AGENDA CULTURAL

Museu Histórico conta a sua história

26/set

Em comemoração aos 85 anos do MHCRJ, o Pavilhão de Exposições Temporárias, Casarão, Gávea, recebe a exposição “O Museu Histórico da Cidade do Rio de Janeiro conta a sua história”. A mostra recupera a trajetória da instituição para além dos fatos que a conformam, explorando aspectos diversos da atividade museológica e tornando conhecidos os rostos por trás dela. Para contar essa história, recorreu-se à memória de alguns destes agentes – do passado e do presente -, à fotografias da coleção do Museu, além de peças do seu rico acervo, como o estudo da Cabeça do Cristo e trabalhos do Mestre Valentim.

A exposição integra a 13ª Primavera dos Museus, uma iniciativa do Instituto Brasileiro de Museus (IBRAM), que este ano traz como tema “Museus por dentro, por dentro dos museus”.

Até setembro de 2020.

Exibição prorrogada

Roberto Magalhães e Carlos Vergara, dois expoentes da arte contemporânea brasileira, amigos há décadas – desde os tempos da “Nova Figuração” com os companheiros de ofício Antonio Dias e Rubens Gerchman – apresentam uma exposição em conjunto. A mostra, em cartaz na galeria Mul.ti.plo Espaço Arte, Leblon, Rio de Janeiro, RJ, foi prorrogada e permanecerá até 11 de outubro. Ao todo, são cerca de 20 trabalhos, ligados sob o fio do desenho e da obra gráfica. Os dois artistas criaram em conjunto novos trabalhos. A ideia é fazer com que a obra de dois artistas que seguiram carreiras paralelas com traços autorais muito fortes e absolutamente distintos possa se tocar pela primeira vez, em um horizonte improvável. Para criar essas obras, o espaço da galeria se transformou em ateliê e os artistas tiveram telas à sua disposição. Em cada uma, foram traçadas uma linha divisória: um desenha e pinta a parte de cima e outro a de baixo. Depois, eles invertem a ordem. “Não se trata de uma competição, mas de um desafio criado por eles mesmos como um gesto de respeito e admiração um pelo outro”, diz Maneco Müller, sócio da galeria.

Pioneiros da nova figuração brasileira, participantes da icônica exposição “Opinião 65”, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, em 1965, Roberto Magalhães e Carlos Vergara se conheceram ainda na adolescência, tiveram protagonismo cedo, desenvolveram longa carreira nas artes visuais e sempre foram muito próximos. Ao mesmo tempo, suas criações são definitivamente distintas. Até no temperamento são diferentes: Vergara é expansivo, enfático, agitado, veemente, esportista; Roberto é silencioso, introvertido, calado, contido e observador de tudo. Ainda assim, há um silêncio misterioso que os une em torno da transcendência ou “na busca do inefável”, como diz Vergara, que, em sua trajetória de “pintor viajante”, sempre traz como pretexto as trilhas misteriosas dessa busca. Magalhães, por rumo muito diverso, sempre esteve mergulhado nas questões místicas e suas obram falam de um mundo etéreo. “Minha arte é a busca e a expressão da subjetividade”, explica ele.

Na exposição, Vergara traz obras de duas séries: “Coração”, de técnica mista sobre papel, entre impressão, aquarela e pigmento, e outra chamada “Bodoquena”, com desenhos de uma viagem do artista à serra de mesmo nome, no Mato Grosso do Sul. São trabalhos recentes, de média proporção. Entre os trabalhos de Roberto, a maioria é inédita e outros são praticamente desconhecidos. São obras sobre papel, em técnica mista (bico de pena e aquarela). “Meus trabalhos têm uma conotação mística, esotérica, tema que eu persigo desde a década de 70. Sou um estudioso do assunto”, diz o recluso artista, que na semana que antecede à exposição, retorna de uma região desértica e isolada no noroeste da Argentina para onde foi meditar e desenhar.

“O primeiro nome que pensei para essa exposição foi Paralelos, depois tive uma ideia: por que não ‘Roberto Carlos’? Roberto Magalhães e Carlos Vergara!”, diverte-se este, feliz com a oportunidade de trabalhar ao lado do velho amigo. “Eu me dou com o Roberto desde 1959. Frequentava a casa dele, na Rua Farani, que era uma espécie de república de artistas. Fizemos muita coisa juntos, exposições, mas temos caminhos, interesses, ideias e métodos de trabalho muito diferentes. Isso, entretanto nunca nos afastou. Sempre tivemos ótimo convívio”, disse Vergara. “Apesar de certa ansiedade para saber como ficarão os nossos improvisos, vai ser inusitado… E divertido. É um grande prazer dividir essa exposição com o Vergara”, diz Roberto.

Mas a ideia de reunir a dupla na exposição vai muito além de uma crônica entre dois personagens das artes plásticas brasileiras. Segundo Maneco, essa é uma mostra a ser contemplada com calma e concentração. “É necessário repousar o olhar em cada trabalho para que a exposição possa ser absorvida com toda a sua intensidade”, finaliza ele.

48 mil pessoas na ArtRio

23/set

Pluralidade e acessibilidade. Essas duas palavras deram o tom da ArtRio 2019, que terminou na Marina da Glória. O evento, que teve a participação de cerca de 80 galerias, recebeu público de 48 mil pessoas, distribuído em 5 dias de feira, e ocupou uma área de 10.600 m². Em 2020, quando completa 10 anos, a ArtRio está confirmada entre os dias 09 e 13 de setembro.

“Esse foi um ano marcante para a ArtRio, com muitas transformações e nova programação. Queremos que cada vez mais a ArtRio seja plural, ao valorizar e trazer para o público diferentes formas e linguagens de arte. Queremos mostrar como a arte e a cultura são a base de nossa formação, nossa história, e o fio que nos conduz para o futuro”, indica Brenda Valansi, presidente da ArtRio.

