Arquivos da Categoria: Rio de Janeiro

A energia na obra de Kelton Campos Fausto

25/mar

 

A Gentil Carioca, Rio e São Paulo, anuncia a representação da artista Kelton Campos Fausto.

“Em pinturas quase atmosféricas, Kelton nos situa entre o fantástico e o terrível que é pensarmos nos trânsitos inevitáveis entre a vida e a morte. Entre seres de línguas maiores que a boca, banhos de areia e procissões sobre as nuvens, nos deparamos com a finitude do que conhecemos, para a infinitude do que não pode ser conhecido. O trabalho e a energia retornam aqui de alguma forma para desestabilizar nosso pretenso conhecimento científico dos fenômenos observáveis.” – Matheus Morani

Kelton Campos Fausto nasceu em São Paulo, 1996.  Vive e trabalha no Sul Global. É artista multidisciplinar e não-binárie, residente e fundadora da plataforma e coletivo Brasilânia.Co. Kelton Campos Fausto produz e cria imagens que transitam pelas linguagens do vídeo, pintura, cerâmica e performance. Atualmente, está interessada na construção plástica da concepção equivocada da Diáspora Brasileira, arquitetando espaços e cenas espirituais que propõem espaços de vida, baseados em outras formas de apreender a realidade e o corpo. Em 2024, participou da exposição “Dos Brasis: arte e pensamento negro” no Sesc Quitandinha em Petrópolis – RJ, Brasil; a mostra fez parte de uma itinerância da exposição que passou pelo Sesc Belenzinho, São Paulo, Brasil, no ano anterior. Em 2024 também realizou a sua primeira exposição individual n’A Gentil Carioca Rio de Janeiro, intitulada “Ègbé ọ̀run Ẹgbẹ́ àiyé”.

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Telas monocromáticas de Carlos Zilio.

20/mar

O Paço Imperial, Centro, Rio de Janeiro, RJ, exibe a exposição “A Pintura com a Pintura”, do artista Carlos Zilio, sob curadoria de Ronaldo Brito. A mostra apresenta um conjunto de obras que reafirmam a pintura como um campo de embate e investigação contínua. Em telas monocromáticas de presença sutil, Carlos Zilio conduz o espectador ao limite da percepção, onde o visível se sustenta no paradoxo da quase ausência. Para Ronaldo Brito, essa busca pelo Nada não implica vazio, mas sim a condensação máxima do pensamento pictórico, na qual cada obra se apresenta como uma presença radical.

Ao longo de sua trajetória, Carlos Zilio transitou por diversas abordagens artísticas, da exuberância cromática ao rigor formal, sem se fixar em categorias rígidas. A Pintura com a Pintura convida o público a um exercício de contemplação e imersão, destacando a autonomia da pintura enquanto linguagem e sua capacidade de gerar significados além da representação tradicional. A exposição reafirma o compromisso de Carlos Zilio com a experimentação e a pintura como um território vivo, em constante transformação.

Pintura com a Pintura

O pintor veterano, aquele que se empenha diariamente em sua prática, sempre termina sozinho com a pintura. E não porque se aliene do mundo ao redor: a própria pintura acaba por metabolizar o mundo com suas operações específicas. Chega um momento em que esse processo, ao mesmo tempo intuitivo e metódico, condensa a vivência do artista a um ponto tal que dispensa quaisquer chamados extrínsecos, absorvido por inteiro no embate prazeroso porém exigente, sempre em aberto, com uma atividade por assim dizer interminável. Daí que o artista não tenha nos surpreendido tanto ao mencionar de passagem que, daqui para frente, pretendia pintar o Nada. E estamos falando de um pintor experimental, sem temas ou estilos definidos. Em sua carreira, entre outras incursões, ele passou de telas exuberantes, matissianas, a uma última série em preto e branco envolvendo a figura pitoresca do Tamanduá, que obcecava o seu imaginário familiar. Tampouco o cansativo dilema abstração/figuração encontra mais lugar entre as preocupações teóricas desse pintor culto, professor universitário e agente cultural inovador no que se refere ao destino da História da Arte no Brasil. Sem esquecer o início vanguardista, ainda nos anos 1970, quando produzia objetos nada “artísticos” e Instalações de caráter político, em confronto mais ou menos direto com a famigerada ditadura militar vigente.

