Conversa e visita guiada

29/abr

 

 

Nesta quarta-feira, dia 29 de abril, às 19h, a Casa França-Brasil, Centro, Rio de Janeiro, RJ, realiza uma conversa com o artista Rodrigo Braga e com a curadora Thais Rivitti, na exposição “Tombo” e no sábado, dia 2 de maio, às 16h30, o artista fará uma visita guiada para o público pela mostra.

 

Rodrigo Braga, artista destacado na cena da arte contemporânea, criou a instalação “Tombo” especialmente para o vão central da Casa França-Brasil. Ali, estão dispostas no chão mais de 15 toras de aproximadamente cinco metros de comprimento cada, segmentadas de cinco palmeiras imperiais centenárias. “Tombo” provoca uma imediata relação com as 24 colunas internas do espaço, um dos marcos neoclássicos do país, construído em 1820 pelo arquiteto francês Grandjean de Montigny (1776-1850), para ser a Praça do Comércio, em determinação de João VI. Nas salas laterais, estão uma videoinstalação com imagens do processo de corte e retirada das palmeiras, já condenadas, e referências históricas.

 

 

Sobre o artista

 

Nascido em Manaus em 1976, criado em Recife, e morador do Rio há quatro anos, Rodrigo Braga está presente em diversas exposições no Brasil e no exterior, e participou em 2012 da 30ª Bienal Internacional de São Paulo. Seu trabalho está em importantes coleções, como MAM Rio, MAM SP, e Maison Européene de La Photographie, em Paris. “Tombo”, que tem curadoria de Thais Rivitti, é a primeira exposição individual do artista no Rio.

 

 

A mostra pode ser vista até o dia 24 de maio.

Coletiva no Castelinho

27/abr

A partir do dia 12 de maio, o Centro Cultural Municipal Oduvaldo Vianna Filho – o Castelinho do Flamengo – Praia do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, será ocupado por nove artistas na exposição “Coquetel”.

 

André Renaud, Bernardo Zabalaga, Isabela Sá Roriz, Jeferson Andrade, Joana Traub Csekö, Julia Csekö, Leo Ayres, Mario Grisolli e Zé Carlos Garcia apresentarão trabalhos inéditos, concebidos especialmente para a exposição e em diálogo com a arquitetura eclética que caracteriza o espaço. “Coquetel” pretende reintroduzir este centro cultural da prefeitura do Rio de Janeiro no circuito da arte contemporânea. O local, que já foi cenário de trabalhos de artistas como Marcos Chaves, Ana Miguel, Claudia Bakker e Renato Bezerra de Melo, agora se torna palco de instalações de artistas emergentes.

 

O grupo escolhido para o projeto enfatiza a variedade de mídias e estratégias usadas na arte contemporânea – objeto, escultura, fotografia, apropriações. “Coquetel” trará para o público uma amostragem da diversidade e da maleabilidade com as quais a arte de hoje trabalha, não se intimidando diante de diferentes espaços e situações, mas criando a partir de diversos contextos e suas particularidades.

 

No térreo, Zé Carlos Garcia apresenta uma de suas esculturas aladas, sendo acompanhado na sala ao lado por André Renaud, com duas pilhas de lixo que se espelham.

 

No primeiro andar, Joana Traub Csekö revela um de seus foto-objetos, criado especialmente para o local; Isabela Sá Roriz cria móveis que se desfazem em líquido; e Bernardo Zabalaga mostra o resultado de uma de suas terapias energéticas.

 

No segundo andar, Jeferson Andrade expõe uma pesquisa feita a partir de fotos pessoais de um soldado encontradas na rua; Leo Ayres constrói um viveiro de plantas caseiras; Julia Csekö exibe uma de suas esculturas da série Híbridos; e Mario Grisolli nos provoca com uma máquina construída com o motor de um espremedor de sucos.

 

Na abertura, haverá uma ação-ritual de Bernardo Zabalaga e uma leitura performática de Jeferson Andrade..

 

A exposição contará ainda com duas conversas com curadores, críticos e artistas, nos dias 9 e 30 de junho, quando serão debatidos os temas “arte e magia” e “outros circuitos”.

 

 

De 12 de maio a 12 de julho.

