Arquivos da Categoria: Rio de Janeiro

Brennand no Rio

09/nov

A Galeria Evandro Carneiro Arte, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, exibe de 10 de novembro a 15 de dezembro a exposição “Francisco Brennand”, que reúne 44 peças representativas da grandeza e da diversidade complementar de sua obra, todas elas procedentes do acervo Brennand, com a curadoria de Evandro Carneiro, Maria Helena e Maria da Conceição Brennand.

 

A mostra inclui 13 desenhos e pinturas – dentre as quais algumas telas da série As névoas de Caspar (Caspar David Friedrich) -, cinco lindas cerâmicas vitrificadas, 15 ovos cerâmicos e, ainda, 11 esculturas seriadas. Algumas obras são inéditas ao público, pois serão exibidas pela primeira vez no Rio de Janeiro. Todas as peças estarão à venda.

 

 

Sobre o artista

 

Natural de Recife, Brennand é ceramista, escultor, desenhista, pintor, tapeceiro, ilustrador e gravador. É autor de importantes espaços culturais de Recife: a Oficina Cerâmica Francisco Brennand, o Parque das Esculturas Francisco Brennand e a Academia de Arte Brennand. Francisco Brennand nasceu em 1927, no Recife, em uma família tradicional, ligada à aristocracia rural, e por outro lado, descendente de empreendedores ingleses que trouxeram o nome com o qual o artista ficou conhecido. Ricardo Brennand, seu pai, herdou o Engenho São João da Várzea, que inicialmente produziu açúcar e mais tarde se tornou uma importante olaria. Em 1917 Ricardo fundou a primeira fábrica de cerâmicas da família. Cinquenta e cinco anos depois, sobre as ruínas da Cerâmica São João, Francisco recriou o espaço de territorialidade familiar, construindo ali a sua moradia, mas também a famosa Oficina Brennand, o Parque de esculturas e, mais recentemente a sua Academia. Neste complexo, repleto de significados afetivos, simbólicos e fabris, Francisco Brennand vem desenvolvendo a sua arte, há mais de 60 anos. Uma arte totalizante e complementar nas facetas de pintura, escultura, cerâmica, desenho, gravuras, mas também paisagismo e museologia. Em entrevista concedida a Walnice Nogueira Galvão para a revista Artes e Letras (março de 2000), ele diz: “E posso lhe dizer mais: hoje sou um ceramista porque sou um pintor. E não sei mesmo como alguém pode ser um ceramista se não for pintor ou escultor.” (p.147). Conforme o belo e importante texto de Alexei Bueno no livro O Universo de Francisco Brennand (2011), “Graças a Francisco Brennand, de fato, essa mais primeva entre as matérias, o barro, saiu, entre nós, da categoria do puramente utilitário ou do artesanal para alcançar o patamar da grande arte.” (p.22). Seu trabalho magistral reúne o seu talento nato àquelas aptidões complementares e ainda se somam a sua erudição e o seu humanismo, conferindo sentidos mitológicos, históricos e literários à totalidade de sua obra. Suas esculturas, cerâmicas e pinturas encarnam tradições nas referências que delas emanam, mas recriam significados em sua originalidade. Grécia antiga (O nascimento de Vênus, Lilith, Gnose, Halia…), cabala judaica (Árvore da vida), romantismo alemão (Caspar David Friedrich!), cultura nordestina (Gilberto Freyre, Ariano Suassuna e “a onça castanha” das “terras cor de vinho”…), pintura moderna (Balthus, Klimt, Schiele, Picasso, Miró, Cezánne…) são algumas das referências recriadas em ressurgências artísticas e intelectuais com a marca de Brennand. O artista não possui somente uma assinatura, mas uma marca mesmo: Francisco Brennand é também fábrica de arte e cultura do homo faber. Em telas costuma assinar por extenso, mas também assina F.B. de maneira estilizada e outras vezes carimba a sua marca com um símbolo de Oxossi, referenciando também a tradição afro-brasileira. São signos complementares, como as modalidades artísticas que (re)inventa: “(…) Até a minha assinatura caligráfica foi motivo de especulação e eu que pretendo reduzi-la a um mero F. e um B. desenhados como ornatos, para que não destroem do próprio grafismo das pinturas e, pelo contrário, se identifiquem com ele e até se percam dentro dele.” (trecho de seu diário O nome do livro, 5 de janeiro de 1960, apud. BUENO, 2011, p. 116). Em outra parte de seu diário, o artista ilumina o que dissemos acima: “Jamais esteve nas minhas divagações a possibilidade de criar uma forma nova. Uma forma nova só pode parecer nova à medida de sua paixão. Os olhos que a descobrem nova são igualmente apaixonados. Na verdade – em qualquer arte – a ideia de conceber uma forma inteiramente nova já é em si uma monstruosidade. Seria, em todos os sentidos, invisível aos olhos humanos, uma vez que desconhecida. Nós só ´vemos aquilo que conhecemos´. Trabalhei nesse projeto visionário durante vinte anos, sempre à procura de um mundo genésico, onde, com o decorrer do tempo, isso sim, consegui expressar uma mitologia pessoal. Acrescente-se a esse tempo mais cem anos e não seria ainda suficiente para terminar projeto tão atroz. O seu desgaste natural e os olhos arrebatados das novas gerações saberão como mantê-lo vivo, novo e cada vez mais antigo como o futuro.” (O nome do livro, 11 de setembro de 1992, apud. BUENO, 2011, p. 55).