A História da Arte para o pintor Carlos Zilio, naturalmente, significa muito mais do que matéria simbólica social – é parte constitutiva de sua personalidade pictórica. Nela comparecem, por exemplo, Malevitch, Barnett Newman e Jasper Johns, figuras à primeira vista incompatíveis. Mas ninguém se obrigue a rastreá-las nessas telas recentes , ocupadas que estão em alcançar o Nada. Tais presenças, em meio a outras poucas, já se tornaram fantasmas amigos, que sem dúvida contribuíram para a conversa atual da Pintura com a Pintura. O que importa agora é o embate frontal com essas telas quase vazias, monocromáticas, quase todas no mesmo formato médio. Completam uma série, um conjunto no sentido estrito do termo. Cada uma é uma, no entanto, pedem leitura cuidadosa. Por um lado, francas e diretas, parecem de pronta assimilação. Contudo, logo que as assimilamos elas prendem nossa atenção, excitando a percepção ao acompanharmos seu soberano fazer pictórico.

Ronaldo  Brito

Até 22 de maio.

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Roberto Magalhães no Paço Imperial.

Xilogravuras em uma coleção

Roberto Magalhães: xilogravuras da Coleção Mônica e George Kornis

Comemorar. Sempre. E com a alegria proporcionada por múltiplas comemorações, melhor ainda. Isso porque, ao mesmo tempo que o Paço Imperial completa e festeja seus 40 anos de presença ativa na cena artística e cultural do Rio de Janeiro, o artista plástico Roberto Magalhães completa 85 anos de vida, e celebra sete décadas de produção em arte – gravuras, desenhos e pinturas – que construíram uma obra extensa e qualificada. E com imensa satisfação, a Coleção Mônica e George Kornis comemora os 30 anos da sua primeira exposição, intitulada O papel da coleção – desenhos e gravuras da Coleção Mônica e George Kornis nesse mesmo Paço Imperial. Na ocasião, trabalhos de Roberto Magalhães foram exibidos, com destaque para sua obra em xilogravura, que integrava nossa coleção desde os seus primórdios, em meados dos anos 1970.

Potência. Essa é a palavra-chave desta exposição que revela, de modo claro, a envergadura das cerca de 100 obras em xilogravura produzidas em um curto e intenso período de tempo (1963-1966), quando Roberto Magalhães já era reconhecido como artista, na plenitude de seus 20 e poucos anos. Sua primeira mostra individual de desenhos aconteceu na Galeria Macunaíma da Escola Nacional de Belas Artes (ENBA), em 1962. A partir de 1963, Roberto começou a frequentar o curso de gravura da ENBA, quando tomou contato, através da biblioteca da escola, com as obras de Durer e Rembrandt, entre as de outros autores. Em 1964, expôs xilogravuras na prestigiosa Petite Galerie (RJ). Nesse mesmo ano, participou da Primeira Exposição da Jovem Gravura Nacional, realizada no Museu de Arte Contemporânea da USP; da IV Bienal de Gravura em Tóquio; e também da mostra Brazilian Art Today, realizada na Royal Academy of Arts, em Londres. Em 1965, além de receber o Prêmio de Viagem ao Exterior (com duração de dois anos) no XV Salão Nacional de Arte Moderna/RJ, foi contemplado com o Prêmio de Gravura na IV Bienal de Paris, premiação importante para a história da gravura brasileira. Ainda em 1965, participou da icônica mostra Opinião 65, realizada no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM-RJ). Juntamente com os também jovens Antônio Dias, Carlos Vergara e Rubens Gerchman, entre outros artistas nacionais e estrangeiros, essa exposição apontava para uma ruptura no panorama artístico do país, e afirmava a presença de uma nova figuração no campo das artes plásticas. Dois anos depois, esse quarteto integrou a também icônica mostra intitulada Nova Objetividade Brasileira, no mesmo MAM-RJ, sendo que, em 1966, a Galeria G-4, no Rio de Janeiro, exibira suas obras, juntamente com trabalhos de Pedro Escosteguy. Em 1967, Roberto seguiu para Paris em função do prêmio obtido de viagem ao exterior.

