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Exposição Enciclopédia Negra no MAR

12/maio

 

 

A mostra “Enciclopédia Negra”, que esteve em cartaz na Pinacoteca de São Paulo, chegou ao Museu de Arte do Rio (MAR). Para a mostra no MAR, seis artistas foram convidados para retratar personagens como Abdias Nascimento, Heitor dos Prazeres, Tia Ciata, Manuel Congo e João da Goméia. A exposição Coleção MAR + Enciclopédia Negra torna pública obras realizadas por artistas contemporâneos para retratar personagens que tiveram suas imagens e histórias de vida apagadas ou nunca registradas. A mostra procura rever e criar uma reparação histórica para conferir possibilidade de retratos a personalidades negras, já que antes do século XIX, apenas os nobres eram retratados. Já negras e negros, foram registrados, muitas vezes, em condições anônimas e em cenas como carregando mercadorias na cabeça.

 

 

O projeto Enciclopédia Negra, dos consultores e curadores Flávio Gomes, Lilia Schwarcz e Jaime Lauriano, trouxe o trabalho de 36 artistas contemporâneos que reproduziram retratos dos biografados e interromperam a invisibilidade que existia até hoje na vida dessas pessoas que ficaram com os rostos apagados pela falta de registros visuais na história. O trabalho resultou também num livro também que reuniu biografias de mais de 550 personalidades negras, em 416 verbetes individuais e coletivos, publicado em março de 2021 pela Companhia das Letras.

 

 

“O público vai conhecer a história de quase 200 personalidades negras porque as obras estão acompanhadas de pequenas biografias e ter contato com um catálogo sensacional de artistas negros, negras e negris. É uma oportunidade de ver o trabalho de jovens artistas, que têm feito uma arte figurativa, política, ativista e belíssima de grande qualidade e reconhecimento nacional e internacional. Essa é uma exposição em que o público irá de encontro a uma nova forma de se ver, estar e experimentar esse Brasil numa visão mais inclusiva e mais plural porque ela enfrenta de maneira direta uma política de apagamento das populações negras”, ressalta a consultora e curadora Lilia Schwarcz.

 

 

13 novos retratos

 

 

Na exposição “Coleção MAR + Enciclopédia Negra”, das 250 obras de artes expostas, 13 são novos retratos, criados por 6 artistas contemporâneos, convidados pelo MAR. Essas obras vão entrar para a coleção do museu após a mostra. Os artistas são Márcia Falcão, Larissa de Souza, Yhuri Cruz, Bastardo, Jade Maria Zimbra e Rafael Bqueer, que fizeram retratos de personalidades como Abdias Nascimento, Heitor dos Prazeres, Tia Ciata, Manuel Congo, Mãe Aninha de Xangô e João da Goméia. Os curadores do MAR Marcelo Campos e Amanda Bonan também criaram um diálogo, sobretudo, com a coleção africana e afro-brasileira do Museu de Arte do Rio.

 

 

“A exposição é constituída de retratos de personalidades negras da história como políticos, artistas, sambistas, advogados e engenheiros, que foram historicamente importantes, mas que não tiveram seus retratos produzidos. Esses registros, em sua maioria, são ficções, porque você não conhece as imagens dessas pessoas e cada artista criou seus recursos para trazer esse corpo que nunca foi visto até esse momento histórico de ser retratado”, comenta o curador chefe do MAR, Marcelo Campos.

 

 

A “Coleção MAR + Enciclopédia Negra” é a sexta exposição inaugurada neste ano pelo Museu de Arte do Rio, uma parceria com a Pinacoteca de São Paulo, restabelecendo nova conexão com outros museus.

 

 

“Recentemente inauguramos a exposição “Yorùbáiano” na Pinacoteca e agora chegou a vez do MAR receber a Enciclopédia Negra. A parceria com a Pinacoteca de São Paulo é um marco importantíssimo na relação e no desenvolvimento de exposições que conquistam cada vez mais audiência e que por terem perspectivas universais são representativas tanto da realidade do Rio quanto de São Paulo.”, ressalta Raphael Callou, diretor da Organização dos Estados Ibero Americanos (OEI), instituição gestora do MAR.

 

 

Até 03 de julho.