Dois na Marsiaj Tempo

24/abr

Eduardo Kac  apresenta “Early Media Works” na Marsiaj Tempo Galeria, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ. Nessa exposição, o visitante poderá conferir os trabalhos inaugurais das experiências do artista em mídias da época, podendo considerar “Early Midia Works”, uma exposição que compreende um importante período histórico na carreira de Eduardo Kac. Serão apresentados 14 trabalhos em papel (desenhos feitos com máquina de escrever, xerox, prints e fax), um holograma, um painel de led, um neon, e um vídeo por telefone.

 

 

 
Trecho do texto de Bernardo Mosqueira

 
“A exposição “Early Media Works” reúne um conjunto de trabalhos de Eduardo Kac desenvolvidos entre 1980 e 1994 e reflete um momento de intensificação do interesse do artista pelas novas tecnologias, os novos meios de comunicação e a cultura que com eles emergia. Em 1982, após a famosa “Interversão” na Praia de Ipanema com ações explosivas de diversos tipos naquele que seria o clímax do Movimento de Arte Pornô, Kac foi aos poucos tendo a sensação de que aqueles trabalhos refletiam e se inscreviam em um contexto muito local, brasileiro. Depois daquele ano, entendendo que a nova cultura seria global, Eduardo foi se empenhando cada vez mais na investigação e experimentação dos meios de comunicação. Com tensão utópica semelhante à do Movimento de Arte Pornô que desejava criar um mundo mais livre, Kac passou a acreditar que o mundo poderia ser reorganizado através do uso livre das tecnologias e que isso traria uma multimidialidade fértil para as relações. Nessa exposição, as obras mais antigas apresentam ainda interesses remanescentes do Movimento de Arte Pornô e os trabalhos mais recentes investigam questões que se tornariam fundamentais para sociedade em que vivemos.”.

 

 

 

A Marsiaj Tempo Galeria abre no mesmo dia a exposição “Noir – a noite na metrópole” com FOTOGRAFIAS CINÉTICAS, clipes de vídeo, realizados entre 2012 e 2015 por Antonio Saggese. O fotógrafo vem captando situações em SP sempre com tomadas noturnas, em uma fotografia alusiva ao cinema “noir”. Tendo recebido o Prêmio Marc Ferrez de Fotografia promovido pela FUNARTE em 2014 com esse trabalho, um DVD será distribuído gratuitamente na ocasião com 64 fotos cinéticas selecionadas e apresentação de Antonio Fatorelli. A exposição contará com uma projeção principal, com imagens do DVD e 4 monitores que alternarão trabalhos (que não fazem parte do DVD), em vídeos que variam entre 1 e 7 minutos. A exposição será no anexo da Galeria.

 
Antonio Saggese vem realizando exposições nos mais renomados espaços entre Rio e SP há 4 décadas. Sua personalidade inquieta o leva a experimentar sempre novas possibilidades técnicas, trazendo para a fotografia novas abordagens para temas instigantes. Seu trabalho mais recente lida com a fotografia expandida, que nas palavras do fotógrafo significa: “uma fotografia cinética, diversa da cinematografia, em que a cena, pela rarefação ou pela recorrência, resiste ao avançar. Dilatado o corte temporal operado na fotografia, referem-se os fluxos, movimentos sem culminação dramática, bem como a imobilidade dos tempos mortos.” Sem som ambiente, câmera e enquadramentos são fixos. O tempo do evento não é alterado e não há montagem, pois a cena é, quando muito, cortada em seu princípio ou fim. O registro em branco e preto acontece já na câmera, no momento da captura, não na pós-produção.  As imagens são captadas com uma discreta câmera fotográfica portátil.

 
“As fotografias cinéticas testemunham que Saggese permanece fotógrafo, nesse momento transicional de remediação da fotografia pelo vídeo e pelas tecnologias digitais. Um fotógrafo especialmente perceptivo às singularidades do regime temporal contemporâneo – às configurações do tempo complexo, simultâneo e compartilhado em rede”. (Antonio Fatorelli)

 

 

