum, Miami (2004); Projeto Parede, Museu de Arte Moderna de São Paulo, São Paulo (1999); Directions, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C. (1992); Jac Leirner, Museu de Arte Moderna, Oxford (1991), Currents, ICA, Boston, (1991), Viewpoints, Walker Art Center, Minneapolis (1991) e Hip-Hop, Bohen Foundation, Nova York (1998). Recebeu inúmeras bolsas e residências, entre elas: Prêmio APCA 2012: Melhor Exposição do Ano – Estação Pinacoteca, São Paulo; 2012 artista residente na Yale University School of Art; 2001 Bolsa John Simon Guggenheim; 1998 artista visitante na Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Amsterdam; 1991 artista visitante no University College, Oxford; 1991 artista visitante na Ruskin School of Drawing and Fine Arts, University of Oxford; Artista residente em 1991 no Museu de Arte Moderna de Oxford, e artista residente em 1991 no Walker Art Center, Minneapolis.

 

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Presença brasileira na Biennale di Venezia

11/maio

A Galeria Simões de Assis anuncia a participação de Ayrson Heráclito na seleção de artistas para o Pavilhão brasileiro na 18ª Mostra Internacional de Arquitetura, La Biennale di Venezia.

Ayrson Heráclito é artista, professor e curador, suas obras transitam entre instalações, performances, fotografias, desenhos, aquarelas, esculturas e produções audiovisuais. Aborda em sua pesquisa as conexões entre o continente africano e as diásporas negras nas Américas.

O projeto Terra, curado por Gabriela de Matos e Paulo Tavares, irá ocupar o Pavilhão do Brasil em Veneza com uma mostra que busca realizar uma reflexão sobre o passado, presente e o futuro do Brasil, sob o enfoque da terra – solo, adubo, chão e território, mas também como elemento poético. O grupo de artistas conta também com a participação dos povos indígenas Tukano, Arawak e Maku, entre outros. A mostra abre no dia 20 de maio e permanecerá em cartaz até 26 de novembro.

 

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A obra de Analivia Cordeiro

08/maio

Nascida em 1954 no Brasil, Analivia Cordeiro é uma artista consagrada, pioneira do vídeo e da arte digital. Ela vem explorando as relações entre corpo, movimento, arte visual e arte midiática desde o início dos anos 1970.⁠

⁠Seu trabalho seminal ”M 3×3” é considerado a primeira arte em vídeo a sair da América do Sul e internacionalmente uma das primeiras coreografias de dança criadas especificamente para vídeo, usando processamento de imagem de computador para anotar os movimentos de dança.⁠

⁠A retrospectiva ”Analivia Cordeiro: From Body to Code” no ZKM Karlsruhe, Alemanha, apresenta pela primeira vez um panorama da obra completa da artista, coreógrafa e arquiteta. Esta exposição permitiu que suas performances históricas de vídeo e danças de computador dos anos 1970 e 1980 entrassem em diálogo com uma seleção de seus trabalhos de 1990 até o presente. A exposição também faz parte da série programática ”Perspectivas Femininas” dedicada às posições femininas na Artemídia. Os artistas são Soun-Gui Kim, Marijke van Warmerdam, Analivia Cordeiro e Ulrike Rosenbach.⁠

⁠Outra exposição no Musuem Canteo Atlantico de Arte Moderno em Las Palmas de Grande Canaria reúne sob um mesmo conceito as duas vertentes transversais da obra de Analivia Cordeiro: “Corpo e grafite”.⁠

Esta exposição apresenta pela primeira vez na Espanha uma seleção das obras mais representativas de sua carreira realizadas entre 1971 e 2022. Os esboços e desenhos históricos contribuem para a compreensão de seus processos de pesquisa. Uma seleção de seus retratos feitos pelo renomado fotógrafo brasileiro Bob Wolfenson de 1987 a 2020 completam o perfil da artista.⁠

⁠Em conjunto com a exposição “Coded: Art Enters the Computer Age, 1952-1982”, Analivia conduzirá uma oficina que combina dança e interação do corpo com arte e tecnologia visual e audiovisual. Acontecerá no LACMA em LA, durante dois dias, de 17 a 18 de julho.

 

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Pedro Vaz e Marcelo Moscheta na Kubikgallery

Com abertura no dia 13 de Maio, a Kubikgallery, Porto, Portugal exibe a exposição “Cartografia da Sombra”, mostra a dois pelos artistas Pedro Vaz e Marcelo Moscheta.