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Senise na Silvia Cintra + Box4

08/nov

A Galeria Silvia Cintra + Box 4, Gávea, Rio de Janeiro, J, inaugura no dia 08 de novembro a nova exposição individual de Daniel Senise. “Biógrafo” reúne pinturas e fotografias que possuem um elemento de ligação entre si, um retângulo no centro da tela. Esse retângulo reaparece, de alguma forma, em todas as obras da exposição com tratamentos e materiais diferenciados.

 

Um retângulo dentro do retângulo da própria tela, é a ideia central da série “Biógrafo”, que também dá título à exposição. Essa série começou a ser feita em 2013 e será composta por 85 obras. Na exposição serão apresentados três “biógrafos” inéditos. As outras pinturas da mostra retratam interiores de grandes museus e os quadriláteros representam as pinturas expostas nesses espaços. Serão três telas que reproduzem o Museu de Nantes e a Capela Rothko, em Houston, EUA.

 

A técnica das pinturas é a mesma que o artista tem utilizado desde o início dos anos 2000. Com um tecido bem fino, Senise “imprime” o chão de espaços abandonados e recolhe resíduos e vestígios que mostram o acúmulo de memória, e o que sobrou daquele espaço e do tempo. Com poeira, cola e outros restos, o artista vai criando diferentes tonalidades de tecido e depois com uma espécie de marchetaria vai recriando esses espaços na tela.

 

Além das pinturas, a exposição terá uma série de fotografias. São imagens feitas em 2014, nas obras em andamento no antigo Hospital Matarazzo em São Paulo, sobre as quais Senise sobrepõe placas de madeira recolhidas no próprio espaço e que estão representadas nas imagens.

 

 

Até 15 de dezembro.

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Cosme Martins exibe pinturas no MNBA

01/nov

Um dos cartões postais do Maranhão é o belo conjunto de azulejos dos prédios centenários da capital do estado, São Luis.  E é este imaginário que inspira, em parte, a exposição do artista Cosme Martins no Museu Nacional de Belas Artes/Ibram/MinC, Cinelândia, Rio de Janeiro, RJ. A mostra “Alma Azulejada – Cosme Martins 40 anos” reúne 12 quadros em acrílica sobre tela da fase figurativa e também da sua atual fase abstrata.  Os trabalhos apresentam uma explosão de pigmentos multicoloridos que fazem brotar de suas telas a alma azulejada do pintor, alternando as cores inquietas da poesia com jardins abstratos. O poeta Carlos Dimuro, curador da exposição, assim define a obra do artista: “azulejar nossos olhos com beleza e imaginação é o labor incansável deste maranhense do mundo”.

 

 

Sobre o artista

 

Maranhense de São Bento, nascido em 1959, Cosme iniciou sua carreira, pintando temas figurativos locais. Na década de 80, mudou-se para o Rio de Janeiro com o objetivo de expandir o reconhecimento de sua arte. Obteve orientação de grandes artistas como Rubens Gerchman, Luiz Áquila, Aluísio Carvão, Kate Van Scherpenberg e José Maria Dias da Cruz. Estas vivencias com alguns dos grandes nomes da arte brasileira favoreceram a obtenção de prêmios e participações em salões e importantes museus de arte como Museu Nacional de Belas Artes no Rio de Janeiro e Museu de Arte Moderna de São Paulo.

 

No desenvolvimento de sua obra, Cosme Martins adquiriu reconhecimento, e interferências de críticos notáveis.  Walmir Ayala, por exemplo, afirmou que sua maneira de pintar era a “nova escrita”. Outro crítico importante, Roberto Pontual, abriu-lhe as primeiras portas para o mercado de arte e hospedou-o em Paris, cidade que o recebeu como vencedor do Prêmio de Viagem através da participação na exposição “A Mão Afro Brasileira em Pintura”. Nessa viagem, Cosme Martins pôde conhecer nomes como Cícero Dias, Manabu Mabe e ainda reencontrar Rubens Gerchman, que lhe deu aulas e foi o primeiro a lhe dizer, anos antes, que sua arte poderia alcançar projeção nacional.

 

Na fase conhecida como “Favelas”, observa-se nos trabalhos de Cosme Martins a transição entre o figurativo e o abstrato: elementos como barracos e pessoas foram se tornando cada vez menos óbvios, até a pintura alcançar a total ausência da figura como podemos perceber nos seus trabalhos atuais. Suas telas apresentam texturas, em terracota, que são construídas com uma técnica que o artista não revela, porém capaz de manter a firmeza e evitar os craquelês. Outro elemento nos trabalhos de Cosme Martins, a variedade de cores é movida pela sensibilidade do artista que confessa não conseguir chegar a um limite até que sua agonia seja substituída pela sensação de prazer ao terminar suas telas.

