Arquivos da Categoria: Outros estados

Mostra panorâmica

13/dez

O Instituto Ling, Porto Alegre, RS, inaugura a exposição “Tomie Ohtake: seis décadas de pintura”. A mostra é uma parceria entre o Instituto Ling, Almeida & Dale Galeria de Arte e Studio Prestes. Até o dia 25 de fevereiro de 2023 – com curadoria de Cézar Prestes – , o público poderá conferir na mostra da galeria do centro cultural 12 obras a óleo e tinta acrílica sobre tela.

 

Sobre a artista

Japonesa naturalizada brasileira Tomie Ohtake (1913-2015), é reconhecida como um dos principais expoentes do abstracionismo no Brasil. Nascida em Kyoto, Japão, Tomie Ohtake chegou ao Brasil em 1936 e, impedida de voltar devido ao início da Guerra do Pacífico, acabou permanecendo no país. Começou a pintar com quase 40 anos, incentivada pelo artista japonês Keiya Sugano. Participou de 20 Bienais Internacionais, 120 exposições individuais e quase 40 mostras coletivas, entre o Brasil e o exterior, além de receber 28 prêmios. A abertura será nesta quarta-feira, 14 de dezembro, com um encontro com o curador para uma visita mediada, às 19h30min.

 

 

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Carlos Zilio na Fundação Iberê Camargo

05/dez

 

Artista carioca celebra 60 anos de trajetória com exposição inédita na Fundação Iberê Camargo. Aluno de Iberê Camargo no Instituto de Belas Artes, “Carlos Zilio: Pinturas” constituiu uma importante oportunidade de tomarmos contato com a produção de um artista fundamental da arte brasileira que soube, como poucos, traçar com rigor e coerência os vínculos entre vida, arte e política no Brasil e, ao mesmo tempo, trazer uma significativa reflexão sobre as contradições e os dilemas da pintura contemporânea

 

Carlos Zilio e Ibere Camargo – Arquivo Pessoal

No dia 10 de dezembro, a Fundação IberêCamargo, Porto Alegre, RS, inaugura a exposição “Carlos Zilio: Pinturas” que permanecerá em cartaz até 23 de fevereiro de 2023. Com reconhecimento no circuito nacional e internacional, Carlos Zilio teve sua pintura “Cerco e Morte” (1974) adquirida em 2014 para fazer parte do acervo do MoMA de Nova York. A obra integrou a exposição realizada pelo museu norte-americano Transmissions: Art in Eastern Europe and Latin America, 1960-1980, de setembro de 2015 a janeiro de 2016.

Com curadoria de Vanda Klabin, a mostra apresenta 33 trabalhos do acervo do próprio artista e de coleções particulares, que contextualizam e refletem sobre uma série de obras produzidas entre 1979 e 2022 com o propósito de discutir problemas específicos da própria pintura. Submete o seu olhar contemporâneo à diversidade da experiência cultural, a determinadas formulações plásticas e códigos visuais extraídos da iconografia histórica, realocando-os transfigurados em suas telas. Zilio reconfigura o passado recente fazendo uma espécie de arqueologia da memória da pintura universal e desestabiliza o olhar, pondo em xeque a linha evolutiva das imagens e, consequentemente, a história da arte, na mesma acepção proposta pelo filósofo francês Didi-Huberman, em “Devant le Temps”.

“Essa mostra revê a importante produção de Zilio ao longo de sua trajetória artística, que foi inicialmente marcada, nos anos 1960, pela investigação conceitual, pela experimentação e pela presença de objetos com contextualizações políticas. Após atravessar um longo período em que a sua arte engajada tinha como foco uma produção estética investida de um alto teor político, ele abandona o contexto experimental para se entregar ao exercício livre da pintura. O seu embate com a história da pintura como uma permanente indagação, com as suas tensões e contradições, fazem parte das questões fundamentais que delineiam o desenvolvimento interno de sua linguagem pictórica. A formação multidisciplinar com doutorado em arte na Universidade de Paris VIII, a fina erudição visual e o virtuosismo crítico consolidaram a sua efetiva presença na arte brasileira e fundamentaram conhecimento de um viés significativo no pensamento contemporâneo de arte no Brasil”, destaca Vanda Klabin, que por muitos anos trabalhou como coordenadora-adjunta de Carlos Zilio no curso de pós-graduação em História da Arte e Arquitetura na PUC-Rio.

Para Carlos Zilio, o que mais o atrai em seus antecessores é a maneira como eles captaram e sintetizaram toda a tradição da pintura universal: “Pintar passou a ser, para mim, pintar a pintura”. O gesto pulsante que emerge dessa pintura reflexiva confirma tanto a autonomia criativa quanto o amadurecimento de um pensamento lentamente gestado e exercitado pelo artista em seu ateliê no Cosme Velho, no Rio de Janeiro. Ele transita pela história da pintura, apropriando-se de códigos, estilos e gramáticas visuais que, por diversas razões, o instigam, como as cores orquestrais e elementos geometrizados de Tarsila do Amaral, Alfredo Volpi, Alberto da Veiga Guignard; as questões plásticas de Paul Cézanne e Jasper Johns, determinados arabescos de Henri Matisse; a disjunção da pintura frontal de Henri Rousseau; a pintura planar de Piet Mondrian; a organização espacial de Barnett Newman; o minimalismo de Robert Ryman; a exuberância cromática de Mark Rothko, entre tantos outros.

Seus trabalhos recentes têm como tema central e recorrente a figura do tamanduá. Por conta de uma história familiar, a figura do tamanduá, animal de estimação de seu pai quando criança, tem uma natureza intrínseca, pois sempre aparece em queda nas suas representações e adquiriu um aspecto vivencial que sublinha a afetividade e a nostalgia. Mas também, segundo explica o artista, o tamanduá carrega o sentimento abismal da história, ou seja, uma representação à queda da história, das utopias. Os tamanduás rothkianos destacam uma outra camada de passado que se torna presente nesta arqueologia pictórica, explica Carlos Zilio. São uma espécie de laços inconscientes que se manifestam espontaneamente, cúmplices daquilo que quer expressar: uma modesta tentativa de estabelecer algum contato com as pinturas de Mark Rothko.