 

Sobre a exposição

Pedro Vaz (PT) e Marcelo Moscheta (BR) apresentam “Cartografia da Sombra”, uma exposição que evoca a Terra, uma terra que deixa de ser natural no sentido em que lhe é imposta a interferência do homem. Através de duas investigações sobre a paisagem e a natureza – a de um artista português no Brasil e a de um artista brasileiro em Portugal -, é reconhecida “uma” paisagem que foi operada e que é́ agora reencontrada pelo homem, como são exemplo as deambulações de Pedro Vaz e Marcelo Moscheta, que acentuam a procura deste reencontro e reconhecimento pela terra e pela natureza.

Uma expedição por diferentes paisagens de Pedro Vaz, que parecem não ter um espaço no tempo, que potenciam uma leitura romântica e encenada, sobre percursos antigos, onde é evidente a relação do homem com a natureza, o antes e o depois, e as respectivas metamorfoses econômicas e geopolíticas.

Os elementos da natureza, cuidadosamente seleccionados por Marcelo Moscheta, propõe-nos um lugar e espaço, sacralizando estes elementos contemplativos, em que a paisagem é modelada, documentando e registando a relação do homem com os lugares de passagem e das memórias deixadas sobre eles.

“Cartografia da Sombra”, coloca o trabalho destes dois artistas em diálogo explorando a ação de caminhar, com ou sem plano, de deambular ou não, demonstrando as derivas de cada um em diferentes territórios.

Texto: Luís Pinto Nunes

 

 

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Baró representa a obra de Joana Vasconcelos

20/abr

 

Depois de muitos anos acompanhando de perto sua carreira, especialmente desde sua monumental instalação apresentada na Pinacoteca do Estado de São Paulo em 2008 “Contaminação”, a Baró Galeria – Palma de Mallorca, Lisboa e São Paulo -, une forças com Joana Vasconcelos e passa a representá-la.

Nascida em Paris, Joana Vasconcelos é uma das mais conhecidas artistas contemporâneas internacionais que vive e trabalha em Lisboa. Em sua prática, ela explora temas de identidade, gênero e cultura de consumo, incorporando objetos e materiais cotidianos, como têxteis, cerâmicas e eletrodomésticos, que transforma em esculturas monumentais e provocantes.

A obra de Joana Vasconcelos gira em torno da cerâmica, fios tecidos e tecidos. Esses materiais servem de base para suas vibrantes esculturas tridimensionais maiores que a vida, bem como para suas elaboradas e surreais criações que transformam objetos comuns, móveis, ferramentas, cerâmicas e estatuetas. Joana Vasconcelos eleva estes suportes e as suas técnicas tipicamente associadas às artes aplicadas e artesanais ao estatuto de fine art. Sua abordagem envolve técnicas de alienação e reaproveitamento, o que aproxima seus trabalhos em estilo e estratégia dos artistas surrealistas.

Joana Vasconcelos já expôs internacionalmente, na Bienal de Veneza (2005) (2013), no Museu Guggenheim Bilbao (2018) e no Palácio de Versalhes (2012), sendo a artista feminina mais jovem a expor no palácio. Recentemente, ela expôs uma monumental instalação site specific para o desfile Dior Fall-Winter 2023-2024, na Semana de Moda de Paris. Atualmente, “O Bolo de Casamento”, uma encomenda da Fundação Rothschild para Waddesdon Manor no Reino Unido, está sendo concluído.

Para saber mais sobre a artista, visite nosso site ou dê uma olhada em sua mais nova publicação “Liquid Love” (La Fabrica, 2023) e nos próximos projetos da artista “Arbre de Vie”, na Sainte-Chapelle du Château de Vincennes e “Wedding Cake” at Waddesdon.

 

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O êxito de Beatriz Milhazes

06/abr

 

A National Gallery, o sétimo museu do mundo a receber mais visitantes, adquiriu “Romântico americano” (1998), de Beatriz Milhazes, que vai integrar a partir de agora o acervo da instituição. Outras instituições como Museum of Modern Art (MoMA), Centre Pompidou, Solomon R. Guggenheim Museum e Museo Reina Sofia também têm obras de Beatriz Milhazes em suas coleções. Beatriz Milhazes fez este trabalho usando uma técnica de “monotransferência”, um processo de colagem envolvendo elementos pintados presos à tela. O título da obra faz alusão ao período romântico nas artes do início do século XIX, quando o Brasil era colônia de Portugal, ao mesmo tempo em que afirma a presença do Sul Global no uso da palavra “América.” Em “Romantico americano”, Beatriz Milhazes pintou e aplicou formas geométricas multicoloridas, arabescos pulsantes com flores drapeadas e contornos sugestivos de rendas coloniais sobre fundo coral. As flores evocam o Jardim Botânico do Rio de Janeiro próximo ao ateliê da artista, assim como antigas ideias de feminilidade e associações com o corpo feminino. As obras de Beatriz Milhazes, uma das mais celebradas artistas contemporâneas do Brasil, revelam seu profundo envolvimento com a complexa história colonial de seu país natal, caracterizada pelo encontro das culturas indígena, africana e europeia. Seu trabalho também traz formas visuais relacionadas às artes vernáculas do Brasil, como cerâmica e têxteis, em diálogo com aqueles que extraem da tradição da abstração modernista. Sua assinatura são círculos de cores vivas e formas curvilíneas que se sobrepõem e se cruzam com formas orgânicas e motivos florais.