Além de potência: intensidade. A obra em xilogravura de Roberto Magalhães, composta, segundo ele próprio, por 100 obras foi produzida em apenas três anos! Ele mesmo revela em entrevistas desconhecer a razão de ter interrompido seu trabalho em xilogravuras, apesar de ter aprofundado ao longo desses anos um amplo conhecimento da história da gravura no Ocidente. Esse final, súbito e surpreendente, deixa uma certa aura de mistério diante da obra gráfica absolutamente singular desse artista carioca, nascido em 1940 na Ilha do Governador.

A quase totalidade da produção de Roberto Magalhães em xilogravura está exibida nesta mostra, que inclui ainda uma matriz e sua impressão em papel de arroz. A presença em nossa coleção de outras obras do artista produzidas em outras técnicas, na mesma década de 1960 – pintura a óleo sobre tela (1961), desenho em grafite (1962) e pintura sobre papel em nanquim com pó de café solúvel, que atuava como substituto do caro e importado vieux-chêne (1964) – pretende aqui revelar o pensamento artístico de Roberto Magalhães expresso nas várias técnicas que dominou, e que permanece, a partir dos anos 1970 até hoje, com foco no desenho e na pintura.

Não há uma ordem cronológica na exibição dessas xilogravuras. Com a força do preto e branco, muito ocasionalmente interrompido pela cor vermelha, agrupam-se retratos e autorretratos, rodas que sugerem movimento, cenas de batalhas, figuras humanas que se confundem com animais, em meio a um peculiar senso de humor e sátira, reforçado pelos títulos que confere a seus trabalhos. Estamos diante de uma singular figuração que, com uma dicção própria, constrói um imaginário denso e complexo, por vezes violento. Um mundo de tormentos, fantasmagórico.

Dos desenhos e caricaturas que Roberto Magalhães produziu desde a adolescência, até os desenhos e pinturas que produz até hoje, destacamos nesta mostra três anos de uma produção em xilogravura absolutamente autoral e consistente que, com energia, resiste ao tempo. Já se passaram 14 anos da realização da uma mostra de um conjunto expressivo de desenhos a nanquim e xilogravuras do artista na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro, intitulada Roberto Magalhães – PretoBranco 1963-1966. O Paço Imperial felizmente rompe esse silêncio com a realização desta exposição, que pretende ampliar o acesso ao conhecimento de parte expressiva da obra desse artista, além de disponibilizar ao público uma parte de nossa coleção de arte em papel. Uma iniciativa artística e cultural a ser comemorada. E parabéns, Roberto!

Mônica e George Kornis

Até 22 de maio.

 

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Sustentabilidade e consciência ambiental.

18/mar

 

Idealizado por Susi Cantarino da Galeria Metara, Gamboa, Rio de Janeiro, RJ, em 2023, “Do Lixo ao Luxo” terá nova edição este ano, com coquetel em 27 de março passando a se chamar “Do Lixo ao Luxo Reciclando”. Além de exposição dos artistas Osvaldo Gaia e Susi Cantarino, serão apresentadas pinturas produzidas pelos alunos da Fundação Darcy Vargas em oficinas de reciclagem, que receberão molduras reutilizadas e serão vendidas no dia da inauguração. Na abertura, haverá projeção de vídeo e fotos com registros dos alunos nas oficinas e exibição de laser com frases relacionadas ao tema proposto nas paredes do vizinho Moinho Fluminense (localizado ao lado da Metara). “Do Lixo ao Luxo Reciclando” conta com patrocínio da Integra Rio e é realizado pela empresa de produção Ayssiu, de Susi Cantarino.

“O projeto Do Lixo ao Luxo nasceu da necessidade premente de conscientizar que o descarte responsável do lixo não apenas preserva o ambiente, mas também fortalece a cultura do cuidado coletivo, concretizando-se na construção de lixeiras durante as oficinas. A cada ano viremos com novas ideias e desafios e em 2025 não será diferente. Como idealizadora e produtora, sinto uma profunda alegria ao concretizar esta segunda edição do projeto, contemplado pelo Edital Integra Rio. Temos certeza de que muitas outras edições virão, ampliando nosso impacto e propósito”, afirma Susi Cantarino. “Tudo aquilo que realizamos com convicção, paixão e potência não apenas floresce no presente, mas se expande como alicerce para os projetos que estão por vir”, conclui.