Carlos Zilio teve uma proximidade e intensa convivência com Iberê Camargo. Foi seu aluno de pintura no antigo Instituto de Belas Artes da GB (atual Escola de Artes Visuais do Parque Lage) de 1962 a 1964. Após um período de produção marcado pela Nova Figuração e a arte conceitual, o reencontro de Zilio com a obra do Iberê só ocorreu ao ver a exposição deste em 1979 na Galerie Debret, em Paris. Esse fato coincidiu com a data em que retomou a pintura como questão central da sua produção. Mais tarde, declarou que “a força e a atualidade de Iberê residem no aprofundamento de um antigo saber: a pintura”. Ele manteve um contato permanente com o pintor gaúcho mesmo após o retorno definitivo deste para Porto Alegre e ficou trabalhando no ateliê de seu antigo mestre em Laranjeiras por mais de duas décadas.

Conversa sobre a exposição – Ainda no sábado (10), acontece uma conversa sobre “Carlos Zilio: Pinturas”, com o próprio artista, a curadora Vanda Klabin e Ronaldo Brito, crítico de arte e professor do Departamento de História da PUC-Rio. O bate-papo ocorre às 17h, no auditório da Fundação.

 

Sobre o Artista

Carlos Zilio nasceu no Rio de Janeiro, 1944, vive e trabalha no Rio de Janeiro. Estudou pintura com Iberê Camargo e participou de algumas das principais exposições brasileiras da década de 1960, como Opinião 66 e Nova Objetividade Brasileira, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, e de mostras com repercussão internacional, entre elas as edições de 1967, 1989 e 2010 da Bienal de São Paulo (9ª, 20ª e a 29ª), a 10ª Bienal de Paris (1977), a Bienal do Mercosul e a exposição Tropicália, apresentada em Chicago, Londres, Nova York e Rio de Janeiro, em 2005. Na década de 1970 morou na França. Em seu retorno ao Brasil, em 1980, participou de diversas mostras coletivas e individuais, entre as quais Arte e Política 1966-1976, nos Museus de Arte Moderna do Rio de Janeiro, de São Paulo e da Bahia (1996 e 1997); Carlos Zilio, no Centro de Arte Hélio Oiticica (Rio de Janeiro, 2000) e Pinturas sobre papel, no Paço Imperial (Rio de Janeiro, 2005) e na Estação Pinacoteca (São Paulo, 2006).

As mais recentes exposições coletivas que integrou foram Brazil Imagine, no Astrup Fearnley Museet, Oslo, MAC Lyon, na França, Qatar Museum, em Doha, e DHC/Art, Montreal, no Canadá, e Possibilities of the object – Experiments in modern and Contemporary Brazilian art, na The Fruit Market Gallery, em Edinburgh. Dentre as mais recentes exposições individuais estão as realizadas no Museu de Arte Contemporânea do Paraná (Curitiba, 2010), no Centro Universitário Maria Antonia (São Paulo, 2010) e no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (2011). Em 2008, a editora Cosac Naify publicou o livro Carlos Zilio, organizado por Paulo Venâncio Filho. Possui trabalhos em acervos de prestigiosas instituições como MAC/USP, MAC/Paraná, MAC Niterói, MAM Rio de Janeiro, MAM São Paulo, Pinacoteca do Estado de São Paulo e MoMA de Nova York.

 

Sobre a Curadora

Vanda Klabin vive e trabalha no Rio de Janeiro. É graduada em Ciências Políticas e Sociais pela PUC-Rio (1967-1970) e em História da Arte pela Uerj (1975-1978) e pós-graduada em História da Arte e Arquitetura no Brasil pela PUC-Rio (1980-1981), onde atuou como coordenadora adjunta do curso (1983-1992) e editora da revista Gávea, do Departamento de História PUC-Rio (1983-2002). Foi diretora-geral do Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, no Rio de Janeiro (1996-2000), onde organizou diversas exposições de artistas brasileiros e estrangeiros, como Alberto Guignard, Angelo Venosa, Alferdo Volpi, Amilcar de Castro, Antonio Bokel, Antonio Dias, Antonio Manuel, Carlos Zilio, Daniel Feingold, Eduardo Sued, Guillermo Kuitca, Hélio Oiticica e a Cena Americana, Henrique Oliveira, Iberê Camargo, José Resende, Luciano Fabro, Mel Bochner, Mira Schendel, Nuno Ramos, René Machado, Richard Serra, entre outros. Também foi coordenadora adjunta da Mostra Nacional do Redescobrimento – Bienal 500 anos (São Paulo, 1999–2000) e curadora do módulo A vontade construtiva na arte brasileira, 1950/1960” e integrante da exposição Art in Brazil, no Festival Europalia, apresentada no Palais des Beaux Arts – Bozar (Bruxelas, 2011-2012).

A Fundação Iberê tem o patrocínio de Crown Brand-Building Packaging, Grupo Gerdau, Renner Coatings, Grupo Iesa, Grupo Savar, Grupo GPS, Itaú, CEEE Grupo Equatorial, DLL Group, Lojas Renner, Sulgás e Unifertil, e apoio de Instituto Ling, Ventos do Sul Energia, Dell Technologies, Digicon/Perto, Hilton Hotéis, Laghetto Hotéis, Coasa Auditoria, Syscom e Isend, com realização e financiamento da Secretaria Estadual de Cultura/ Pró-Cultura RS, Petrobras Cultural Múltiplas Expressões e da Secretaria Especial da Cultura – Ministério da Cidadania / Governo Federal.

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Eliseu Visconti, uma imensidão

30/nov

 

Denise Mattar é a convidada do Instituto Collaço Paulo para falar sobre o pintor que é estruturante no pré-modernismo.