 
Sobre o artista

 
Antonio Saggese fotógrafo e arquiteto. Nascido em São Paulo em 1950 e graduado em arquitetura pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU-USP), Mestre e Doutor em Filosofia – Estética – pela FFLCH-USP. Antônio Saggese inicia carreira como fotógrafo em 1969. Especializou-se em fotografia de móveis e design em Milão como  bolsista do governo italiano. Através da “Triennale di Milano” realiza estágios em estúdios de fotografia na área entre os quais o de Aldo e Marirosa Ballo, Gabriele Basilico e o Studio Azzurro. Assistiu a workshop do Studio Azzurro no Pallazzo Fortuny em Veneza. Trabalhou para as revistas Casa Vogue, Design & Interiores, A&D, ViverBem, Arquitetura e Construção. Sempre desenvolvendo trabalhos artísticos independentes, já expôs no MAM do Rio de Janeiro, SESC Pompéia, Pinacoteca do Estado de SP, MAM de SP, Instituto Tomie Ohtake, Galeria Tempo, entre outros espaços expositivos. Seu trabalho está presente nos acervos do Museu de Arte Moderna de SP, Museu da Imagem e do Som de SP, Museu da Fotografia em Curitiba, Coleção Pirelli/MASP, Coleção do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, além de importantes coleções particulares.

 

 

 
Abertura: 25 de abril.

No Parque Lage

Na próxima terça-feira, dia 28 de abril, a Escola de Artes Visuais do Parque Lage, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ, inaugura  a exposição “Encruzilhada”, com mais de cem obras de cerca de 70 artistas, em curadoria de Bernardo Mosqueira.

 

“Encruzilhada” inaugura o programa Curador Visitante, novo desenho do calendário de exposições da instituição, que convidou para este ano cinco curadores – Bernardo Mosqueira, Bernardo de Souza, Daniela Labra, Luisa Duarte e Marta Mestre – para realizarem exposições, que, em meio a nomes já reconhecidos no circuito, incluam também trabalhos de ao menos cinco estudantes da Escola.

 

Para acompanhar criticamente a produção desses estudantes, os cinco curadores ministram cursos na Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Bernardo Mosqueira acompanha  desde o início do ano as atividades da Escola, e escolheu o estudante Ulisses Carrilho como seu assistente na curadoria, mais sete artistas estudantes da instituição.

 

A exposição abrange trabalhos de nomes consagrados e de artistas que integrarão a Bienal de Veneza em maio como André Komatsu e Berna Reale.

 

A relação completa dos artistas presentes na exposição é: Afonso Tostes + Aderbal Ashogun, Agência Transitiva, Alexandre Mazza, Ana Linnemann, Ana Mazzei, André Komatsu, André Parente, Anna Bella Geiger, Anna Costa e Silva, Antonio Dias, Armando Queiroz, Berna Reale, Beto Shwafaty, Cao Guimarães + Rivane Neueschwander, Caroline Valansi, Carla Zaccagnini, Carlos Vergara, Chico Fernandez, Cildo Meireles, Cinthia Marcelle e Tiago Mata Machado, Cláudia Andujar, Daniel Steegmann Mangrané, Dias&Riedweg, Domingos Guimaraens, Eduardo Kac, Elisa Castro, Fyodor Pavlov-Andreevich, Grupo UM, Guga Ferraz, Gustavo Ferro, Íris Helena, Ivan Grilo, Jac Leirner, Joana Traub Csekö, Jorge Soledar, José Patrício, Laura Lima, Leandro Nerefuh, Lenora de Barros, Lucas Parente, Luiz Braga, Marcos Chaves, Maria Laet, Martha Araújo, Mauro Restiffe, Maya Dikstein, Milton Marques, Montez Magno, Nazareno Rodrigues, Odaraya Mello, Opavivará!, Paula Sampaio, Paulo Bruscky, Paulo Nazareth, Pedro Victor Brandão, Rafael RG, Rafael França (1957-1991), Raquel Versieux, Rebola, Regina Parra, Renata Lucas, Rodrigo Braga, Tiago Maladodi, Tiago Mata Machado, Tiago Rivaldo, Vivian Caccuri, Wesley Duke Lee e Waltercio Caldas.

 

 

Até 02 de junho.

Duas mostras no MAM-Rio

13/abr

O MAM- Rio, Parque do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, inaugura duas duas exposições: a primeira mostra individual do consagrado artista mexicano Damián Ortega e “Ver e ser visto”, que abordará as relações entre arte, imagem e psicanálise.