 

 

Até 02 de dezembro.

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Arte participativa

25/out

No próximo dia 30 de outubro, o Museu Nacional de Belas Artes (MnBA), Centro, Rio de Janeiro, RJ, inaugura a exposição participativa “Arte Aproxima”, com obras dos artistas Ernesto Neto, Efrain Almeida, Priscila Fiszman, Emilia Estrada, Aline Gonet e da psicóloga Robertha Blatt, idealizadora do projeto, que tem o objetivo de familiarizar o público jovem com o mundo da arte, despertando trocas sensíveis e novas experiências. Com curadoria de Lisette Lagnado, será criado um circuito inédito integrado entre as obras contemporâneas e pinturas emblemáticas da história da arte pertencentes ao Museu, como “A Primeira Missa” (1948), de Cândido Portinari (1903-1962), e obras do século XIX, de artistas como Victor Meirelles (1832-1903) e Pedro Peres (1841-1923). A exposição é incentivada pela Lei Municipal de Incentivo à Cultura Carioca.

 

“A arte é curativa e transformadora, permite entrar em contato consigo mesmo, trazendo insights. Os artistas vivenciam isso durante a produção das obras, mas essa oportunidade pode existir para todos. O projeto tem como objetivo democratizar e disponibilizar essa experiência para as pessoas”, diz Robertha Blatt, que é psicóloga, educadora há 20 anos e tem 15 anos de experiência em terapia de família. A exposição é aberta a crianças de todas as idades e será complementada com a participação do público. Os artistas e educadores estarão presentes na mostra e os trabalhos criados pelo público ao longo da exposição, através das atividades propostas e dos materiais disponíveis, ficarão expostos, integrando-se às obras existentes, como um grande tricô coletivo que será produzido pelo público e, ainda, uma estrutura a ser construída com tijolos contendo desenhos feitos pelas crianças. Ao longo da exposição, haverá, ainda, conversas com os artistas, a curadora e a idealizadora do projeto.

 

 

Circuito da exposição

 

A mostra começa no segundo andar do Museu Nacional de Belas Artes, onde estão as pinturas “Primeira Missa no Brasil” (1861), de Victor Meirelles (1832-1903) e “Elevação da Cruz” (1879), de Pedro Peres (1841-1923). A artista Emilia Estrada desenvolveu especialmente para a ocasião uma versão do jogo de telefone sem fio, com a finalidade de criar narrativas sobre a história do Brasil.

 

O percurso segue na Sala de Chá, convertida em ambiente imersivo. O lugar foi renomeado de “campo sagrado” por Robertha Blatt, que convida as pessoas a percorrerem um caminho espiral sugerido por amplas camadas de tecidos de voal colorido. Nessa instalação, as crianças recebem uma segunda pele que lhes permite abraçar sensorialmente o espaço externo. Vestidas de ‘guri-guru’, poderão explorar livremente a experimentação desta veste e são convidados a seguirem assim até a sala onde está exposta ‘A Primeira Missa’, de Cândido Portinari (1903-1962), pintura histórica que completa agora 70 anos, consagrada pelo crítico de arte Mário Pedrosa (1900-1981) como ‘uma de suas obras mais bem concebidas. Segundo a educadora Aline Gonet, “o trabalho manual é uma porta de interação com o mundo. “Rosa dos Ventos” é uma proposição que desenvolve a intimidade emocional a partir de técnicas manuais. As pontas de nossos dedos têm uma grande densidade de terminações nervosas, o que permite ao cérebro identificar o que os dedos estão explorando”. “A cada dia, uma trança de tricô amarelo (a cor sagrada na tradição cristã e chinesa, como nos lembra Pedrosa) irá crescer no espaço expositivo, evidenciando a presença de encontros e brincadeiras anteriores”, conta a curadora.

 

Na sala de exposição, a fruição e compreensão do quadro de Cândido Portinari, momento histórico que representa um “enxerto de civilização cristã”, ganha relevo graças a um conjunto de três esculturas de Efarin Almeida, evocando as informações ausentes na grandiosa pintura realizada setenta anos atrás: a fauna, a flora e a presença de povos indígenas quando os portugueses chegaram ao Brasil. Os estandartes com desenhos sobre tela de Emilia Estrada criam uma perspectiva crítica desse maravilhoso Novo Mundo com sua obra “Fake News / Cacofonia”.

