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Exposição de Emmanuel Nassar

06/dez

“Este Norte”, exposição individual de Emmanuel Nassar, sob curadoria de Felipe Scovino, no Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro, apresenta cerca de 55 trabalhos – pintura sobre tela, papel e chapas metálicas, e fotografias – datados entre 1988 e 2012, exemplificando a multiplicidade de leituras da obra deste artista paraense, radicado em São Paulo.

 

O título da mostra tem as mesmas iniciais do nome do artista, E e N, letras que também aparecem em várias telas, simbolicamente como pontos cardeais. Nassar avalia a alegoria das iniciais como o E sendo referência ao indivíduo, seu nome Emmanuel, e o N, ao coletivo, de Nassar, dos seus antepassados. Também pode remeter a Este (leste) e Norte, os pontos geográficos, ou ainda a Efêmero e Natureza ou Eu e Nós, como sugere o artista.

 

Scovino centra a curadoria para além das referências a uma geometria popular, que seria uma associação rasa ao trabalho de Nassar, e chega a “…um elemento cínico, sarcástico e, em certa medida, violento”, como ele conceitua. Nele estão, segundo o curador, pensamentos estéticos originários de várias representações da cidade – a gambiarra, a rua e seus acidentes – a um repertório que inclui Mondrian e outros artistas.

 

“Este Norte” não é uma retrospectiva, mas um panorama de tempos distintos da produção do artista. Nos encontros dos dois, durante o último ano, o curador identificou um aspecto menos avaliado da obra de Nassar, que é a revelação de um elemento mais ácido, às vezes, violento, como na presença mãos e braços decepados, a linguagem da rua nas chapas metálicas, um rifle e indivíduos acorrentados. Até então, a crítica aproximou a obra de Nassar ao popular, em detrimento da consideração de um lado cínico de sua produção.

 

A seleção de obras de “Este Norte” “foge de um Brasil exótico, quente ou espetacular. Há uma miséria que reina no país e está sendo relatada na sua obra”, defende Scovino, que dá como exemplo o processo de escolha e produção das chapas metálicas. “É essa ‘sujeira’ que me interessa apresentar ao público com essa exposição”, define o curador.

 

Nassar argumenta que passou a juventude na ditadura militar brasileira e seu trabalho tem a cor e a liberdade vigiada, a geometria, mas inclui uma perversão que pode estar em uma geometria imperfeita, como em “Mãodrian, de 1995, que remete ao pintor Mondrian, mas é feito com retas tortas, tem uma tramela de arame e um prego amarrado para, supostamente, sustentar o retângulo.

 

Incorporar dificuldades, remendos e improvisos ao conceito do trabalho é um dos orgulhos do artista. E exemplifica: “Tela que não passa na porta do apartamento vira díptico; as chapas são módulos de 90x90cm, porque isso permite diferentes adaptações a espaços expositivos. Elas viajam muitas vezes sem embalagem e vão se arranhando, o que foi incluído no trabalho e levou o artista a soluções mais brutas, mais perversas.

 

Os suportes que Nassar usa – tela, fotografia, chapas metálicas – podem provocar um embaralhamento no espectador. A pintura está muito próxima da fotografia e a chapa pode vir a ser “tela”, quando recebe tinta. O artista explica que sua ideia de arte é a de tirar de um contexto e dar outro significado. As chapas metálicas, de restos de propaganda, fragmentos de superfícies pintadas descartadas, se juntam a outras concebidas por ele. Com o tempo, elas se desgastam e o espectador já não consegue mais distinguir o que é lixo e o que foi criado pelo artista. As fotos são pinturas fotografadas e apresentadas junto com as pinturas reais. A intenção é mesmo a de confundir o olhar do visitante. Nassar batizou uma fase de seu trabalho de “popcopiado”, para conceituar o trabalho de “mixagem, de apropriação”, diz ele, que considera “acadêmico” se autodenominar único, sem influência”. “Somos popcopiados”, alega.

 

A palavra do artista

 

– Eu copio dos neoconcretistas, eu copio do pop americano, eu copio de todo mundo e crio uma coisa que está tão copiada, que ninguém vai poder dizer que não é minha. […] Sempre achei que o perigo era copiar de uma só fonte. Se eu copiar de muitas fontes, ninguém vai poder dizer que já viu isso antes. São popcopiados. Uma profusão de cópias, que confunde o original e se torna um novo original.

