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CCBB-Rio – Coleção Ludwig

30/abr

Abrindo as comemorações dos 25 anos do Centro Cultural Banco do Brasil Rio de Janeiro, a Instituição inaugura uma de suas principais exposições do primeiro semestre de 2014: “Visões na Coleção Ludwig”, que apresenta 64 obras de uma das mais importantes coleções particulares de arte no mundo, a mais importante da Europa.

 

 
Com curadoria de Evgenia Petrova, Joseph Kiblitsky (ambos representantes do Museu Ludwig no Museu Estatal Russo de São Petersburgo) e co-curadoria de Ania Rodríguez, a mostra oferece ao público a chance de ver de perto, obras de diferentes períodos estéticos, assinadas por artistas como Picasso, Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Roy Lichtenstein, Gerard Richter, Claes Oldenburg, Jasper Johns, Jeff Koons entre outros.

 

As obras são da coleção reunida pelo empresário alemão Peter Ludwig (1925-1996), considerado um dos patronos das artes em seu país. A coleção de Ludwig totaliza aproximadamente 20 mil peças, distribuídas em 12 Museus Ludwig, presentes em países como Alemanha, Suíça, Hungria, Rússia, Áustria e China.

 

“Ao centrar na Coleção Ludwig, a exposição joga luz na figura do colecionador como um agente que intervém na produção cultural, ressaltando assim a sua importância. Pioneiro e com um olhar sempre atento à produção contemporânea, Peter Ludwig foi o primeiro colecionador alemão a visualizar o potencial da pop art e ficou famoso por comprar trabalhos de Roy Lichtenstein e Jasper Johns, que atualmente alcançam valores expressivos por conta da sua relevância artística”, explica Joseph Kiblitsky.

 

Ania Rodríguez ressalta que “por meio dos trabalhos expostos, os visitantes poderão mapear as coordenadas geográficas das viagens que o colecionador fazia por várias partes do mundo em busca de obras de arte, bem como refletir sobre os contextos estéticos que em muitas ocasiões marcaram suas épocas dentro da história da arte”.

 

 

A exposição

 

O percurso da exposição tem início logo na rotunda do CCBB – RJ, onde o espectador se depara com a monumental obra Cabeça de criança (1991), de Gottfried Helnwein – medindo seis metros de altura.

 

As salas do 2º andar ambientam obras de ícones da pop art como Andy Warhol (Retrato de Peter Ludwig, 1980), Roy Lichtenstein (Ruinas, 1965), Tom Wesselmann (Desenho em aço com frutas, flores e Monica, 1986), Claes Oldenburg (Banana-splits e sorvetes em degustação, 1964), Jeff Koons (Querubins, 1991) entre outros. O espaço também acolhe a obra de Pablo Picasso (Cabeças grandes, 1969) que, apesar de não pertencer diretamente ao movimento da arte pop, representa o início do interesse de Peter Ludwig pela arte do seu tempo.

 

A mostra oferece oportunidades únicas aos visitantes como a tela de 1984 (Sem Título) parceria entre Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat, um dos principais nomes da história do graffiti.

 

Outras 28 obras compõem outro segmento da mostra, com destaque para o hiperrealismo, representado pelos trabalhos Tamareiras (Robert Bechtle, 1971), Lanchonete de Unadilla (Ralph Goings, 1977) e pelos 48 retratos de Gerhard Richter (1972). O neoexpressionismo alemão, movimento que resgatou a pintura como meio de expressão a partir da década de 80, também é representado nesta exposição por nomes como Georg Baselitz, Markus Lüpertz e Anselm Kiefer.

 

Os visitantes podem ainda, conhecer obras produzidas em diversos contextos geopolíticos que atraíram o olhar de Peter e Irene Ludwig na medida em que as fronteiras da coleção avançavam. Artistas contemporâneos como o russo Vladimir Yankilevsky (Tríptico Nº 14 Autorretrato, 1987), e o grego Pavlos (Guarda-roupa IV, 1968) são alguns dos nomes expostos neste segmento.

 

 

PETER LUDWIG (1925-1996)

 

 

 

Peter Ludwig estudou história da arte, arqueologia, história e filosofia em Mainz (Alemanha). Em 1951, casou-se com Irene Monheim (filha de um dos alemães mais influentes na indústria do chocolate), com quem compartilhava o interesse pelas artes. Na mesma época tornou-se diretor na empresa Monheim Schokolade, ao mesmo tempo em que começou a se dedicar à sua coleção de arte ao lado da esposa.

 

Tornou-se um nome importante no cenário das artes quando passou a adquirir obras que faziam parte do movimento conhecido como pop art. A partir dos anos 70, suas atividades como colecionador aumentaram ao ponto de adquirir ao menos uma obra por dia. Sua vasta coleção, porém, não decorava apenas a sua casa e escritórios, tendo sido emprestada a vários museus pela Alemanha. Em muitos casos, o empréstimo acabou tornando-se uma doação permanente, fazendo com que muitos espaços passassem a ter o nome de Ludwig, em reconhecimento a sua generosidade.

 

É tido como o primeiro colecionador na Europa a reconhecer o valor da pop art americana, ressaltando desta maneira o seu olhar visionário e pioneiro. Atualmente suas coleções são distribuídas em museus de diversos países.

 

 

 

De 07 de maio a 21 de julho.