Professora que vive em São Paulo, SP, referência no universo da pesquisa e curadoria de artes visuais no Brasil, Denise Mattar é a convidada do Instituto Conversa, que ocorre de modo virtual, pelo Youtube, no dia 15 de dezembro, às 19h30. Ela falará sobre “O Pré-Modernismo de Eliseu Visconti”, encerrando o conjunto de quatro encontros dentro do programa público que amplia o Plano Educativo do Instituto Collaço Paulo – Centro de Arte e Educação, inaugurado em julho, em Florianópolis (SC). Visconti (1866-1944), um dos mais importantes da Coleção Collaço Paulo e um dos 34 artistas da mostra “Mais Humano: Arte do Brasil de 1950-1930”, está representado com cinco trabalhos: “Raios de Sol”, “A Visita”, “Nu Masculino Sentado com Bastão”, “Retrato de Louise” e “Sem Título”. Aluno de Victor Meirelles (1832-1903) na Academia Imperial de Belas Artes, ele foi estratégico no entre séculos 19 e 20, despontando como precursor na transição do cânone acadêmico para as rupturas do modernismo. A exposição, que tem curadoria de Francine Goudel, fica aberta até 21 de janeiro de 2023. Gratuita, pode ser visitada de segunda a sábado, entre 13h30 e 18h30.

O currículo expressivo de Denise Mattar aponta atuações como curadora do Museu da Casa Brasileira (1985/87), do Museu de Arte Moderna de São Paulo (1987/89), ambos em São Paulo, e do Museu de Arte Moderna (1990/97), no Rio de Janeiro. Como curadora independente realizou mostras de artistas como Visconti, Di Cavalcanti (1897-1976), Flávio de Carvalho (1899-1973), Ismael Nery (1900-1934), Pancetti (1902-1958), Iberê Camargo (1914-1994), Sacilotto (1924-2003), Anita Malfatti (1889-1964), Samson Flexor (1907-1971), Portinari (1903-1962), Alfredo Volpi (1896-1988), Guignard (1896-1962), Yutaka Toyota, algumas das quais premiadas pela Associação Brasileira de Críticos de Arte (ABCA) e Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA).

O programa Instituto Conversa se articula em uma fala do pesquisador convidado com duração aproximada de 40 a 60 minutos, seguida de uma conversa aberta com o público de mais 30 minutos. O programa público propõe reflexão e construção de sentidos em torno do próprio instituto, do conceito curatorial, do colecionismo e da história da arte brasileira. Em formato híbrido, presencial e virtual, a iniciativa conta com convidados do Rio de Janeiro, São Paulo e Santa Catarina, que oferecem a possibilidade de aprendizagem e diálogo em torno da teoria e do sistema de arte. A intenção também é discutir sobre o sentido social na disponibilização de obras inéditas no contexto expositivo de Florianópolis, as possíveis conexões de acervos com o tempo presente e outras nuances reflexivas. O programa Instituto Conversa é gratuito e os interessados podem participar pelo canal do Instituto Collaço Paulo no Youtube.

 

Em busca de relações com a comunidade

Iniciativa inédita que muda o panorama institucional de artes visuais da cidade, o novo equipamento cultural qualifica a agenda turística da capital de Santa Catarina. Instalado na principal rua do bairro Coqueiros, o Instituto Collaço Paulo – Centro de Arte e Educação é uma entidade privada, sem fins lucrativos, que coloca a Coleção Collaço Paulo, de Jeanine e Marcelo Collaço Paulo, à disposição da comunidade para promover a arte e a cultura por meio de programas de cunho educativo. O acervo que se concentra na representatividade dos artistas brasileiros do século 19 e dos catarinenses do século 20, abrange trabalhos de distintos períodos históricos, diferentes escolas, movimentos e estilos.

As atividades abarcam exposições, ações educativas, palestras, ciclos de debates, cursos, grupo de estudos, um clube de colecionadores, encontros e parcerias com o bairro e à cidade. Em ambiente receptivo, a sede dispõe de espaço para exposições e um núcleo educativo. Para além das mostras, realiza ações que estimulam a reflexão, a vivência e o conhecimento.

 

Acervo de raridades

A Coleção Collaço Paulo abarca, ao mesmo tempo, peças de distintos movimentos e escolas, compreendendo pinturas flamengas e da Escola de Cuzco, peças de arte sacra e obras europeias do século 15 ao 19. Concentra representatividade em peças de artistas brasileiros, do século 19 e 20, como Weingartner (1853-1929), Eliseu Visconti (1866-1944), Georgina de Albuquerque (1885-1962), Victor Meirelles (1832-1903), Henrique Bernardelli (1858-1936), Belmiro de Almeida (1858-1935), Pedro Américo (1843-1905), Rodolfo Amoedo (1857-1941), Martinho de Haro (1907-1885), entre outros.

A amplitude cronológica da coleção soma-se à diversidade de suportes e linguagens manifestas em pinturas, esculturas, desenhos, cerâmicas e objetos. A coleção se estabelece de forma orgânica, através da predileção do casal Jeanine e Marcelo Collaço Paulo que, no começo da década de 1980, começa o gosto pelo colecionismo no contato com obras de artistas catarinenses.

O casal de colecionadores já atendeu diferentes projetos expositivos. Desde 2016, o empréstimo de obras ajuda a dar consistência aos conceitos curatoriais. Entre outras mostras, parte do acervo integrou “Eliseu Visconti 150 anos”, na Galeria Almeida e Dale, em São Paulo, e “Iconografia 344”, na Fundação Cultural Badesc, em Florianópolis (SC), onde estiveram telas de Eduardo Dias e Weingartner. Em “Ismael Nery”, o Museu de Arte Moderna (MAM), em São Paulo, contou com duas obras do artista, um óleo sobre tela e uma sanguínea. Em 2017, “Sensos e Sentidos” reuniu 117 obras da coleção, entre pinturas, esculturas e desenhos, no Museu de Arte de Santa Catarina (Masc). Entre 2018 e 2019, emprestou três obras para a exposição “Trabalho de Artista: Imagem e Autoimagem (1826-1929), na Pinacoteca de São Paulo, em São Paulo.