 

“Língua de fogo” é a obra-oficina de Priscila Fiszman, em parceria com a bombeira do MnBA, que irá abraçar o tema da segurança e prevenções, explicando o funcionamento de um extintor. Desenhando sobre tijolos, o público irá colaborar na construção coletiva de um templo. “O incêndio do Museu Nacional do Rio, na Quinta da Boa Vista, acarretou a perda de um patrimônio incalculável, mas, também, um trauma ainda incalculável no inconsciente coletivo”, ressalta a curadora. Seguindo na exploração de possibilidades de interação sensorial, de Ernesto Neto introduz a ideia de “esculturacura”, pontuando um recolhimento interior necessário para enfrentar a atual conjuntura sociopolítica, agravada com a disseminação de relações mediadas pela tecnologia. A obra “EstrelaTerra vibra nois. Todos somos nós” consiste em crochê com voal de algodão, bambu, areia, quartzo transparente, folhas secas e folhas de louro e permite que público entre na obra e tenha experiências sensoriais.

 

 

Sobre o projeto

 

Desenvolvido ao longo de um ano, em colaboração com crianças, famílias, pedagogos, artistas, ativistas e psicólogos, o projeto surge da experiência clínica de Robertha Blatt, que vem elaborando novas abordagens para o jovem público acessar emoções difíceis de serem expressas. Por meio de estímulos lúdicos, conversas e dinâmicas, acredita-se na ecologia transformadora da experiência estética como catalizadora de linguagem. O projeto traz em seu bojo a utopia de reconectar as pessoas com a pulsão criativa da vida. A produção executiva é feita pela Next Produções.

 

 

Sobre a curadora

 

Lisette Lagnado é Doutora em Filosofia pela Universidade de São Paulo, crítica de arte e curadora independente. Foi curadora-chefe da 27a Bienal de São Paulo (2006) e da exposição “Desvíos de la deriva”, no Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madri (2010). Dirigiu a Escola de Artes Visuais do Parque Lage (RJ), onde foi também curadora dos programas públicos (2014-2017). Em 2017, foi curadora da exposição “O Nome do Medo”, de Rivane Neuenschwander em colaboração com Guto Carvalhoneto (Museu de Arte do Rio, MAR). Em 2018, curou a exposição “Cabelo – Luz com trevas” (BNDES, RJ), duas mostras monográficas sobre León Ferrari (Galeria Nara Roesler, SP e NY), e a coletiva “Com o ar pesado demais pra respirar” (Galeria Athena, RJ).

 

 

Sobre a idealizadora

 

Robertha Blatt atua nas fronteiras entre arte, psicologia e educação. Há 15 anos, pesquisa a articulação de práticas terapêuticas e expressões artísticas, trafegando pelos papéis de educadora infantil, terapeuta de família, psicóloga, mãe e artista. Especializada em terapia de família e casal. Seu consultório-ateliê disponibiliza recursos multissensoriais que viabilizam outras manifestações expressivas além do discurso verbal. Explora imersões em museus pelo mundo, observando a interação entre as pessoas e as proposições destes espaços. Interessa- se pelo estudo de terapia somática e bodynamic. Realiza palestras e encontros com os temas voltados para educação e psicologia. Investiga a relação dinâmica entre a expressão das emoções, a criação artística e a construção de si.

 

 

Nilcemar Nogueira – Secretária Municipal de Cultura

 

À frente da Secretaria Municipal de Cultura, temos direcionado esforços para a implementação de uma política de estado baseada na democratização cultural da cidade. Com o compromisso de dar fim ao pesadelo da “cidade partida”, nossa gestão acredita que os conceitos de centro e periferia não contemplam uma política cultural de fato integradora. Por isso, foi traçado um novo mapa simbólico, em que toda a cidade é o centro e cada região é um manancial de produção pulsante de cultura. Para avançar nesse processo de ressignificação e equacionar as potencialidades, elegemos cinco eixos estratégicos: gestão de escuta ampliada e participativa, cultura pela diversidade e cidadania, programa integrado de fomento à cultura, valorização da rede de equipamentos culturais, e memória e patrimônio cultural. Assim pudemos colocar em prática uma série de ações efetivas, com foco no lema “Cultura+Diversidade”. A cultura plural, rica e forte do Rio de Janeiro é, ao lado na natureza opulenta, o grande capital da cidade. Ela tem poder regenerador, capaz de corrigir rumos e mudar vidas. Fortalecer, apoiar e difundir nossa cultura não é apenas dever de cada um de nós: é questão de sobrevivência e de resistência.

 

 

Encontros públicos:

 

01 de novembro de 2018 (quinta-feira), das 14h30 às 17h

 

Junto com artistas propositores, Lisette Lagnado e Robertha Blatt discutem concepção, processo criativo e expõem métodos de trabalho. Ernesto Neto ensinará meditação para as crianças dentro de sua escultura.

 

 

10 de novembro de 2018 (sábado), das 14h às 17h

Roda de conversa com Ernesto Neto e convidados.

 

 

Até 30 de novembro.