A partir deste mês, a ArtRio entra em uma nova fase de sua história. A plataforma ArtRio passa a ter como sócia, junto com Brenda Valansi, a Dream Factory, empresa de experiência ao vivo, com escritórios no Rio de Janeiro, São Paulo e Brasília. Fundada em 2001, faz parte do Grupo Artplan e entre os grandes projetos atualmente assinados pela empresa estão o Rio Montreux Jazz Festival, a Árvore do Rio, a Maratona do Rio, Carnaval de Rua do Rio e o Sertões, maior rally das Américas que cruzou o país em agosto.

A Dream Factory irá atuar nas áreas de patrocínios, projetos multiplataforma e produção da ArtRio. Brenda Valansi permanece presidente da ArtRio, responsável por todo o conteúdo, seleção de galerias e curadores e desenvolvimento de novos projetos e ações ligadas a arte.

“Buscamos formar o mais representativo mosaico da enorme cultura brasileira investindo em projetos que são líderes em seus segmentos. A ArtRio veio complementar o portfólio da Dream Factory com sua plataforma de alto valor, disseminando arte ao longo de todo o ano em diferentes formatos e buscando atingir os mais diversos públicos. Nossa atuação terá foco em ampliar a atuação da ArtRio, sempre com essa essência inovadora, que faz parte de seu DNA. Um ponto extremamente relevante é a multiplicidade de ações para disseminação da arte, que tem seu ápice nesta feira de visibilidade internacional”, reforça Duda Magalhães, presidente da Dream Factory e vice-presidente executivo do Grupo Artplan.

A ArtRio teve dois setores gerais, PANORAMA e VISTA, com galerias selecionadas pelo comitê curatorial. Pelo segundo ano, a feira apresentou o programa BRASIL CONTEMPORÂNEO, com galerias trazendo artistas de fora do eixo RJ-SP. O evento teve ainda três programas curados: SOLO, com curadoria de Sandra Hegedüs; MIRA, com curadoria de Victor Gorgulho; e PALAVRA, assinado por Gabriel Gorini.

Desenvolvendo um forte trabalho de valorização da arte brasileira, a ArtRio trouxe para o Rio esta semana mais de 100 colecionadores e curadores, brasileiros e estrangeiros. Além de visitar a feira, este grupo tem uma programação especial que incluiu visitas a ateliês, coleções privadas e instituições culturais e museus.

Uma importante agenda desse ano da ArtRio foi o lançamento do ArtRio Educacional. Com foco na democratização da arte e do conhecimento, a ArtRio, em parceria com a Aliansce Sonae, produziu a mostra inédita História da Arte, Olhar e Descoberta. Totalmente interativa e gratuita, a ação estreou no Bangu Shopping, onde permanece até o dia 29. Em 2020, a mostra chega ao Carioca Shopping, Caxias Shopping e Shopping Grande Rio.

Com curadoria da museóloga e professora de arte Libia Schenker, a mostra foca no período do Renascimento ao Expressionismo Abstrato. A exposição traz 10 totens interativos, e cada um explica o movimento artístico através de imagens de obras emblemáticas de grandes artistas. A locução é da cantora Roberta Sá. Em mais uma ação que extrapolou o espaço da Marina da Gloria, levando a ArtRio para diversos bairros da cidade, foi organizado um circuito de visita a ateliês, com os artistas apresentando seu processo de criação e metodologia de trabalho.

Dentro da programação do Conversas ArtRio, agenda de discussões, palestras e debates com artistas, galeristas, colecionadores, diretores e instituições e curadores. Foram nove programas com diversos temas da atualidade, entre eles Arte e Tecnologia e Colecionismo Consciente. A Artrio 2019 tem patrocínio do Governo do Estado do Rio de Janeiro, da Secretaria de Estado de Cultura e Economia Criativa e da Osklen, por meio da Lei Estadual de Incentivo à Cultura. Tem ainda apoio da Audi, Aliansce Sonae, Osklen, Rio Galeão, Shopping Leblon, Stella Artois e Green People, além de apoio institucional da Estácio, Bombay Sapphire, Breton, Perrier-Jouet e RUA. O Belmond Copacabana Palace é o hotel oficial do evento.

Durante a ArtRio foram apresentados os vencedores da sexta edição do Prêmio FOCO Bradesco ArtRio, destinado a artistas jovens com até 15 anos de carreiras. Os selecionados em 2018 foram Paul Setúbal, Ana Hupe e Aline Xavier. Todos receberão residências artísticas e esse ano participaram com suas obras da ArtRio.

Prêmio FOCO ArtRio

Em sua sétima edição, o PrMeio FOCO ArtRio apresentou os dois artistas selecionados em 2019: Rafael BQueer e Tiago Santana. Os dois receberão como prêmio a participação em residências artísticas em reconhecidas instituições. Também tiveram seus trabalhos em um estande especial na ArtRio deste ano.

As residências do 7º Prêmio FOCO ArtRio são:

– Rio de Janeiro (RJ) – Residência Capacete

– Belém (PA) – Residência São Jerônimo

Rafael BQueer

Rafael BQueer se graduou em Licenciatura e Bacharelado de Artes Visuais pela Universidade Federal do Pará (UFPA – PA), mas hoje vive e trabalha no Rio de Janeiro. Como artista visual, se dedica a investigar sobre corpo, gênero e sexualidade, assim transitando por diversas linguagens, entre as quais performance, vídeo e fotografias. Na ArtRio, Rafael BQueer apresentou o projeto “Treme Terra”, um vídeo que explora a chamada “música tecnobrega” (gênero popular que reúne referências das músicas brega e eletrônica) do ponto de vista das Artes Visuais, para assim descolonizar a visão histórica que existe sobre a arte brasileira e se reconectar com a sua ancestralidade amazônica.