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Alexandre Mury: “Eu sou a Pintura”

Alexandre Mury, artista conhecido pelos seus irreverentes autorretratos, apresentará ao público 12 trabalhos inéditos em sua primeira exposição individual na Galeria Athena Contemporânea, Shopping Cassino Atlântico, Rio de Janeiro, RJ, com curadoria de Elisa Byington. A partir de releituras de ícones da pintura, escultura, cinema, literatura e outras referências da cultura universal, usando a fotografia como suporte, Mury encanta com seus personagens de caráter performáticos, dirigindo e produzindo todo o processo. “A proposta dos trabalhos desta mostra, intitulada Eu sou a Pintura, é um deslocamento de significados no tempo e no espaço, inspirado nas variadas possibilidades de perceber as cores, de uma forma divertida e intrigante”, avalia o artista, que costuma dizer que se multiplica em vários “eus” em seus trabalhos.

 

 
Cada trabalho tem um enigmático jogo de referências que podem revelar surpreendentes conexões de ideias. “Para a nova série de trabalhos, Mury decide se imergir na cor, entregando-se com rigor à limitação monocromática. Em poucos anos, o artista marcou para si um lugar singular e inconfundível no panorama das artes, jogando com a transgressão aos códigos sociais e o desafio à solenidade repressora dos cânones culturais. Adotou no seu trabalho um léxico de elementos corriqueiros, prosaicos e jocosos, com os quais compôs uma linguagem própria que flerta com o kitsch, abusa do nomadismo identitário que caracterizou a cultura Pop e aposta na liberdade fecunda e regeneradora da arte”, afirma Elisa.

 

A maior característica desta série de trabalhos é o foco na cor. “Por serem quase monocromáticos o efeito é praticamente uma camuflagem, onde não só aspectos plásticos são mimetizados mas toda uma provocação com ambiguidades de paradoxos que exigem um olhar atento para cada obra”, avalia Mury.

 

Suas fotografias estão em diversas situações, cenários e personagens de maneira humorada, irônica, debochada e bastante crítica, sempre reinventando o icônico e o pictórico com uma identidade muito improvisada. Entre os destaques desta mostra estão os trabalhos inspirados nas obras Arranjo em cinza e preto, no. 1 (James Whistler), A escala em amarelo (Frantisek Kupka), O bebedor de absinto (fase azul de Pablo Picasso) e Pallas Athena (fase dourada de Gustav Klimt).

 

 

Sobre o artista:

 

Nascido no estado do Rio de Janeiro, e formado em Comunicação Social, desde criança é um artista por devoção, sempre pintando e desenhando. A fotografia como expressão vem legitimá-lo como artista a partir do momento em que começa expor seus trabalhos em galerias e centros institucionais e a ter suas primeiras obras na coleção de renomados colecionadores brasileiros como a de Joaquim Paiva e Gilberto Chateaubriand. Através da livre interpretação recontextualizada, lúdica e intrigante faz ressignificar célebres criações eternizadas e repensar os clássicos. O improviso e a visão alegórica remetem a um contexto contemporâneo mundial de reciclagens e releituras. O caráter performático, a auto-direção, a escolha e produção de figurinos e cenários reafirma a consistência, o estilo e a originalidade do artista no conjunto da obra.

 

 
De 16 de maio a 14 de junho

 

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Zerbini na Casa Daros

25/abr

A Casa Daros apresenta para o público a partir de 26 de abril de 2014 a exposição “Luiz Zerbini – Pinturas”, com curadoria de Hans-Michael Herzog, que reúne dezenove obras do destacado artista nascido em São Paulo, em 1959, e radicado no Rio de Janeiro. A quase totalidade dos trabalhos é inédita e pertence ao acervo do próprio artista, como as quatro pinturas recentes – em acrílica sobre tela, e em formato que chega a 2m x 3m – “Quadrado Maior, de 2013, “Hipermetrópico”, “Favela” e “Erosão”, de 2014.

 

O público poderá ver obras antigas, como “Peixes”, só vista no ano de sua criação, em 1996 – uma escultura com pintura composta por uma caixa de isopor, resina e tinta –, e duas “Sem título”, de 1999, uma monotipia e uma pintura de acrílica sobre papel.

 

Duas pinturas apenas vistas no exterior, como “Pedra Punk (2012) e “Medusa” (2011), pertencentes a coleções particulares, também estarão na exposição.

 

Estarão ainda na exposição desenhos, um conjunto de dez trabalhos da série “Copicsketch” (2011), em caneta sobre papel, dois feitos com cartas de baralho, de 2009, e três da série com slides, de 2009.

 

Da mesma forma que na exposição de Fabian Marcaccio há uma sala chamada Painting lab (laboratório de pintura), onde o artista revela seu “repertório”, Luiz Zerbini também mostrará uma versão inédita da instalação “Natureza espiritual da realidade” (2012), feita especialmente para a exposição, formada por uma mesa de cerca de dez metros de extensão, contendo elementos de seu cotidiano, com uma coleção de objetos que funcionam como ponto de partida de seu trabalho.

 

“Meu trabalho tem a ver com esse tempo suspenso e com a memória. Não a memória de fatos e acontecimentos cotidianos, que quase nunca consigo lembrar, mas uma espécie de memória visual, afetiva, que fica guardada num canto, num outro espaço que é muito presente… É como se fosse uma reorganização das minhas lembranças. As coisas que eu faço são impregnadas dessa memória”, afirma Luiz Zerbini.