Fonte: ArtRio

 

 

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Exposição no Memorial Getúlio Vargas

 

 

No mês em que, no Brasil, é relembrada a abolição da escravatura, os artistas André Vargas e Pedro Carneiro, com participação do DJ Mam, ocupam o Memorial Municipal Getúlio Vargas, na Glória, Rio de Janeiro, com a exposição “Água Banta”, em que propõem uma reflexão que parte do passado colonial e as relações diaspóricas com a água, elemento fundamental à vida, e com múltiplas funções – banhar, lavar, limpar, beber, cozer, purificar, mandingar, benzer. A curadoria é de Shannon Botelho, que reuniu quatro trabalhos de cada artista. A trilha sonora da exposição tem uma playlist criada por DJ Mam, que também pode ser acessada no Spotify.

 

 

O curador Shannon Botelho observa que “…se o corpo humano é composto anatomicamente por água, constituímos fisicamente a história liquefeita, a dor da travessia, o sal e o suor do passado. De certo modo, poderíamos dizer que a água que nos benze e alimenta nos trouxe até aqui, constituindo e significando as nossas existências tão plurais. É curioso pensar, que a exposição acontece fisicamente abaixo de um grande espelho d’água, desativado, dentre outros motivos, a pedido dos moradores do bairro para que a população em situação de rua não faça uso dele para sua higiene pessoal. Um corte muito preciso é estabelecido de imediato: a relação da cidade com o direito à água e sua utilização”.

 

 

A exposição propõe um tempo de reflexão continuado, promovendo simbolicamente a limpeza das mentes e corações, dos conceitos e das construções simbólicas. Nos quatro trabalhos de Pedro Carneiro, o destaque é a videoinstalação, que ocupa com sal grosso um lugar central na exposição, em que a água é tratada como restauradora da vida, e não apenas como fonte de energia. Um “corpo-entre” o passado e o futuro. Estará também em exibição a pintura de Pedro Carneiro, realizada sob direção do multiartista DJ Mam, em parceria com os artistas Tarciov, Batmam Zavareze e o tcheco Jan Kálab, feita para a capa do single “Oloxá, a Cura”, remix para a música de Luedji Luna e Ministereo Público Soundsystem. Os quatro trabalhos de André Vargas constroem no espaço do Memorial Getúlio Vargas um horizonte possível quando se está abaixo do nível do mar. Integrando os meios expressivos contemporâneos, a exposição tem uma trilha sonora, com a playlist exclusiva “Água Banta”, produzida por DJ Mam, disponível também no Spotify.

 

 

A exposição ficará em cartaz até 19 de junho e tem apoio da Galeria Movimento e da Sotaque Carregado Artes.

 

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Iluminuras de Walter Carvalho

10/maio

 

 

Conhecido por seu trabalho em fotografia, cinema e televisão, Walter Carvalho apresenta ao público pela primeira vez sua produção artística autoral em Platinotipia. Na mostra “Iluminuras”, na Mul.ti.plo Espaço Arte, no Leblon, Rio de Janeiro, RJ, o artista reúne uma vigorosa produção composta de trabalhos inéditos a partir de suas experiências poéticas com processos alternativos e rudimentares de impressão. A mostra será inaugurada no dia 12 de maio, às 17h, ficando em cartaz até 24 de junho, com entrada franca.

 

 

Utilizando como matriz seu acervo autoral de fotografias, Walter Carvalho atua sobre as imagens com pinceladas de platina em um complexo processo de impressão. O resultado são as “Iluminuras”. “Novas formas e imagens surgem do inesperado e se aconchegam ‘desplanejadas’. Uma profusão de pretos e meios tons surge de repente, podendo ser lascas de luz sobre os objetos ou derivados deles, mas com espessura”, conta Walter Carvalho. Nas obras, de aproximadamente 70 X 90 cm, feitas sobre papel, um ferro de engomar gira como se estivesse fora do ritmo, numa dança improvável. Manchas, resíduos ou vestígios – o rastro do pincel – de alguma maneira dilaceram as imagens e formas originais sem entretanto, abalar sua estabilidade.