 

Sobre a artista

A carreira de Beatriz Milhazes começou em 1980, quando ingressou na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV), no Rio de Janeiro, estudando com o artista escocês Charles Watson. Em 1984 participou da exposição “Como vai você, Geração 80?”. Ao longo de sua carreira, Beatriz Milhazes recebeu encomendas para uma série de obras arquitetônicas de grande porte: uma série de formas de vinil para o exterior da loja de departamentos Selfridges em Manchester, Reino Unido (“Gávea”, 2004); 19 composições para os arcos da estação Gloucester Road do metrô de Londres (“Peace and Love”, 2005); quatro imagens murais para o projeto Murals of La Jolla (“Gamboa Seasons”, 2021, baseado em quatro pinturas acrílicas sobre tela de 2010); e, mais recentemente, um mural de mosaico cerâmico e um mural pintado no New York-Presbyterian Hospital (“Tuiuti e Paquetá”, 2018).

 

 

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O Brasil na Biennale Architettura 2023

30/mar

 

 

Intitulada “Terra”, a representação do Pavilhão do Brasil na Biennale Architettura 2023 – de 20 de maio a 26 de novembro no Giardini Napoleonici di Castello, Padiglione Brasile, 30122, Veneza, Itália – propõe repensar o passado para desenhar possíveis futuros, trazendo para o centro do debate agentes esquecidos pelos cânones arquitetônicos, em diálogo com a proposta curatorial da edição, Laboratory of the future (Laboratório do futuro). A exposição tem curadoria conjunta dos arquitetos Gabriela de Matos e Paulo Tavares, e conta com a participação do povo indígena Mbya-Guarani, povos indígenas Tukano, Arawak e Maku, Tecelãs do Alaká (Ilê Axé Opô Afonjá), Ilê Axé Iyá Nassô Oká (Casa Branca do Engenho Velho), Ana Flávia Magalhães Pinto, Ayrson Heráclito, Day Rodrigues com colaboração de Vilma Patrícia Santana Silva (Grupo Etnicidades FAU-UFBA), coletivo Fissura, Juliana Vicente, Thierry Oussou e Vídeo nas Aldeias. Partindo de uma reflexão entre o Brasil de ontem, o de hoje e do futuro, a mostra coloca a terra como elemento poético e concreto no espaço expositivo. Para isso, o piso do pavilhão será aterrado, colocando o público em contato direto com a tradição dos territórios indígenas e quilombolas, além dos terreiros de candomblé.
“Nossa proposta curatorial parte de pensar o Brasil enquanto terra. Terra como solo, adubo, chão e território. Mas também terra em seu sentido global e cósmico, como planeta e casa comum de toda a vida, humana e não humana. Terra como memória, e também como futuro, olhando o passado e o patrimônio para ampliar o campo da arquitetura frente às mais prementes questões urbanas, territoriais e ambientais contemporâneas”, contam os curadores.
A primeira galeria do pavilhão modernista é chamada pelos curadores de Decolonizando o cânone, questionando o imaginário em torno da versão de que Brasília, capital do Brasil, foi construída em meio ao nada, uma vez que indígenas e quilombolas que habitavam o lugar já eram retirados da região desde o período colonial, sendo finalmente empurrados para as periferias com a imposição da cidade modernista. Com múltiplos formatos, as obras que preenchem a galeria vão da projeção de uma obra audiovisual da cineasta Juliana Vicente e criada em conjunto com a curadoria, comissionada para a ocasião, passando por uma seleção de fotografias de arquivo, organizada pela historiadora Ana Flávia Magalhães Pinto, ao mapa etno-histórico do Brasil de Curt Nimuendajú e o mapa Brasília Quilombola, comissionado especialmente para mostra.
A segunda galeria, batizada de Lugares de origem, arqueologias do futuro, nos recepciona com a projeção do vídeo instalação em dois canais de Ayrson Heráclito – O sacudimento da Casa da Torre e o da Maison des Esclaves em Gorée, de 2015 –  e se volta para as memórias e a arqueologia da ancestralidade. Ocupada por projetos e práticas socioespaciais de saberes indígenas e afro-brasileiros acerca da terra e do território, a curadoria parte de cinco referências essenciais: Casa da Tia Ciata, no contexto urbano da Pequena África no Rio de Janeiro; a Tava, como os Guarani chamam as ruínas das missões jesuítas no Rio Grande do Sul; o complexo etnogeográfico de terreiros em Salvador; os Sistemas Agroflorestais do Rio Negro na Amazônia; e a Cachoeira do Iauaretê dos Tukano, Arawak e Maku.
A exibição demonstra o que várias pesquisas científicas comprovam: que terras indígenas e quilombolas são os territórios mais preservados do Brasil, e assim apontar para um futuro pós-mudanças climáticas no qual “decolonização” e “descarbonização” caminham de mãos dadas. Suas práticas, tecnologias e costumes ligados ao manejo e produção da terra, como outras formas de fazer e de compreender a arquitetura, estão situados na terra, são igualmente universais e carregam em si o conhecimento ancestral para ressignificar o presente e desenhar outros futuros para o planeta, tanto para as comunidades humanas quanto para as não humanas. Para José Olympio da Veiga Pereira, presidente da Fundação Bienal de São Paulo: “A Mostra Internacional de Arquitetura da Biennale di Venezia é um espaço privilegiado para o debate das questões mais urgentes em arquitetura e urbanismo, campo que, em última instância, reflete sobre nossas dinâmicas de vida a partir do uso e compartilhamento de espaços comuns, enquanto sociedade. Em um momento de grandes desafios enfrentados pela humanidade, realizar a exposição proposta pelos arquitetos Gabriela de Matos e Paulo Tavares é uma maneira de dar visibilidade a pesquisas e práticas que podem contribuir para a elaboração coletiva de nosso futuro”.