 

A exposição integra a temporada dedicada à pintura, aberta por “Fabian Marcaccio – Paintant Stories”, que irá até 10 de agosto. Após a mostra de Luiz Zerbini, Casa Daros apresentará “Guillermo Kuitca + Eduardo Berliner – Pinturas”, de 30 de maio a 29 de junho, e “Vânia Mignone + René Francisco Rodríguez – Pinturas”, de 4 de julho a 10 de agosto de 2014.

 

O que está por trás da pintura

 

Hans-Michael Herzog, curador e diretor da Coleção Daros Latinamerica, sediada em Zurique, Suíça, conta que ao pesquisar a pintura atual no Brasil, e em qual artista brasileiro poderia fazer um diálogo mais direto com a obra “Paintant Stories”, de Marcaccio, pensou imediatamente em Zerbini. Apesar de ressaltar a individualidade de cada um, com pesquisas distintas, ele diz que é possível ver algo em comum, já que ambos buscam saber “o que é a pintura, o que está por trás da pintura”.  “Zerbini desenvolve dois grandes caminhos – um mais racional, ordenado, regular, e outro emocional – resultando em dois tipos de pintura ao mesmo tempo”, afirma. Ressaltando que não o considera um surrealista, o curador diz que ele “joga com essas ferramentas”, ao trazer “visões de paisagens não conhecidas, invenções, a exuberância tropical, a vegetação, e nisso tem algo a ver com Marcaccio”. Hans-Michael Herzog chama a atenção também para o aspecto lúdico do artista, evidenciado na obra “Peixes”.

 

 

Programa Diálogos: Luiz Zerbini

 

No dia 26 de abril de 2014, às 17h, no auditório da Casa Daros, o artista Luiz Zerbini falará sobre sua trajetória em conversa aberta ao público, com a participação de Hans-Michael Herzog. A entrada é gratuita, com retirada de senhas na recepção uma hora antes.

 

 

Sobre o artista

 

Luiz Zerbini nasceu em São Paulo, em 1959. Vive e trabalha no Rio de Janeiro. É um dos artistas que despontaram na década de 1980 e chega à maturidade explorando praticamente todos os aspectos da arte contemporânea. Desde o trabalho individual como pintor, até o coletivo no grupo Chelpa Ferro, desenvolve sua linguagem na utilização diversificada de mídias como vídeo, escultura, fotografia, música, desenho, pintura, arte gráfica, ambientes e instalações. A obra de Zerbini é considerada pelos críticos uma referência na arte brasileira.

 

Dentre as principais exposições individuais que realizou destacam-se as mostras “Amor lugar comum”, em Inhotim, Brumadinho, Minas, e “Papagaio do Futuro”, na Max Wigram Gallery, Londres, ambas em 2013; “Amor”, no MAM Rio, em 2012; “Every Jetsonhas a Flintstone Inside”, na Max Wigram Gallery, em Londres, em 2011; “Ele vê o que ele sabe”,no Galpão Fortes Vilaça, em São Paulo, em 2010; “Ruído”, na Casa de Cultura Laura Alvim, Rio de Janeiro, em 2009; “paisagem natureza morta retrato”, no Centro Universitário Maria Antonia, em São Paulo, em 2008; “Do Corpo à Paisagem”, no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, em 2006; as mostras na Galeria Filomena Soares, em Lisboa, Portugal, em 2005; na Galeria Rabouan Moussion, em Paris, França, em 2001; as mostras no Paço Imperial, Rio de Janeiro, em 1998 e 1996; a exposição no Museu de Arte Moderna da Bahia, em Salvador, em 1995, dentre outras.

 

 

De 25 de abril a 25 de maio.  

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Arte investimento, a palestra

23/abr

O artista, curador e consultor de arte para coleções privadas e corporativas Franz Manata vai falar sobre “Arte como Investimento”, no ciclo de palestras da parceria do CasaShopping e a Casa do Saber Rio, no dia 29 de abril, às 19h. O encontro é destinado àqueles que buscam conhecer o funcionamento do mercado de arte e do colecionismo para fins de investimento. O participante ficará sabendo o que confere valor a uma obra de arte. Como o mercado dita o valor de uma obra de arte com base no público a que se destina. O evento irá
abordar o mercado global em que a arte contemporânea está inserida, galerias, espaços institucionais, suas regras, particularidades, o papel das grandes exposições e
dos curadores e o local do artista frente a tudo isso. Além de explicar como funciona o mercado de arte e quais os seus agentes. As inscrições são realizadas pelo site do CasaShopping. Mais informações pelo telefone (21) 2429-8000. Local: Espaço Casa – Bloco K, Cobertura, Av. Ayrton Senna, 2.150, Barra da Tijuca, Rio de Janeiro, RJ.

 

 

Sobre o artista-palestrante

 

FRANZ MANATA. Artista, curador e consultor de arte para coleções privadas e corporativas. É professor da Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV), no Rio de Janeiro, e mestre em Linguagens Visuais pela EBA-UFRJ. Tem formação em Economia com especialização em Sociologia e Administração Financeira pela PUC-Minas.