 

 

Há mais de 20 anos, Walter Carvalho dedica-se a sua pesquisa artística no universo de impressões alternativas e rudimentares: “Em 1998 comecei a experimentar impressão com gelatina de prata. Cheguei a expor em 2004, no Instituto Moreira Salles (Rio) e no Paço Imperial (Rio). Depois fui aos poucos tentando outros caminhos, até chegar à Platinotipia. São dez anos nesse estudo”, conta o artista. “Vejo nesses trabalhos uma guinada importante. O artista nesse tempo desencantado desestabiliza a forma, investe em temporalidades que se somam ao seu gesto revelador. Walter Carvalho aposta no experimento e no risco poético”, completa Maneco Müller, diretor da galeria Mul.ti.plo. Um dos interesses de Walter pela técnica, patenteada em 1873 pelo inglês William Willys (1841-1923), é a possibilidade de unir processos diferentes separados por séculos de distância. “As matrizes são feitas a partir de fotos mecânicas com filme fotográfico ou arquivos digitais. A Platinotipia permite esse encontro entre o passado longínquo e os elementos de hoje”, diz o artista, ressaltando também a longa durabilidade conferida pelo uso do nobre metal nas impressões fotográficas. “A platina resiste à impiedosa passagem do tempo”, afirma. Entre os grandes nomes da fotografia mundial que se dedicaram ao processo estão Alfred Stieglitz (1864-1946), Edward Weston (1886-1958), Irving Penn (1917-2009) e Robert Mapplethorpe (1946-1989).

 

 

Sobre o artista

 

 

Walter Carvalho nasceu em João Pessoa, PB, 1947. Fotógrafo e cineasta, é formado em Design Gráfico pela Escola Superior de Desenho Industrial do Rio de Janeiro (ESDI). Desde 1972, desenvolve intensa atividade como profissional da imagem: em fotografia, no cinema e na TV. No cinema, foi responsável pela direção de fotografia de “Lavoura arcaica”, “Abril despedaçado”, “Madame Satã”, “Central do Brasil”, “Amarelo manga” e “Terra estrangeira”, entre outros. Conquistou o Golden Frog, no Film Festival of Cinematography Camerimage, com Central do Brasil, e The International Cinematographers Film Festival “Manaki Brothers” por três vezes. Conquistou a Golden Camera com os filmes: “Terra estrangeira”, “Central do Brasil” e “Lavoura arcaica”. Seu percurso duplo de fotógrafo e cineasta reflete-se em todo seu trabalho autoral. Conta com diversas publicações, como o livro “Contrastes simultâneos” e “Fotografias de um filme”, ambos da Cosac Naify; “Walter Carvalho – Fotógrafo”, editado pelo IMS (2003), “Terra Estrangeira, Leitura das imagens do filme Terra Estrangeira”, Ed. Dumará. Em cinema, recebeu mais de 80 prêmios nacionais e internacionais. Em fotografia, destacam-se os prêmios no Concurso Nacional de Fotografia da Revista Realidade, 1972; e o primeiro lugar no Concurso Nikon (Viagem ao México), 1973. Suas últimas exposições foram “Retraço”, no Museu da Imagem e do Som (MIS) de São Paulo, 2018, com texto de Texto Agnaldo Farias; e no Paço Imperial do Rio de Janeiro, 2019. Sua obra fotográfica integra as coleções do Museu de Arte do Rio (MAR), do Maison Européenne de la Photographie (MEP-Paris), da Coleção Pirelli/Masp, do Instituto Moreira Salles, do Museu de Arte Moderna (São Paulo) e da Coleção Fnac, entre outros. Integra a “Photographers Encyclopaedia International, 1839 to the present”. É membro da Academia de Cinema de Hollywood. Participou de mais de 30 exposições de fotografia no Brasil e no exterior. Como artista, é representado pela Mul.ti.plo Espaço Arte.

 

De 12 de maio até 24 de junho.

 

 

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Cores vivas de Jan Kaláb

09/maio

 

 

No dia 14 de maio termina a exposição “Calor”, primeira individual do destacado artista tcheco Jan Kaláb, na Galeria Movimento, Gávea, Rio de Janeiro, RJ. A exposição já começa com a pintura na fachada da casa em que está a galeria, seguindo pelas escadas até o espaço interior. Jan Kaláb usou as cores vivas e os tons degradês de seu trabalho, ao fazer esta intervenção.   Para o curador Ulisses Carrilho, o trabalho de Kaláb, à luz dos acontecimentos mundiais recentes, sugere algo de “nuclear, bombástico, de energia, de onda de calor, onda térmica”. “E as formas também parecem celulares, microscópicas, como um zoom in”.