 

O artista Damián Ortega, que se divide entre a Cidade do México e Berlim, apresentará no Espaço Monumental do MAM Rio a exposição “O fim da matéria”, com uma instalação inédita em que um grande cubo de isopor de cerca de 6mx6mx6m será transformado durante o período da exposição por um grupo de escultores anônimos brasileiros, que originalmente trabalham para o carnaval. Todos os dias eles irão retirar pedaços deste cubo para fazer esculturas que, juntas, funcionarão como uma espécie de inventário da história da escultura. Dentre as obras que serão feitas em isopor estão trabalhos de artistas como Alberto Giacometti, Louise Bourgeois, Jeff Koons, Henry Moore, Ernesto Neto, Rodin, entre outros. Esta é a primeira exposição individual do artista no Rio de Janeiro, que só expôs anteriormente em uma instituição no Brasil em 2007, no Museu de Arte da Pampulha, em Belo Horizonte,MG.

 

 

Até 14 de julho.

 

 

Ver e ser Visto

 

Já a mostra “Ver e ser Visto” tem curadoria do psicanalista Guilherme Gutman e terá obras em diferentes técnicas e suportes, como pinturas, desenhos, esculturas e instalações, de cerca de 60 artistas brasileiros e estrangeiros, como Artur Barrio, Angelo Venosa, Anna Maria Maiolino, Carlos Zílio, Djanira, Gustavo Speridião, José Damasceno, Mira Schendel, Pancetti, Vieira da Silva, Waltercio Caldas, Wesley Duke Lee, entre outros.

 

Como parte da exposição, serão realizadas performances no MAM Rio.

 

No dia da abertura, às 19h, o artista Tiago Rivaldo apresentará “Horizonte de nós dois”.

 

No dia 18 de abril, às 16h, serão realizadas mais três performances: a terceira etapa da performance “Horizonte de nós dois”, chamada “Banco de Olhos”; “(Estudo para) um corpo ideal”, de Raphael Couto, e “Veste Nu”, de Daniel Toledo, Ana Hupe.

 

 

Até 19 de julho.

Ocupação Galo

08/abr

A “Ocupação Galo” será inaugurada na Galeria Pretos Novos, Gamboa, Rio de Janeiro, RJ, no dia 08 de Abril, às 18 horas, quando será realizada, pela primeira vez, uma residência artística de uma semana, na qual o artista Galvani Galo expandirá suas pinturas murais em todas as paredes da galeria. Munido de tinta e pincéis em mãos, Galo realizará um trabalho site specific com seus personagens, híbridos de animais e máquinas, que possuem articulações mecânicas detalhadas e descritas em um sofisticado complexo que reporta aos manuais técnicos de engenharia mecânica. De acordo com o curador da mostra, Marco Antonio Teobaldo, sua pintura é carregada de ironia e reflete a inquietação do artista que tem exibidos seus trabalhos nas paredes  das construções das periferias dos grandes centros, sobretudo da grande São Paulo, cidade onde trabalha e reside.

 
A exposição terá ainda alguns objetos escultóricos (Toy Art), trabalhos em acrílica sobre tela e gravuras produzidas recentemente. Na mesma ocasião será lançado o programa Amigos do IPN, com o objetivo de sensibilizar um número maior de pessoas sobre a importância da preservação do sítio arqueológico, por meio de um sistema de doações voluntárias. A coordenação geral é de Ana Maria de la Merced Guimarães dos Anjos e a produção traz a assinatura da Quimera Empreendimentos Culturais.

 
A Galeria Pretos Novos tem acolhido dentro de sua programação diversas temáticas de exposições de artes visuais, realizadas por artistas contemporâneos do Rio de Janeiro e de outras localidades. A partir de pesquisa realizada pelo curador do espaço, os artistas convidados apresentam livremente suas propostas, tendo como ponto de partida suas percepções sobre o ambiente expositivo e a importante história que ele abriga. Esta experiência tem superado expectativas e trazido excelentes resultados, que se refletem na crescente visitação que a Galeria Pretos Novos vem recebendo, desde a sua inauguração.

 

 
De 08 de abril a 23 de maio.