 

Rede de Sentidos

O Plano Educativo do Instituto Collaço Paulo – Centro de Arte e Educação aposta na formação a partir da visibilidade da Coleção Collaço Paulo com atividades, abertas e gratuitas, em torno de sete eixos voltados ao atendimento do público constituído para diferentes interesses e faixas etárias. As ações – visitas educativas, percursos, práticas imersivas, materiais educativos, formação com professores, sábados com arte e programas públicos – adotam uma série de recursos, de jogos e propostas lúdicas, de diálogos, reflexões e encontros que podem ocorrer em diferentes ambientes do instituto: no ateliê de imersão, nas áreas de convivência ou no próprio espaço expositivo.

Os programas públicos almejam estimular pesquisas e discussões em torno das propostas curatoriais com ciclos de debate, encontros abertos, lançamentos editoriais e apresentações de temas que articulem as problemáticas da coleção e das exposições. A intenção é amplificar a dimensão educativa do instituto ao conectar-se com outras instituições e pesquisadores, além de criar material de documentação e estudo. Os programas públicos ideados são o Instituto Conversa, Instituto Estuda, Instituto Homenagem, Instituto Entrevista e o Clube de Colecionadores de Arte de Coqueiros (CCAC).

 

Sobre os convidados do 1º Instituto Conversa – minibio

Ana Maria Tavares Cavalcanti – mestre e doutora em história da arte (Université de Paris 1 – Panthéon-Sorbonne), com pós-doutorado no Institut national d’histoire de l’art (França), é professora associada da Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro, atua na graduação e pós-graduação. Realiza curadorias de exposições de arte brasileira e desenvolve pesquisas na área de história da arte, com estudos sobre as relações artísticas entre Brasil e Europa, com foco na produção dos artistas no Brasil nos séculos 19 e 20.

Denise Mattar – foi curadora do Museu da Casa Brasileira (1985/87), do Museu de Arte Moderna de São Paulo (1987/89), ambos em São Paulo, e do Museu de Arte Moderna (1990/97), no Rio de Janeiro. Como curadora independente realizou mostras de artistas como Di Cavalcanti (1897-1976), Flávio de Carvalho (1899-1973), Ismael Nery (1900-1934), Pancetti (1902-1958), Iberê Camargo (1914-1994), Sacilotto (1924-2003), Anita Malfatti (1889-1964), Samson Flexor (1907-1971), Portinari (1903-1962), Alfredo Volpi (1896-1988), Guignard (1896-1962), Yutaka Toyota, algumas das quais premiadas pela Associação Brasileira de Críticos de Arte (ABCA) e Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA).

Francine Goudel – doutora em artes visuais – teoria e história, pela Universidade do Estado de Santa Catarina (Udesc), mestre em estudos avançados em história da arte pela Universidade de Barcelona, Espanha, pós-graduada em Gestão Cultural pela Universidade Nacional de Córdoba, na Argentina, é pesquisadora, curadora, produtora cultural e professora. Atualmente é curadora-chefe do Instituto Collaço Paulo – Centro de Arte e Educação.

Ylmar Corrêa Neto – neurologista e professor associado da Universidade Federal de Santa Catarina (UFSC). Coleciona arte relacionada com Santa Catarina. Já organizou e escreveu livros sobre Martinho de Haro (1907-1985), Eli Heil (1929-2017) e Paulo Gaiad (1953-2016) e fez a curadoria de exposições de Eli Heil, Rodrigo de Haro (1939-2021), Carlos Asp, Paulo Gaiad e do acervo do Museu de Arte de Santa Catarina (Masc). É coordenador do recém-criado Clube de Colecionadores de Arte de Coqueiros no Instituto Collaço Paulo.

 

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Uma intervenção artística

17/nov

 

O Instituto Ling, Porto Alegre, RS, recebe a artista visual porto-alegrense Talita Hoffmann para uma intervenção artística em uma das paredes do centro cultural. Até o dia 25 de novembro o público poderá acompanhar gratuitamente a criação ao vivo da nova obra, observando as escolhas, os gestos e os movimentos da artista.

A atividade faz parte do projeto Ling Apresenta que este ano contou com a curadoria da jornalista, pesquisadora e curadora independente Luísa Kiefer. Após a finalização do trabalho, Talita Hoffmann comentará a experiência e o resultado em bate-papo com o público e a curadora no sábado, dia 26, às 11h. A conversa poderá ser acompanhada gratuitamente no Instituto Ling. Faça sua inscrição sem custo.

 

Ling Apresenta: Ver o mundo outra vez

Apresentar: mostrar; expor; tornar público; oferecer (alguma coisa) a (alguém); pôr diante ou na presença; dar a conhecer. Ling Apresenta: Ver o mundo outra vez é a primeira edição de um novo projeto, como pede o novo tempo – esse, que é essencialmente o mesmo, mas não pode ser, pois passamos por muito. A ideia central é trazer ao Instituto Ling novos – ou outros – nomes da arte contemporânea. Não são descobertas, porque eles já estão no mundo, trabalhando, cada um a seu modo, buscando a inserção em um sistema complexo de legitimação. Uma busca que, cabe dizer, é incessante. Uma exposição não legitima um artista, mas joga luz sobre a sua obra e permite aquilo que há de mais importante quando se produz: dialogar com o público.

Compartilhar um nome, um trabalho e o fazer artístico é o que forma o cerne desse projeto. O convite é para que os artistas façam uma intervenção diretamente em uma das paredes do Instituto. Uma parede que conduz o visitante até o fundo do espaço, que é contemplada por quem se senta no café, e é vista da rua pelos passantes. Durante uma semana, o público será convidado a acompanhar a produção dessa parede-obra. Enquanto o artista trabalha, o público observa: escolhas são feitas, gestos e movimentos acontecem, materiais se sobrepõem, uma obra vai tomando forma.

Ao longo de 2022, serão apresentados quatro artistas, em diferentes momentos de suas carreiras, com distintas produções e temáticas. O que os conecta é justamente uma não-conexão, ou melhor, a conexão mais geral que poderia haver: são artistas, trabalham com afinco, produzem em diferentes meios, levantam questões contemporâneas, provocam reflexões e nos fazem olhar sempre e de novo – mas não para o mesmo.

