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Arte Democracia Utopia

08/out

O Museu de Arte do Rio – MAR, Centro, Rio de Janeiro, RJ, exibe ao público a exposição “ARTE DEMOCRACIA UTOPIA – Quem não luta tá morto”. Assinada por Moacir dos Anjos, um dos mais importantes curadores do país, com passagens pelas Bienais de São Paulo e Veneza, a mostra faz parte do programa de comemoração dos cinco anos da instituição.

 

Sem ter pretensão de apresentar um panorama conclusivo, a exposição traz exemplos do pensamento utópico que marca a arte brasileira recente. Trabalhos artísticos realizados em momentos passados também encontram-se presentes, além de propostas e ações realizadas por grupos comunitários, associações e outras articulações da sociedade civil que visam a construção de estruturas de atuação política e social.

 

“Quem não luta tá morto” é a frase gritada por muitas e muitos dos que teimam em construir, em estado de constante disputa, lugares e tempos mais generosos e inclusivos. É frase dita bem alto, em particular, por aquelas e aqueles que buscam fazer valer, no Brasil, o direito constitucional à terra e à moradia. Frase que sintetiza a certeza vital que move a construção utópica: a impossibilidade de estancar a busca do que se deseja e do que se precisa. Mas se a única alternativa à morte é a luta, é dolorosamente claro que a luta não impede a suspensão da vida, que quem luta também morre – com frequência justo por sua combatividade, por sua gana de inventar um mundo mais largo. Gente que é morta por querer impedir as mortes lentas que a existência precária fabrica, espelho das desigualdades abissais que fundam e estruturam o país. As mortes de quem luta se transformam, por isso, em imperativo ético de resistência para quem fica; de fazer valer, a despeito de tudo, o valor da vida.

 

Se o assassinato de Marielle Franco é tentativa bárbara de sustar a potência da vida imaginada que a movia, o surgimento de mais e mais pessoas dispostas a publicamente sustentar e assumir, para si, as lutas pelas quais ela foi morta, é a tradução concreta da expressão Marielle Vive. Adotar aquela palavra de ordem como título da exposição é, portanto, querer estar junto, é querer fazer multidão. É lembrar que, enquanto houver desigualdades de acesso à condição de vida que para alguns já existe há muito, a história não tem fim”.

 

 

Fórum #MARaberto

 

Em paralelo à exposição, o Museu de Arte do Rio construiu o #MARaberto, um fórum pensado como lugar de encontro, discussão e ocupação, localizado nos pilotis do museu. A ideia é acionar vínculos entre arte, cultura, sociedade e política, gerando experimentos, reuniões, ensaios, oficinas, performances, saraus e o que mais for possível. Além de uma programação promovida pelo museu, com debates entre acadêmicos, artistas, lideranças e outros colaboradores, foi lançada uma convocatória para que coletivos, movimentos sociais ou iniciativas de outros formatos ocupem o fórum com as atividades que já realizam em outros lugares.

 

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Exposição de Emeric Marcier

03/out

A Galeria Evandro Carneiro Arte, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, apresenta até 13 de outubro a exposição “Emeric Marcier”. A mostra reúne vinte e oito obras, distribuídas em pinturas e aquarelas. Parte do acervo é inédita ao público.

 

Considerado um dos mais importantes pintores modernos no Brasil, o romeno, radicado no Brasil por quase meio século e naturalizado brasileiro, dedicou grande parte de sua vida e obra à produção de pinturas de arte sacra, retratos e paisagens mineiras.  A exposição reúne recortes dessa trajetória, trazendo ao público obras como Autorretrato (1990) – uma das últimas telas produzidas por Marcier no ano de seu falecimento-, Cristo da cana verde (1956), Igreja São Francisco de Assis em São João Del Rey, MG (1948), Ouro Preto (1966), Mariana (1968) e Lava Pés (1968). Há também na mostra a obra Torre de Babel que foi um estudo para a Capela de Mauá (SP) e aquarelas de paisagens europeias. As obras da exposição foram cedidas pelo filho do artista, Matias Marcier. A curadoria da mostra é de Evandro Carneiro.