Graziela Pinto mostra Bios Vida

07/abr

Na mostra “BIOS VIDA”, individual de Graziela Pinto na Galeria Movimento, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ, a artista apresenta 12 trabalhos (entre telas e instalações e um vídeo), utilizando técnica mista (grafite, tinta à óleo e estêncil), fruto de sua pesquisa e dedicação à produção desta série. A artista busca uma síntese formal de elementos recorrentes em sua poética, cheia de feminilidade, e elementos que compõem a natureza. As aves, por vezes tão fielmente retratadas, são insinuadas por meticulosas penas pintadas sobre telas ou bolas de madeira, estas protegidas por estruturas emaranhadas em cobre oportunamente chamadas de “ninhos”, grande novidade da mostra, inéditos em suas exposições.

 

Esferas brancas simuladas na pintura ganham diferentes cargas simbólicas conforme o desejo da artista: parecem ora leves, frívolas e efêmeras como bolhas de sabão, ora densas e firmes como feitas de pedra ou madeira maciça. No meio termo dessas permanências, elas são a vida presente, sugerida como tatu ou como ovo que secreta nova existência. A arte é, muitas vezes, entendida como espelho que reflete o espírito do artista e seu estado de ânimo. Se é verdadeira, essa colocação esclarece a representação de abrigos como os ninhos, os ovos, a carapaça do tatu ou as cascas que protegem as sementes dos frutos no momento em que Graziela, grávida, aguarda a chegada de seu segundo filho.

 

 

De 16 de abril a 20 de maio.

Polípticos de Bruno Veiga

31/mar

A nova exposição individual de Bruno Veiga, “Polípticos”, acontece na Galeria da Gávea, Rio de Janeiro, RJ, traz uma reflexão sobre Brasil contemporâneo e texto de apresentação de Iatã Cannabrava. Desdobramento de um processo de observação que começou nas eleições de 2014, a exposição é composta por fragmentos de imagens dos candidatos com as quais cidadãos cariocas foram obrigados a conviver diariamente durante o período eleitoral do ano passado. Nos banners pelas ruas, os retratos mostravam olhares e sorrisos muito semelhantes, uma consequência direta da supremacia da estratégia publicitária sobre diferenças políticas. Os cartazes eram muito parecidos e, ao mesmo tempo, tão distantes quando registrados em macrofotografia, técnica usada pelo fotógrafo neste trabalho.

 

Segundo Bruno Veiga, uma das ideias da exposição é chamar atenção para os detalhes que o olho humano não vê, como as retículas que formam a impressão de uma imagem digital. “É importante não ignorar o fator político. Faço uma reflexão sobre a tendência, desde a queda do Muro de Berlim, da convergência das práticas dos partidos da centro-direita até a centro-esquerda e o consequente aumento da percepção pelo cidadão de que ‘os políticos são todos iguais’, ponto de vista com o qual eu não concordo. Optei então por discutir essa realidade por meio de jogos de profundidade e da plasticidade, um caminho mais subjetivo”.

 

 

Sobre o artista

 

Bruno Veiga tem 13 individuais no currículo, entre elas Paisagem Blindada (2013, Galeria da Gávea, Rio de Janeiro), Território Suburbano (2013, Parque das Ruínas, Rio de Janeiro), Garagem Hermética (2013, FotoRio, Centro Municipal de Arte Helio Oiticica, Rio de Janeiro) e Pedras Portuguesas (2010, Galeria da Gávea, Rio de Janeiro), para citar as mais recentes. Sua trajetória como fotógrafo começou nos anos 80, com trabalhos para os jornais O Globo e Jornal do Brasil, e seguiu nos anos 90 na Agência Tyba, como freelancer. Já em 1995, abriu a Strana Agência Fotográfica. Suas obras podem ser encontradas em coleções do Brasil e exterior, como a Maison Européene de la Photographie, de Paris, o Instituto Itaú Cultural, de São Paulo e no MAM-RJ.

 

 

Até 15 de maio.

Rodrigo Braga – Tombo

Radicado no Rio há quatro anos, artista conhecido por sua pesquisa sobre a relação entre homem e natureza, Rodrigo Braga, faz instalação com troncos de palmeiras imperiais na Casa França-Brasil, Centro, Rio de Janeiro, RJ, através da exposição “Tombo”, nome do site specific do jovem artista da cena de arte contemporânea.