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Projeto Identidades – 2ª edição

24/out

A Galeria Aliança Francesa inaugura nesta quinta, dia 25, o “Projeto Identidades – 2ª edição”, exposição que apresenta cerca de 25 obras de 17 artistas e oferece ao público uma reflexão sobre a extensa gama de entendimentos que a identidade suscita em cada um de nós. Sob a curadoria de Osvaldo Carvalho, a exposição traz obras deAna Paula Albé, Benoît Fournier, Eduardo Mariz, Osvaldo Carvalho, Fábio Carvalho, Gabriela Massote, Gian Shimada, Isabel Löfgren e Patricia Gouvêa, Marcelo Carrera, Mayra Rodrigues, Paulo Gil, Paulo Jorge Gonçalves, Raimundo Rodriguez, Rogério Reis, Vincent Catala e Vincent Rosenblatt.

 

A identidade, de modo vulgar, é entendida como um documento (material) que caracteriza determinada pessoa e a qualifica em origem a um grupo social desde o conceito mais amplo, nacional (como o passaporte), até os mais específicos de localidade (RGs), trabalho (carteira de trabalho ou crachá funcional), escola (carteira de estudante), clube (carteira de sócio), etc. em que temos uma constituição jurídica do indivíduo legalizada pelo documento de que é portador. Mas essa conceituação tem implicações investigativas também em outras áreas do saber (sociologia, antropologia, filosofia, história, artes visuais, entre outros) cujas definições se multiplicam mediante a abordagem escolhida.

 

Entre artistas visuais não é menos complexo o efeito das pesquisas realizadas na compreensão e formação de uma identidade. Os trabalhos reunidos nesse projeto compreendem um amplo espectro poético visual que invoca eixos como memória – afeto, história -resgate, cultura – discurso. A diversidade de enfoques estabelece parâmetros que possibilitam, nesse mesmo conjunto, discutir as bases da individualidade, o que nos faz verdadeiramente únicos em meio ao coletivo.

 

Nessa edição os trabalhos apresentados afinam o espectro poético visual que foi anunciado na edição anterior – como me vejo e como sou visto ainda é recorrente; contudo, ver o outro com sensibilidade cívica revela-se uma necessidade premente, urgência primeira frente a discursos de ódio e intolerância sociais. Assim é que este projeto tem desvelado camadas mais profundas do indivíduo: suas máscaras, máscaras alheias, vozes em seco e a secura na boca. Não há silêncio possível quando a escuridão se faz, é preciso gritar. Gritemos!

A exposição é uma organização da Aliança Francesa Rio de Janeiro e conta com o apoio do Consulado Geral da França no Rio de Janeiro, Institut Français Brasil, Air France, TV5.

 

 

 

Até 26 de fevereiro de 2019.

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Basquiat no CCBB Rio

18/out

Depois de passar pelas unidades do CCBB em São Paulo, Belo Horizonte e Brasília, chegou a hora da maior exposição realizada na América Latina sobre Jean-Michel Basquiat desembarcar no Rio de Janeiro. A exibição dessa mostra celebra o início das comemorações de aniversário do CCBB. Mais de 80 obras do pintor norte-americano encontram-se em cartaz no Rio. A retrospectiva reúne pinturas, desenhos, gravuras e pratos pintados pelo nova-iorquino, que teve produção marcante e até hoje exerce influência na cultura pop, incluindo peças raras.

 

 

Sobre o artista

 

Filho de imigrantes afro-caribenhos, o nova iorquino Jean-Michel Basquiat (1960-1988) foi, de acordo com Pieter Tjabbes, uma “personificação das transformações de sua cidade nas décadas de 1970 e 1980”. Sua técnica, inovadora para a época, mesclava sobre a tela elementos como colagens, cópias reprográficas, palavras e imagens da anatomia humanas – estas, inspiradas no livro Gray’s Anatomy, lido por Basquiat na infância, enquanto se recuperava de um acidente. O resultado, como sublinha Tjabbes, são “…obras que refletem os ritmos, os sons e a vida urbana nova iorquina, sintetizando o discurso artístico, musical, literário e político da época”.
Tudo isso atraiu a atenção de críticos, curadores e compradores da época. Basquiat tornou-se celebridade das ruas da Big Apple, ganhou notoriedade nas maiores galerias do mundo e, antes mesmo de sua morte súbita, já era comparado a gênios como Picasso, Pollock e Warhol. Embora a obra de Basquiat seja extensa, sua carreira foi curtíssima: não durou nem uma década. Nascido e criado no Brooklyn, filho de um contador haitiano e uma americana filha de imigrantes porto-riquenhos. A família era de classe média e, graças aos pais, ele teve acesso a arte, exposições e jazz. Em suas pinturas, essas memórias se misturam aos desenhos animados da infância. Outro ponto interessante é o fascínio do pintor com as formas humanas. Aos 7 anos, sofreu um acidente de carro e teve alguns ferimentos internos. Ele ganhou da mãe o famoso livro de anatomia Gray’s Anatomy, que lhe serviu de referência durante toda carreira. Tempos depois, passou a pichar frases e poesias em Manhattan, ao lado de amigos, e, daí, nasceu a admiração pelo grafite. Em suas obras, ele usou spray e técnicas da arte, embora nunca tenha se considerado grafiteiro.