Tiago Sant’Ana

Artista visual, curador e doutorando em Cultura e Sociedade pela Universidade Federal da Bahia. Seus trabalhos imergem nas tensões e representações das identidades afro-brasileiras – tendo influência das perspectivas decoloniais. O açúcar aparece com recorrência em seus trabalhos recentes como uma tática de aproximar o debate sobre colonização com a atualidade. Foi um dos artistas indicados ao Prêmio PIPA 2018. Na série “Sapatos de açúcar”, o artista se utiliza do sapato como um símbolo precário da libertação das pessoas negras escravizadas no pós-abolição, transformando-o num objeto feito de açúcar. A tensão da série reside nos sapatos estarem prestes a serem dissolvidos na água do mar, um gesto para tratar da fragilidade da cidadania quando se refere à população negra.

Glauco Rodrigues, novo livro

20/set

Destacando a genialidade de Glauco Rodrigues, no dia 21 de setembro, a Danielian Galeria, Rio de Janeiro, RJ, promove o lançamento do livro “Glauco Rodrigues – crônicas anacrônicas, e sempre atuais, do Brasil” que homenageia a vida, a obra e a vitalidade do artista. O livro faz uma revisitação histórica de Glauco Rodrigues, apresentando a importância e relevância atemporal de sua obra pictórica. Nome de alto prestígio no cenário artístico nacional, Denise Mattar assina o livro sobre Glauco Rodrigues no qual é reforçada a importância e a grandiosidade do artista.

Além de textos de época como os de Roberto Pontual (1978) e Frederico Morais (1986), a publicação apresenta dois textos contemporâneos da autora do livro, a curadora Denise Mattar, e uma entrevista com o crítico francês Nicolas Bourriaud, feita por José Teixeira de Brito.

O livro apresenta duas importantes séries feitas por Glauco nos anos 1970: “A carta de Pero Vaz de Caminha” e “A Lenda do Coati-Puru”. O intenso trabalho de pesquisa contou com a assessoria de Norma de Stellita Pessoa, viúva do artista. Em 16 de outubro será a vez da badalada Livraria da Vila em São Paulo receber o lançamento. O livro estará à venda na Livraria da Travessa (Rio), Livraria da Vila (Jardins, São Paulo, SP) e Livrarias Curitiba.

O nome é “Romance”

19/set

Desde o dia 20 e até 28 de setembro, a Luciana Caravello Arte Contemporânea, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição coletiva “Romance”, com cerca de 50 obras de 31 artistas: Adrianna Eu, Afonso Tostes, Alan Fontes, Alexandre Mazza, Alexandre Sequeira, Almandrade, Armando Queiroz, Bruno Miguel, Daniel Escobar, Daniel Lannes, Delson Uchoa, Eduardo Kac, Elle de Bernardini, Fernando Lindote, Gabriel Giucci, Gê Orthof, Gisele Camargo, Guler Ates, Igor Vidor, Ivan Grilo, Jeanete Musati, João Louro, Jonas Arrabal, Lucas Simões, Marcelo Macedo, Marcelo Solá, Marina Camargo, Nazareno, Pedro Varela, Ricardo Villa e Sergio Allevato.

Com curadoria de Gabriela Davies, a exposição apresentará obras em diversos suportes, como pintura, colagem, desenho, fotografia, vídeo, escultura e instalação. Os trabalhos abordam os diversos tipos de romance, atravessando o romance da memória, o romance da história, o romance clichê e também o romance erótico.

“Se a quebra do romance permeia os dias de hoje, as histórias de bom-mocismos também ficaram em patamares passados. Mas a verdade é que o romance não deixou de existir, o conceito foi ressignificado. Nosso novo romance é descobrir nossos verdadeiros desejos, nossas identidades, nosso sexo, a vontade de ser nossa própria força. Estamos lutando contra estereótipos sociais rígidos”, afirma a curadora Gabriela Davies.

A exposição apresenta trabalhos recentes e inéditos, sendo que muitas obras foram produzidas especialmente para esta exposição, como é o caso dos trabalhos de Adrianna Eu, Afonso Tostes, Alan Fontes, Armando Queiroz, Bruno Miguel, Daniel Escobar, Daniel Lannes, Delson Uchoa, Elle de Bernardini, Ferrnando Lindote, Pedro Varela, Ricardo Villa e Sergio Allevato.

Obras em exposição

Nas pinturas de Alan Fontes, aparecem palácios e casarões históricos, que nos remetem a beleza de outras épocas, enquanto Daniel Escobar produz colagens com diversos elementos ressaltados de páginas demonstrando a bela flora brasileira. “Ambas tentativas românticas exaltando desejos de mundos mais sensíveis, mas compreendendo que estes beiram o esquecimento (já não vemos mais estas construções em suas formas majestosas, e nas notícias apenas as chamas flamejantes que tomaram nossa imensa floresta da Amazônia)”, diz a curadora Gabriela Davies. Já Marcelo Macedo, através do mesmo suporte, o livro, ao recortar página após página no mesmo polígono, “revela pequenas lâminas de cada página, sem nos revelar o seu verdadeiro conteúdo dando-nos a responsabilidade de criar sua história com o que achamos próprio”.

Os romances também aparecem nas pinturas de Daniel Lannes, que retratam sessões de análise, “onde expressamos nossos desejos mais profundos, mas logo os reprimimos ao sair do consultório – que no caso da pintura, parece mais um “talk-show” de grande audiência que uma sessão particular”, ressalta a curadora.

Em uma sala separada no terceiro andar, haverá, ainda, trabalhos com temas eróticos.