Em comum entre Susi Cantarino e Osvaldo Gaia, além de seus “objet trouvé” – feitas a partir de material de descarte – que serão expostas, está o fato de ambos terem sido premiados na Bienal de Florença: Susi Cantarino em 2005, quando recebeu o prêmio pelas mãos de ninguém menos do que o artista búlgaro Christo e Osvaldo Gaia, no IV Prêmio (ano de 2007).

Sobre as oficinas.

Artistas como Luiz Badia estarão entre os monitores das oficinas que serão ministradas no dia 21 de março, na Fundação Darcy Vargas, das 12h30 às 16h. Eles também produzirão, como na primeira edição do evento, “lixeiras-artsy” que depois levarão para suas casas, estimulando a consciência ambiental em cada família. Todo o processo de confecção será registrado in loco, bem como as aulas de reciclagem de tampinhas de metal que serão transformadas em ímãs de geladeira. Alfredo Borret ensinará aos adolescentes como produzir “ecotampas”.

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Exposição homenageia Aderbal Freire-Filho.

14/mar

 

Mostra no Teatro Gláucio Gill apresenta a mostra Aderbal Teatro Cidade, uma homenagem ao diretor de teatro, ator e apresentador Aderbal Freire-Filho, falecido em 2023. Com curadoria de César Oiticica Filho, a mostra apresentará a extensa obra de um dos mais importantes e criativos dramaturgos brasileiros, que tem uma forte ligação com o Teatro Gláucio Gill, tendo criado, naquele espaço, em 1989, o Centro de Demolição e Construção do Espetáculo (CDCE), um marco na história da dramaturgia brasileira. Com fotos de Nil Caniné e conceito visual de Lea van Steen, pesquisa de Antonio Venancio e produção executiva de Cleisson Vidal, a mostra extrapolará as fronteiras do espaço, sendo apresentada também na Praça Cardeal Arcoverde.

“Nosso objetivo foi fazer uma exposição que fosse também uma obra de arte ao mesmo tempo, trazendo a questão experimental que é tão presente no teatro do Aderbal, tendo também esse diálogo forte com a cidade, que era uma característica dele”, afirma o curador César Oiticica Filho. A exposição também se expandirá para a rua, sendo realizada também na Praça Cardeal Arcoverde, que fica em frente ao Teatro Gláucio Gill, onde haverá imagens e cartazes de espetáculos históricos do diretor

Até 19 de abril.

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O discurso do novo representado.

 

A galeria A Gentil Carioca, São Paulo e Rio de Janeiro, anuncia a representação do artista Miguel Afa. O artista vive e trabalha no Rio de Janeiro. Começou sua trajetória por meio do graffiti em 2001, nas ruas e becos do Complexo do Alemão, e estudou na Escola de Belas Artes – UFRJ. Seu trabalho reflete sobre o corpo periférico, contrapondo suas adversidades e propondo uma nova leitura imagética que potencializa e valoriza o afeto. Suas obras alternam entre a sensibilidade poética e mensagens políticas diretas.

O olhar do artista transforma o que captura, dando-lhe uma aura própria por meio das cores que utiliza. Sua paleta amena não é mero recurso estético: é essencial à composição, ampliando a complexidade do que é representado. Longe de neutra, a cor é discurso e um posicionamento diante das cenas retratadas. Esmaecer não é apenas um gesto pictórico, mas um ato de lembrança e questionamento, revelando tanto o visível quanto o invisibilizado.

Em 2025, o artista apresenta uma exposição solo no Paço Imperial, no Rio de Janeiro, Brasil. Em 2024, participou das coletivas “Dos Brasis”, no Sesc Quitandinha, Petrópolis (itinerância da mostra apresentada no Sesc Belenzinho, São Paulo) e “O que te faz olhar para o céu?”, no Centro Cultural Correios Rio de Janeiro. No mesmo ano, realizou a individual “ENTRA PRA DENTRO”, na galeria A Gentil Carioca. Em 2023, realiza nova exibição individual “Em Construção” e participou da coletiva “Da Avenida à Harmonia”, ambas no Instituto Inclusartiz no Rio de Janeiro, Brasil. Suas obras fazem parte de coleções de destaque, como a Jorge M. Pérez Collection.

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Bel Barcellos no Museu da República.

12/mar

Linha e agulha são suas ferramentas, tendo a costura e o bordado como linguagem essencial de suas referências femininas e dos seus saberes ancestrais, para criar trabalhos impregnados de delicadeza e memórias, que contam histórias viscerais.