 

Quando Basquiat foi notado por suas pinturas, no início dos anos 1980, conheceu sua primeira mecenas: Annina Nosei, uma galerista italiana. Ela cedeu a ele o iluminado porão de sua casa, tintas ilimitadas e telas enormes. Logo, a comunidade artística nova-iorquina soube da galeria underground onde estava preso um menino negro e selvagem. Ver como as pessoas o percebiam, deixou marcas na vida e na obra do pintor. Diz o curador : “Isso o machucou muito. Ele viu que sua posição no mundo artístico era única e ficou mais atento ao espaço do negro na arte e na sociedade americana”

 

 

Até 07 de fevereiro de 2019.

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“Moradas”, instalação&bordados

10/out

A Galeria Pretos Novos de Arte Contemporânea, Gamboa, Rio de Janeiro, RJ, inaugura dia 13 de outubro, “Moradas”, exposição individual de Angela Camara Correa. A curadoria é de Marco Antonio Teobaldo. Esta é a primeira vez, desde a sua fundação, que a galeria realiza uma exposição cujas principais obras exibidas foram criadas com a participação de seus visitantes. “Moradas” foi concebida com pouco mais de 1.200 rosas, cujos caules foram cortados e reunidos com alfinetes, formando pequenas armações em formatos de casas. Uma parte destes objetos é justaposta na parede e o restante, é pendurada por fios de nylon descendo do teto. De acordo com a artista, este trabalho foi idealizado a partir da sua necessidade de oferecer simbolicamente algum tipo de morada para os Pretos Novos.

 

“Toalha de viagem” é uma obra criada a partir da toalha de mesa herdada de sua família alemã e que viaja com ela para os mais remotos cantos para, junto com os moradores locais, compartilhar momentos de conversas ou até mesmo refeições, enquanto fluem os bordados em linha vermelha. O curador da mostra explica que, a partir deste mesmo princípio, em março deste ano, Angela depositou sobre a mesa de leitura da biblioteca do Instituto Pretos Novos (IPN) uma toalha de mesa que ganhou do hotel onde estava hospedada e deixou novelos de linha vermelha e um conjunto de agulhas para quem quisesse deixar algum registro.

 

A instalação “Sopro” é composta por uma escultura em gesso, feita a partir da técnica de modelagem com a cabeça da artista e enterrada em um grande volume de sal grosso disposto no chão da galeria. Segundo a artista, a obra sugere que a partir da representação do seu corpo deitado, como se tivesse aspirando o ar para cima, impulsionasse uma matéria etérea de suas moradas para o alto.

 

A partir da pergunta “O quê nos une?” um grupo de pessoas convidadas pela artista respondeu individualmente com bordados em linha vermelha em voil. Razão pela qual, muitos deles estão escritos em português e alemão, reunindo mais de 500 participantes, desde a sua concepção, iniciada em 2003.

 

Composições criadas a partir de registros fotográficos encontrados nos álbuns da família da artista, reiteram este delicado tratado de sua ancestralidade com a série “Enlaços”. Bordados que lembram acabamentos de panos de prato, reúnem retratos com as três últimas gerações de mulheres (avó, mãe e ela mesma). Enquanto que em “Entrelaços”, imagens do casal de avós maternos são cobertas por um papel transparente, com impressões de sombras de flores e folhas.

 

O curador Marco Antonio Teobaldo revela que “…os vestígios das memórias da artista se materializam com a sua surpreendente capacidade de preservar e ressignificar objetos pessoais, que são verdadeiras relíquias de seu passado, como o vestido de noiva de sua avó, exibido ao lado de seu pequeno vestido de batizado, na instalação “Ser em ser”. Com as marcas deixadas pelo tempo, estas duas peças de vestuário cerimonial religioso evocam a resistência da matéria frágil e o reencontro de histórias”.

 

Sobre a artista

 

A artista visual Angela Câmara Correa é paulistana e vive há mais de 20 anos na Alemanha, onde trabalha como professora e desenvolve sua pesquisa e boa parte da produção artística, que trata de questões da sua memória afetiva. Fazendo uso de técnicas variadas, como desenho, pintura, escultura, bordado, fotografia e assemblages, a artista cria um repertório que, de uma forma ou de outra, remonta algumas passagens de sua vida ou de seus familiares. Este vínculo com as suas origens a estimula a vir periodicamente ao Brasil, mais precisamente na região Amazônica, para participar de projetos sociais junto às populações ribeirinhas e germinar novas propostas de trabalhos artísticos.

 

 

Abertura: 13 de outubro de 2018 às 12 horas.

 

Visitação: de 16 de outubro a 01 de dezembro.

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Vídeos de Anna Bella Geiger

09/out

Chama-se “Qualquer direção fora do centro” a exposição de Anna Bella Geiger, atual cartaz no Hall e Galeria subsolo da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ. A curadoria é de Ulisses Carrilho e estende-se até 28 de outubro.