 

 

Sobre o artista:

 

Emeric Racz Marcier, nasceu em 21 de novembro de 1916, em Cluj, na Romênia. Judeu de origem, converteu-se ao catolicismo já no Brasil, por influência de seus amigos Murilo Mendes, Jorge de Lima e Lúcio Cardoso, que foi seu padrinho de batismo. De personalidade intensa, na primeira página de sua autobiografia, Deportado para a Vida, se declara um humanista, algo anarquista e  sua história confirma que a liberdade e a vocação artística sempre o guiaram. Aos 20 anos deixou Bucareste para estudar em Milão – na Academia de Belas Artes de Brera, onde após realizar sua graduação, defendeu tese de final de curso sobre Picasso, em plena ascensão fascista. Com a deterioração das condições políticas na Itália, foi para a França em 1939 onde montou um atelier na Cité Falguière. Na época cursou uma cadeira de escultura na Escola Nacional Superior de Belas Artes de Paris. Em Paris conheceu e conviveu com muitos artistas, alguns dos quais continuaram amigos pela vida inteira, tais como os conterrâneos surrealistas, Victor Brauner, Jacques Herold, Arpad Szenes e a mulher deste, Maria Helena Vieira da Silva, portuguesa de origem. Quando a França entrou na guerra, foi para Lisboa, hospedando-se na casa dos amigos Szenes e Vieira da Silva, com a intenção de seguir para os EUA, destino de muitos judeus naquele momento. Em Lisboa trabalhou no atelier do também surrealista António Da Costa. Relacionou-se com os escritores portugueses da época e ilustrou alguns números da Revista Presença, importante veículo de expressão dos intelectuais naquele momento. Com a negativa do visto para os Estados Unidos, resolveu partir para o Brasil. Em sua chegada ao Rio, em 1940, trouxe cartas de apresentação para José Lins do Rego, Mário de Andrade e Portinari. Logo nos primeiros momentos conheceu também Jorge de Lima e Lúcio Cardoso que juntamente com José Lins do Rego, tornaram-se seus grandes amigos e o introduziram na vida intelectual carioca.

 

Ainda em 1940 surgiu a chance de sua primeira exposição individual, no tradicional Salão do Palace Hotel, sede da Associação de Artistas Brasileiros. Guignard desistira de apresentar-se por ter sido censurado pela presença de um fuzileiro naval negro em uma de suas telas e uma oportunidade grande se abriu para Marcier, um recém-chegado. A crítica foi muito favorável a seu talento, ainda associado ao surrealismo europeu.

 

Em 1942, Marcier foi contratado pela Revista O Cruzeiro para fazer uma viagem às cidades históricas mineiras para uma reportagem ilustrada com suas telas. Uma edição histórica, com textos de Drummond, Aires da Matta Machado e outros.  Desde então, retratou o Brasil, suas pessoas e seus costumes. As paisagens de Minas, Bahia, Pernambuco e Rio de Janeiro foram diversas vezes retratadas e a expressão de nosso barroco o marcou desde sua primeira viagem a Minas. Marcier era o típico “pintor viajante”, pintou muitos lugares da Europa, com foco importante na Itália, França e Portugal. Trazia sempre sua caixa de aquarelas e blocos de papel especial para retratar os lugares que o marcavam e as pessoas que conhecia. Retornou várias vezes ao mesmo lugar, para repintá-los, como por exemplo a Itália, sobretudo a Toscana e a Normandia. Suas famosas pinturas sacras (Marcier é considerado o mais importante pintor sacro do Brasil), iniciadas ainda em Santa Teresa, onde alugou de Djanira, no começo dos anos 40, uma sala enorme para pintar sua grande “Crucificação” de quatro metros que foi exposta com outras menores na sua grande exposição do Museu Nacional de Belas Artes (MNBA) em 1942. Em Penedo onde morou junto aos finlandeses adventistas (1942) fez grandes telas sacras e posteriormente os afrescos gigantes da Capela de Mauá, SP (Capela da JOC-1946/47) tendo sido a temática religiosa sempre recorrente ao longo de sua vida. A partir daí, em sua obra, há a confluência entre a história sagrada e a humana.

 

Em 1948, Marcier fixou residência no sítio de Barbacena, onde criou, com Julita, os sete filhos. Tempos felizes com a família e a casa que construiu para acalmar as dores do exílio e dedicar-se à sua arte. No ateliê rural de grandes proporções, investe com todo o empenho nas telas de grandes dimensões, com temas sacros, à luz do sofrimento da humanidade e realiza as suas espetaculares Paixões de Cristo e Via Sacras. Experimenta de forma ainda mais efetiva os seus estudos sobre a luz na obra de arte. Sua obra mural é muito extensa tanto em afresco como em óleo. Diversas capelas, o grande painel da Guerra de Troia em Cataguases, os afrescos do Edifício Golden Gate na Av. Atlântica e o Painel Motivos do Rio de Janeiro pintado a pedido do Governador Carlos Lacerda, em 1963, para o BEG e que hoje está no Museu do Ingá, em Niterói, são bons exemplos da magnitude de sua obra.