 

Luísa Kiefer

Início do outono, 2022

 

Sobre a artista

Talita Hoffmann nasceu em Porto Alegre/RS, 1988.  Formada em Design Gráfico e Artes Visuais. Desde 2008 trabalha como ilustradora e designer para diversos veículos, dentro dos universos da música, artes e literatura. Em seu trabalho, explora a relação entre paisagem, desenhos arquitetônicos e design gráfico através da pintura e do desenho. Por meio da cor, busca uma relação com o nostálgico, o familiar e o estranho. Em procedimentos próximos à colagem e à serigrafia, trabalha a sobreposição de espaços e embaralhamentos entre planos, estabelecendo contatos com a pintura naif, iconografias do cinema, teatro, música e a arte popular. Dentre suas principais exposições, destacam-se: Fumetto International Comix Festival (coletiva, Lucerna, Suíça, 2018), Areia Movediça (individual, Galeria Lume, SP, 2015), Cidade do Interior (individual, Galeria Logo, SP, 2013) e Transfer (coletiva, Pavilhão das Culturas Brasileiras, SP, 2010). Atualmente vive e trabalha em São Paulo.

 

Sobre a curadora

Luísa Kiefer nasceu em Porto Alegre/RS, 1986. Jornalista, pesquisadora e curadora independente. É doutora em História, Teoria e Crítica de Arte pelo Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais do Instituto de Artes da UFRGS. Em 2017, foi pesquisadora visitante no departamento de fotografia do Centre for Research and Education in Art and Media (CREAM) da University of Westminster, Londres, Inglaterra. É Mestre em História, Teoria e Crítica de Arte pelo mesmo programa e jornalista formada pela PUCRS. Nos últimos anos, realizou a curadoria de exposições, individuais e coletivas, em diferentes espaços como Fundação Ecarta, Goethe-Institut Porto Alegre, Instituto Ling, Espaço Cultural ESPM-Sul e Fundação Vera Chaves Barcellos. Desde 2018, coordena, junto com Eduardo Veras, o projeto de catalogação da obra da artista plástica Gisela Waetge. Em 2019, foi curadora geral do Linha, espaço independente de artes visuais, em Porto Alegre. Em 2021, recebeu o XIV Prêmio Açorianos de Artes Plásticas na categoria Jovem Curadora/Aliança Francesa.

 

 

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Francisco Nuk no CCBB Brasília

09/nov

O Hall do Museu BB, no CCBB, Brasília, DF, exibe a mostra “A forma não cumpre a função”, do artista visual Francisco Nuk. Francisco carrega consigo uma bagagem artística vinda de outras gerações. Desde pequeno, foi introduzido naturalmente e estimulado a estudar a diferentes manifestações artísticas. Do Barroco, característico de sua região de origem, ao contemporâneo, expressão produzida pelos pais. Na adolescência teve seus primeiros contatos com a marcenaria fina fazendo cursos do ofício. Passou o começo de sua fase adulta viajando e estudando o mesmo ofício, fazendo extensos estudos sobre o material e técnicas aplicadas. De volta ao Brasil, trabalhou no atelier de seu pai produzindo suas obras e estruturando seu próprio atelier. Durante o período foi incitado a criatividade crítica e estimulado à produção de seu trabalho que se manifesta a partir da mescla de sua origem e experiências vividas.

No trabalho de Francisco Nuk, a utilidade e a serventia dos mobiliários são desmanchadas no momento em que o artista quebra sua rigidez, fazendo do absurdo um conceito perseguido. Tudo em sua obra abre para pistas deturpadas. As cristaleiras distorcidas não mais equilibram os cristais, as gavetas flutuam leves sem o peso dos segredos arquivados, a cômoda circular, cautelosamente esculpida, confunde os guardados.

Na repetição, no jogo da imaginação e na constância do ofício, Francisco elabora suas esculturas com a intimidade de um poeta. As madeiras, enamoradas, se rendem, dançam e se livram do fardo de servir. Agora são arte. Nada mais.

Até 20 de novembro.

 

 

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Fulgor na Noite

08/nov

A Galeria de Arte Mamute, Centro Histórico, Porto Alegre, RS, promove a abertura da exposição “Fulgor na Noite”, da artista representada Camila Elis, dia 10 de novembro, 19h. Com a curadoria de Mario Gioia essa mostra reúne um conjunto de obras inéditas em pintura sobre tela, e integra até 30 de dezembro o roteiro de exibições da Bienal do Mercosul 2022, no projeto Portas para a Arte.

 

Texto curatorial de Mario Gioia

Em paredes, pisos, vazios, enquadramentos, extracampos, curvaturas, superfícies, traços, texturas e proposições de Fulgor na noite, segunda individual de Camila Elis na Galeria de Arte Mamute, diversos eixos poéticos se coadunam num corpus de obra provocativo e inquieto. Numa investigação que não cessa, ela não se esquiva de embates próprios do fazer diário de ateliê e, ao mesmo tempo, passeia por fantasmagorias e temporalidades, se aproxima dos âmbitos da cosmologia e do fenomenológico, forjando uma bem amalgamada reunião de conceito e matéria a explorar o campo ampliado e contemporâneo da pintura.

“O meu trabalho poético gira em torno das tensões entre corpo, imagem e fantasia. Acredito que, como me utilizo de signos abstratos para tanto, essas relações se dão de maneira rápida e direta. Quero dizer, quando alguém encontra um trabalho meu (e agora descrevo em função de relatos) vê, sente, traduz e simboliza em pouco tempo. Isso se dá por conta do meu interesse maior em sensações físicas, táteis. Utilizo, além dos sonhos, de temas fundamentados em romances e mitologia grega para produzir coisas muito simples, mas muito diretas no espaço” (1), sintetiza a artista acerca do recorte apresentado neste final de 2022.

Fulgor na noite é formada apenas por pinturas, um dado importante na trajetória da artista gaúcha, que desenvolve uma faceta gráfica na produção bem relevante. O conjunto de 14 Sleeping pills, telas em escala mais reduzida – a maioria, seis, de 50 cm x 50 cm -, vem acrescido de cinco recentes peças de maior tamanho. Parte fulcral da exibição de agora se fundamenta em Veladuras, inspirada dissertação de mestrado da artista para a ECA-USP (Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo).