 

 

A palavra do curador

 

Anna Bella Geiger experimentou a passagem do moderno para o contemporâneo no seu processo de trabalho com excelência e fôlego, interpelando as diversas possibilidades de uma arte sempre compromissada com seu tempo, mas não subalterna a ele. Nos anos 1970, a partir de uma inquietação profunda em relação à natureza do objeto de arte, enveredou suas investidas artísticas para uma multiplicidade de mídias como fotomontagem, fotogravura, fotocópia, serigrafia, vídeo, super-8 e diapositivos produzindo trabalhos que exacerbam categorias estanques. Seus trabalhos rasuram as fronteiras do público e do privado, vão da escala espacial ao âmbito doméstico com uma coerência de indagações que dá dimensão pública a questões que poderiam ter ficado restritas à esfera da autoexpressão.

 

Artista que reconfigura os contornos e o pertencimento do Brasil e da América Latina por meio de geografias físicas e humanas, Geiger atesta a impossibilidade de ser o outro e mergulha cartografias num vazio abissal. Os mapas, ao passo que orientam, também são formas apartadas do resto do mundo e resultam num singular uso da cor, que já se anunciava em suas gravuras da série Visceral (anos 1960). A partir das similaridades e possibilidades de articulação formal entre o mapa brasileiro e latino-americano, desvenda esquemas ideológicos sedimentados por meio de comparações antropomórficas. Os meios técnicos apresentam-se como desdobramentos possíveis para uma investigação conceitual e filosófica, o que resta claro para aqueles que têm o privilégio de seguir seus cursos na Escola de Artes Visuais do Parque Lage. A pulsão gráfica, lida frequentemente nos trabalhos em gravura e serigrafia, por exemplo, revela-se também nos vídeos “Passagens 1” e “Passagens 2”, que pontuam o início desta mostra: a imagem bidimensional do vídeo sugere a escada como linhas, pautas de um caderno em branco, que inscrevem este corpo feminino na narrativa inaugurais da videoarte brasileira e internacional.

 

A produção de Anna Bella Geiger renova o entendimento de circulação das imagens e da formação de memória. Interpela aquilo que dá forma ao contemporâneo e o deforma, convoca os mitos do passado, faz presentes hoje. Neste ano, o Programa de Formação e Deformação da EAV Parque Lage tomou como rota a frase e a insígnia desenhadas por Anna Bella Geiger no vídeo “Centerminal” (1974), filmado um ano antes da fundação da escola livre, na floresta que integra o Parque Lage. Como estratégia curatorial, esta mostra foi pensada propositadamente para três locais de passagem, tema caro à artista – entrada do Palacete, galeria do Salão Nobre e corredor do subsolo – orientando-se para qualquer direção fora do centro. Esta postura crítica em relação à arte, sua natureza e suas possibilidades são marcas de uma produção que renova sua importância histórica a partir da sua pertinência e atualidade.

Ulisses Carrilho

 

 

Sobre a artista

 
Graduada em Letras Anglo-Germânicas pela UFRJ e em Sociologia da Arte pela New York University. Realizou exposições, recebeu prêmios e bolsas no Brasil e no exterior. Seus trabalhos integram coleções como a do MoMA (Nova York) e a do Centre Georges Pompidou (Paris). Publicou, com Fernando Cocchiarale, o livro “Abstracionismo geométrico e informal” (Funarte, 1987).

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Individual de Hugo Houayek

O artista Hugo Houayek apresenta a exposição “Cimento manchado de batom” na Simone Cadinelli Arte Contemporânea, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, composta de obras à base de esmalte de unha, cimento e batom.

 

No lugar das tintas a óleo, acrílicas ou aquarelas, pequenas pinceladas de esmalte de unha e muitas camadas de batom. A relação corpo-pintura é abordada através das obras do artista, que ocupam os dois andares da galeria Simone Cadinelli Arte Contemporânea, a partir do dia 10 de outubro, com curadoria de Raphael Fonseca (curador do Museu de Arte Contemporânea de Niterói). “Cimento Manchado de Batom”, sua sexta individual, apresenta trabalhos elaborados nos últimos anos de sua pesquisa como artista visual, a maioria deles desenvolvida durante o seu doutorado em Linguagens Visuais na Escola de Belas-Artes da UFRJ.

As obras selecionadas abrangem tanto pinturas quanto objetos que, de diferentes maneiras, formam uma posição crítica em seu pensamento pictórico. O artista possui uma longa pesquisa sobre o campo da pintura, suas margens e limites, como um corpo que não para de olhar incessantemente.

 

 

A palavra do artista

 

“Sempre existiu o desejo dentro da história da pintura em fazer da tela uma pele e a própria pintura um corpo. É análogo ao desejo de Pigmaleão de dar vida à sua escultura. Então, esses materiais – batom, esmalte -, que são usados para cobrir o corpo humano, de maneira que o corpo vire tela, vira uma pintura. Nesses trabalhos estabeleço uma relação metafórica entre o corpo humano e a pintura.  Toda pintura seria um corpo maquiado”.