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Fotografias de Renan Cepeda

09/abr

A Galeria Tempo, Copacabana (ao lado do Copacabana Palace Hotel), Rio de Janeiro, RJ, exibirá paisagens do Rio de Janeiro, através de “Wave”, exposição individual de Renan Cepeda. O artista é considerado um dos grandes nomes da fotografia brasileira contemporânea e apresentará nove imagens em grandes formatos.A exposição traz um extrato da nova experiência de Renan Cepeda com a fotografia infravermelha obtida por câmera digital. Algumas fotografias digitais, mais recentes, em que o autor teve que fazer opção de cores no computador. Como este tipo de luz é invisível obviamente não possui cor. É quando a fotografia digital realizada por uma câmera modificada em laboratório deixa a critério do fotógrafo a escolha da matiz de cada imagem, multiplicando suas possibilidades criativas. O livro “Rio Infravermelho”, lançado pelo artista há quatro meses, pela editora Casa da Palavra foi também um fator motivador para esta exposição que exibirá algumas imagens que não foram publicadas na apurada edição.

 

 

A palavra do artista

 

“Considero o Rio de Janeiro uma cidade feia encravada num dos mais belos sítios do Mundo. As paisagens tomadas de longe, a partir das montanhas, do mar ou da outra margem da baía, contrastam radicalmente com a visão de quem está ao pés de um prédio em Copacabana (que deve ter sido a mais linda praia do planeta até um século atrás), ou no fluxo de algum engarrafamento na Paulo de Frontin.  Nos incomoda nesta cidade a total falta de personalidade arquitetônica e a trágica ausência de planejamento urbano. Desde sua fundação foi porto das riquezas arrastadas do interior profundo do Brasil, e desta maneira o caráter de seu povo foi forjado pela violência e leviandade de oportunistas e aventureiros que não tinham compromisso nenhum com a terra. Este espírito ainda está em voga por aqui, como uma herança maldita de exploradores, colonizadores e desterrados.  E é, por outro lado, tão grande a beleza e a generosidade da natureza que jamais nos forçou para uma postura mais moderada e racional com nosso espaço, ao contrário: é como se ainda houvesse muito a ser explorado e arrancado de suas florestas e rios e os primeiros a chegarem serão os beneficiados, enquanto que aqueles que clamam por preservá-los ficam de ingênuos e sonhadores. É preciso dizer que o carioca está para o Rio, neste sentido, como está o brasileiro para seu riquíssimo e vasto país. Em mais um aspecto o povo da Guanabara é caixa de ressonância da mentalidade dos de Pindorama.  Imaginem se as considerações de D. João VI vigorassem: de Botafogo para oeste, todo o litoral seria um parque protegido… porque não restaurar este sonho?

 

“Decidi separar a cidade de seu panorama natural. Sem manipular as imagens, princípio que mantenho em todos os meus trabalhos como fotógrafo, o filme infravermelho camufla o concreto sobre as bordas das montanhas e pedras. Quando isso não é possível, recorro ao filme infravermelho colorido (que também não se fabrica mais), que interpreta como vermelho as matas luxuriantes das florestas, relegando a uma massa branca a cidade que macula a paisagem. Não poderia haver melhor recurso para isso, sem falar na magia em se registrar algo que não se vê  a olho nú e que o fotógrafo, em sua razão de existir, descortina para seu público. Um pequeno orgulho que tenho de minha profissão”.

 

 

Um recorte do depoimento de Arthur Dapieve

 

“A ideia de viver num paraíso perdido marca o imaginário dos habitantes do Rio mais do que o de qualquer outro brasileiro graças à espetacular paisagem natural de sua cidade. Entre seus habitantes, sobrevive um sentimento que se assemelha a uma imaginária memória coletiva: o de que a cidade era ainda mais bela, e decerto bem mais pura, antes que a ação do homem, ao menos a ação do homem branco, lhe oferecesse a maçã do pecado, que os seres humanos começassem a se reproduzir sem controle, e que construções começassem a ser erguidas sem ordenamento algum. Este, claro, é um sentimento paradoxal: a cidade seria melhor quando ainda não existia cidade. Portanto, os cariocas vivem sobre os escombros desse paraíso, nostálgicos de alguma data antes de 1555, ano da fundação do primeiro forte francês numa ilha da Baía de Guanabara, dez anos antes da fundação oficial da cidade pelo português Estácio de Sá. Assim sendo, além do banho de mar e do jogging no calçadão, há um exercício bastante familiar ao morador do Rio. Consiste em contemplar a paisagem e limpá-la das interferências humanas numa espécie de Photoshop mental. Saem o Cristo Redentor do alto do Corcovado, as antenas de TV do Sumaré, os bondinhos do Pão de Açúcar, o caos arquitetônico do paredão de prédios à beira-mar, as favelas perigosamente encarapitadas nos morros, o trânsito infernal, a massa de gente a vagar pelas ruas. Sobra tão somente a cidade ideal, ou melhor, sobra a natureza exuberante que é o seu traço distintivo entre as metrópoles do mundo. Nenhuma delas – nem sua “gêmea” do outro lado do Atlântico Sul, a Cidade do Cabo – tem aquelas montanhas e toda uma floresta dentro de si. Mesmo a Floresta da Tijuca, porém, faz parte do esforço de recuperar parte daquele paraíso terreal: ela nasceu de um projeto de reflorestamento empreendido à época do imperador D. Pedro II pelo major Manoel Gomes Archer. O desmatamento causado pelas fazendas de café que cobriam quase todas as encostas da região ameaçava o suprimento de água para a então capital do Brasil.”