Nas conversas com Camila, por e-mail, o título da mostra foi sugerido pelo autor por conta da leitura havia pouco de Relâmpagos, coletânea de críticas de Ferreira Gullar (1930-2016). Nela, Goeldi: Fulgor na noite, lançava conexões não tão óbvias do texto sobre o grande mestre do expressionismo e da xilogravura no Brasil e o recorte atualíssimo da artista emergente. “A cor que costuma ser festa, alegria, seria uma ameaça à voz dramática (de contrabaixo) das gravuras de Goeldi. Mas ele, com mão de mestre, doma-a, dá-lhe raiz em sua linguagem noturna e a faz ali brotar poderosa e verdadeira”(2), escreve Gullar. Na edição, Céu vermelho (1950) ilustra o texto sobre Goeldi (1895-1961).

Na discreta série das 14 pinturas de Camila, há pulsões nada olvidáveis de cor em meio ao negror. Surgem laranjas e avermelhados robustos e assertivos, porém não explosivos. São como existências que não querem sucumbir e que lançam um brilho vital, que não é parco, e, no entanto, não é ostensivo. Quase que como resistências em um ambiente que pode não ser favorável. Resiliências que se revelam pouco a pouco estratégias essenciais para tal matéria.

“O processo de elaboração destes trabalhos é trazer a temática da materialidade, conferindo a cada uma qualidades específicas. Porque, sempre a partir da mancha, começava a pensar as formas com a cor, criando luz dentro da escuridão. São todas fragmentos de movimentos, de sensações, de coisas com dimensões internas e oníricas, inventariadas na memória”(3), relata a artista sobre o conjunto em sua dissertação. “Para além de serem exercícios de cor e de luz, tornam-se exercícios de fantasia.  14 Sleeping pills concernem o sono, o sonho também.”(4) Camila também conta a influência da vista ao vivo da obra-prima A morte de Sardanapalo (1844), de Delacroix (1798-1863), e é evidente na tela do romântico o duo desfoque/vibração, habilmente lidado hoje por ela – é bom frisar que, para Camila, viver e estudar em 2016 no Reino Unido pôde gerar repertório importante em sua formação. Também deve se comentar que Da alma, e as coisas suspensas, individual da artista no mesmo espaço, em 2019, tinha lastro em mitologia grega e na Renascença, a partir da história de Psiquê e Eros retratada nos afrescos de Rafael realizados na Villa Farnesina, em Roma, nos anos de 1517-18.

Já a configuração dos trabalhos mais atuais apresentados em Fulgor na noite poderia ganhar o título de Pinturas moles pela autora. Formalmente se ligam a quadros já vistos em momentos anteriores expositivos dela. Reflexo da aurora e O úmido medem 150 cm x 140 cm. Calor lunar e O macio são de 137 cm x 150 cm. E 4 horas da madrugada tem 95 cm x 80 cm. Exceto o último, são óleo e carvão mineral sobre linho (Em 4 horas…, não é utilizado carvão). Nos três citados inicialmente, há destacada presença daquele laranja-avermelhado citado. Ao lado de O macio, que se mostra já no próprio título, podem ser encarados como peças solares, otimistas. “Mole é uma matéria que tem corpo e por isso pesa”(5), salienta Camila sobre as novas telas.

Assim, a artista acredita que conseguiu ir em direção de uma mais nítida divisão entre desenho e pintura, além de articular mais uma poética da encenação e do drama junto de explorações sobre corpo, matéria e olhar. Nessa perspectiva entre, híbrida e multifacetada, tal pictórico mais flexível e permeável pode ficar perto de visadas e investigações tão nacionais como a levantada pelo neoconcretismo, da série Obra mole, de Lygia Clark (1920-1988), dos anos 1960 iniciais, por exemplo. Ou seja, essa fragilização da racionalidade do concreto, esse tipo de geometria sensível, brilhantemente desenvolvida por grandes nomes da arte brasileira, provoca ecos não literais sobre pensamentos e práticas dos artistas do agora, que são atravessados e contaminados por contextos atuais críticos.

No caso de Camila, o isolamento deflagrado pela pandemia, a virtualidade das relações humanas, a superficialidade, o esvaziamento e o franco combate ao debate público mais racional, entre variadas chagas novíssimas, disparam procedimentos e situações outros na produção, mesmo que ainda difíceis de se determinar com exatidão. “Sempre utilizei memória para pintar e desenhar, mesmo antes da pandemia. A diferença é que, durante este período, a memória crescentemente parecia ser o que nos restava”(¨6), conta a artista.

E é gratificante perceber no conjunto de Fulgor na noite exemplos plástico-visuais que fogem de uma interpretação linear, estanque e lógica. 4 horas da madrugada abriga algo do matérico palpável em 14 Sleeping pills, se vale do basilar óleo sobre linho e é um objeto que não tem óbvia leitura. Distancia-se e, num mesmo golpe, pode coexistir com as Pinturas moles do mesmo período. Atesta a liberdade persistente da práxis de Camila Elis, que consegue ler Cy Twombly, Luc Tuymans, Daria Martin, Merleau-Ponty e uma certa melancolia da pintura do Sul, em tempos que incensam solipsismos vazios e encenações cotidianas desprovidas de razão. Não é pouco.

 

Mario Gioia – Curador e crítico de arte

 

Entrevista da artista para o autor, via e-mail, outubro de 2022.

Gullar, Ferreira. Relâmpagos – Dizer o ver. São Paulo, Cosac Naify, 2003, p. 120

Schneider, Camila Elis. Veladuras: Notas sobre a prática em pintura e desenho. Dissertação de mestrado – Escola de Comunicações e Artes, Universidade de São Paulo. São Paulo, p. 95, 2022.

Schneider, Camila Elis. Op. cit., p. 95.

Entrevista da artista para o autor, via e-mail, outubro de 2022.

Schneider, Camila Elis. Op. cit., p. 25.