 

 

Depois de ser pioneiro no grafite na República Tcheca, e em seguida revolucionar a arte urbana naquele país, Jan Kaláb, nascido em Praga em 1978, ganhou o mundo com suas pinturas de cores vibrantes, em telas com formatos diversos montadas em chassis que ele mesmo constrói. Nos últimos dois anos expôs em Xangai, Miami, Bruxelas, Paris, Madri, Basel e Londres, e é muito ativo no circuito internacional de arte desde 2001. Adora o Brasil, em que esteve quando expôs nas coletivas “De Dentro e de Fora”, no MASP, em 2011, e na primeira Bienal de Grafite no MUBE, em São Paulo, em 2010.

 

 

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Trabalhos inéditos de Betina Abramovitz

04/maio

 

 

 

Entre os dias 05 e 28 de maio Betina Abramovitz apresenta obras inéditas na Rezende Galeria, que sempre abre espaço à exposições temporárias. As obras comparam as surpresas do nosso cotidiano a imprecisão da água na tela e retrata a beleza e a força das árvores, chamando a atenção para a importância da conscientização ambiental coletiva.
Betina Abramovitz sempre foi uma apaixonada por aquarelas, principalmente para retratar o que mais a encanta, a natureza e a água. Aliada à paixão pela aquarela está o interesse pelas árvores. Admiradora de Burle Marx, a artista vem, cada vez mais, estudando sobre o tema. Suas obras já foram expostas, além de em mostras no Rio de Janeiro, como na Hípica, nos Estados Unidos, mais precisamente na Flórida, na 18 edição do Palm Beach Show. Ela foi a mais jovem artista brasileira representada pela Saphira & Ventura Gallery. “Sua desenvoltura é ímpar e espontânea, e ela trabalha a difícil técnica da aquarela com sensibilidade, e mescla a poesia de suas cores, ora vibrantes, ora suaves, revelando habilidade e elegância”, define Saphira, sócio-fundadora e curadora da galeria. Seus trabalhos também foram expostos na Collab Miami Boutique Design Show, ambas em 2021. Quem também elogiou a trajetória de Abramovitz foi o Professor João Cândido Portinari, “Linda obra, sensível, delicadas tonalidades e transparências de verdes, nesta difícil técnica que é a aquarela. Parabéns à jovem artista”, completa.
Na mostra “Raízes da floresta”, Betina expressa sua ligação, desde muito jovem, com espaços ao ar livre e a conexão com os mais diferentes tipos de árvores. Ela conta que sempre morou, e ainda mora, próxima à natureza e isso colabora muito para o seu processo criativo e referências. Além disso, as constantes idas ao sítio da família fazem parte do interesse em retratar as paisagens através das cores e traços em suas aquarelas, uma mídia literalmente fluida, pois a água trabalha com o imprevisível. Ela diz que não apenas o que ela vê, mas os sons das matas que escuta também são inseridos em seus trabalhos. “Gosto de poder utilizar as cores para transmitir calor, frio, vento, emoção e sons”, conta ela. Betina ainda faz questão de mencionar que essa ligação, principalmente com as árvores, tem a ver com a admiração que ela tem pela avó materna, que sempre foi uma fortaleza para todos os membros da família. Uma mulher de coragem, forte e inspiradora. Graduada em design de produto pela PUC-Rio em 2019, Betina vem traçando a sua história na arte e também passou um semestre cursando design gráfico na Parsons The New School for Design, em Nova Iorque. Um de seus objetivos é fazer com que o público dê uma atenção maior às aquarelas, muitas vezes não valorizadas como deveriam. A artista de 28 anos pretende, através desta nova mostra, expor ao público a maravilha da imprecisão da vida através de suas aquarelas, além de atentar para a beleza da natureza  e a vontade e necessidade de preservar. Betina traz a importância de uma conscientização ambiental cada vez maior e conta que vem procurando utilizar materiais mais recicláveis, como pintar em folhas de bananeira, entre outras ideias. “A aquarela não é uma técnica considerada fácil, devido à imprecisão do movimento da água, assim como a vida. Mas não podemos deixar de admirar a beleza dela”, diz Betina.
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Livro de Afonso Tostes na Mul.ti.plo

02/maio

 

 

Afonso Tostes lança o primeiro livro sobre sua obra, na Galeria Mul.ti.plo, Leblon, Rio de Janeiro, RJ. “Entre a cidade e a natureza” revê a trajetória do artista a partir de imagens de sua obra e relatos sobre o processo de trabalho, desde o início de sua produção até os dias de hoje.