Corpo abrigo é a individual que a artista brasileira Bel Barcellos (Boston, 1966) inaugura no dia15 de março na Galeria do Lago, no Museu da República, Rio de Janeiro, sob curadoria de Isabel Sanson Portella. A mostra marca 30 anos de atividades da artista nas artes visuais e é oferecida pela Equinor, multinacional de energia com atuação no Brasil há mais de 20 anos. Bel Barcellos define como “autoficcional” o conjunto de dez trabalhos inéditos desta exposição, nos quais desenha com bordado sobre lona ou linho, tendo a figura humana feminina como ponto focal e o universo emocional como trama subjetiva e, pela primeira vez, ela incorpora a cerâmica à sua produção. Os fazeres manuais do desenho, do bordado e da cerâmica convergem no universo criativo de Bel Barcellos, unindo a contemporaneidade a saberes herdados das avós, para revolver memórias afetivas comuns a todos. A costura sempre esteve presente em sua vida pessoal e no trabalho com figurinos, mas desde o contato com a obra de Arthur Bispo do Rosário, o bordado ganhou mais relevância no processo criativo de Bel Barcellos, embora a artista já bordasse símbolos e escritos em meio a suas pinturas anteriormente. A partir dos anos 2000, o bordado prevalece como elemento compositor da obra como um todo.

A costura sempre esteve presente em sua vida pessoal e no trabalho com figurinos, mas desde o contato com a obra de Arthur Bispo do Rosário, o bordado ganhou mais relevância no processo criativo de Bel Barcellos, embora a artista já bordasse símbolos e escritos em meio a suas pinturas anteriormente. A partir dos anos 2000, o bordado prevalece como elemento compositor da obra como um todo. A nova pesquisa da artista é a cerâmica, que aparece em Corpo abrigo em instalações, com a marca da figuração feminina, ora como suporte para seus bordados, ora levando este material à superfície da tela ou pintando a lona com o barro e o pó da terra.

A curadora Isabel Portella diz em seu texto de apresentação: “As obras de Bel Barcellos dizem muito mais do que se possa imaginar. Chegam carregadas do aprendizado e da energia de várias gerações de mulheres e formam um solo fértil de onde brotam as sementes compartilhadas. Elevam, ao surpreendente, o trabalho com as mãos, a delicadeza do bordado e da cerâmica. Pedem silêncio para que se possa mergulhar nesse rio e sabedoria para aceitar a inevitável passagem do tempo. Precisam de entendimento e desvelo para que se perceba que, por dentro, somos todos absolutamente iguais.”

 

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Explorando o volume e o ar.

11/mar

Iole de Freitas inaugura a exposição “Fazer o ar”, no Paço Imperial, Centro, Rio de Janeiro, RJ, com sua mais recente e inédita produção. Com mais de 50 anos de trajetória, Iole de Freitas continua produzindo e experimentando novos materiais. A partir do dia 15 de março, ela apresenta sua mais nova pesquisa com curadoria do poeta Eucanaã Ferraz.

A mostra terá cerca de 16 trabalhos inéditos, que exploram o volume e o ar. Obras em grandes dimensões chamadas “Mantos”, feitas com papel glassine, com tamanhos que chegam a quase 4 metros, esculturas da série inédita “Algas”, em aço inox, e a obra “Escada”, feita há dois anos, mas que ganhará uma montagem inédita na exposição. Em 2023, o Paço Imperial apresentou uma mostra com trabalhos históricos de Iole de Freitas, feitos na década de 1970; agora, esta exposição, totalmente inédita, apresenta a produção de uma das mais importantes artistas plásticas brasileiras.

Grandes volumes brancos da série “Mantos”, ocuparão as paredes e o chão das salas da exposição. Originalmente, o papel glassine é usado como embalagem para obras de arte, conservando e acondicionando-as. “É um papel que foi pensado para proteger uma obra, aqui ele não existe como um envoltório, mas como algo que, trabalhado, guarda em si a expressão de uma linguagem. Gosto de deslocar a funcionalidade das coisas, subvertendo-as: tomo a capa da coisa e faço dela substância da forma”, afirma a artista.