As fotografias de Eduardo Kac apresentam uma grande passeata nudista pela praia de Ipanema. “Uma atividade que é repetidamente repudiada por moralistas, mas que na verdade expressa a vontade de ser em liberdade”, diz a curadora. Em paralelo, Güler Ates, uma fotógrafa turca, também se apropria do seu corpo com registros fotográficos, mas, por sua vez, encoberta por uma manta de seda que revela apenas uma sugestão de figura feminina. “Esse desaparecimento atrás do véu, uma tradição da religião muçulmana, estimula um senso erótico no imaginário do espectador que é contrário ao propósito do encobrimento”, conta a curadora. Já Élle de Bernardini cria sua série “Formas Contrassexuais”, em que abrange os diferentes campos de gênero e sexualidade, “…possibilitando inúmeras classificações (a insenção de) para o descobrimento de nossos ”‘eus’”.

Leonilson & Dias

17/set

A Pinakotheke Cultural, Botafogo, Rio de Janeiro, RJ, abriu para o público a exposição “Leonilson por Antonio Dias – Perfil de uma coleção”, que reúne 38 desenhos e pinturas de Leonilson (1957-1993) que pertenciam a seu amigo Antonio Dias (1944-2018). A quase totalidade das obras é dos anos 1980. A exceção é a pintura “o biblioteca; o espelho”, de dezembro de 1992, com uma dedicatória a Antonio Dias, e enviada por Leonilson junto com uma carta em 1993, pouco antes de sua morte. A ideia da exposição surgiu em outubro de 2015, em Fortaleza, quando Antonio Dias preparava sua individual na Galeria Multiarte. Na ocasião, ele, sua mulher Paola Chieregato e Max Perlingeiro deram partida ao projeto.

“Esta era a vontade de Antonio, além de mostrar esta coleção, contar a história de sua amizade pelo “Leo”, e sua visão. Tudo começou no outono de 1981, em Milão, Itália. Madrugada fria. Estação de trem. Desembarca Leonilson, vindo de Madri. Depois de beber algumas xícaras de café para acordar, resolve ligar: “Antoim! É o Zé! Zé Leonilson”. “E quem te deu meu telefone?”, pergunta Antonio. “Foi o Piza”. “Então vem pra cá!”, responde Antonio, relata Max Perlingeiro.“Leonilson havia conhecido Arthur Luiz Piza (1928-2017) em Paris, por intermédio de Geraldo Holanda Cavalcanti, embaixador do Brasil junto à Unesco (Paris 1978-1981)”, conta. Dali em diante começou uma grande amizade, com respeito mútuo, confiança, afeto, que durou até a morte de Leonilson.

Complementam a exposição quatro obras pertencentes a outras coleções particulares. Acompanha a exposição o livro “Leonilson por Antonio Dias – Perfil de uma coleção” (Edições Pinakotheke), com capa dura, bilíngue (port/ingl), 120 páginas, com textos de Paola Chieregato e Max Perlingeiro. O livro conterá ainda uma entrevista com Luiz Zerbini, também amigo do artista, e uma cronologia da trajetória de Leonilson, além das imagens das obras da exposição.

Sábados na Pinakotheke

Em torno da exposição “Leonilson por Antonio Dias – Perfil de uma coleção”, a Pinakotheke Cultural realizará ao longo de alguns sábados, sempre das 11h às 13h, atividades gratuitas para crianças em seu jardim, ou, em caso de chuva, no espaço expositivo.

Curadoria: Antonio Dias – Planejamento e organização: Max Perlingeiro e Paola Chieregato – Realização: Pinakotheke Cultural – Apoio institucional: Apoio Projeto Leonilson – Entrada gratuita

Até 26 de outubro.

Vergara no MAM Rio

10/set

O celebrado artista ocupará o Espaço Monumental do Museu de Arte Moderna, MAM Rio, Parque do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, com quatro conjuntos de obras que percorrem seu trabalho iniciado em 2003, em que busca os sinais do sagrado. Entre trabalhos inéditos e criados especialmente para a exposição estão pinturas de grande formato – as maiores já realizadas pelo artista -a partir de monotipias feitas no Cais do Valongo, na zona portuária carioca, onde chegaram os escravizados vindos da África, e nos trilhos do bonde em Santa Teresa, no Rio de Janeiro, onde fica seu ateliê. E ainda as resultantes de sua recente viagem no sul da França, pelo caminho do sagrado feminino, que teria sido trilhado pelas Três Marias – Maria Madalena, Maria Jacobé (ou Jacobina, mãe de Tiago), e Maria Salomé – e Santa Sara, a escrava egípcia que se tornou padroeira dos ciganos. A exposição entrará em cartaz a partir de 14 de setembro – e até 12 de janeiro de 2020 – em seu Espaço Monumental. A exposição “Carlos Vergara – Prospectiva”, percorre a produção do celebrado artista, desde 2003 até obras recentes e inéditas. Outros destaques da exposição são as novas obras da série “Sudário”, com monotipias colhidas em sua viagem ao sul da França em maio último. A curadoria da exposição é de Carlos Vergara.

Um dos grandes nomes da arte brasileira, Carlos Vergara nasceu em 1941 em Santa Maria, Rio Grande do Sul, e é radicado no Rio de Janeiro desde a adolescência. Sua última individual no MAM Rio foi “A Dimensão Gráfica”, há dez anos. Carlos Vergara explica o título da exposição: “Minha ideia é olhar pra frente, viver o presente e propor através do trabalho, e do encontro com o público, novas possibilidades e perspectivas”. São quatro os grandes conjuntos de obras na exposição: “Sudários”, “Natureza Inventada”, “Prospectiva” e “Empilhamento”. A mostra será acompanhada de uma série de ações, tanto encontros e conversas, como expandidas para fora do Museu, com intervenções dos artistas Lynn Court e Xadalu.