 

 

Até 13 de outubro.

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Julio Le Parc, Nara Roesler, Rio 

02/out

Com a presença do consagrado nome da arte cinética mundial, a Galeria Nara Roesler, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, inaugurou “Julio Le Parc: obras recentes”, em homenagem aos 90 anos do artista, completados dia 23 de setembro. A exposição traz pinturas inéditas da série “Alchimie”, uma escultura da série “Torsion’ (2004), um móbile da série “Continuel”, e “A l c h i m i e V i r t uel”, com tecnologia que permite ao espectador adentrar o universo do artista. A obra, em realidade virtual, atualiza a questão da virtualidade que Le Parc vem explorando há mais de 50 anos, como nas pinturas “Réels et virtuels”, da série “Surface noir et blanc” (anos 50), “Volume Virtuel” (anos 70), e nas esculturas “Cercle Virtuel” (anos 60). Por antecipar essa discussão, Le Parc tornou-se reconhecidamente um visionário que sempre acreditou no poder libertário que a arte tem em despertar nossas faculdades perceptivas.

 

 

“Retomar contato com as obras e as ideias de Le Parc quando ele completa seus 90 anos é uma oportunidade de reativar essa crença no papel emancipatório da arte – hoje sem o dogmatismo que regia suas ideias iniciais junto ao grupo de arte cinética – e a esperança de que ela seja portadora de uma oportunidade de transformação”, escreve Rodrigo Moura, em seu texto para a exposição.

 

As “alquimias” atuais, em acrílica sobre tela, são trabalhos em grande escala, concebidos a partir de vários estágios de desenhos e de pinturas menores que se expandem em composições modificadas progressivamente. “Em algumas pinturas vemos um grande centro preto que, circulado por uma sobreposição de cores agrupadas e sobrepostas, parece atomizado, o que provoca um efeito simultaneamente desorientador e hipnótico”, diz Le Parc. A série “Alchimie” foi iniciada em 1988, em forma de pequenos esboços surgidos a partir de observações fortuitas do artista e que, aos poucos, foram concretizadas. “Aqui Le Parc está mais uma vez interessado na ideia de permutação cromática e de refração da luz na superfície, criando possibilidades de vibração a partir de planos sobrepostos, círculos concêntricos, espirais e fitas de Moebius”, afirma Moura. O crítico também destaca “a capacidade de evocação ambiental, como se cada tela fosse um corpo espacial com profundidade e luminosidade próprios, reativando o dilema olho/corpo, um antigo problema colocado pela obra de Le Parc”.

 

Em “Torsion”, o artista reafirma essa persistência em uma experimentação contínua, em que cada novo conjunto de obras tem suas raízes no que já desenvolveu. A série de esculturas às quais o artista se dedica desde o fim da década de 1990, está ligada ao espírito dos primeiros relevos, especialmente dos “volumes virtuais” desenvolvidos nos anos de 70. A contundente presença do aço inox, esse material de superfície acetinada, permite múltiplas mudanças devido a sua maneira de atrair a luz. Para Rodrigo Moura, a questão que se coloca de forma mais evidente é a da incidência da luz do ambiente sobre os filetes de aço inoxidável. “Evoca-se uma dimensão de duração à medida que nos deslocamos em torno delas, como se fossem micro espelhos imperfeitos ou fragmentos de labirintos. Por isso, quanto mais extensão, maiores as possibilidades”.

 

 

 

 

Sobre o artista

 

