Arquivos da Categoria: Outros estados

Livro e exposição no Recife

11/mar

No catálogo da exposição que realiza em sua galeria no Recife, PE, o marchand Carlos Ranulpho recebe uma saudação do psicanalista e crítico de arte mineiro Carlos Perktold por seus “45 anos com Arte’. Afirma Perktold: “…Nosso marchand Ranulpho, cultivador de beleza e cultura em Recife, começou em 1968, o ano que não terminou, ano tão importante e decisivo politicamente pelo mundo afora. Importante para Recife, que recebeu Ranulpho com abraços e carinhos. Não foi somente a cidade, mas seus bravos e talentosos pintores, a começar por Vicente do Rego Monteiro, brilhante em tudo que fazia e amigo do “lado esquerdo do peito” do marchand”. O conhecido marchand lançou na ocasião o livro “Vicente do Rego Monteiro/Olhar sobre a década de 1960”, de autoria do crítico Jacob Klintowitz.

 

Até 05 de abril

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Piza em BH

A galeria Murilo Castro, Sala 1, Savasi, Belo Horizonte, MG, exibe “Tramas”, mostra individual de Arthur Luiz Piza. A exibição causa impacto pelo material empregado: um conjunto de molas, gradis e aramados aparentemente retorcidos. Trata-se do mais recente conjunto de obras criadas pelo artista. A exposição, mostra a capacidade evolutiva de Piza, um dos mais importantes gravadores brasileiros que agora revela algumas esculturas. Piza foi aluno, nos anos 40, de seu primo, Antonio Gomide, com quem estudou desenho e pintura. Piza vive e trabalha em Paris desde 1951, período que marca sua participação na 1ª Bienal Internacional de São Paulo. Em Paris aprendeu técnicas de gravura em metal que mais tarde o conduziram às primeiras experimentações tridimensionais. Em edições seguintes da Bienal, foi contemplado com os prêmios de “Aquisição”, em 1953, e “Melhor Gravador Nacional”, em 1959. Desde então se dedicou a montagem de aquarelas reorganizando os fragmentos geométricos em colagens sobre tela, papel, cobre e madeira. Aos 84 anos, e ainda radicado na França, o artista segue em plena atividade. A mostra “Tramas” exibe esculturas em arame, colagens e gravuras produzidas a partir do ano 2000. Complementando a mostra,  uma série de aquarelas recortadas em pequenos formatos. Em telas de 12 por 8 centímetros, Piza sobrepôs diversos fragmentos. Sua obra pode ser admirada em importantes museus mundo afora como o Museu Albertina, Viena, Áustria; Art Institute of Chicago, Chicago, EUA; Musée National d´Art Moderne, Centre Pompidou, Paris, França; Museum of Modern Art, Nova York, EUA; Victoria and Albert Museum, Londres, Inglaterra e também nos brasileiros MAM-Rio; MAM-SP e Pinacoteca do Estado de São Paulo, SP. No texto de apresentação da mostra, Jean François Jaeger, diretor da Galerie Jeanne-Boucher, Paris, afirma que “…Aqui o que vemos é o material que se dobra para chegar pá harmonia, que procura a respiração na espessura do entrelaçado e sua flexibilidade e transparência para nos convidar a explorar, segundo as possibilidades de cada um, um espaço mágico. Tudo o que em suas gravuras revelam de energia, fineza, sensualidade, está intacto nesses transes mediúnicos. Em geral pequenos, e como obrigados à modéstia, eles concentram todo tipo de energia, à vezes como efígies que revelam, porque em contração, a monumentalidade da concepção, que autorizaria a metamorfose deles em grande dimensão.”

 

Até 12 de abril

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Rubem Grilo em Fortaleza

16/jan

A exposição “Rubem Grilo em duas dimensões”, na Galeria MULTIARTE, Fortaleza, Ceará, apresenta dois momentos do artista. O primeiro abrange o intervalo de 1972 a 1984 – época de formação e amadurecimento – e, o outro, composto por duas séries miniaturas. Todas as obras são xilogravuras, a técnica de impressão gráfica utilizando a madeira gravada como matriz. A exposição é composta de um número significativo de obras: 154 gravuras.