 

“O fotógrafo Renan Cepeda – carioca nascido em 1966, em um dos bairros mais tradicionais da cidade, Santa Teresa, onde ainda reside – faz mais ou menos o que o heroico major fez na Floresta da Tijuca e o que cada um dos seus conterrâneos faz quase todo dia, andando na rua ou da janela de um carro preso num engarrafamento. Graças a registros feitos em infravermelho, ele “refloresta” áreas para sempre perdidas à cidade, além de fixar imagens que de outro modo se perderiam em devaneios individuais. Nesse sentido, o presente livro é como uma viagem no tempo. Por conta do efeito criado pelo reflexo da luz infravermelha em áreas do Rio hoje ocupadas por prédios ou barracos, as construções surgem como ruínas de uma civilização perdida. Difícil dizer, porém, se Cepeda retrocede ou avança, se ele flagra um Rio arqueológico ou se ele antecipa um Rio apocalíptico, depois que seus despojos forem engolfados pela natureza vigilante. Para o próprio Cepeda, a fotografia infravermelha foi uma tábua de salvação. Tendo feito um registro “normal” e casual de uma manifestação de moradores em Copacabana, no final dos anos 1980, ele foi levado para o Jornal do Brasil – então um dos quatro periódicos mais importantes do país – por Carlos Hungria. Lá, Cepeda se profissionalizou na dureza e na diversidade das pautas diárias e na convivência com colegas experientes, como o próprio Hungria, Orlando Brito, Geraldo Viola, Alberto Ferreira, Evandro Teixeira e Chiquito Chaves. Sua técnica se aprimorou no trabalho como repórter fotográfico, para o qual uma jornada poderia incluir partida de futebol, vítimas de chacina e retrato de artista. No entanto, faltava algo para Cepeda, faltava a possibilidade de se expressar de maneira autoral. Ele não queria ser apenas “mais um” e passou a nutrir uma certa ojeriza pela fotografia que se contenta em reproduzir algo que já está à vista de todos. Não que desejasse manipular imagens, alterando-as após a captação, como hoje também é tão comum. De jeito nenhum. A influência do fotojornalismo persistia. Cepeda queria era revelar aspectos ocultos em seus objetos”.

 

“Filmes em infravermelho deixados por seu pai – um fotógrafo amador que tinha um laboratório em casa – serviram para dar vazão a esse desejo de imprimir uma marca distinta ao próprio trabalho. Cepeda utilizou as horas vagas, que em um jornal nunca são muitas, para começar a registrar uma das cidades mais fotografadas do mundo sob uma outra luz. Literalmente. A infravermelha. Nunca mais parou, embora, a princípio, ainda não soubesse direito qual o propósito. A crise vocacional se agravou no decorrer dos anos 1990. O jornalismo já não lhe dizia nada, e por pouco Cepeda não desistiu da fotografia em prol do cinema depois de ser correspondente da agência francesa Sipa-Presse na cidade. Então, em 2002, quando a galerista Anita Schwartz convidou-o a montar a primeira exposição individual, Cepeda lançou mão das fotos infravermelhas. O sucesso da mostra Invisíveis provou-lhe que o seu lado B poderia se transformar no seu lado A. A partir dali, ele percebeu que conseguiria viver da fotografia de arte. Embora paralelamente tenha desenvolvido outras linhas de trabalho, como o light painting, na qual a iluminação manual e/ou o movimento de câmera criam desenhos de luz, Cepeda desde então transformou as fotografias infravermelhas em sua marca registrada. A fotografia infravermelha permite a Cepeda revelar, mesmo ao mais observador dos cariocas, aspectos desconhecidos de sua cidade, além de materializar aquela visão paradisíaca. Não se trata, porém, apenas de uma questão físico-química. O que realmente valoriza o seu trabalho é como escolhe os ângulos que, aliados à luz tornada visível pela fotografia infravermelha, criam estranheza onde antes havia apenas uma familiaridadeblasée. Pegue-se uma fotografia da pista de atletismo na altura de um dos extremos do Parque do Flamengo, próximo de onde fica o pequeno obelisco em memória de Estácio de Sá, fundador da cidade. O monumento não aparece na foto, encoberto que está pelos ipês-rosas (que fazem pensar na temporada de floração das cerejeiras no Japão). A coloração e a ausência de gente transmite uma sensação de paz cada vez menos compatível com o Rio. A “assinatura” da cidade está em segundo plano e é, nada mais, nada menos, que metade do Morro do Pão do Açúcar, com estação de bondinho e tudo, destituído da majestade quase onipresente nos registros turísticos e publicitários. Ali, com Cepeda, o Pão de Açúcar se torna quase incongruente.”

 

 

Sobre o artista

 

Carioca praticante, de família portuguesa, Renan Cepeda é formado em Mecânica Industrial pelo CEFET-RJ. Começou a fotografar em preto e branco com 11 anos de idade, influenciado por seu pai, um fotógrafo amador. Escolado na experiência do fotojornalismo no Jornal do Brasil dos anos 1980, colaborou também para as maiores publicações do país, e foi correspondente da agência francesa SIPA-Presse no Rio. Dedicando-se hoje integralmente à fotografia de arte, Renan Cepeda é reconhecido pelas pesquisas sobre técnicas fotográficas incomuns, como a fotografia infravermelha e o light painting, tendo sido contemplado por vários prêmios no Brasil e exterior. Em 2010 fundou o Ateliê Oriente com os fotógrafos Kitty Paranaguá e Thiago Barros, seu local de trabalho no bairro de Santa Teresa.