 

“Sou um repetidor daquilo que eu faço, em todas as linguagens. Sempre estou fazendo o mesmo”, confessa o artista. Nassar diz “adorar a ideia de que as pessoas confundam a autoria de seus trabalhos. É a ideia de apropriação contaminada pela minha autoria” explica.

 

Na mostra, há pintura copiada de foto de Nassar e há foto dele a partir de sua pintura. É a cópia da cópia. Ele confessa gostar da ideia de confundir aquilo que foi feito por ele, aquilo que não foi feito por ele, mas que foi editado, trazido, unido pelo artista.   

 

Os suportes podem variar, mas Nassar nunca deixa de pensar como pintor. Ao mesmo tempo, ele não está refém do material da pintura. Há casos em que ele nem pega na tinta, mas na câmera fotográfica. Os trabalhos desta série ele intitula “pintura fotografada”.

 

Em vários momentos, Nassar equilibra cores dissonantes, como um verde fosforescente com cinza e preto. Há ainda a incidência de preto, cinza e chumbo no fundo da tela, que formam uma composição cromática distinta de outros pintores de sua geração. Há chapas autorais, outras são simplesmente apropriadas e algumas, interferidas por ele, que valoriza a economia de recursos e não considera errar nunca, porque sempre existe a recuperação e a reutilização.

 

Sobre o artista

 

Emmanuel Nassar nasceu em 1949, no Pará. Vive e trabalha em São Paulo. Começou a expor em 1979 e, a partir de então, fez dezenas de individuais no Brasil e em Lisboa, Berlim, Colônia e outras cidades alemãs, e Amsterdam. Nassar participou de várias Bienais internacionais, como a de São Paulo, do Mercosul, de Tijuana (México), Cuenca (Equador), Havana (Cuba) e Veneza. Ele tem obras nas coleções institucionais nacionais, como MAM Rio, MNBA, MAM SP, MAC USP, Itaú, Marcantonio Vilaça, MAMAM, e internacionais, como Patricia Phelps de Cisneros (NY-Caracas), Suermondt-Ludwig-Museum (Aachen, Alemanha), Aachen, Germany e Universidade de Essex – Collection of Latin American Art (Colchester, Inglaterra).

 

A mostra será acompanhada de catálogo bilíngue (português e inglês), de  84 páginas, com reprodução em cores dos trabalhos expostos e outros, e texto inédito do curador Felipe Scovino. A exposição “Este Norte”, de Emmanuel Nassar,é uma produção de Mauro Saraiva | Tisara Arte Contemporânea e foi contemplada pelo Pró Artes Visuais da Secretaria Municipal  de Cultura. Na abertura, sábado, 1º de dezembro, tem som de Bruno Queiros, Icaro dos Santos e Quito (Nuvem) e DJ Nepal, das 16 às 21h, e conversa do curador Felipe Scovino com o artista, às 17h.

 

Até 03 de fevereiro de 2013.

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Henrique Oliveira no Rio

26/nov

Henrique Oliveira realiza a maior exposição individual de sua carreira, no Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, Centro, Rio de Janeiro, RJ, sob curadoria da cientista social e historiadora de arte Vanda Klabin. São oito pinturas e cinco esculturas, datadas de 2008 a 2012, entre as quais algumas inéditas dentro e fora do país, emprestadas de coleções particulares e institucionais.A mostra será acompanhada de catálogo de 35 páginas, com reprodução de todos os trabalhos expostos e texto da curadora Vanda Klabin produzida por Mauro Saraiva | Tisara Arte Contemporânea.

 

As pinturas e esculturas de Henrique Oliveira, de dimensões arquitetônicas, têm despertado interesse internacional. Em janeiro de 2013, ele embarca para Paris, para uma residência de seis meses, que culminará com uma exposição individual, no Palais de Tokyo, na capital francesa.