Os “Sudários” são monotipias realizadas desde 2003, quando o artista iniciou seu trabalho sobre os sinais do sagrado nos Sete Povos das Missões, no Rio Grande do Sul e até o momento. Ao longo deste período, este trabalho levou o artista a diversos locais, como Istambul e Capadócia, na Turquia; Pompeia, Itália; Serra da Bodoquena em Mato Grosso do Sul; Caminho de Santiago de Compostela, Espanha; Cazaquistão, na Eurásia; e Rio Douro, Portugal. Os 200 lenços da série “Sudário” estarão suspensos, dispostos em um percurso labiríntico para o público. Carlos Vergara destaca que seu trabalho “não é um projeto cristão ou antropológico”. “Esses lugares todos têm sinais do inefável, do sagrado. Não estou atrás de religião. São caminhos do sagrado, sinais do sagrado”, afirma o artista.

No núcleo “Natureza Inventada”, estarão dez esculturas em aço cortén e duas pinturas com 3m x 6m e 2m x 6m, em torno de uma grande mesa escultórica, também em aço, com 12 cadeiras criadas pelo artista e designer Zanini de Zanine. Esse será um espaço de encontros a ser ativado em conjunto com o público, a partir de ações e conversas abertas.

A série que dá nome à exposição, “Prospectiva”, é composta por três pinturas recentes e inéditas de grande formato, as maiores já feitas por Vergara – 5,40m x 5,40m cada – a partir de monotipias feitas no Cais do Valongo, e nos trilhos de Santa Teresa, onde tem seu ateliê. O Sítio Arqueológico Cais do Valongo, na antiga área portuária do Rio de Janeiro, é reconhecido pela Unesco por sua importância histórica, por ser o local onde cerca de 900 mil africanos escravizados chegaram à América do Sul.

Carlos Vergara fala da importância do bonde, dos caminhos, das encruzilhadas: “Trilhos indicam sempre uma dupla ação: trazer ou levar. No Rio Grande do Sul visitei Restinga Seca, onde nasceu Iberê Camargo, cujo pai era motorneiro de trem. Fiz então uma monotipia no trilho que o levou ao mundo. A imagem dos trilhos sempre é eloquente pra mim. Em 1950 visitei a Bienal de São Paulo de bonde. Ia muito de bonde do Jóquei para o Bar 20, no Rio de Janeiro. Hoje com os bondes infelizmente circulando apenas dos arcos da Lapa até os Prazeres, Santa Teresa tem esses desenhos dos trilhos que são incríveis e sempre me vêm à cabeça. Deste que é o bonde elétrico mais antigo do Brasil. Hora de colocar esses sudários no mundo”. No último bloco estará uma releitura de sua icônica obra “Empilhamento”, uma grande coluna formada por bonecos de papel kraft e papel corrugado empilhados, que chegará ao terceiro andar do Museu, como uma torre de babel.

Mostra paralela

Paralelamente à exposição “Prospectiva”, será exibido no terceiro andar do Museu, dentro da mostra “Alucinações à beira-mar”, um conjunto de obras de Carlos Vergara pertencente às Coleções do MAM, com curadoria de Fernando Cocchiarale e Fernanda Lopes.

Ações na rua

Carlos Vergara expandiu a exposição, desde sua produção, para além do MAM. Convidou dois artistas, a carioca Lynn Court, que está produzindo 200 cartazes sobre a exposição para o mobiliário urbano, a partir de intervenções sobre a exposição “Sagrado Coração”, que Carlos Vergara fez no Paço Imperial, no Rio de Janeiro, em 2008. Outro artista convidado é Xadalu, de origem guarani, que chegou a viver nas ruas de Porto Alegre, até que ganhou uma bolsa de estudos gráficos e começou a desenvolver um trabalho com forte representação e manifestação das causas indígenas e já ganha reconhecimento e presença em exposições internacionais. Ele fará uma residência artística no Rio, onde fará intervenções em Santa Teresa.

Roteiro sagrado no sul da França

Em maio, Carlos Vergara percorreu o sul da França, seguindo um caminho que teria sido trilhado pelos primeiros cristãos em fuga dos romanos: as Três Marias – Maria Madalena, Maria Salomé (mãe dos apóstolos João e Tiago) e Maria Jacobina (ou Jacobé), irmã de Maria de Nazaré, além de Santa Sara, ex-escrava egípcia de São José de Arimatéia que se tornou padroeira dos ciganos. O ponto de partida foi o porto de Saintes-Maries-de-la-Mer, na costa mediterrânea, por onde teriam chegado os cristãos. De lá, Vergara percorreu cerca de 250 quilômetros para leste, até Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, onde após uma subida de mais de três horas a pé chegou à gruta que acredita-se contém as relíquias de Maria Madalena. Em Saintes-Maries-de-la-Mer, no dia 24 de maio, sem ter planejado, o artista participou da grande festa realizada em honra à Santa Sara, uma peregrinação mundial dos povos ciganos. Por todo o trajeto, passando por santuários e pontos de reverência para várias crenças, Vergara fez diversas monotipias, no chão de terra, nas pedras, ou ainda nos monumentos, recolhendo os sinais do sagrado. Dentre os vários locais por onde passou nessa travessia estava o Château La Coste, a quinze quilômetros de Aix-en-Provence, o grande museu a céu aberto composto por pavilhões projetados pelos arquitetos Tadao Ando, Frank O. Gehry, Jean Nouvel e Renzo Piano. Entre as obras dos grandes nomes da arte, Vergara esteve no conjunto de esculturas “Psicopompos”, de Tunga, seu amigo. Em Camargue, Vergara fez monotipia na fachada da capela onde está o símbolo dos navegantes, que se assemelha ao Sagrado Coração trabalhado pelo artista em sua residência na Missão de São Miguel, Rio Grande do Sul, 2003. Em Camargue, ele se encontrou com o músico Canut Reyes, um dos fundadores dos Gipsy Kings, que o levou a conhecer trilhas emblemáticas para os ciganos. Em Arles, esteve no icônico Moulin Ribet, conhecido como Moulin de Daudet (escritor francês Alphonse Daudet, 1840-1897), construído em 1814, e em Marselha visitou o Mucem (Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée). Carlos Vergara viajou acompanhado do crítico e curador Marc Pottier, e de João Vergara, filho do artista e coordenador de seu ateliê, com apoio do Consulado da França do Rio de Janeiro.