 

 

De 16 de abril a 07 de julho.

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Coleção Sylvio Perlstein

08/abr

Atração no MAM, Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, a exposição que reúne 150 obras do colecionador Sylvio Perlstein provoca um efeito ambíguo sobre o visitante. A primeira sensação é de caos, como se os trabalhos pouco ou nada tivessem a ver uns com os outros. Há módulos dedicados à pop art, à fotografia vintage, ao surrealismo, à arte povera e ao minimalismo, por exemplo. Aos poucos, entretanto, vai se revelando um certo espírito comum a todo o conjunto, que mescla algo de curioso, bem-humorado – inusitado, como anuncia o nome da mostra. Um dos colecionadores mais reputados do mundo, o brasileiro de origem belga, atualmente radicado em Paris, tem aqui exibida uma relevante parte do seu acervo. Há nomes canônicos, como Dalí, Kandinsky, Magritte, Warhol, Man Ray, Basquiat, Duchamp, Miró e Haring (que comparece com seu primeiro óleo sobre tela, Mickey Mouse, de 1981), entre muitos outros. Sumidades da arte contemporânea, a exemplo de Richard Serra e Nan Goldin, também ocupam o espaço e convivem com nomes menos conhecidos. Pautada pelo olhar único de Perlstein, à margem de tendências e do mercado, a coleção não reúne necessariamente as obras mais famosas desses artistas – o que, inusitadamente, só reforça a sua expressividade. Após o Rio de Janeiro, a exposição será exibida no MAM-SP.

 

 

A palavra do curador do MAM-RIO

 

Conheci Sylvio Perlstein faz uns dez anos. O marchand Jean Boghici ligou-me dizendo que estava com um colecionador belga que amava o Rio, crescera na cidade e formara ao longo da vida uma das coleções mais interessantes que conhecia. À época, eu era crítico de arte do jornal O Globo. Não perdi tempo e fui conhecê-lo em um hotel de Ipanema. De fato, Sylvio era uma pessoa peculiar. De bermuda e sandálias, fomos conversar no calçadão. Alguns dias depois, publiquei uma entrevista com ele na capa do Segundo Caderno.

 

Sua coleção era, de fato, única. Todavia, o que mais me interessou é que ela foi sendo formada junto aos artistas que conhecera e que lhe abriam as portas do ateliê e dos amigos artistas. Os surrealistas vieram por meio da amizade com Man Ray. Os minimalistas e conceituais por meio de Robert Ryman – que conhecera em um bar, ainda em meados da década de 1960. Assim, ele foi construindo uma coleção que juntava partes da arte do século 20 que nunca conversam nos livros de história e crítica. Os surrealistas e os conceituais, os dadaístas e os minimalistas, os europeus, os norte-americanos e os brasileiros.

 

Enfim, muita coisa boa da arte do século 20, momentos marcadamente radicais, convivem sem cerimônia nas salas, nos quartos e na biblioteca de sua casa parisiense. O ambiente que acolhe a coleção é autêntico e traz um pouco da vida daquelas obras. Não há afetação nem deslumbramento de colecionador que transforma a casa em galeria. As obras pertencem à casa, ao espaço de habitação, de convivência, de moradia. Na biblioteca, objetos dadaístas e peças primitivas misturam-se aos livros e elementos decorativos sem diferenciações e caixas de acrílico. O espaço é todo ele artístico e não artístico, nos convida a ficar nele sem perder o travo de estranhamento de todos aqueles “mundos”, que palpitam sem parar.

 

Trazer essa coleção ao MAM é compartilhar um pouco do meio século de convivência íntima de Sylvio Perlstein com obras de arte seminais – e pouco colecionáveis. É o desdobramento, com a arrojada intervenção de Leonel Kaz, daquela primeira conversa na praia de Ipanema, em que ele dizia adorar o Rio e querer mostrar aqui sua coleção. Aí está. Mais que uma coleção, o que vemos é o resíduo de uma experiência cotidiana.
Luis Camillo Osorio

 

 

Até 25 de maio.

Fontes: site MAM-RIO; VEJA-RIO.

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Nazareno apresenta obras inéditas

07/abr

O Oi Futuro, Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, exibe a exposição “Somos Iguais” do artista Nazareno, sob a curadoria de Tainá Azeredo. No primeiro nível, o artista apresentará instalação composta por 18 instrumentos musicais infantis restaurados, acompanhados de fotografias em grandes formatos registrando o estado em que foram encontrados. Uma trilha sonora criada pelo músico Paulo Beto a partir dos próprios instrumentos de brinquedo, especialmente para a mostra, completa a ambientação. O arranjo parte da tentativa de reprodução de músicas infantis e melodias harmônicas, mas acaba por criar sons inusitados produzidos pelos instrumentos defeituosos. Os pequenos instrumentos exibidos foram pinçados da coleção particular de Nazareno, formada desde o final dos anos 1990. O artista começou a restaurá-los no ano 2000 e enfrenta dificuldades em conseguir peças para completar os reparos. Para exibir sua visão sobre homens e instrumentos, as obras serão expostas com suas particularidades moldadas pelo tempo. Alguns foram completamente restaurados, outros apresentam mazelas e os danos causados pelo uso e o passar dos anos.