 

Lançamento ocorre no dia 03 de maio, às 18h, em meio à exposição “As coisas que ainda existem”, onde ele apresenta trabalhos inéditos em carvão.

 

Editado pela Cobogó, “Entre a cidade e a natureza” revê a trajetória do artista a partir de imagens de suas obras e relatos sobre o seu processo de trabalho, desde o início de sua produção até os dias de hoje.

 

Sobre o organizador

 

Daniel Rangel é mestre e doutorando em Poéticas Visuais da Escola de Comunicações e Artes da USP, graduado em comunicação social em Salvador, Bahia. Foi diretor-artístico e curador do Instituto de Cultura Contemporânea (ICCo) em São Paulo, diretor de Museus do Instituto do Patrimônio Artístico e Cultural da Bahia, da Secretaria de Cultura do Governo do Estado e atuou como assessor de direção do Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM-BA). Desenvolveu projetos curatoriais para a 8ª Bienal de Curitiba, Brasil (2015), a 16ª Bienal de Cerveira, Portugal (2013) e a 2ª Trienal de Luanda, Angola (2010). Realizou ainda curadorias de mostras individuais de importantes artistas brasileiros, como Tunga, Waltercio Caldas, José Resende, Ana Maria Tavares, Carlito Carvalhosa, Eder Santos, Marcos Chaves, Marcelo Silveira, Rodrigo Braga e Arnaldo Antunes, e com este último recebeu, pela mostra “Palavra em Movimento”, o prêmio APCA 2015, de Melhor Exposição de Artes Gráfica.

 

Sobre o artista

 

Afonso Tostes nasceu em 1965, em Belo Horizonte. No final dos anos 1980, mudou-se para o Rio e iniciou os estudos na Escola de Artes Visuais (EAV) do Parque Laje, onde foi aluno de Daniel Senise, Charles Watson, entre outros. Começou sua trajetória com a investigação de formas orgânicas, inicialmente tendo como suporte a pintura e, mais tarde, voltando-se para a escultura. Sua primeira individual foi feita em 1996, no Centro Cultural São Paulo, onde mostrou suas pinturas. Em 2000, expôs telas de grandes dimensões no Paço Imperial, no Rio. Foi em 2001 que mostrou suas esculturas, na galeria carioca Paulo Fernandes. Desde então, mostra os desdobramentos de sua pesquisa escultórica em exposições como a Bienal do Mercosul (2005), a individual Baque Virado (MAM-RJ, 2011), entre outras. Atualmente vive e trabalha em São Paulo.

 

 

 

 

 

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Centenário e Bicentenário

 

 

O Centenário do museu e bicentenário da Independência do Brasil marcam o Plano Anual do Museu Histórico Nacional, Rio de Janeiro, RJ. A exposição “Rio 1922” e o livro “Histórias do Brasil em 100 objetos” fazem parte das ações programadas pelo museu até o final do ano.

 

 

O ano de 2022 traz boas razões para o Museu Histórico Nacional (MHN) comemorar: além de completar 100 anos de criação, este ano também marca o bicentenário da Independência do Brasil. Com o apoio da Associação dos Amigos do Museu Histórico Nacional (AAMHN) e gestão da produtora Artepadilla, o Plano Anual do MHN teve o patrocínio renovado pelo Instituto Cultural Vale, com recurso via Lei Federal de Incentivo à Cultura.

 

 

Centenário do MHN

 

 

No Dia Internacional de Museus, 18 de maio, está programada a abertura da exposição “Rio 1922”, que leva o público à cidade do Rio de Janeiro de 100 anos atrás, quando foi criado o Museu Histórico Nacional no âmbito da Exposição Internacional do Centenário da Independência. Resultado de uma curadoria colaborativa, a exposição resgata a memória da então capital da República em um ano-chave para a história brasileira. Pinturas, fotografias, objetos, peças de vestuário e mobiliário de época buscam dar o tom de como se vivia na cidade e os desafios do período.

 

 

Destacam-se na exposição as reformas urbanas no Rio, como o desmonte do Morro do Castelo para a construção dos pavilhões da exposição de 1922 – uma das reformas mais controversas e até hoje discutidas -, além da criação do museu pelo presidente Epitácio Pessoa em um contexto de dificuldades econômicas e transformações sociais no país. Com previsão de ficar seis meses em cartaz, a exposição “Rio 1922” se desdobrará em uma nova exposição, que fará a ponte entre os anos de 1922 e 2022, por meio de uma dezena de itens do acervo do MHN.