 

As 22 obras em formatos maiores (1972 -1984) permitem uma visão retrospectiva, ao pontuar a trajetória com trabalhos que refletem as mudanças que se sucedem ao longo desse período. As obras realizadas em 1972 e 1973 são peças inéditas. Pertencem ao estágio de iniciação cujas referências absorvem as raízes do Expressionismo e da xilografia popular como dois parâmetros estéticos determinantes nos procedimentos dessa mídia, enraizados na cultura nacional a partir do Modernismo.

 

As xilogravuras em formatos miniaturas apresentam-se em duas séries: “Capilares” e “Objetos Imaturos”. Capitular é a primeira letra, com tratamento decorativo, que aparece nos manuscritos medievais, e, é largamente utilizada na tipografia. A capitular como os demais ornatos tipográficos: vinhetas, frisos, etc., têm vínculos diretos com a xilogravura, que é a técnica utilizada na origem da impressão de textos e imagens. “Objetos Imaturos” são utilitários anômalos, a partir de sapatos, cadeiras, bengalas, copos, tesouras, etc. As obras são desenvolvidas considerando que o humor, inerente na concepção dessas obras, aflora na compreensão do erro. A exposição da Galeria MULTIARTE acontece simultaneamente com outra exposição do artista na Caixa Cultural Fortaleza, o que fortalece sua presença na cidade. A Galeria MULTIARTE, ao optar em mostrar obras pertencentes a outros estágios, soma e complementa o conhecimento deste artista, considerado um dos mais importantes gravadores vivos do país.

 

A exposição estabelece contrapontos: nos formatos das obras, nas fases presentes e  ao se propor complementar. A escala de uma obra induz solucionar questões específicas de ocupação do espaço e sobre a representação temática. Ao sair de um formato maior para um espaço minúsculo surge de imediato a descontinuidade e a necessidade de síntese que podem servir com uma oportunidade de revisão e de escolha. As obras em miniaturas pertencem a esse momento de inventário, de abertura temática, sem hierarquização, em benefício do prazer lúdico e poético.

 

Sobre o artista

 

Nascido em Pouso Alegre, Minas Gerais, em 1946. Realizou suas primeiras xilogravuras em 1971. Ilustrou diversos jornais de 1973 a 1985, ano em que publicou o livro Grilo xilogravuras (Circo Editorial). Desde então, dedica-se essencialmente à sua obra, tendo realizado cerca de sessenta mostras individuais no Brasil e no exterior, bem como tomado parte de aproximadamente cem e vinte exposições coletivas, entre as quais se destacam as participações na Bienal de São Paulo em 1985 e 1998. Entre os prêmios recebidos, encontram-se o 2º prêmio da Xylon Internacional, Suíça, em 1990, o Golfinho de Ouro do Conselho Estadual de Cultura do Rio de Janeiro em 2002 e o Prêmio de Artes Plásticas  Marcantonio Vilaça – Ministério da Cultura Funarte, em 2010, referente à aquisição de 500 obras  para o acervo do MNBA- RJ. Obras suas podem ser vistas nas revistas Graphis e Who’s Who in Art Graphic (Suíça), Novum Gerbrauchs­grafik (Alemanha), Print (Estados Unidos) e Idea (Japão). Foi curador das exposições Pensar gráfico (Paço Imperial, 1998), Mostra Rio Gravura (1999) e Impressões – Panorama da Xilogravura Brasileira (Santander Cultural, 2004). Vive e trabalha no Rio de Janeiro

 

De 16 de janeiro a 08 de fevereiro.