 

Na sua produção, pintura e escultura não são expressões estanques. “O movimento da pintura está presente na escultura”, diz o artista. A curadora Vanda Klabin aponta certa paridade entre os dois meios: “Sua pintura, com vibrantes contrastes, harmonias dissonantes, grumos espessos e com alta voltagem cromática, tem uma conotação ambígua e é também transformada em linguagem tridimensional a desdobrar-se no espaço”.

 

Nas esculturas, Henrique Oliveira superpõe lascas de compensado flexível descartado, de tapumes de obras urbanas. Fixadas por parafusos, elas criam volumes. Em seguida, ele intervém com tinta acrílica diluída, quase aquarela, de maneira que a textura do material não mude.

 

Oliveira descreve seus trabalhos tridimensionais como a ampliação de uma textura, de um empasto de tinta a óleo, em alguns casos. Outros são “mais naturais, como tumores”, diz ele. Nos títulos que cria, essas formas aparecem compondo palavras infamiliares: Xilonoma, Xilempasto, inspiradas em consultas ao Atlas of Gross Pathology e a The New Atlas of Human Anatomy.

 

As pinturas se constituem de um misto de procedimentos. A tela é colocada no chão, Henrique joga a tinta e deixa escorrer, mas também usa a pincelada e a raspagem com espátula. Esses procedimentos não se fundem. Por isso, o resultado é semelhante a uma “colagem”, segundo ele. A profusão de cores não cria volumes. O relevo é o da própria tinta. A exposição foi contemplada pelo Pró Artes Visuais da Secretaria Municipal  de Cultura.

 

Sobre o artista

 

Mestre em Poéticas Visuais pela ECA-USP, Henrique tem um currículo de 17 individuais e 49 coletivas em cidades brasileiras e em Paris, Bruxelas, Linz [Áustria], Washington, Houston, Cleveland, New Orleans, Miami e Boulder [EUA], Brisbane [Austrália], Monterrey, Tijuana [México] e Buenos Aires, em pouco mais de uma década de carreira. O artista participou da Bienal Internacional de São Paulo de 2010, da Bienal do Mercosul e da de Monterrey, ambas em 2009. O artista é detentor dos prêmios APCA 2011 – Destaque do Ano, São Paulo; CNI SESI Marcantonio Vilaça 2009; Festival de Cultura Inglesa|Conselho Britânico, São Paulo; Projéteis FUNARTE de Arte Contemporânea 2006, RJ; Fiat Mostra Brasil 2006 e Visualidade Nascente | Centro Universitário Maria Antonia 2005, entre outros. Ganhou bolsas de residência e pesquisa de The Fountainhead Residency – Miami; do Smithsonian Institute – Washington DC; da Cité Internationale des Arts, Paris, e outras da FAPESP de mestrado e de iniciação científica. Com obras em coleções institucionais, como Pinacoteca Municipal,  Itaú, Museu de Afro-Brasil, Metrópolis [SP], MAC Rio Grande do Sul, MAM Rio e Gallery of Modern Arte de Brisbane, Henrique Oliveira, nascido em Ourinhos, SP, em 1973, vive e trabalha na capital paulista. Em 2004, ele se formou em Artes Plásticas pela ECA-USP e em Comunicação Social pela ESPM.

 

Na abertura, sábado, 01 de dezembro, tem som de Bruno Queiros, Icaro dos Santos e Quito (Nuvem) e DJ Nepal, das 16 às 21h, e conversa da curadora com o artista, às 16h.

 

De 01 de dezembro a 03 de fevereiro de 2013.

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Mostra de Fernanda Gomes

A Galeria Laura Alvim, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, apresenta, sob a curadoria do crítico Fernando Cocchiarale,  a exposição individual de Fernanda Gomes. Há mais de vinte anos, a artista  vem construindo uma obra singular, inclassificável dentro dos parâmetros tradicionais das artes visuais, com repercussão Brasil e no exterior. O trabalho de Fernanda Gomes é muito particular, diferente de tudo a que se está acostumado, mas seu currículo demonstra que ela é incensada mundo afora. Um exemplo: o Centre Pompidou (Beaubourg), Paris, acabou de adquirir uma obra da artista que em suas palavras, “dá importância ao que a maioria acha banal”.