 

 

Ainda no marco de seu centenário, está em andamento a reformulação de “Oreretama”, módulo que abre a exposição de longa duração do MHN, dedicado à cultura dos povos originários antes da chegada dos portugueses. A reformulação está sendo realizada por núcleos técnicos do museu com o apoio de consultores externos, e vai apresentar ao público uma narrativa atualizada, com uma expografia acessível e em diálogo com a sociedade.

 

 

Bicentenário da Independência

 

 

Em homenagem ao bicentenário da Independência do Brasil, será lançado o livro “Histórias do Brasil em 100 objetos”. As peças de acervo do MHN são abordadas, de forma acessível, por pesquisadores e especialistas sob diferentes perspectivas, em uma edição ilustrada e com tiragem de mil exemplares. Além destas ações, a prorrogação, até 29 de abril, da exposição “Terra à vista e Pé na Lua”, que homenageia os 90 anos de Ziraldo, e o lançamento do catálogo digital da mostra também fazem parte das ações do Plano Anual 2022 já em andamento.

 

 

“Com o Plano Anual 2022, o Museu Histórico Nacional realizará atividades de grande relevância no ano em que completa 100 anos, reafirmando assim seu protagonismo no campo dos museus brasileiros”, aponta a historiadora Aline Montenegro, diretora substituta do MHN. “O Instituto Cultural Vale estará, uma vez mais, apoiando as ações do MHN em um ano especial, com a celebração do seu centenário e as comemorações do bicentenário da independência do Brasil”, afirma Hugo Barreto, diretor-presidente do Instituto Cultural Vale. “Para nós, é especialmente significativo celebrar estes marcos, que aproximam os diversos públicos da nossa história e tornam a experiência de conviver e aprender em um museu ainda mais prazerosa”.

 

 

Sobre o MHN

 

 

O Museu Histórico Nacional (MHN) é um museu dedicado à história do Brasil. Localizado no centro histórico da cidade do Rio de Janeiro (RJ), foi criado no ano de 1922, pelo então presidente Epitácio Pessoa (1865-1942), como parte das comemorações do centenário da Independência do Brasil. Unidade museológica integrada à estrutura do Instituto Brasileiro de Museus (Ibram), autarquia do Ministério do Turismo, o MHN possui um acervo constituído por mais de 300 mil itens arquivísticos, bibliográficos e museológicos. Suas galerias de exposição abrangem desde o período pré-cabralino até a história contemporânea do país. O espaço expositivo faz parte de um conjunto arquitetônico que se distribui por uma área de 14 mil m², à qual se somam os mais de 3 mil m² de pátios internos. O museu conta, ainda, com galerias para exposições temporárias e loja de souvenirs. Comprometido em apresentar da melhor forma possível suas coleções ao maior número de pessoas, o MHN atende escolas públicas e privadas, bem como visitantes em geral em visitas mediadas especiais.

 

 

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Exposição e livro de Bandeira de Mello

 

 

A Galeria Evando Carneiro Arte, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, convida para o lançamento do livro de Marcelo Silveira, “Bandeira de Mello: a arte de uma vida entre séculos”, e exposição de desenhos do artista no dia 07 de maio, sábado, das 17 às 19h.

 

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Transitoriedades Ocultas no CCC RJ

29/abr

 

 

Rose Aguiar e Sandra Gonçalves apresentam até 04 de junho, fotografias em duas salas no Centro Cultural Correios RJ, Centro, Rio de Janeiro, RJ.

 

 

Qual a perspectiva híbrida que uma imagem pode assumir? Perpassando pelo documental e o ficcional, é essa a proposta da exposição “Transitoriedades Ocultas”, que reúne trabalhos das artistas visuais, professoras e pesquisadoras Rose Aguiar e Sandra Gonçalves. A partir do dia 05 de maio, cada uma ocupará uma sala do andar térreo, sob curadoria de Cota Azevedo, totalizando 60 fotografias. As composições apresentadas são organizadas em dois grupos visuais de cor: o azul, com imagens que tangem o abstrato com a temática “água”, de Rose Aguiar; e o vermelho, cor eleita por Sandra Gonçalves para expressar questões do feminino.