 

 

Além das pinturas feitas sobre papel A4 e A5, as esculturas – feitas em cimento pintado, de tamanhos variados, algumas com formas orgânicas – são pintadas com spray de tinta acrílica e também entram na relação metafórica com o corpo humano. Ou seja, a escultura também quer ser corpo.

 

 

A palavra do curador

 

“Os materiais utilizados em algumas dessas obras escapam das matérias tradicionalmente usadas na prática da pintura e ampliam o seu campo. A relação entre a banalidade dessas opções de técnicas e a suposta erudição da prática pictórica é tensionada e revista pelo olhar do artista”.

 

 

Sobre o artista

 

Hugo Houayek desenvolve uma pesquisa artística sobre o campo pictórico, suas margens e limites, entendendo a pintura como um corpo de mil olhos que não para de olhar incessantemente. De maneira que a pintura se comporta como uma linguagem, com todas as suas imperfeições, impossibilidades e fracassos. Doutorando na Linha de Linguagens Visuais no programa de pós-graduação em Artes Visuais da Escola de Belas Artes na UFRJ. Possui Mestrado em Linguagens Visuais (2010) e graduação em Pintura (2006) pela Universidade Federal do Rio de Janeiro. Foi professor substituto no curso de Artes Visuais na EBA na UFRJ.

 

 

Sobre o curador

 

Raphael Fonseca é pesquisador nas áreas da Curadoria, História da Arte, Crítica e Educação. Curador do MAC-Niterói e professor do Colégio Pedro II. Doutor em Crítica e História da Arte pela UERJ. Recebeu o Prêmio Marcantonio Vilaça de curadoria (2015) e o prêmio de curadoria do Centro Cultural São Paulo (2017). Curador residente na Manchester School of Art (maio-agosto de 2016).

 

 

Até 10 de novembro.

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Arte Democracia Utopia

08/out

O Museu de Arte do Rio – MAR, Centro, Rio de Janeiro, RJ, exibe ao público a exposição “ARTE DEMOCRACIA UTOPIA – Quem não luta tá morto”. Assinada por Moacir dos Anjos, um dos mais importantes curadores do país, com passagens pelas Bienais de São Paulo e Veneza, a mostra faz parte do programa de comemoração dos cinco anos da instituição.

 

Sem ter pretensão de apresentar um panorama conclusivo, a exposição traz exemplos do pensamento utópico que marca a arte brasileira recente. Trabalhos artísticos realizados em momentos passados também encontram-se presentes, além de propostas e ações realizadas por grupos comunitários, associações e outras articulações da sociedade civil que visam a construção de estruturas de atuação política e social.

 

“Quem não luta tá morto” é a frase gritada por muitas e muitos dos que teimam em construir, em estado de constante disputa, lugares e tempos mais generosos e inclusivos. É frase dita bem alto, em particular, por aquelas e aqueles que buscam fazer valer, no Brasil, o direito constitucional à terra e à moradia. Frase que sintetiza a certeza vital que move a construção utópica: a impossibilidade de estancar a busca do que se deseja e do que se precisa. Mas se a única alternativa à morte é a luta, é dolorosamente claro que a luta não impede a suspensão da vida, que quem luta também morre – com frequência justo por sua combatividade, por sua gana de inventar um mundo mais largo. Gente que é morta por querer impedir as mortes lentas que a existência precária fabrica, espelho das desigualdades abissais que fundam e estruturam o país. As mortes de quem luta se transformam, por isso, em imperativo ético de resistência para quem fica; de fazer valer, a despeito de tudo, o valor da vida.

 

Se o assassinato de Marielle Franco é tentativa bárbara de sustar a potência da vida imaginada que a movia, o surgimento de mais e mais pessoas dispostas a publicamente sustentar e assumir, para si, as lutas pelas quais ela foi morta, é a tradução concreta da expressão Marielle Vive. Adotar aquela palavra de ordem como título da exposição é, portanto, querer estar junto, é querer fazer multidão. É lembrar que, enquanto houver desigualdades de acesso à condição de vida que para alguns já existe há muito, a história não tem fim”.

 

 

Fórum #MARaberto

 

Em paralelo à exposição, o Museu de Arte do Rio construiu o #MARaberto, um fórum pensado como lugar de encontro, discussão e ocupação, localizado nos pilotis do museu. A ideia é acionar vínculos entre arte, cultura, sociedade e política, gerando experimentos, reuniões, ensaios, oficinas, performances, saraus e o que mais for possível. Além de uma programação promovida pelo museu, com debates entre acadêmicos, artistas, lideranças e outros colaboradores, foi lançada uma convocatória para que coletivos, movimentos sociais ou iniciativas de outros formatos ocupem o fórum com as atividades que já realizam em outros lugares.

 

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