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Di Cavalcanti, retrospectiva no MON

29/dez

 

Para continuar com as comemorações de uma década do Museu Oscar Niemeyer, MON, Curitiba, Paraná, encontra-se em cartaz a exposição “Di Cavalcanti, Brasil e Modernismo”. A mostra é uma retrospectiva de um dos mais expressivos artistas do período modernista da arte brasileira, que retratou o povo e a cultura do nosso país. Aproximadamente 80 obras, divididas entre trabalhos sobre tela, papel, desenhos e aquarelas, estão na mostra e retratam a intimidade e a vertente lírica do pintor e desenhista carioca. O curador Olívio Tavares realizou uma seleção dos trabalhos mais significativos do artista presentes tanto em acervos museológicos do Brasil quanto em coleções particulares.

 

Sobre o artista

 

A carreira artística de Di Cavalcanti se iniciou em 1914, quando aos 13 anos publicou, na Revista FON-FON, no Rio de Janeiro, sua primeira caricatura. Foi morar em São Paulo para estudar Direito e acabou atuando como jornalista no jornal O Estado de São Paulo. Aos 20 anos, começou sua produção como pintor e no mesmo ano fez sua primeira exposição individual. Di Cavalcanti foi também um dos organizadores da Semana de Arte Moderna de 1922.

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Morandi no Brasil

13/dez

 

A Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, RS, realiza, com o apoio do Museo Morandi, Itália, sua última exposição temporária do ano. Trata-se de exposição restrospectiva  dedicada à obra do pintor e gravador Giorgio Morandi. Com curadoria de Alessia Masi e Lorenza Selleri, “Giorgio Morandi no Brasil” traz para o espaço expositivo da Fundação cerca de 40 pinturas e 15 gravuras organizadas cronologicamente.

 

O conjunto permite a aproximação do público com o processo criativo e produtivo do artista italiano, calcado em questões como a forma, a significação dos objetos, o ritmo das pinturas e a influência da luz na representação pictórica – esta ultima a grande guia da obra de Giorgio Morandi. Quatro obras nunca antes apresentadas em solo brasileiro também compõem a seleção, além da projeção do documentário “La polvere di Morandi”, do cineasta Mario Chemello, sobre a vida do artista.

 

Sobre o artista

 

Giorgio Morandi nasce em 20 de julho de 1890, em Bolonha, cidade onde passa toda sua vida. Nas primeiras pinturas, datadas a partir dos anos 1910, demonstra uma precoce atenção aos impressionistas franceses e, em especial, por Cézanne; logo em seguida, se interessa por Derain, Henri Rousseau, Picasso e Braque. Concentra-se na grande tradição italiana estudando Giotto, Masaccio, Paolo Uccello e Piero della Francesca. Em meados dos anos 10, pinta obras que atestam uma experimentação futurista e, a partir de 1918, atravessa de modo muito pessoal uma breve fase metafísica. Em 1918 entra em contato com a revista e com o grupo “Valores Plásticos”, com quem expõem em Berlim, em 1921. A partir dos anos 20, inicia um percurso pessoal que perseguirá com particular coerência, mas também com resultados sempre novos, dedicando sua pintura a apenas três temas: naturezas mortas, paisagens e flores. Em 1930 obtém a cátedra de gravura na Academia de Belas Artes de Bolonha, cargo que ocupará até 1956. Inicialmente apoiado e admirado por escritores, em 1934 é apontado por Roberto Longhi como “um dos melhores pintores vivos da Itália”, durante aula inaugural na Universidade de Bolonha. Em 1939 recebe o segundo prêmio de pintura durante a III Quadrienal romana.  Em 1943, no auge da guerra, deixa Bolonha e se refugia em Grizzana, onde permanece até 25 de julho de 1944. Nesse período pinta numerosas paisagens. Em 1948, depois de ter exposto ao lado de Carrà e de De Chirico na Bienal de Veneza, recebe da Prefeitura de Veneza o prêmio de pintura.  Em 1953 conquista o I Prêmio de Gravura na II Bienal de Arte de São Paulo, onde expõe 25 águas-fortes. Em 1957, a Bienal de São Paulo lhe confere o Grande Prêmio de Pintura, tendo concorrido com Marc Chagall. Na última década, chega a uma pintura cada vez mais rarefeita. Morre em Bolonha, em 18 de junho de 1964.