 

 

O ponto onde as narrativas apresentadas convergem é o contexto de trânsito entre algum lugar da memória iconográfica e do faz de conta. Tanto Rose quanto Sandra tratam a fotografia como um campo que instiga a visão para além do olhar, seja pelo viés da sobreposição da imagem sucessiva ou ainda pela aproximação do ponto focal retratado. A narrativa do conceito dos trabalhos se estabelece facilmente. É necessário um ato de “começar a ver”, que não reconhece um caminho exato de uma identificação com a realidade meramente mimética.

 

 

“O campo formal do documentário, do registro, torna-se contaminado pelo subjetivo e imaginário em “Transitoriedade Ocultas”. Se há um espaço de discurso da criação de uma obra que não pode ser captado pelo outro, na fotografia haveria então uma visão míope. Algo de uma certa incapacidade linguística de traduzir por completo a imagem retratada. Mesmo quando ocorre um registro verossímil da realidade, o fato, a foto, torna-se um território carregado de símbolos ocultos específicos e repletos de uma ambivalência da imagem documentada, que, por vezes, se tornam invisíveis. Quase sempre, não reveladas. Segundo Susan Sontag, pensadora e crítica de arte, “…a fotografia é o inventário da mortalidade. Sendo assim, transitórias e ocultas”, afirma a curadora, Cota Azevedo.

 

 

O real é abstrato ou não? É o que Rose Aguiar parece interrogar em suas fotos aquáticas. A temática escolhida pode colocar o espectador no contexto da cena projetada: um participante ativo, ou um voyeur a querer adentrar no cenário vislumbrado. As distâncias focais curtas podem articular uma história ambígua. A escolha de composição em suas fotografias mostra ainda a natureza das coisas cambiantes de uma imagem. A vitalidade também encontra a sua ponte em Sandra Gonçalves. A escolha pela paleta de cor forte (vermelha, carnal e carnívora) das suas fotos infringe o cenário costumeiro, como se a proposição da imagem testemunhasse seu tempo e seus atravessamentos. A artista opta por levantar questões do feminino através de uma sucessão de camadas fotográficas, em uma infinitude de leituras estruturais e historiográficas onde os temas não são banais.

 

 

Sobre as artistas

 

 

Rose Aguiar nasceu no Ceará, foi criada no Rio de Janeiro e mora em Nova Friburgo desde 1979. Graduada em Artes (Educação Artística) no Bennett, possui três pós – graduações (Universo, UNIRIO e UNB) na mesma área. Trabalha com desenho, xilogravura, aquarela e fotografia há mais de 40 anos e atualmente sua pesquisa se volta para a fotografia, com o tema “Água”, com imagens que instiguem e causem estranhamento no espectador. Realizou exposições individuais e coletivas no Brasil (Fortaleza, Goiás, São Paulo, Porto de Galinhas, Rio de Janeiro e Nova Friburgo) e no exterior (Nova York, Portugal, Osaka, Paris, Palermo, Milão). Participou de Exposições pelo MUSA Contemporary Art durante quatro anos em diversas cidades europeias e com a Galeria Heclectik Art. Trabalhou durante 30 anos como professora de artes na Rede estadual de Ensino em Nova Friburgo (IENF). Teve como mestres Ivan Serpa, Lydio Bandeira de Melo, Eduardo Sued, Antônio Grosso e Chalib Jabour, orientação de Lia do Rio, Marcia Zoé Ramos, Sara Figueiredo.

 

 

Sandra Gonçalves nasceu na cidade do Rio de Janeiro e atualmente mora e trabalha em Porto Alegre. É artista visual, fotógrafa, professora e pesquisadora da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS). Desde 2000, a artista se dedica à linguagem da fotografia, atua tanto com a técnica da fotografia analógica como a digital produzindo uma imagem híbrida. Ambos os processos estão vinculados as reflexões sobre o ser-no-mundo contemporâneo. Seu currículo contabiliza mais de 40 exposições coletivas, além de sete individuais, no âmbito internacional e nacional. Ainda este ano lançou pela editora Origem o livro fotográfico “Cápsula”, sobre os trabalhadores de atividades insalubres, no caso específico das carvoarias existentes no centro urbano da cidade do Rio de Janeiro. Sandra foi selecionada no Edital Público de Ocupação Centro Histórico Cultura da Santa Casa de Porto Alegre. 2022. A mostra está marcada para setembro deste ano em Porto Alegre, RS.