 
Rodrigo Braga criou a instalação “Tombo” especialmente para o vão central da Casa França-Brasil. Ali, estarão dispostas no chão mais de 15 toras de aproximadamente cinco metros de comprimento cada, segmentadas de cinco palmeiras imperiais centenárias. “Tombo” provoca uma imediata relação com as 24 colunas internas do espaço, um dos marcos neoclássicos do país, construído em 1820 pelo arquiteto francês Grandjean de Montigny (1776-1850), para ser a Praça do Comércio, em determinação de D. João VI.

 
A curadora Thais Rivitti observa que “as toras de árvore caídas, dispersas pelo espaço desordenadamente, e as colunas do prédio, construídas de forma regular e ritmada, criam entre si uma série de relações de aproximação e de distanciamento que se desdobram em vários sentidos”.  “Em primeiro lugar, o trabalho recoloca em discussão o par ‘natureza e cultura’: a natureza aparece nas palmeiras em seu estado bruto, e a cultura na arquitetura neoclássica da qual as colunas são parte importante”.

 
Ela lembra que foi justamente João VI, chegado ao Rio em 1808, quem plantou no recém-inaugurado Horto Real, atual Jardim Botânico, o primeiro exemplar da palmeira Roystonea oleracea, por isso batizada de imperial. As sementes, nativas do Caribe, chegaram às mãos do Rei trazidas das Ilhas Maurício, então colônia francesa no Oceano Índico. Na época buscava-se adaptar ao Brasil espécies estrangeiras. Da mesma forma que a palmeira, as colunas da Casa França-Brasil também representam esta tentativa de “aclimatação”. “Revestidas por uma pintura que imita mármore, mostrando o caráter problemático e postiço da importação de estilos e modos de vida, as colunas da Casa França-Brasil revelam ao visitante as adaptações do neoclássico no país”, explica.

 

 
Ruínas e transformação

 
Uma das salas laterais da Casa França-Brasil será ocupada por uma videoinstalação com imagens do processo de corte e retirada das palmeiras, já condenadas, no Horto, zona sul do Rio. Rodrigo Braga comenta que o título da exposição remete “ao desastre, ao tombo pela ruína ou pelo envelhecimento”. “Esta relação de perda, de envelhecimento, de queda, ou de derrubada deliberada pelo homem, de certa forma se relaciona com meus trabalhos anteriores, em que há este limite de tensão entre o que é a força da natureza e a força do homem, essa quebra de braço entre o que o homem é capaz de fazer com a natureza e de como a natureza é capaz de reagir”. “Mas também se relaciona com mudança, transformação, ciclo natural, de fim e recomeço”, diz. “Gosto de ver esta dimensão especulativa do trabalho, da imaginação das pessoas, qual leitura vão ter”.

 

Na outra sala lateral estarão referências históricas, como plantas arquitetônicas da antiga Praça do Comércio, desenhos de botânica, relatos de viajantes, e crônicas da época, como a do escritor francês Charles Ribeyrolles que, em 1858, descreve as palmeiras imperiais do Jardim Botânico “como uma sala em um palácio, como se fossem colunas elegantes, fazendo esta relação entre palmeira e arquitetura”.

 

 
Sobre o artista

 
Nascido em Manaus em 1976, Rodrigo Braga logo mudou-se para Recife, onde graduou-se em Artes Plásticas pela UFPE (2002). Atualmente vive no Rio de Janeiro. Expõe com regularidade desde 1999 e em 2012 participou da 30ª Bienal Internacional de São Paulo. Em 2009 recebe Prêmio Marcantonio Vilaça – Funarte/MinC; em 2010 o Prêmio Marc Ferrez de Fotografia, em 2012 o Prêmio Pipa/MAM-RJ Voto Popular e em 2013 o Prêmio MASP Talento Emergente. Possui obras em acervos particulares e institucionais no Brasil e no exterior, como MAM-SP, MAM-RJ e Maison Européene de La Photographie, Paris.

 

 
Visita guiada e conversa aberta

 
No dia 29 de abril de 2015, às 19h, será realizada na Casa França-Brasil uma conversa aberta com o artista Rodrigo Braga e a curadora Thais Rivitti. No dia 2 de maio, às 16h30, o artista Rodrigo Braga fará uma visita guiada para o público.

 

 
De 1º de abril a 24 de maio.