 

Até 24 de fevereiro de 2013.

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Renato Valle na Dumaresq

Com mais de trinta anos de carreira, foi nos últimos dez anos que Renato Valle desenvolveu projetos em pintura, fotografia, gravura, desenho, objetos e esculturas. Agora, o artista exibe “Escritos sobre pinturas ruins”, primeiro trabalho de Renato Valle realizado, de forma sistemática, fora de uma residência em instituição nessa última década.  Em cartaz na Dumaresq Galeria de Arte, Boa Viagem, Recife, PE, essa produção diversificada foi realizada em residências artísticas com apoio de diversas instituições.

 

Anteriormente a essa pesquisa o desenho foi o foco principal dos trabalhos que Renato Valle realizou. Além disso, produziu algumas dezenas de pinturas em atelier, porém o grande envolvimento com propostas específicas como as séries “Grades de Caminhões”, “Cristos Anônimos” e “DIÁLOGOS”, fez com que muitas dessas telas fossem feitas de maneira esporádica, sem sistematização, surgindo quase sempre como necessidade de exercitar a cor ou por alguma encomenda. O grau de envolvimento de Renato Valle com uma obra ou uma série sempre foi fator decisivo para a qualidade do seu trabalho e a pressão de galeristas e arquitetos para fazer algo que estava distante dos processos desenvolvidos nas suas pesquisas, torna claro que a sua retomada da pintura deveria vir através de um projeto específico.

 

Foi a partir de um dano que ocorreu na última tela encomendada por uma galeria que o artista decidiu fazer uma revisão biográfica do seu trabalho intervindo com escritos sobre telas de vários períodos. Observar o que o leva a não se reconhecer (total ou parcialmente) em determinadas obras, refletir sobre essas questões, escrever sobre essas pinturas sempre considerando tamanho e tipo de letra, cor, teor dos textos e composição, como elementos da própria pintura, preenchendo ou a tela inteira ou determinados espaços de acordo com a problemática específica de cada trabalho, foi o caminho que o artista encontrou para a retomada da sua obra pictórica.

 

Para tanto, contou com o apoio fundamental do FUNCULTURA, da produtora cultural Viviane da Fonte Neves e, mesmo fora das instituições, o artista trabalhou por quase um ano no atelier do amigo e colega Gil Vicente, que cedeu o espaço e acompanhou o processo desde a sua concepção. As quinze telas que serviram de suporte para esta série tinham sido realizadas entre 1981 e 2010 – algumas recolhidas do seu acervo e outras da galeria que as comercializa.

 

Até 31 de janeiro de 2012.

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Pintura Impura

08/dez

As pinacotecas Aldo Locatelli e Ruben Berta, Paço Municipal, Centro Histórico, Porto Alegre, RS, exibem a exposição ‘’Pintura Impura’’. A exposição vai abriga obras de diversos artistas cujos temas apresentam diversas influências na pintura de cada um. Contaminações e influências permeiam a exposição “Pintura Impura”. Valendo-se de obras das Pinacotecas Aldo Locatelli e Ruben Berta, datadas da década de 1950 até os dias de hoje, a mostra apresenta diferentes abordagens no campo da pintura. A relação de artistas participantes consta, dentre outros, com obras assinadas por Aldo Locatelli, Alfredo Nicolaiewsky, Allen Jones, Ana Alegria, Bernardo Cid, Bill Maynard, Bin Kondo, Britto Velho, Eduardo Vieira da Cunha, Fernando Duval, Fernando Odriozola, Gisela Waetge, Guillermo A.C., Heloisa Schneiders, John Piper, Jorge Paez Villaró, Juan Ventayol, Mattia Moreni, Paulo Peres, Roberto Campadello, Teresa Poester Tereza Nazar, Tomas Abal e Tomie Ohtake.