 

 

 

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Impacto visual na Alban

28/out

 

A Alban Galeria, Ondina, Salvador, Bahia, apresenta a exposição “Baile”, exibição individual inédita da artista paulistana Thalita Hamaoui. Destaque na cena nacional, ela apresenta pinturas produzidas segundo sentimentos particulares e emoções que partem de um tema recorrente em sua trajetória: as paisagens. A exposição poderá ser visitada pelo público até o dia 28 de novembro.

O título da mostra reflete fielmente a proposição criativa de Thalita Hamoui, que promove um verdadeiro “baile” de cores com suas pinturas exuberantes. Na mostra, são 15 telas de forte impacto visual – uma delas com 5m de comprimento x 2m de altura –  em que os vermelhos, amarelos e verdes vibram em meio à delicadeza das múltiplas variações do branco, preto e cinza. Em conjunto, as cores passeiam pelo imaginário da artista, que se diz assumidamente comprometida com o inesperado e as possibilidades do acaso e da intuição.

“Vejo minha pintura como uma miragem, um vislumbre, algo que se delineia na medida em que a minha criação se exterioriza sem obedecer a um pensamento prévio sobre qual será o resultado. Tudo acontece pela força do próprio movimento. Dai que associo o meu fazer artístico à noção da impermanência. Tudo muda, nada está parado ou fixo. O meu trabalho acompanha essa força da própria natureza”, analisa Thalita Hamaoui.

Segundo ela, a paisagem faz parte de sua vida desde sempre. São paisagens que via quando criança ao sair da capital paulista para as praias do Litoral Norte de São Paulo. São paisagens que vivenciou em viagens por diversas partes. São paisagens aprisionadas em lembranças e que, no momento de produção, mostram a sua força emocional enquanto base criativa do trabalho da artista.

Como reconhece Victor Gorgulho, curador da mostra, o trabalho de Thalita Hamaoui se traduz por “uma singular abordagem da temática da paisagem, atribuindo expressiva contemporaneidade a um universo amplamente trabalhado e discutido secularmente”. Para o curador, ao trabalhar simultaneamente em diferentes obras, a artista instaura “um fluxo a um só tempo orgânico e intuitivo” que acaba dando origem a uma “coreografia involuntária”, permitindo que “a memória da natureza, dos espaços naturais por ela vivenciados e nela retidos afetivamente seja transposta para o plano pictório”.

 

Sobre a artista

Thalita Hamaoui nasceu em São Paulo em 1981. Formou-se na Fundação Álvares Penteado (FAAP) em 2006. Sua primeira exposição individual aconteceu no Centro Cultural São Paulo em 2017. Outras exposições individuais aconteceram em São Paulo, Curitiba e Lisboa. Entre as mostras coletivas destacam-se Possession (Galeria Folley, Nova Iorque| 2016); Coexistência (NowHere, Lisboa| 2021) e Mothering (Kupfer, Londres|2022).

 

 

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Cartazes italianos na Bahia

20/out

 

Exposição “Triennale di Milano: Uma História em Cartazes” inaugura no Palacete das Artes, em Salvador, BA. Instituto Italiano de Cultura realiza mostra com cerca de 80 cartazes históricos. No limiar do centenário da instituição (1923 – 2023), o Instituto Italiano de Cultura do Rio de Janeiro e a Embaixada da Itália em Brasília promovem uma exposição inédita, criada com a colaboração da própria Triennale di Milano que, depois de Salvador, percorrerá várias cidades brasileiras. Do dia 21 de outubro a 11 de dezembro, o Palacete das Artes, antiga residência do Comendador Bernardo Martins Catharino, receberá a mostra “Triennale di Milano: Uma História em Cartazes”, sob curadoria de Marco Sammicheli. Entre as disciplinas nas quais Itália e Brasil mantiveram e mantêm um diálogo particularmente frutífero, se encontram sem sombra de dúvida a arquitetura, a arte e o design. A Triennale di Milano, instituição italiana de excelência, desde a sua criação, sempre incentivou o confronto dialético entre esses três campos, bem como estimulou suas relações mútuas com a indústria e a sociedade.

Desde a primeira edição em Monza, em 1923, até 2022, foram realizadas 23 edições da Exposição Internacional Triennale di Milano, com a participação de 66 países dos cinco continentes. A exposição “Triennale di Milano: Uma História em Cartazes” traça a trajetória das exposições internacionais através de obras icônicas da arte gráfica criadas para promover e divulgar o evento.

Aberta ao público, a inauguração contará com a presença de Marco Sammicheli, curador da exposição, de Francesco Azzarello, Embaixador da Itália no Brasil, de Nicoletta Fioroni, Consulesa da Itália em Recife, de Andrea Garziera, Cônsul Honorário da Itália em Salvador e de Livia Raponi, Diretora do Istituto Italiano di Cultura do Rio de Janeiro.

“Um cartaz é, antes de tudo, um suporte informativo, mas é também, e sobretudo, uma declaração pública que tem o escopo de atingir o maior número possível de pessoas e de comunicar no modo mais imediato possível temas e visões. Em vista do centenário da referida instituição, esta mostra pretende percorrer a história das Exposições Internacionais da Triennale di Milano através dos cartazes projetados para cada edição pelos maiores artistas gráficos italianos e internacionais”, afirma o curador, Marco Sammicheli.

Os 80 cartazes expostos, obras exemplares de arte gráfica, assinadas por grandes mestres do século XX italiano e por designers contemporâneos, expressam, tanto em suas constantes quanto em sua originalidade, um encontro sempre em movimento entre pensamento, conceitos éticos e estéticos, e práticas artísticas e produtivas. As peças provêm dos arquivos da Triennale e são assinadas por autores como Enrico Ciuti, Marco Del Corno, Eugenio Carmi, Roberto Sambonet, Giulio Confalonieri, Ettore Sottsass, Andrea Branzi, Italo Lupi, Bon Noorda e Studio Cerri Associati. Os pôsteres selecionados são exemplares muito valiosos tanto da história da Triennale quanto do desenvolvimento da gráfica italiana.