Circuito Integrado das Galerias

A ArtRio, Marina da Glória, parque do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, chega a sua nona edição e reforça, entre suas principais metas, a valorização da arte brasileira. Com o objetivo de aproximar cada vez mais o público carioca e os visitantes do segmento de arte, o evento promove, pelo sétimo ano consecutivo, o CIGA – Circuito Integrado de Galerias de Arte. Nos dias 16 e 17 de setembro, segunda e terça-feira, respectivamente, de 17h às 21h, galerias dos bairros de Copacabana, Ipanema, Leblon, Gávea e São Conrado, abrem suas portas com uma programação especial para o evento, como vernissages, conversas com artistas e curadores, além de visitas guiadas. O CIGA tem entre seus objetivos estimular a visitação às galerias de arte, além dos museus e centros culturais.

“O CIGA é a primeira agenda da semana ArtRio. As galerias programaram ações especiais para receber o público e estimular a apreciação e o debate sobre a arte. A ideia é que, estimulando a visita às galerias dentro da programação da ArtRio, estamos estimulando a inclusão desse hábito na agenda das pessoas durante todo o ano”, indica Brenda Valansi, presidente da ArtRio.

Defina seu roteiro para cada dia do evento e visite as principais galerias da cidade!

Segunda-feira, 16/09 – Ipanema e Copacabana

IPANEMA

Cássia Bomeny Arte Contemporânea

Rua Garcia D’Avila 196, Ipanema

Conversa com o artista Carlos Zilio, na sua individual “Pinturas e Desenhos”.

Galeria Nara Roesler

Rua Redentor, 241 – Ipanema

Coquetel de abertura da exposição “Reflexões sobre o Tempo e o Espaço”, que reúne obras de Alicja Kwade, Anish Kapoor, Camille Henrot, François Morellet, Mohamed Bouroissa, Laura Vinci, Lucia Koch, entre outros. A curadoria é de Agnaldo Farias.

Simone Cadinelli Arte Contemporânea

R. Aníbal de Mendonça 171, Ipanema

Abertura das exposições “Longe dos olhos”, de Jimson Vilela, e “Maraca”, de Gabriela Noujaim.

COPACABANA

Galeria Inox

Av. Atlântica 4240, subsolo 101 e 132, Shopping Cassino Atlântico, Copacabana

Visita guiada com Renato Bezerra de Mello à sua individual “O que a gente não tem coragem de jogar fora”. A mostra tem curadoria de Bianca Bernardo.

TERÇA-FEIRA, 17/09 – LEBLON, GÁVEA E SÃO CONRADO

LEBLON

Lurixs

Rua Dias Ferreira 214, Leblon

Abertura da exposição individual de Elizabeth Jobim.

Mul.ti.plo

Rua Dias Ferreira, 417 – Sala 206, Leblon

Exposição “Paralelos”, de Carlos Vergara e Roberto Magalhães.

GÁVEA

Carpintaria

Rua Jardim Botânico 971, Gávea

Happy hour celebrando a exposição de Sarah Morris.

Anita Schwartz Galeria

Rua José Roberto Macedo Soares, 30, Gávea

Encontro com o artista Cadu e visita à sua exposição individual “Fábrica de Ratoeiras Concorde”.

Danielian Galeria

Rua Major Rubens Vaz, 414 – Gávea

Abertura da exposição “Crônicas anacrônicas, e sempre atuais, do Brasil”, de Glauco Rodrigues. A curadoria é de Denise Mattar.

Galeria da Gávea

Rua Marquês de São Vicente, 432 – Gávea

Exposição “Pi-Nic no Front”, de Pedro de Morais e roda de samba na galeria.

Galeria Mercedes Viegas

Rua João Borges, 86, Gávea

Abertura da exposição “Deixa Ventar”, de Cela Luz. A curadoria é de Pollyana Quintella.

Silvia Cintra + Box 4

Rua das Acácias 104, Gávea

Abertura da exposição “O Real Intocável”, de Ana Maria Tavares.

SÃO CONRADO

Gaby Indio da Costa Arte Contemporânea

Estrada da Gávea, 712 sala 407, São Conrado

De 19h às 21h – Exposição “Através”, de Rosângela Dorazio.

Sobre a ArtRio

Em 2019, a ArtRio acontece na Marina da Glória, de 18 a 22 de setembro. Mais do que uma feira de reconhecimento internacional, a ArtRio é uma grande plataforma de arte, com atividades e projetos que acontecem ao longo de todo o ano para a difusão do conceito de arte no país, solidificar o mercado e estimular o crescimento de um novo público.

Zanine no MAM – Rio

09/set

O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, MAM – Rio, Parque do Flamengo, Rio de janeiro, RJ, apresenta a partir de 14 de setembro e até 17 de novembro, a exposição “Zanine 100 anos – Forma e Resistência”, com 18 obras feitas pelo consagrado arquiteto, designer, artista, paisagista e professor José Zanine Caldas (1919 – 2001), dentro de sua profunda pesquisa sobre nossas madeiras. Com curadoria de Tulio Mariante, curador de design do MAM, as obras selecionadas integram a emblemática e profícua produção de Zanine entre o final dos anos 1960 e 1980, conhecida como “móvel-denúncia”. As peças, feitas em madeira maciça, denunciavam de maneira pioneira o desmatamento das florestas brasileiras. Tulio Mariante destaca que Zanine “coletava as madeiras em restos de abates, muitas vezes irregulares, como forma de denúncia, como forma de resistência”.