 

Além de artistas ingleses (da escola pop), uruguaios, italianos, argentinos e brasileiros, faz parte da coleção uma obra de Aldo Locatelli, artista italiano que dá nome a uma das coleções, cuja autoria é notável e repleta de significados. Para Flávio Krawczyk, diretor do acervo artístico, “…trata-se de um retrato aparentemente inconcluso, embora assinado, portanto considerado pronto pelo autor. Ou seja, a obra nasce do virtuosismo, da velocidade dos tempos modernos e do ímpeto em explicitar o seu processo de realização. Por fim, indica a assimilação por Locatelli, cuja formação havia sido estritamente acadêmica, de técnicas e sugestões das vanguardas do início do século XX”.

 

Ainda nas palavras de Flávio Krawzick, a mostra “…inclui o trânsito entre figuração e abstração, a presença da palavra escrita, os entrelaçamentos de cultura popular e erudita, a incorporação dos quadrinhos e do grafite, a acumulação de distintas informações – do cotidiano ao onírico, os cruzamentos de materiais e técnicas, além da colagem de materiais heteróclitos. Concebidas sobre o signo da “impureza”, as pinturas expostas apontam para a emergência da arte contemporânea, quando é rompido o espaço perspectivo de matriz renascentista e quando a pintura se mostra definitivamente contaminada ou “impura”. Na diversidade oriunda desta condição reside a sua fecundidade e riqueza de sentidos”.

 

Até 1º de março de 2013.

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Fábula contemporânea

06/dez

O Santander Cultural, Centro Histórico, Porto Alegre, RS, apresenta o “Projeto RS Contemporâneo 2012”, que estimula a produção cultural gaúcha e a formação de público em artes visuais,. Encerrando seu primeiro ciclo – composto de três exposições – exibe, através de exposição individual, o trabalho de Nara Amelia. A exposição denominada de “O Mundo é uma Fábula”, reúne gravuras, desenhos e bordados inéditos ordenados em conjuntos e séries sob a curadoria do paraense Orlando Maneschy.

 

Entre as criações da jovem artista, estão personagens fantásticos, animais fabulosos e hibridizados que aproximam sua obra da literatura e da filosofia e, segundo o curador, remetem à questão humano-animal e ao exercício de autoconhecer.

O “Projeto RS Contemporâneo” prevê em cada edição um Conselho Curatorial que indica dois ou três artistas, cujos trabalhos, capazes de gerar uma contribuição relevante ao meio cultural, são observados por curadores de fora de sua área geográfica de atuação e que, até o momento, não haviam se voltado às suas poéticas.

Trata-se de uma rara oportunidade por diversos motivos: primeiramente, esses jovens terão suas produções analisadas por especialistas; contarão com ajuda de custo para a execução das obras e com as condições adequadas para a exibição das mesmas; e terão seus trabalhos documentados em um apurado catálogo.

O conselho curatorial deste ano referendou, nas duas primeiras mostras, os artistas Rochele Zandavalli e Rafael Pagatini. Para Carlos Trevi, Coordenador Geral do Santander Cultural, “…o programa consolidou o compromisso de estimular o trabalho de jovens artistas locais em sintonia com a crença do banco na criatividade como fonte de desenvolvimento. Em 2013, daremos continuidade ao RS Contemporâneo, um projeto que está diretamente relacionado à nossa vocação para a arte contemporânea e à valorização do potencial artístico brasileiro para fortalecer as economias locais e inseri-las no contexto cultural nacional”, destaca.

 

A exposição será exibida em outros locais como a Sala Nordeste de Artes Visuais no Recife, PE, graças ao Prêmio Funarte de Arte Contemporânea que a artista recebeu em 2012 e após o Recife, a exposição irá para São Paulo, na Galeria Jaqueline Martins.