 

Sobre os curadores

Gabriela de Matos é arquiteta e urbanista afro-brasileira, nascida no Vale do Rio Doce, em Minas Gerais, e cria projetos multidisciplinares com o objetivo de promover e destacar a cultura arquitetônica e urbanística brasileira, a partir das lentes de raça e gênero. É graduada pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da PUC Minas (2010) e especializou-se em sustentabilidade e gestão do ambiente construído pela UFMG. Mestranda do Diversitas – Núcleo de Estudos das Diversidades, Intolerâncias e Conflitos da Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas (FFLCH) da USP. Atualmente é professora  na graduação de arquitetura e urbanismo da Escola da Cidade. É CEO do Estúdio de Arquitetura – Gabriela de Matos, criado em 2014. Foi co-presidente do Instituto de Arquitetos do Brasil no departamento de São Paulo, gestão (2020-2022). É fundadora do projeto Arquitetas Negras (2018), que mapeia a produção de arquitetas negras brasileiras. Pesquisa arquitetura produzida em África e sua diáspora com foco no Brasil. Entre outras, propõe ações que promovam o debate de gênero e raça na arquitetura como forma de dar visibilidade à questão. Foi premiada como Arquiteta do Ano 2020 pelo IAB RJ.
Paulo Tavares explora as interfaces entre arquitetura, culturas visuais, curadoria, teoria e advocacia. Operando através de múltiplas mídias e meios, seu trabalho abre uma arena colaborativa voltada para a justiça ambiental e contranarrativas na arquitetura. Seus projetos e textos foram apresentados em várias exposições e publicações nacionais e internacionais, incluindo Harvard Design Magazine, The Architectural Review, Oslo Architecture Triennial, Istanbul Design Biennale, e a 32a Bienal de São Paulo – Incerteza viva. Tavares foi cocurador da Bienal de Arquitetura de Chicago 2019 (EUA) e, atualmente, é membro do conselho curatorial da segunda edição da Trienal de Arquitetura de Sharjah 2023 (EAU). Foi curador dos projetos Acts of Repair (Preston Thomas Memorial Symposium, Universidade de Cornell, EUA), e Climate Emergency – Emergence, no Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia (MAAT) de Lisboa (Portugal). Tavares é autor de vários textos e livros que questionam os legados coloniais da modernidade, incluindo Forest Law/Floresta Jurídica (2014), Des-Habitat (2019), Memória da terra (2019), Lucio Costa era racista? (2020), e Derechos no-humanos (2022). Seus projetos de design também são apresentados na Bienal de Veneza deste ano no pavilhão do Arsenal.

 

Sobre a participação brasileira na 18ª Mostra Internacional de Arquitetura da Biennale di Venezia

A prerrogativa da Fundação Bienal de São Paulo na realização da representação oficial do Brasil nas bienais de arte e arquitetura de Veneza é fruto de uma parceria de décadas com o Governo Federal, que outorga à Fundação Bienal a responsabilidade pela nomeação da curadoria e pela concepção e produção das mostras em reconhecimento à excelência de seu trabalho no campo artístico-cultural. Organizadas com o intuito de promover a produção artística brasileira no mais tradicional evento de arte do mundo, as exposições ocorrem no Pavilhão do Brasil, projetado por Henrique Mindlin e construído em 1964.

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