 

“Alguns foram fabricados há mais de 60 anos e as peças já não são mais produzidas”, conta Nazareno. “Este trabalho tem relação direta com os sentimentos humanos. A impossibilidade de consertar os danos se mostrou como uma metáfora: assim como os brinquedos, alguns sentimentos, depois de danificados, não podem ser reparados. Nesse ponto, acredito que nós ‘Somos Iguais’ aos instrumentos”, conclui.

 

No nível térreo, serão exibidas fotos autobiográficas inéditas da série de “De Onde (eu) Venho”, que ilustram o processo criativo do artista, registrando seu local de trabalho. Completam a mostra três vídeos do artista feitos especialmente para a ocasião. Munido de uma câmera, Nazareno foi a casas de amigos registrar particularidades de seus ambientes. Os vídeos foram designados pelos nomes dos proprietários das residências. A produção está a cargo de Anderson Eleotério e Izabel Ferreira – ADUPLA Produção Cultural.

 

 

Sobre o artista

 

Nazareno nasceu em São Paulo e passou sua infância e adolescência em Fortaleza. Em 1987, mudou-se para o Distrito Federal, onde concluiu bacharelado em Artes Visuais pela Universidade de Brasília em 1998. A partir do ano seguinte, participou de diversas exposições de destaque pelo Brasil e exterior e foi premiado no Salão de Artes Visuais de Brasília de 2001. Em 2004, lançou o livro “São as Coisas que Você Não Vê que nos Separam” e em 2013 o livro “Num lugar não longe de você”. Possui obras em diversas coleções públicas e privadas. Nazareno é reconhecido por explorar aspectos relativos a memórias, perdas e superações. Também trabalha questões como a impossibilidade de transformação do sujeito frente ao mundo contemporâneo. “Entrar no trabalho de Nazareno é como abrir um álbum de família, em que cada página e cada imagem vem acompanhada de uma narrativa pessoal, transformada pelo tempo e pela memória. Buscando nas raízes profundas de sua própria história e escavando um passado familiar, o artista fala sobre a impossibilidade da recuperação de emoções que pertencem a um tempo antigo”, explica a curadora, Tainá Azeredo.

 

 

Sobre o Oi Futuro

 

O Oi Futuro é o instituto de responsabilidade social da Oi, que desenvolve e apoia programas e projetos nas áreas de educação, cultura e sustentabilidade. O Oi Futuro tem um compromisso com a transformação e com a inclusão social, tendo como missão promover o desenvolvimento humano por meio das tecnologias da informação e da comunicação. Desde 2001, suas ações visam democratizar o acesso ao conhecimento e reduzir distâncias geográficas e sociais, com especial atenção à população jovem.

 

Na educação, os programas NAVE e Oi Kabum! usam as tecnologias da informação e da comunicação, capacitando jovens para profissões na área digital e criativa, fornecendo conteúdo pedagógico para a formação de educadores da rede pública e fomentando o desenvolvimento de modelos inovadores. Já na área cultural, o Oi Futuro mantém dois espaços culturais no Rio de Janeiro (RJ) e um em Belo Horizonte (MG), com programação nacional e internacional de qualidade reconhecida e a preços acessíveis, e o Museu das Telecomunicações nas duas cidades, além de apoiar festivais e projetos em todas as regiões Brasil por meio do Programa Oi de Patrocínios Culturais Incentivados.

 

O programa Oi Novos Brasis reafirma o compromisso do Instituto no campo da sustentabilidade, com o apoio e o desenvolvimento de parcerias com organizações sem fins lucrativos para a viabilização de ideias inovadoras que utilizem a tecnologia da informação e comunicação para acelerar o desenvolvimento humano. O esporte completa o seu escopo de atuação apoiando projetos aprovados pelas Leis de Incentivo ao Esporte, tendo sido a Oi a primeira companhia de telecomunicações a apostar nos projetos socioeducativos inseridos na Lei Federal.

 

 

De 14 de abril até 1º de junho.

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Inéditas de Rogério Reis

31/mar

Fotografar na praia já foi fácil. Nos anos 70, 80, um fotógrafo era recebido de braços abertos pelas tribos que frequentavam as areias cariocas. O tempo passou e o que ficou difícil nos anos 90 virou quase impossível nos dias de hoje. Sacar uma Canon no calçadão é promessa de confusão. O direito de imagem é levado tão a sério atualmente que a solução do fotógrafo Rogério Reis, um apaixonado por personagens que habitam este cenário tão democrático da cidade, foi distribuir tarjas e formas geométricas coloridas sobre o rosto das pessoas. Portanto, da dificuldade surge o trabalho “Ninguém é de Ninguém”, um projeto iniciado há três anos, e que agora chega à Galeria da Gávea, Alto Gávea, Rio de Janeiro, RJ, com 20 fotografias, seis delas em série inédita, intitulada “Paisagens Humanas”.