 

Sobre a artista

 

Nara Amelia nasceu em Três Passos, RS, em 1982. Vive e trabalha em Porto Alegre. É doutoranda em Poéticas Visuais pelo PPGAV, Instituto de Artes da UFRGS, com bolsa de pesquisa CAPES, mestre em Artes Visuais pelo PPGART/UFSM (2009) e graduada em Desenho e Plástica pela UFSM (2006). Realizou as exposições individuais: O Melhor dos Mundos Possíveis!, Goethe-Institut, Porto Alegre, RS, 2011; Sob a Natureza, Centro Cultural São Paulo, Edital de Exposições, São Paulo, SP, 2010; e Um Céu Feito de Abismo, Galeria Arlinda Corrêa Lima, Edital de Exposições Fundação Clóvis Salgado, Belo Horizonte, MG, 2009. Recebeu os seguintes prêmios: Prêmio Funarte de Arte Contemporânea Sala Nordeste de Artes Visuais Recife, 2012; 18o Salão Unama de Pequenos Formatos, 2012; I Prêmio Ibema de Gravura, 2011; Prêmio Aquisitivo Programa de Exposições do Centro Cultural São Paulo, 2010. Entre as principais mostras coletivas, estão: Convite à Viagem, Rumos Itaú Cultural, São Paulo, SP, 2012; Labirintos da Iconografia, Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli, Porto Alegre, RS, 2011; Hong Kong Graphic Art Fiesta, Hong Kong, 2011; e III Gráfica Gaúcha: Novíssimos e Independentes, Centro Cultural Érico Veríssimo, Porto Alegre, RS, 2009.

Até 06 de janeiro de 2013.

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Mostra de Eduardo Vieira da Cunha

09/nov

Pintor, fotógrafo, desenhista e gravador, Eduardo Vieira da Cunha realiza exposição individual que integra uma série chamada “Percurso do Artista”, Sala João Fahrion, Reitoria da UFRGS, Porto Alegre, RS. A mostra é voltada para a idéia da viagem, do deslocamento, elementos sempre presentes na obra do artista. Essa exibição marca os 30 anos de uma carreira que começou com participações e premiações em salões na década de 1980 e mostras realizadas em Nova Iorque e Paris, cidades onde residiu.

 

São 32 pinturas, oito desenhos e cinco gravuras, além de fotografias e ilustrações escolhidas em torno da idéia de metáfora de viagem produtiva. O pintor recolhe exemplos de outras áreas para falar da vasta questão do deslocamento e da viagem: sonhos, fotos, papéis soltos, objetos, mapas, itinerários, planos, traduções, desenhos e pinturas que ajudam a pelo menos recompor o itinerário de uma viagem produtiva, ociosa positiva e negativamente.

 

A viagem imaginária começa com desenhos e fotos de um navio, navegando em um mar de areia, em um lugar qualquer no litoral do Rio Grande do Sul. O artista busca através de um personagem, um homem solitário que habitava o navio e que durante o dia se dedicava à infinita tarefa de pintar de preto o casco para evitar os danos da maresia. E que à noite, descia ao porão para revelar velhos negativos fotográficos. Esse homem que esperava remete à imagem representada pela ampulheta, aquele mar de areia que pode ser tanto o esquecimento como o elogio ao desprendimento.

 

Do litoral desértico do Rio Grande do Sul, Eduardo Vieira da Cunha buscou na animada, iluminada e extravagante cidade de Nova York dos  anos 80 e 90 resgatar imagens de sua autoria  que ilustraram frases da coluna “Diário da Corte”, do jornalista Paulo Francis  publicadas no jornal gaúcho Zero Hora até 1997. A cidade surge ali como um objeto de desejo, contraditória, ora como um firmamento, uma galáxia, um céu radiante, ora como um inferno. Esse estado de perpétua animação e crise da cidade-ilha é refletida nos textos de Francis.