 

 

 

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Reapresentação de instalação

 

 

Após dois anos trancados no “bunker”, o Exército Monarca, de Fábio Carvalho, volta a levantar vôo. Será  no Memorial Municipal Getúlio Vargas, Glória, Rio de Janeiro, RJ, a partir de 07 de maio, com a reabertura da instalação “Parada II” e permanência em  cartaz até 19 de junho.

 

 

“Parada II”, de Fábio Carvalho, é uma instalação com mais de 750 bandeirinhas de papel de seda com impressão de soldados portando fuzil, com asas de borboleta saindo das costas, que ocupará a área de exposições temporárias do Salão Principal do Memorial Municipal Getúlio Vargas, com curadoria de Shannon Botelho. A impressão das bandeirinhas foi feita uma a uma, com o uso de carimbos de borracha produzidos à mão pelo próprio artista, a partir de um desenho original de sua autoria.

 

 

O uso da imagem da borboleta monarca (Danaus plexippus) em vários dos trabalhos do artista vai muito além do fato de borboletas serem normalmente associadas ao universo feminino, frágil e delicado, que em oposição aos símbolos usualmente aceitos como masculinos, de força e virilidade, como os militares, formam a principal dialética da sua produção artística, que procura levantar uma discussão sobre estereótipos de gênero, e questionar o senso comum de que força e fragilidade, virilidade e poesia, masculinidade e vulnerabilidade não podem coexistir. Seu uso surge ainda como um contraponto à camuflagem dos uniformes militares. As borboletas monarca são tóxicas, e por isso evitadas pelos predadores. Há outras espécies de borboletas não venenosas que mimetizam o padrão exuberante da monarca, que assim são igualmente evitadas pelos predadores. Camuflagem e mimetismo são estratégias opostas de sobrevivência e proteção, que objetivam confundir e enganar, ao se fingir ser algo que não se é.

 

 

As linhas de bandeirinhas são dispostas perpendicularmente às duas paredes, em sequência ordenada, começando do alto, descendo suavemente a cada nova fileira, até ficarem na altura do chão ao final do corredor da galeria. Desta forma, até um certo ponto se poderá entrar na instalação, até que a massa de bandeirinhas impeça o espectador de seguir.

 

 

“Parada” é sobre ordem, a imposição de uma certa ordem, que padroniza, anula diferenças, ignora a diversidade, dita um ritmo, uma regra arbitrária de ocupação dos espaços, cartesiana, regular, mas que apesar de todo o esforço de padronização, de robotização dos corpos e mentes, a menor e mais singela interferência (a entrada do público na exposição) já desestabiliza esta ordem rígida e monótona, insere movimento, poesia, beleza (através do movimento de ar gerado pelo deslocamento das pessoas no interior da instalação).

 

 

Pela primeira vez, desde que os “Monarcas” surgiram em 2014, há algumas bandeirinhas vazias, em branco, em meio aos soldados alados. Seu significado, entretanto, o artista faz questão de manter em segredo – “eu acho muito mais interessante e rico que cada pessoa tente elaborar por si mesma o que seriam estes vazios, estas ausências”, afirmou Fábio Carvalho. Outro detalhe, mais sutil, é que de imediato vemos essa ordem/rigor, mas se olharmos de perto, de dentro, é uma aparência, uma fachada (precária); há defeitos, emendas, rasgos, amassados; a vida real, suja, orgânica, entrópica, sempre se impõem à ordem rígida e artifical, arbitrária, que para ser preservada exige trabalho, esforço, reforço, força (violência).

 

 

A exposição “Parada II” foi originalmente inaugurada em 14/02/2020. Por causa da pandemia de Covid19, iniciada em março daquele ano, ela foi fechada pouco tempo depois, e permaneceu fechada até agora. Apesar da fragilidade material da obra, ela permaneceu praticamente intacta nestes 27 meses de “reclusão”.

 

 

Sobre o artista

 

 

Fábio Carvalho, encontra-se em atividade desde 1994, apresentando em em seu curriculum 17 exposições individuais e mais de 150 coletivas, no Brasil e exterior. Integrou importantes projetos de mapeamento da produção emergente no Brasil nos anos 1990, e fez exposições por quase todo o território nacional. Já integrou mostras na Alemanha, Argentina, Cuba, Espanha, Equador, EUA, Inglaterra, Itália, Portugal, República Checa, entre outros. Participou de 7 Residências Artísticas em Portugal e 4 no Brasil.

 

 

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