A pesquisa para estes trabalhos começou há cerca de quatro anos. Para realizá-los, o papel é preenchido com ar, inflando-o e criando grandes superfícies, que então recebem água, areia e cola, que vão moldando, esculpindo e estruturando o papel até formarem os Mantos. Alguns ainda ganham novos elementos, como cobre, palha e pedras gipsitas. “Iole testa em cada obra as verdades físicas de seu corpo e do material que utiliza. Basta ver para inferirmos o quanto as formas nasceram da peleja, da disputa entre o gesto e o papel. É flagrante a atuação de uma inteligência física. O papel era liso, neutro, sem corpo nem memória, sem ar, inerte, ausente. Iole soprou nele. Deu a ele o sopro da vida. O papel, agora, está vivo. Veja: ele respira”, afirma o curador Eucanaã Ferraz.

Durante o período da exposição, o grupo Laboratório 60 – formado por Bea Aragão, Bento Dias, Cecília Carvalhosa, Gil Duarte e Ísis Lua – fará uma apresentação de dança no espaço expositivo, interagindo com as obras da artista. A exposição terá um catálogo a ser lançado ao longo do período da mostra.

Sobre a artista.

Iole de Freitas (Belo Horizonte, 1945. Vive e trabalha no Rio de Janeiro) iniciou sua formação em dança contemporânea no Rio de Janeiro, para onde se mudou aos seis anos de idade. Estudou na Escola Superior de Desenho Industrial da Universidade do Estado do Rio de Janeiro e, em 1970, mudou-se para Milão (Itália), onde trabalhou como designer no Corporate Image Studio da Olivetti, sob a orientação do arquiteto Hans von Klie. Neste mesmo período, iniciou sua produção artística e sua participação em exposições. Ao longo de mais de cinco décadas de carreira, participou de importantes mostras internacionais, como Bienal dos Jovens de Paris (França, 1975), Bienal de São Paulo (1981, 1998), 5ª Bienal do Mercosul (2005) e a Documenta 12, de Kassel (Alemanha, 2007), além de individuais e coletivas em várias cidades do mundo, contando em 2023 as exposições no IMS (Instituto Moreira Salles) e no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo. Seus trabalhos integram importantes coleções, como a do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo; Museus de Arte Moderna de São Paulo e do Rio de Janeiro; Museu de Arte Contemporânea de Niterói; Museu de Belas Artes do Rio de Janeiro; Museu de Arte do Rio; Bronx Museum (EUA); Museu de Arte Contemporânea de Houston (EUA); Museu Winnipeg Art Gallery (Canadá) e Daros Foundation (Suíça).

Em cartaz até 11 de maio.

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Artista russa no Parque Glória Maria.

10/mar

Parte do projeto “Waiting Zone.Limbo” – que começou a ser desenvolvido em 2022 e passou por museus e galerias de Moscou, integrou a 60ª Bienal de Veneza e foi exibido na África (Senegal) -, a exposição da artista russa Katerina Kovaleva, “in Limbo”, ocupará o Parque Glória Maria (antigo Parque das Ruínas) em Santa Teresa, Rio de Janeiro, RJ, a partir do dia 13 de março e duração até 31 de maio.

Katerina Kovaleva idealizou instalações de grandes proporções dedicadas ao tema “espera”, com novos significados adaptados à antiga mansão da mecenas da Belle Époque carioca Laurinda Santos Lobo, que costumava reunir intelectuais e artistas. A artista dedicou alguns trabalhos recentes à individual: uma instalação confeccionada com tecido de paraquedas se inspirou na tradicional vestimenta das baianas, bem como a pintura em homenagem ao padroeiro da cidade, São Sebastião. Outras obras estabelecem a conexão entre a Europa e o Brasil, dialogando com a história do próprio casarão de Laurinda Santos Lobo, que tanto contribuiu para estabelecer esses vínculos.

Também foram trazidos para a mostra trabalhos já apresentados no exterior, como outra obra feita com tecido de paraquedas medindo nove metros, inspirada no afresco de Giovanni Battista Tiepolo (onde os quatro continentes se unem), bem como parte da instalação “The Abduction of Europe”, um vestido de noiva com seis metros de comprimento.

“A história desta casa é como uma parábola: do esplendor e luxo, passando pelo declínio, pilhagem e desolação, até uma nova vida de um espaço cultural pós-civilização que continua a atrair pessoas. Apenas as paredes da casa de Laurinda, a “princesa dos mil vestidos”, permanceram, mas guardam a memória dos eventos que aconteceram aqui. Essas testemunhas silenciosas dão a oportunidade de tocar o tempo e o espaço, com a energia especial do lugar”, afirma Katerina Kovaleva.