 

Fernanda Gomes realizou mostras individuais e coletivas em quase todos os países da Europa, além dos Estados Unidos, México, Austrália, Nova Zelândia e Japão. Participou das bienais internacionais de São Paulo, 1994, Istambul, 1995, Sydney, 1998 e Veneza, 2003. Neste momento, participa da Bienal Internacional de São Paulo. Seu trabalho faz parte, entre outras, das coleções do Miami Art Museum, Tate Modern, Fundación/Colección Jumex, Vancouver Art Gallery, MAM-Rio e Museu Serralves, em Portugal, onde também desenvolveu escultura permanente para o parque do museu.

 

A palavra da artista

 

“Penso uma exposição como um momento preciso em uma atividade contínua, aberto para uma dimensão comum a todos. Inclui o lugar, em toda sua amplitude. O espaço da galeria é também lugar, território ao mesmo tempo mítico e familiar, Ipanema! Inclui a praia, a rua, a praça, o morro. Expande-se esta dimensão na experiência do encontro, em um espaço da cidade, para a cidade, com possibilidades infinitas e imprevisíveis.”

 

“Será uma exposição que parte mais de princípios do que de projetos, como me agrada fazer. Sem temas ou sistemas determinados, mas pensando também no desenho como início de tudo. Desenho: verbo e substantivo. Desenho que é também risco na superfície do mundo, ação e tempo, o inseto e seu trajeto e o vento na areia. Registro de vôo, mapas, cartas de navegação, marcas que tentamos apagar, nódoas nos tecidos, aquarelas da umidade dos dias, e o pó, terra, ferrugem! Ver as coisas, todas as coisas, em sua beleza. Desenho que é pensamento plástico essencial, vocabulário ancestral que cria outros roteiros para a imaginação. Todos desenhamos quando crianças. Porque tantos param de desenhar?”

 

Até 17 de fevereiro de 2013.

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José Rufino na Casa França-Brasil

Um gigantesco corpo de herói – 193 m³ -, construído a partir de memórias físicas, traços e materiais coletados, empreende na Casa França-Brasil, Centro, Rio de Janeiro, RJ, uma odisseia particular, concebida pelo artista visual José Rufino, em cuja obra o passado e o presente se enfrentam permanentemente. O “Ulysses” de José Rufino ocupará todo o vão central do prédio da Casa França-Brasil. Seu corpo, impregnado de vivências, sentimentos e essências da cidade – cuja Baía de Guanabara se transforma, por comparação, na costa da Grécia por onde Ulysses viajou – é uma ponte entre os muitos passados e os futuros possíveis para um Rio ao mesmo tempo heroico e comum, eterno e presente no aqui e agora.

 

A baía de Guanabara se transforma na Grécia de Ulysses pelas mãos de José Rufino, artista contemporâneo que é também paleontólogo, e tem uma relação permanente com o passado. O convite da Casa França-Brasil levou-o a imaginar uma nova Odisseia, em que os traços do Rio – madeiras, pedras, ferros, concreto, conchas, cerâmicas etc. – são recombinados para compor o corpo do herói. A composição deste novo e monumental Ulysses demanda toda uma logística que começa com a coleta de materiais. Desde setembro, José Rufino tem vindo ao Rio para esse garimpo pessoal das memórias impressas nas matérias recicladas e reutilizadas, que carregam suas próprias memórias.

 

José Rufino começa seus trabalhos muitas vezes a partir do lugar que ocupará. Uma obra de tal magnitude não poderia ser elaborada sem testes muito rigorosos. O espaço ideal para a primeira fase de montagem foi conseguido através de uma parceria do artista com o Galpão Aplauso, espaço cultural e social que funciona no Santo Cristo, e que prepara jovens artistas para as várias facetas que compõem o mundo do espetáculo.

 

Até 17 de fevereiro de 2013.

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Aluísio Carvão na Caixa Cultural Rio

23/nov

A Caixa Cultural Rio de Janeiro inaugura a exposição “Aluísio Carvão – Mestre das Cores”, reunindo cerca de 80 obras de diversas fases do artista. Além das pinturas, a exposição apresenta objetos, capas de livros e revistas criadas pelo artista, formando um panorama completo da obra de um dos mais conceituados pintores brasileiros.