 

A palavra do artista

 

À procura de uma sombra do viajante

 

“Odeio viagens e viajantes”. Com esta frase, um negativo da viagem, Claude Lévy-Strauss se vacinava logo ao abrir o grande poema que representa “Tristes Trópicos”. Um livro do deslocamento filosófico, da filosofia em negativo. O que talvez o etnólogo odiasse mesmo era o desafio de descobrir o noturno do trópico, em vencer seus desafios, penetrar no escuro da mata e passar necessidades, sede e fome. O ganho, entretanto, era a obra em se fazendo.

 

Viagem, ficção e filosofia. Percursos.  Já que outros filósofos pareciam incólumes a tais dissabores dos viajantes, como Platão e Pitágoras, e se entregavam com prazer às deambulações da viagem didática e de compartilhamento do conhecimento, um terceiro grupo onde incluo também homens de letras se aborrecia com as viagens e o trato com o estrangeiro. Isso porque talvez eles não precisassem procurar o desafio do desconhecido. Encontravam o fascínio da viagem ali mesmo, dentro da própria cidade: Sócrates, que preferia viajar pelas ruas e as praças de Atenas. E Machado de Assis e Mario Quintana, flâneurs do Rio de Janeiro e Porto Alegre, respectivamente.

 

…Escolho exemplos de outras áreas para falar da vasta questão do deslocamento e da  viagem. Se é muito difícil tratá-los em um texto, muito mais o seria em uma singela exposição. Em todo o caso, sonhos, fotos, papéis soltos, objetos, mapas, itinerários, planos, traduções, desenhos e pinturas ajudam a pelo menos recompor o itinerário de uma viagem produtiva, ociosa positiva e negativamente.

 

…A imagem desse homem que esperava, esperando talvez a oscilação improvável do corpo do navio enterrado na areia, começou a me perseguir em desenhos e pinturas, além das fotografias.  O emblema de Borges é a ampulheta, aquele rio de areia que pode ser tanto o esquecimento como o elogio ao desprendimento (da areia). Navegando na areia, o homem poderia ter como livro de cabeceira um livro de Borges com o poema Elogio das sombras: “(…) tantas coisas. Agora posso esquecê-las. Chego ao meu centro. À minha Álgebra, meu código. Ao meu espelho. Logo saberei quem sou.”

 

A fotografia é feita de reflexos, de espelhos e de sombras. Depois desse ocioso exílio do litoral desértico, passei a procurar em outras viagens, reflexos e sombras perdidos:  Busquei na animada, iluminada e extravagante Nova York do final dos  anos 80, e na Paris de matérias sombrias e opacas, cidade noturna dos flâneurs  surrealistas. Não achei nem no lado do otimismo tecnológico, nem no lado da inquietante estranheza. Por isso insisto tentando na pintura. E parafraseando Cortázar, adoto sua máxima: a obra talvez importe, mas não impede de andar.

 

 

Até maio de 2013.

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Juarez Machado em BH

24/out

A Pequena Galeria do Teatro da Cidade, Centro, Belo Horizonte, MG, apresenta a exposição individual de Juarez Machado, artista visual catarinense (gravador, desenhista e pintor) radicado na França. Trata-se de uma pequena parte da produção serigráfica do artista, dez obras que retratam casais em clima festivo que evocam a atmosfera romântica e sofisticada dos loucos anos 20.

 

Dono de um traço inconfundível, Juarez Machado registra em sua vida profissional mais de sessenta anos de trabalho ininterrupto, uma carreira marcada de sucessos, com incursões de humor que marcaram época na televisão e na imprena nacional. Nos últimos vinte anos dedica-se, com mais afinco, à pintura e uma de suas séries mais celebradas aborda o cultivo do vinho na França. O artista, que é representado no Brasil, da Galeria Simões de Assis, divide seu tempo entre Paris, Rio de Janeiro e Curitiba.

 

Até 28 de outubro.

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