Mais do que apenas móveis, os especialistas consideram esses trabalhos como esculturas funcionais, maneira de o artista expressar sua percepção de nossa cultura. O processo de criação era lento, com a utilização de ferramentas tradicionais como serrote, enchó, formão, plaina, e tendo como mão de obra os canoeiros da Bahia. Várias das peças expostas foram criadas no período em que Zanine Caldas viveu em Nova Viçosa, Bahia, anos 1970 até 1980, onde instalou uma oficina que se tornou ponto de encontro de grandes nomes da cultura brasileira, como Oscar Niemeyer, Carlos Vergara, Chico Buarque, Amelia Toledo, Odete Lara entre outros. Lá, ele construiu a famosa casa na árvore para o artista Frans Krajcberg.

Com esta homenagem, é a terceira vez que o MAM realiza uma exposição sobre José Zanine Caldas. Sua primeira mostra individual no Museu foi em 1975, e a segunda em 1983, quando construiu, junto aos jardins, uma casa de madeira. A produção de “Zanine 100 anos – Forma e Resistência” é da família de Zanine Caldas, com o apoio de Etel Design e Escritório de Arte Marcela Bartolomeo.

São destaques da exposição as peças “Namoradeira”, o “Redário”, a escultura em madeira pequi, a mesa de jantar e o aparador com tampo de vidro criados em Nova Viçosa nos anos 1970, o sofá feito em ilhéus em 1980, entre outras.

Lançamento de livro

Por ocasião da exposição “Zanine 100 anos – Forma e Resistência”, será lançado o maior e mais abrangente livro sobre sua trajetória. Publicado pela Editora Olhares e R&Company Gallery, de Nova York, o livro será bilíngue (port/ing), com capa dura e formato 25cm x 30cm, terá 300 páginas, e textos de Amanda Beatriz de Palma Carvalho, Lauro Cavalcanti e Maria Cecilia Loschiavo dos Santos, com ensaio fotográfico de André Nazareth. O lançamento está previsto para o próximo dia 24 de setembro dentro da exposição no MAM, e depois será feito em diversas cidades.

Sobre o artista

Autodidata. Nascido em 1919 na cidade baiana de Belmonte, Zanine era autodidata, e começou sua carreira como maquetista dos principais arquitetos modernos brasileiros, como Lúcio Costa e Oscar Niemeyer. “Quando maquetista, Zanine foi autor de modelos de alta qualidade, e criador capaz de propor aos arquitetos soluções para impasses em seus projetos. Seu talento o levou a percorrer os caminhos da arquitetura e do desenho de móveis que acabaram por lhe conferir o título de Mestre da Madeira”, explica o curador. Zanine obteve reconhecimento não apenas no Brasil, mas também no exterior. No design de mobiliário, conduziu a experiência da Móveis Z, fundada em fins dos anos 1940, em São Paulo, apostando na industrialização para apoiar – e aproveitar – a difusão de um novo estilo de vida trazido pelos ventos de modernidade. Nos anos 1950, foi paisagista e teve uma loja de vasos e arranjos de flores na Avenida Paulista, SP. No final da década se mudou para Brasília para produzir in loco maquetes dos prédios da nova capital em construção. Na década de 1970, viveu entre o Rio de Janeiro, onde praticamente inventou o bairro da Joatinga, e Nova Viçosa, no sul da Bahia, de onde trazia as grandes toras de madeira que marcam sua arquitetura e onde produziu uma linha de móveis pesados, que deixavam se expressar com toda força a madeira descartada no processo de devastação da Mata Atlântica que acontecia na região. Eram chamados de “móveis-denúncia”. Além disso, em sua inquietude, Zanine se envolveu em muitos projetos sociais, teve importante presença na vida acadêmica, mesmo não tendo um diploma, e circulou por diversos países – em especial a França, onde teve exposição individual no Museu de Artes Decorativas do Louvre, em 1989, estabelecendo trocas culturais e de conhecimento técnico. Morreu em Vitória, em 2001.

Em cartaz na Silvia Cintra + Box4

05/set

A artista plástica mineira Ana Maria Tavares inaugura no próximo dia 17 de setembro sua terceira mostra individual na galeria Silvia Cintra + Box4, Gávea, Rio de Janeiro, RJ. Em “O Real Intocável”, Ana Maria Tavares apresentará dez trabalhos inéditos que exploram a relação entre arte e arquitetura, temática constante de toda a sua obra. Além da arquitetura que é sempre o ponto de partida da artista, outro aspecto que é fundamental em sua produção é a cultura industrial presente na feitura de suas obras, que são sempre criadas em fábricas. “O território que mais me inspira é a indústria. Os lugares que me levam realmente a ter grandes ideias são sempre esses das técnicas, porque quanto mais eu sei como fazer, mais eu posso expandir aquilo que eu quero fazer”, ressalta a artista.
Embora esse rigor industrial seja visível nas obras, o fazer das mesmas obedece outro ritmo, quase artesanal. Ana entra na fábrica e altera o que seria uma produção em série, criando novas cores, novos materiais e técnicas. O resultado final são obras de aspecto industrial, mas com um caráter único, próprio de uma obra de arte. Para a mostra da galeria os materiais trabalhados pela artista são impressões fotográficas sobre materiais espelhados e transparentes e filetes e placas de mármores. A partir deles são criadas obras que Ana considera como “ruínas do futuro, cartografias contaminadas, a fim de criar um universo que transita entre o arqueológico, o urbanismo antinatural, a geometria e a vida orgânica.”