No Centro de Artes Hélio Oiticica

O Centro de Artes Hélio Oiticica, Centro, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição panorâmica “Osmar Dillon – não objetos poéticos”, composta de objetos, desenhos e documentos do artista Osmar Dillon produzidos entre 1959 e 1972. A curadoria é de Izabela Pucu com a colaboração do pintor Roberto Feitosa.

 

 
Revisão histórica

 
O Centro de Artes Hélio Oiticica apresenta uma singela exposição do arquiteto, artista e poeta Osmar Dillon (Belém, 1930-RJ, 2013), cuja obra integrava poesia e pintura resultando em trabalhos categorizados como livros-poemas e não objetos verbais. Vivendo no Rio na época da eclosão do Neoconcretismo, participou das Exposições de Arte Neoconcreta de 1960 e 1961, fundamentais para os posteriores desenvolvimentos artísticos brasileiros.

 
Embora tenha se ligado ao movimento e estado presente nestes eventos, Osmar Dillon, que parece ter sido um homem discreto, não alcançou a mesma notoriedade dos colegas Lygia Clark, Lygia Pape e Hélio Oiticica, ou Ferreira Gullar, cuja obra poética-plástica veio acompanhada de um discurso conceitual sofisticado que gerou a “Teoria do não objeto” (1960).

 
Esta exposição procura contribuir para o reposicionamento da obra de Dillon na história da arte brasileira do século XX, apoiando-se em uma pesquisa correta e reunindo trabalhos e projetos executados entre 1960-73, sendo alguns praticamente inéditos. Como aponta a curadora Izabela Pucu, as obras reunidas mostram o interesse de Dillon na relação entre palavra e visualidade. A curadoria, construída em parceria com o companheiro de vida do artista, Roberto Feitosa, dá ao conjunto um ar sutilmente amoroso e despojado, evidenciado logo no início do percurso com uma carta de Feitosa sobre/para Dillon, datilografada em papel amarelado e emoldurada. Ali ficamos sabendo que o artista era um homem muito criativo, de bons amigos e reservado, desinteressado em self-marketing e networking — o que explicaria de certo modo a pouca visibilidade que sua obra recebeu nas últimas décadas.

 
A exposição, que é curta, tem trabalhos formalmente curiosos, agradáveis e bem literais no sentido de se quererem entender como literatura, imagem e desenho. Dillon, formado em arquitetura em 1954, testemunhou o desenvolvimento da arte concreta e do design no Brasil, e tais referências são marcantes no conjunto de não objetos e livro-poemas selecionados.

 

 
A FRUIÇÃO DO TOQUE

 
Fica claro que estas obras tridimensionais feitas em madeira, papel, ferro, espelho ou acrílico, participativas ou não, expressam imagens que se completam pela matéria e sua forma, em uma pesquisa artística consonante com discursos da arte dos anos 1960-70. Bons exemplos são a escultura-poema-objeto “Arte e Sopro” (1960-1961) e o totem “Boca-Eco/Sexo-Ovo” (1970). É possível tocar em vários dos trabalhos, com e sem a orientação de um monitor, sendo essencial para a fruição dos livros-poema especialmente.

 
A mostra termina em uma sala grande com alguns desenhos e uma tela da série Devorantes, de 1969, todos de inspiração surrealistas, que não chegam a despertar grande interesse por aparentarem ser uma amostra muito pequena do que foi uma grande pesquisa do artista. Neste espaço também se encontram os desenhos/projetos da série “Estudo para um Monumento Vivencial I, II e III” (1961-1970) que dialogam de modo complexo com o horizonte e a arquitetura da recém inaugurada Brasília. Em uma parede, documentos e artigos de jornal ajudam a contar a trajetória de Dillon entre os anos 1960-70, assim como um pouco do cenário da arte de vanguarda do período.

 
Ao lado desses registros, quinze poemas do artista, datilografados em papel amarelado e emoldurados, encerram o percurso de modo tocante. São composições muito simples e ritmadas, que de certa maneira concentram o pensamento que dá corpo aos trabalhos tridimensionais. Finda a visita fica a sensação de que Osmar Dillon ainda tem muito para ser estudado e exibido, sendo este só um primeiro passo, pequeno e importante, para uma revisão mais ampla de sua obra poética.
Fonte/texto: Daniela Labra/O Globo/Rio Show.

 

 
Até 23 de maio.