 

A mostra, com curadoria de Denise Mattar, faz um percurso afetivo e retrospectivo da obra do artista. As obras serão apresentadas em núcleos temáticos. No primeiro ficarão obras da fase construtivista. Esse núcleo também contemplará as obras do Neoconcretismo. Da mesma época são as capas para os cadernos de Jornalismo e Comunicação do Jornal do Brasil.

 

O segundo núcleo reúne a série intitulada “Pipas”, dos anos 1980, com trabalhos que lembram o movimento e as cores de sua infância, e as obras dos anos 1990, em que a cor adquire densidade, sensualidade e movimento. As cores têm concretude e se fundem, formando imagens alegres, dando intensidade, criando limites e espaços.

 

No terceiro núcleo, será apresentada uma cronologia ilustrada do artista. “Sua obra é luminosa, suas cores fortes ou suaves passam a sensação do equilíbrio e de alegria. É uma festa para os olhos. Sua arte, no entanto, não seguiu um curso natural de evolução, foi marcada principalmente por uma necessidade fremente de experienciar a cor e as formas”, afirma a curadora Denise Mattar.

 

Sobre o artista

 

Aluísio Carvão iniciou sua trajetória como pintor ainda menino, em Belém do Pará. Em Belém, e a seguir no Amapá, sua pintura era figurativa, de cores vibrantes e sólidas. A luz dos trópicos o influenciou profundamente. Ao adotar o Rio de Janeiro, em 1949, entra no curso de Ivan Serpa e com ele participou do movimento construtivista. Aluísio foi um dos criadores do “Grupo Frente”, junto com Ivan Serpa, Hélio Oiticica, Lygia Clark, Lygia Pape e Ferreira Gullar, expoentes do movimento construtivista brasileiro. Dedicou-se a uma pintura abstrata, em que as questões da forma e da cor são preponderantes, mas foi com o movimento Neoconcreto que o artista aboliu a diferenciação entre forma, cor e fundo.

 

Até 13 de janeiro de 2013.

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Tiago Rivaldo no IBEU

Chama-se “Eu e outros nós”, a exposição individual de Tiago Rivaldo, artista selecionado através do edital do Programa de Exposições Ibeu. A mostra, que acontece na Galeria de Arte Ibeu, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ, obedece a curadoria de Eduardo Mosqueira.

 

Tiago Rivaldo apresenta nesta sua primeira mostra individual no Rio de Janeiro, “Eu e outros nós”, um conjunto de trabalhos dos últimos dez anos. Performances, ações urbanas, fotografias e vídeos circulam em torno da relação entre retrato e paisagem, identidade e território, pessoa e lugar, arte e artista.

 

Natural de Porto Alegre, RS,o artista vive no Rio de Janeiro há pouco mais de dez anos, durante os quais desenvolveu seus trabalhos em busca de uma reterritorialização. Em pequenas ficções, como personagem de si mesmo, o artista se desloca pelo cotidiano da cidade em busca de identificação exterior. É no outro que vai encontrar seu reflexo para desconhecer-se na ambiência do jogo e ser conduzido pela fragilidade das relações a zonas ainda mais inseguras.

 

Durante o período de exposição, o artista montará uma programação de ações a serem apresentadas aos domingos no calçadão da Praia de Copacabana, trecho próximo à Galeria Ibeu, entre as ruas Figueiredo de Magalhães e Santa Clara.

 

“Essa exposição “Eu e outros nós”, como toda mostra individual, é resultado de um tempo vivido pelo artista; mas, nesse caso, sobretudo, a exposição é resultado da maneira escolhida por Tiago para viver esses últimos 10 anos… Elaborando maneiras de investigar identidade (principalmente máquinas e propostas afetivas, conceituais e construtivas), Tiago buscou o encontro com o outro ou com a própria solidão. Em sua pesquisa, buscou formas de fundir o interior e o exterior da câmara escura como quem confunde objeto e tela, virtual e real, visual e tátil, observador e observado, retrato e paisagem. Criando imagem como quem cria encontros. Criando cor como quem faz caminho. Descobrindo ser como quem faz narrativas, como quem faz possível a vida e a própria vida” diz Eduardo Mosqueira.

 

Até 30 de novembro.