“A vocação para a sinergia interdisciplinar, em nome da criatividade e do know-how italianos, fazem da Triennale di Milano um exemplo particularmente inspirador nos dias de hoje; acreditamos que a Triennale e o Brasil têm muito a trocar e que podem, a partir dos desafios e encontros comuns que já aconteceram no passado, desenhar uma dialética e colaboração renovadas”, diz o Embaixador da Itália no Brasil, Francesco Azzarello.

Segundo Livia Raponi, diretora do Instituto Italiano de Cultura do Rio de Janeiro, “…a Triennale di Milano é um laboratório essencial de reflexão sobre a construção coletiva do presente e do futuro, sempre atento aos desafios do mundo contemporâneo como nos mostram os temas das edições mais recentes”.

Realização: Instituto Italiano de Cultura do Rio de Janeiro – O Palacete das Artes é vinculado à Secretaria de Cultura do Estado da Bahia; Faculdade de Arquitetura da Universidade Federal da Bahia (FAUFBA) e Instituto de Arquitetos do Brasil, Departamento da Bahia (IAB-BA)

 

 

 

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Ateliê em aberto

18/out

 

No mês de outubro, o Ateliê André Venzon, Rua Leopoldo Froes, 126, Bairro Floresta, 4º Distrito, Porto Alegre, RS, comemora 25 anos de atuação com a exposição pop up “Eu me deixo ser”, que integra a agenda do projeto “Portas para a Arte” – 13ª Bienal do Mercosul. O espaço apresenta centenas de obras de arte contemporânea autorais e uma coleção pessoal de arte, exposta de forma inusitada. Criado junto a oficina mecânica da família, o local também é pensado pelo artista como uma obra de arte instalativa, interessante para quem busca conhecer uma casa/ateliê/acervo e arejar seus conceitos de como viver com arte por todos os lados, dos pés à cabeça, literalmente.

Segundo o amigo e curador Nicolas Beidacki, basta caminhar pelo seu ateliê, olhar os primeiros trabalhos, identificar a estante com presentes de amigos, reparar no acúmulo de potência que alimenta o artista nesse ambiente, para chegarmos a uma conclusão: “tudo que falta no mundo lhe preenche. As obras de arte, os livros, o acervo pessoal, os papéis de cada evento, as anotações, o apreço pela lembrança, por vivenciar a experiência de tentar nunca mais esquecer. Tudo aquilo que se apaga, que desaparece atrás dos tapumes na cidade, que se torna invisível para determinadas camadas sociais e que se desprende do afeto recebe acolhimento e devoção do artista. Sua prática é assim: uma vontade de conseguir desejar tudo; e uma força para reconhecer a dimensão das coisas que foram perdidas. Não permitir a destruição, não deixar avançar o horror e não ceder ao sentimento de incompreensão da vida.”

Seja revestindo completamente a si mesmo ou transformando as cabeças dos outros – colocando um cubo rosa para cobrir o rosto – a obra de Venzon busca nos inserir numa visão interna e até mesmo solitária sobre a vida. O jogo entre se abrir para o mundo ao nosso redor, mas não abandonar o olhar para um interior colorido reverbera uma multiplicidade de conflitos que transformam o sujeito e o colocam em confronto com a sua subjetividade. Ao perceber aquilo que fecha, reveste, protege e camufla, André pontua as necessidades de pessoas e lugares num mundo marcado por inúmeros projetos de destruição. A falência de bairros, a precarização da vida, a violência de um sistema econômico, o abuso e venda do próprio corpo e o esquecimento são parte fundamental de uma reflexão sobre a cidade, as pessoas e a arte que dialoga com o tema “Trauma, sonho e fuga” da Bienal. Reflexão essa que não se desprende daqueles que fazem de sua própria obra um conjunto de força. É a mescla entre o peso do mundo e a beleza rosa dos sujeitos comprometidos com a manifestação da singularidade, potência e dualidade do seu ambiente de origem.

A exposição “Eu me deixo ser”, com visitação gratuita, também é um convite para comemorar a esperança de que toda arte é portadora, desejando sempre a liberdade de expressão e do próprio ser.

 

 

 

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Revisão de obra arquitetônica

14/out

 

“Arquiteto Theo Wiederspahn” em Porto Alegre um olhar contemporâneo sobre projetos e obras de 1908 a 1952. Neste ano coincidem duas efemérides: os 250 anos de Porto Alegre e os 70 anos de falecimento do arquiteto alemão Theo Wiederspahn, que imigrou para o Brasil em 1908.

A exposição, permanecerá em cartaz até 20 de janeiro de 2023 na Pinacoteca Aldo Locatelli, no antigo Paço Municipal, Centro Histórico, Porto Alegre, RS. Realizada pela Secretaria Municipal de Cultura e Economia Criativa de Porto Alegre em parceria com o Consulado Alemão, CDEA – Centro de Estudos Europeus e Alemães, espaço DELFOS-PUC, Instituto Goethe, faculdades de Arquitetura e Urbanismo da PUC e UNISINOS, também conta com o apoio do Memorial do Hospital Moinhos de Vento. Paralelamente, exposições-satélites acontecerão na Casa de Cultura Mario Quintana (que inaugurará o Memorial Theo Wiederspahn) e no Hospital Moinhos de Vento.

Atento à importância do fato, o Consulado Geral da Alemanha pretende contribuir com os eventos culturais da capital através da disseminação e conscientização do valor da obra desse arquiteto, que construiu mais de 500 prédios no Rio Grande do Sul, muitos dos quais na capital. Boa parte dos desenhos originais desses projetos se encontra sob a guarda da PUC, e até hoje nunca haviam sido apresentados em espaço público.

Diante do cenário do novo plano diretor para o desenvolvimento do Centro de Porto Alegre, que visa, mesmo com um aumento da massa edificada, a valorização do patrimônio histórico, é de suma importância demonstrar a beleza e o potencial de resiliência do patrimônio existente. Assim, a exposição – contendo desenhos originais, um mapa com localizações de projetos e obras, fotografias da época e atuais, projetos acadêmicos de revitalização e ainda cartas e documentos pessoais do arquiteto – visa fomentar o amor pelos testemunhos edificados do passado que tanto contribuíram às singulares características da cidade e pretende estimular o interesse em percebê-los e reconhecê-los nas ruas.

 

 

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