 

Será a primeira oportunidade de apreciar, de forma panorâmica, este trabalho que encantou a Maison Européenne de la Photographie, a MEP, a ponto da instituição francesa comprar todas as 34 fotos, quando exibidas no “FotoRio 2011”. Ou seja, a fase com o nome de “Paparazzi do Anônimo” faz parte do acervo francês e o carioca pouco viu ao vivo este trabalho. No momento, algumas fotos estão em cartaz no CCBB-Rio, na mostra “Amor, Amor, Amor”.

 

A novidade em “Paisagens Humanas” é que Rogério Reis recorre a imagens mais abertas, com menos closes e mais pessoas, mas sempre com suas tarjas coloridas, criando harmonia entre personagens e a luz obtida nas fotografias. Rogério Reis sempre se interessou por temas urbanos. Investiu tempo e olhar sobre a violência em trabalhos como “Microondas” e “Travesseiros Vermelhos”. Passado este momento, seu assunto agora é a beleza dos beijos, dos corpos em roupa de banho, suor, cadeiras, barracas e tudo o mais que nos remeta ao universo praiano.

 

 

De 16 de abril a 23 de maio.

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Tabuleiros de Leila Pugnaloni

26/mar

A exposição “Tabuleiros”, de Leila Pugnaloni, curadoria de Marco Antonio Teobaldo, ocupará os espaço da Galeria Pretos Novos, Gamboa, Rio de Janeiro, RJ. “Tabuleiros” reveste-se como uma espécie de retrospectiva da artista, em que ela pontua historicamente questões relacionadas ao trabalho escravo no Brasil, ao mesmo tempo que resgata lembranças de sua infância no Rio de Janeiro e a influência que a cidade exerceu sobre a sua trajetória profissional. Além dos tabuleiros, a artista exibirá pinturas sobre telas e madeira (séries “Módulos de Luz” e “Jujus”), desenhos e fotografias, produzidas a partir de 2007 até 2014. Nessa exposição a artista cria um arco no tempo através de uma poética desde vida dos escravos, aos ambulantes de hoje em dia.

 

A partir de sua visita ao sítio arqueológico Cemitério Pretos Novos, a artista realiza uma pesquisa sobre o mercado da escravidão no Rio de Janeiro, que remonta um traçado sobre a vida dos escravos de ganho até a rotina dos vendedores ambulantes de hoje em dia. Criando uma instalação com tabuleiros repletos de referências históricas, antropológicas e até mesmo auto-biográficas, Leila Pugnaloni promove, a partir de seu trabalho, uma reflexão sobre a importância do negro no Brasil.

A Galeria Pretos Novos é um espaço voltado à pesquisa curatorial e ocupações artísticas instalado sobre o sítio arqueológico do recém descoberto Cemitério dos Pretos Novos, na Gamboa. Único do país, o IPN tem como missão a preservação da memória da cultura nacional e, com a programação da galeria, divulgar e promover arte contemporânea produzida por artistas brasileiros.

 

Leila Pugnaloni realizou no Museu de Arte do Rio – MAR uma série de oficinas de Desenho, Poesia e Movimento, a partir de leitura de textos do poeta Paulo Leminski e modelos (passista de escola de samba, dançarinos de funk, charm e passinho).

 

 

Até 11 de maio.

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Silvia Cintra + Box 4 com Marcius Galan

25/mar

A galeria de artes Silvia Cintra + Box 4, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, recebe o artista plástico Marcius Galan para a exposição “Como Dobrar uma Bandeira Como Desdobrar”. Atualmente, Galan é um dos principais jovens artistas no cenário das artes no Brasil. “O movimento de ida e volta (dobrar e desdobrar) aparece na construção do título assim como na montagem do trabalho na parede, onde a sequência pode ser lida como expansão ou contração. Esse movimento circular sugere um lugar suspenso entre uma tomada de posição (desdobrar uma bandeira) e uma sensação de impotência e apatia diante de um panorama sócio-político obscuro (dobrar uma bandeira)”, explica Galan. Ainda segundo o artista, o trabalho lida com o paradoxo geométrico da divisão infinita de um plano, ou seja, com a premissa de que podemos dividir teoricamente uma área em duas partes iguais infinitamente.

 

Chama atenção ainda a série “Cartografias abstratas”, onde mapas são cobertos por alfinetes de identificação de posicionamento. Ao obstruírem quase totalmente as informações que poderiam ser usadas para identificação do lugar, os alfinetes criam assim possibilidades poéticas que se distanciam da ideia de precisão. Já em “Como Surgem as Ilhas”, uma moeda é ampliada em uma fotocopiadora até que se perca a referência da primeira imagem, devido à ampliação e aos ruídos inerentes à qualidade da reprodução xerográfica. Outros trabalhos que integram a mostra lidam de maneira mais abstrata com questões relacionadas à geometria, uma evolução da proposta apresentada na exposição “Área Útil = Área Comum”, em 2010, também na galeria carioca.

 

 

Sobre o artista

 

Nascido em Indianápolis, Estados Unidos, em 1972, Marcius Galan vive e trabalha em São Paulo. Com especial interesse pela geometria, o artista frequentemente propõe situações que alteram a percepção do espectador, “seja na imitação de objetos industriais com esmero artesanal, seja ao impor relações físicas e espaciais estranhas aos materiais, de certa maneira forjando sua transformação”. Participa de exposições no mundo todo e expõe nas instituições mais importantes do Brasil, entre eles o Inhotim.

 

 

Até 26 de abril.

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