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Modernismo no Centro Cultural Correios

16/nov

O Centro Cultural Correios, Centro, Rio de Janeiro, RJ, exibe a exposição “Mário de Andrade – Cartas do Modernismo”. A mostra, com curadoria de Denise Mattar, encerra as comemorações dos 90 anos da Semana de Arte Moderna, traçando um panorama da implantação e expansão do Modernismo no Brasil através de obras de arte, cartas, imagens, fotos e textos do escritor que, junto com Oswald de Andrade, foi um dos principais impulsionadores do movimento artístico. Em exibição, obras assinadas por Di Cavalcanti, Segall, Cícero Dias, Ismael Nery, Portinari, Zina Aita, Augusto Rodrigues, Portinari e Enrico Bianco, artistas do primeiro e segundo modernismo, expoentes da melhor arte moderna brasileira.

 

A correspondência de Mario de Andrade é reconhecida por seu expressivo volume e pela qualidade dos interlocutores envolvidos. Os mais importantes poetas, escritores, músicos, teóricos e artistas desse período trocavam cartas com ele. O estudo delas revela o ideário modernista do autor, que se constitui como tema central da exposição, mas apresenta também o lado humano das pessoas envolvidas, suas dores, amores, brigas, disputas, picuinhas e brincadeiras.

 

O foco central das cartas apresentadas na exposição são as artes plásticas. O tema é abordado nas correspondências trocadas com Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, Candido Portinari, Di Cavalcanti, Enrico Bianco, Cícero Dias e Victor Brecheret e também nas missivas entre o escritor e Manuel Bandeira, Carlos Drummond de Andrade e Henriqueta Lisboa. Um especial destaque é dado ao período, muito pouco conhecido, em que Mário de Andrade viveu no Rio de Janeiro, e também à sua amizade com Portinari. Neste segmento são apresentadas cartas originais de Mário de Andrade a Portinari, mantidas no Projeto Portinari.

 

Devido à sua fragilidade a maioria das cartas será apresentada em fac-símile. Considerando também a dificuldade de compreensão da caligrafia antiga, parte delas foi transcrita e impressa para facilitar a leitura. Parte delas está disponível em áudio, na voz do ator João Paulo Lorénzon, o que além de estimular uma compreensão emocional do material, estende a abrangência da mostra aos deficientes visuais.

 

Há ainda uma instalação interativa, criada pelo cenógrafo Guilherme Isnard, que permite ao visitante recompor virtualmente as cartas juntando letras que estarão flutuando projetadas na sala. Outra atração é a possibilidade de levar uma carta de Mário Andrade para casa. Para isso basta deixar escrita uma carta para a produção da mostra, para os Correios ou mesmo para o escritor Mário de Andrade. A exposição é complementada por uma cronologia de Mário de Andrade e um vídeo que contextualiza aquele período para o público através de fotos de época.

 

Até 06 de janeiro de 2013.

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Inéditos de Burle Marx

13/nov

Burle Marx

O Centro Cultural Correios, Centro, Rio de Janeiro, RJ, exibe com exclusividade a  exposição “Roberto Burle Marx: a figura humana na obra em desenho”. A mostra apresenta 138 obras produzidas desde 1919 (quando o artista tinha 10 anos), até a década de 1940. São desenhos que registram cenas familiares, retratos e nus feitos sobre papel, utilizando carvão, grafite, nanquim, lápis de cor, crayon, giz de cera, canetas hidrocor e guache.  Trata-se de material inédito, parte integrante do acervo exclusivo do Sítio Roberto Burle Marx/IPHAN/MinC.

 

Enfocando estritamente as figuras humanas regionais ou familiares e suas cenas diárias, os trabalhos transitam desde o mais fino traço experimental a uma forma abstrata de retratar o ser humano. Do preto e branco a uma delicada utilização das cores, as obras demonstram o desenho acadêmico na formação de Burle Marx. A exposição é dividida em dois núcleos, no primeiro são apresentados os “Retratos” e os “Nus”, que são uma constante no acervo e no segundo, exemplares da série “Cenas de bar”, variados cenários, vistos de ângulos diferentes.