Sobre a artista

Ana Maria Tavares (Belo Horizonte, 1958) vive e trabalha em São Paulo. Graduada em Artes Visuais pela FAAP (São Paulo, 1982) é mestre pela School of the Art Institute of Chicago (1986) e doutora pela Universidade de São Paulo (2000). Em 2001, ganhou a bolsa da Guggenheim Foundation, Nova York; em 2005 foi convidada pela Rijksakademie de Amsterdã e em 2007 pelo Programa de Residência da Universidade Nacional de Bogotá, Colômbia como residente e artista palestrante. Neste mesmo ano, foi nomeada para a Ida Ely Rubin Artist-in-Residence pelo MIT – Massachusetts Institute of Technology (EUA), onde orientou alunos de mestrado, realizou pesquisa e palestras sobre seu trabalho. Em 2013 recebeu o prêmio Lynette S. Autrey Visiting Scholars pelo Humanities Research Center da Rice University, Huston (EUA), para desenvolver a pesquisa Natura In-Vitro: Interrogando a Modernidade e atuar como professora visitante. Em 2016 Recebeu da APCA – Associação Paulista de Críticos o prêmio Melhor Retrospectiva com a exposição “No Lugar Mesmo: uma Antologia da obra de Ana Maria Tavares” na Pinacoteca do Estado em São Paulo. Dedica-se desde 1982 a atividades didáticas em nível superior atuando em inúmeras escolas de arte e programas de orientação de artistas em São Paulo. Entre 1993 e 2017 foi docente e orientadora na Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo onde atualmente colabora no Programa de Pós Graduação. Sua primeira individual, Objetos e Interferências, foi realizada na Pinacoteca do Estado de São Paulo em 1982. Dentre as exposições individuais realizadas no Brasil, destacam-se: Porto Pampulha (1997); Relax’o’vision (1998); Visiones Sedantes (2000); Numinosum (2002); Enigmas de uma Noite com Midnight Daydreams (2004); Desviantes (2011); Tautorama e Natural-Natural: Paisagem e Artificio em 2013; Atlântica Moderna: Purus e Negros (2014). Em 2015 realizou duas individuais em São Paulo: Sinfonia Tropical para Loos, na Galeria Vermelho e Cárceres a Duas Vozes: Piranesi e Ana Maria Tavares, no Museu Lasar Segall. Realizou, em 2016 a individual Forgotten Mantras na Galeria Silvia Cintra e a retrospectiva na Pinacoteca do Estado em São Paulo. Dentre as exposições individuais realizadas no exterior destacam-se: Middelburg Airport Lounge com Parede Niemeyer (The Vleeshal. Holanda, 2001), Entrückte Körper – GRU/TXL (Vostel Galerie. Alemanha, 2002), Landscape for Exit I and Exit II (Culturgest. Portugal, 2005), Cristal Waters (Kroller Muller Museum. (Holanda, 2008) e Deviating Utopias (Frist Center for the Arts. EUA, 2013). Em 2015 foi comissionada pela Rolls Royce para desenvolver um projeto inédito, intitulado Deviating Utopias with Victorias Regias (Gallery Weekend. Alemanha, 2015). Tavares participou de várias exposições coletivas em museus internacionais, entre eles: Modernité, Art Bresiliènne du XX Siècle, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (França, 1987); Ultramodern: The Art of Contemporary Brazil, National Museum for Women in the Arts, (EUA, 1993); ES 97 Tijuana, (México, 1998); VII Bienal de la Habana (Cuba, 2000); Istanbul Biennial (Turquia, 2001); Côte à Côte, Art Contemporain du Brésil, capc Musée d’art contemporain, (França, 2001); Living Inside the Grid, The New Museum of Contemporary Art (EUA, 2003); The Straight or Croocked Way, Royal College of Art (Inglaterra, 2003); Auf Eigene Gefahr/At your Own Risk, Schirn Kunsthall (Alemanha, 2003); Conceptualisms: Zeitgenossische Tendenzen in Musik (Alemanha, 2003); The Encounters in the 21st Century: Polyphony – Emerging Resonances, 21st Century Museum of Contemporary Art (Japão, 2004); Farsites: Urban Crisis and Domestic Symptoms in Recent Contemporary Art, San Diego Museum of Art (EUA, 2005); Belief, Singapore Bienalle (2006); Grandeur: Sonsbeek_10 (Holanda, 2008); Blooming Now: Brasil – Japão, o seu lugar. Toyota Municipal Museum of Art (Japão, 2008); When Lives Become Form: Creative Power from Brazil, Hiroshima City Museum of Contemporary Art e Museum of Contemporary Art Tokio (Japão, 2009); After Utopia, Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci.Prato. (Itália, 2009); NeoTropicália. Yerba Buena Center for the Arts (EUA, 2009); Colección IX. Colección Fundación ARCO, Centro de Arte Dos de Mayo, (Espanha, 2014); Spots, Dots, Pips, Tiles: An Exhibition About Dominoes, Perez Museum (Miami, 2017). Suas obras estão em várias coleções privadas e em acervos públicos, como: Kröller Müller Museum (Holanda); FRAC-Haute Normandie – Fonds Régional d’Art Contemporain, (França); Fundação de Serralves (Portugal); Culturgest (Portugal); Fundação Arco (Espanha); Museum of Fine Arts Houston (EUA); MuHKA – Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpen. Bélgica; e, no Brasil, na Pinacoteca do Estado de São Paulo; Museu de Arte Contemporânea da USP; Museu de Arte Moderna de São Paulo; MAC- Museu de Arte Contemporânea de Niterói, RJ; Museu de Arte de Brasília; Coleção de Arte da Cidade de São Paulo do Centro Cultural São Paulo; MAP – Museu de Arte da Pampulha, MG; Museu Nacional da República; Universidade Federal de Uberlândia; Casa da Cultura de Ribeirão Preto; e SESC Belenzinho.

Até 19 de outubro.