“Vivemos um momento em que muitas pessoas são forçadas a deixar suas casas, lugares nativos, pisando no desconhecido; a imagem de uma construção em ruínas aguardando seu destino parece especialmente relevante para mim. O Limbo, o primeiro círculo do Inferno de Dante, não é um lugar de felicidade eterna, mas também não é um lugar de tormento eterno. O paraquedas neste projeto simboliza a imagem da esperança, a imagem de um céu “portátil” que balança ao sabor do vento”, conclui.

Sobre a artista.

Nascida em Moscou, Katerina Kovaleva é uma reconhecida artista multidisciplinar. Graduada na Moscow Printing Academy em 1989, já participou de mais de 80 exposições coletivas e individuais desde 1986. Trabalhou na área de design gráfico e de interiores, concluiu uma série de trabalhos em mosaico em Moscou, Nova York e Groningen, tendo criado um grande número de objetos escultóricos. Em 2017, fez parte do “Antarctic Biennale Project”; seus trabalhos gráficos “The Antarctic Diary” foram exibidos na 57ª Bienal de Veneza. Em 2018, uma grande retrospectiva chamada “Routes of Memory” foi realizada no “Moscow Museum of Modern Art”. Autora de projetos de arte e pesquisa dedicados especificamente à conexão entre história e personalidades, que foram exibidos com sucesso em museus de São Petersburgo e Moscou entre 2021 e 2023. Também participou na 60ª Bienal de Veneza em um programa paralelo, Personal structures by EEC in Palazzo Bembo. Katerina Kovaleva participa regularmente de feiras de arte e suas obras integram coleções públicas e privadas na Rússia e no exterior.

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Exposição Casa Própria.

Mostra celebra 10 anos de trajetória de Ana Hortides com obras inéditas que investigam arquitetura e identidade popular.

O Paço Imperial apresenta de 15 de março a 11 de maio a exposição Casa Própria que marca a primeira individual da artista Ana Hortides, no Rio de Janeiro,  sua cidade natal. Com curadoria de Lucas Albuquerque, a mostra faz um panorama de sua produção ao longo de dez anos, incluindo obras inéditas que investigam a casa, explorando sua materialidade. Cimento e azulejos se fundem na sua pesquisa, que parte da arquitetura do subúrbio carioca para expandir sua visão sobre o habitar no Brasil. A produção é da Atelier Produtora.

Nascida e criada em Vila Valqueire, na Zona Oeste do Rio de Janeiro, Ana Hortides constrói sua poética artística a partir de elementos visuais característicos dos subúrbios e periferias. Em sua pesquisa, materiais comuns à construção civil popular – como cimento queimado e ladrilhos – são transformados em estruturas que tensionam a familiaridade e o estranhamento. Escadas, lajes e fachadas, referências ao saber técnico de pedreiros e trabalhadores informais, surgem em dimensões variadas, descolando-se de suas funções originais e desafiando convenções espaciais e as fronteiras entre arte, política e identidade social.

“Apresentada de maneira ampla pela primeira vez na cidade do Rio, a produção da artista propõe ao visitante o indomado silêncio do doméstico. Protuberâncias feitas em cimento e ladrilhos multiplicam-se ao longo da exposição, como um tumor que cresce desordenadamente. A cera vermelha, comum ao chão das casas de subúrbio, ergue-se feito cortina, abandonando sua dureza para tornar-se maleável. Mesmo fachadas distantes, como os raio-que-o-parta paraenses, aparecem como primos não convidados, expandindo o espaço expositivo. A casa própria, que para alguns é um objetivo de vida inegociável, aqui revela uma faceta mais inquietante“, declara Lucas Albuquerque, curador da mostra.

Além da exposição, Casa Própria oferece um seminário com a artista, o curador e pesquisadores. O evento abordará temas como arquitetura popular, arte periférica e protagonismo feminino na produção artística, e ocorrerá durante o lançamento do catálogo impresso e digital (e-book), ambos distribuídos gratuitamente. A mostra também conta com audiodescrição das obras e intérpretes de Libras na visita guiada e seminário, garantindo acessibilidade às pessoas com deficiência.

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