 

Para esta apresentação, no Centro Cultural Correios, acrescentaram-se 17 obras ao primeiro núcleo, predominantemente em nanquim, com o intuito de enfatizar não só o desenvolvimento de uma linguagem própria em seus desenhos, como também referências culturais ligadas á cidade do Rio de Janeiro, como o Pão de Açúcar e a vida boêmia na Lapa e adjacências nas décadas de 1930 e 1940. Duas dessas obras, por exemplo, têm o mesmo tema – pessoas sentadas ao lado de outra deitada, com paisagem ao fundo – desenhado em grafite e em nanquim, ao passo que outro par se compõe de estudos de 1938 para a sua conhecida pintura “Fuzileiro”. Curadoria: Yanara Costa Haas – Sítio Roberto Burle Marx.

 

Sobre o artista

 

Conhecido essencialmente como um dos maiores paisagistas do século XX, Roberto Burle Marx era um artista completo,  de múltiplas artes, como pintura e escultura. Visionário e fundamentalmente moderno, temos em seus desenhos a primeira expressão material como artista plástico. Chamado de “Poeta dos Jardins” por Tarsila do Amaral, Burle Marx projetava suas áreas verdes como quem pinta um quadro. O Rio de Janeiro ostenta a exuberância de seus jardins nos mais belos cartões postais como no Aterro do Flamengo, no Leme e no Outeiro da Glória. O terraço-jardim que projetou para o Edifício Gustavo Capanema, no Centro, é considerado um marco de ruptura no paisagismo brasileiro. Burle Marx adquiriu de sua mãe, a exímia pianista e cantora pernambucana Cecília Burle, o gosto pela música e pelas plantas, e de seu pai, Wilhelm Marx, um alemão comerciante de couros, o dom artístico. Um exemplo desta herança genética encontra-se exposto através do desenho “Menino de Turbante” de autoria do senhor Wilhelm. Roberto Burle Marx morreu em 1994, com 89 anos. Além de seus trabalhos, legou ao mundo o Sítio Roberto Burle Marx, a mais preciosa parte de sua produção. São mais de três mil objetos de arte, entre eles desenhos, mobiliário, pinturas em diversos suportes (tela, tecido, madeira e cerâmica) e esculturas em vidro, madeira e cerâmica. Adquirido em 1949, tornou-se residência definitiva do artista em 1973, que, preocupado em preservar o resultado de suas pesquisas, doou, em 1985, a propriedade ao Governo Federal, que através da Fundação Pró Memória (hoje IPHAN), reconheceu o grande valor de sua obra e dispôs-se a manter o Sítio depois do desaparecimento de seu criador.

 

Até 06 de janeiro de 2013.

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Coletivo na amarelonegro

Moleculagem

A galeria amarelonegro Arte Contemporânea, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição “CAPUT X KAPUT”, realizada pelo Coletivo “MOLECULAGEM”. Em sua primeira exposição, o coletivo “MOLECULAGEM” apresenta na amarelonegro, série de trabalhos que exploram a relação contraditória e intrínseca entre criação e destruição. O antagonismo entre as palavras Caput (termo latino que significa cabeça) e Kaput (gíria alemã que significa destruído) sugere uma tensão que serve como ponto de partida no qual cinco cabeças, os artistas Alexandre Aranha, Bernardo Varela, Pablo Ribeiro, Pedro Conforti e Sol Galvão se inspiram para gerar experimentos visuais e sonoros.

 

De 13 de novembro a 07 de dezembro.

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Luz de Pedra no MAM-Rio

12/nov

O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Aterro do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição “Maria-Carmen Perlingeiro – Luz de Pedra”, com trabalhos da artista carioca que vive em Genebra, Suíça. A mostra reúne oito obras diferentes: “Dois irmãos”, “Corações”, “Solados”, “Hot Ice”, “A bela e a fera”, “Micas”, “As Horas” e “Os Cones”, cada uma delas composta por vários elementos, totalizando 79 peças. A artista retorna ao MAM 30 anos depois de sua exposição “Bicho de 7 cabeças”, realizada em 1982.

 

A exposição reúne obras produzidas nos últimos anos, várias inéditas. A curadoria é de Cristina Burlamaqui, que salienta o “caráter artesanal” das esculturas, “seu envolvimento espacial instigante, alcançado por meio da transparência das pedras esculpidas e perfuradas, numa diluição provocada pela luz”.

 

Para a historiadora e crítica de arte Lionnel Gras, que assina o texto de apresentação da exposição, o público verá um “…panorama ao mesmo tempo denso e preciso do trabalho prolífico desenvolvido há vários anos pela artista na área da escultura…Com uma coerência constante e um rigor absoluto, a artista pratica intuitiva e metodicamente seu ofício em Genebra há mais de vinte anos”.

 

Grande parte das obras é produzida em alabastro – pedra que a artista vem utilizando há bastante tempo em seu trabalho – e folha de ouro. Algumas obras têm, além desses elementos, pele de cabra. Também será apresentada uma série de trabalhos intitulada “Hot Ice”, com obras produzidas entre 2010 e 2011, em selenita e ouro. Na série “Hot Ice”, a artista fura e grava em ouro em uma alquimia de sintonia intuitiva. As peças materializam o vazio, e a luz perpassa a solidez da selenita como um Menir, monólito pré-histórico, que incorpora a escala monumental não pelo tamanho, mas pela sua translucidez, quando a peça se agiganta em uma efêmera experiência de tempo-espaço.

 

A instalação inédita “Cones”, de 2012, composta por 18 peças em alabastro, com medidas variadas, também fará parte da mostra. A exposição terá, ainda, trabalhos da série “As horas”, com esculturas feitas em alabastro e folhas de ouro que formam uma espécie de ponteiro que marca as horas.

 

A série de obras “Solado”, “estruturas que lembram pés descalços subindo os paredões crus de cimento do museu, tentando galgar o impossível”, como define Cristina Burlamaqui, estarão na entrada da exposição. Serão apresentados onze trabalhos dessa série, produzidos entre 2002 e 2012.

 

Também estarão na exposição sete painéis de acrílico, de 100cm x 70cm, com pedras Mica agrupadas. “

 

Sobre a artista

 

Nascida no Rio de Janeiro, 1952, vive e trabalha em Genebra, Suíça. Estudou na Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro e graduou-se na École Supérieure d’Art Visuel, onde mais tarde veio a lecionar. Na década de 1980 mudou-se para Nova York, onde estudou na Art Student’s League. Ao visitar o ateliê de Sergio Camargo em Carrara, Itália, apaixonou-se pela densidade, resistência e peso do mármore. Na década de 1990 descobriu o alabastro, em Volterra, na Toscana, cuja transparência e camadas onduladas dão origem a obras de séries como “Lunáticas”, “Montanhas” e “Piercings”.

 

Em 1996 conquistou o primeiro prêmio em concurso internacional para intervenção artística no prédio do UNI Dufour, em Genebra. Em 2000 recebeu o 1º Prêmio no concurso “Lausanne Jardins 2000”, com o projeto paisagístico “As Lanças de Uccello”. Em 2007, a editora suíça InFolio lançou um livro com textos de Ronaldo Brito e Michael Jakob, registrando a produção de Maria-Carmen desde a década de 1980.

 

Dentre as principais exposições individuais estão as mostras no Scantinatti della Pinacoteca Civica di Volterra e Artrium, em Genebra; Espace Topographie de l’art, Paris, e no Museu da Chácara do Céu, no Rio de Janeiro, ambas em 2007; no Paço Imperial, Rio de Janeiro, em 2006; Centro Cultural Banco do Brasil, em 1999; Château de Villa, Sierre, em 1991, entre outras.

 

As principais exposições coletivas são: “Réflexion forme lumière”, na Galeria Denise René Paris, este ano; a mostra no Espace Topographie de l’art, em Paris, em 2011; na Fonte de San Felice, em Volterra, em 2005; no Museo Cantonale d’Arte, Lugano Art for the World, em 2002; no MAM São Paulo, em 2001; no Musée de la Croix Rouge, em Genebra, em 2000; no Musée Rath e no Musée d’art et d’histoire, ambos em Genebra, em 1999; no Palais de l’Athénée, em Genebra, em 1991; na Escola de artes visuais, Parque Lage, e 1978; XIV Bienal  International de São Paulo, em 1977, e XIII Bienal  International de São Paulo, em 1975, entre outras.

 

De 10 de novembro de 2012 a 13 de janeiro de 2013.

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