Julio Le Parc (n. 1928, Mendoza, Argentina) vive e trabalha em Cachan, França. O artista apresenta ao espectador uma visão divertida e desmistificada da arte e sociedade por meio de suas pinturas, esculturas e instalações perceptualmente ilusórias. Le Parc faz interagir cor, luz, sombra e movimento de modo que as formas aparentem movimento, estruturas sólidas se desmaterializem, e a própria luz pareça plástico. Como co-fundador do Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV), trabalhou para romper os limites na arte e a participação de espectadores contribuiu diretamente com suas famosas esculturas cinéticas e ambientes de luz. A partir de 1960, no entanto, começou a desenvolver uma série de obras distintas que utilizavam a luz “leitosa”: esses objetos, geralmente construídos com uma fonte lateral de luz branca que era refletida e quebrada por superfícies metálicas polidas, combinavam um alto grau de intensidade com uma expressão sutil de movimento contínuo. As obras de Le Parc foram tema de inúmeras exposições individuais na Europa, América Latina e Estados Unidos, em instituições como o Pérez Art Museum, Miami, EUA (2016); Museum der Kulturen Basel, Basel, Suíça (2015); Bildmuseet, Umea, Suécia (2015); Malba, Buenos Aires, Argentina (2014); Palais de Tokyo, Paris, França (2013); Biblioteca Luiz Angel Arango, Bogotá, Colômbia, (2007); Laboratorio Arte Alameda, Cidade do México, México (2006); Castello di Boldeniga, Brescia, itália (2004) entre outras. O artista também fez parte de diversas exposições coletivas e bienais como: a Bienal Internacional de Curitiba, Curitiba, Brasil (2015); Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brasil (1999); Bienal de Havana, Havana, Cuba (1984); Bienal de São Paulo (1967), a Bienal de Veneza em 1966 (quando recebeu o Prêmio) e a polêmica exposição do MoMA, The Responsive Eye (1965). Como ato de protesto contra o regime militar repressivo no Brasil, ele se juntou a artistas no boicote da Bienal de São Paulo em 1969 e publicou um catálogo alternativo de Contrabienal em 1971. As obras coletivas posteriores de Le Parc incluem a participação em movimentos antifascistas no Chile, El Salvador e Nicarágua. Recentemente, Le Parc tem sido objeto de grandes retrospectivas, como Form into action no Pérez Art Museum, Miami, EUA (2016), Julio Le Parc na Serpentine Gallery, Londres, Reino Unido (2014); Le Parc: Lumière no MALBA, Buenos Aires, Argentina (2014); Soleil froid no Palais de Tokyo, Paris, França (2013); Le Parc lumière na Casa Daros, Rio de Janeiro, Brasil (2013); e da exposição Dynamo no Grand Palais, Paris, França (2013

 

 

 

Até 14 de novembro.

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ArtRio, 48 mil visitantes 

A ArtRio 2018, Parque do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, provou que a arte continua valorizada e considerada um bom investimento, e que a Arte Brasileira está em alta no país e no mundo. Com visitação que chegou a 48 mil pessoas, a feira terminou sua oitava edição com saldo positivo de vendas e, também, com o incentivo a formação de um novo público. O evento, que aconteceu de 26 a 30 de setembro, ocupou uma área de 10.600 m².

 

Com a presença de 87 galerias, a ArtRio teve dois setores gerais, PANORAMA e VISTA, além dos programas curados SOLO, MIRA, PALAVRA e BRASIL CONTEMPORÂNEO.

 

Um importante foco da ArtRio esse ano foi a valorização das galerias e artistas brasileiros. A organização coordenou a vinda de 140 colecionadores e curadores internacionais para visitar o evento, além de uma programação especial que incluiu visitas a ateliês, coleções privadas e instituições culturais e museus. Entre os convidados deste grupo Jessica Morgan e Courtney Martin, dia Art Foundation / NY, Abhishek Basu, fundador da Basu Foundation for the Arts / India, Daniela Zyman, curadora do Thyssen-Bornemisza Arte Contemporânea -TBA 21 / Viena, Thierry Raspail, diretor do MAC de Lyon e Diretor Artístico da Bienal de Arte Contemporânea de Lyon, Martijn van Nieuwenhuysen, do Stedelijk Museum / Amsterdam, e Jesus Fuenmayor, da XIV Bienal de Cuenca / Equador.

 

“A ArtRio 2018 foi uma grande homenagem ao Brasil. Temos que valorizar a arte brasileira e o trabalho de nossos galeristas e artistas. Realizamos uma feira muito focada, de alta qualidade e com muita diversidade. O resultado de sucesso pode ser visto com as boas vendas que muitas galerias tiveram e também com a geração de novos contatos entre galeristas e um novo público de arte. Muito gratificante também é ver como a cidade inteira abraçou a ArtRio com um intenso calendário, com uma programação riquíssima nas galerias, museus e centros culturais”, reforça Brenda Valansi, presidente da ArtRio.

 

 

Em 2019, a ArtRio acontecerá em setembro, novamente na Marina da Glória.

 

“A feira foi ótima. Pelo segundo ano na Marina da Glória, vimos que esse formato realmente funcionou e a localização traz um público com um clima muito positivo, mesmo com a situação atual, nas vésperas das eleições. Além disso, o posicionamento da feira de reunir ainda mais colecionadores e curadores de outros estados e estrangeiros trouxe um bom resultado para nós. Tivemos boas vendas. E aproveitamos o momento do lançamento da exposição do Julio Le Parc para trazê-lo ao evento, o que nos rendeu ainda mais visibilidade. A sua obra foi a mais fotografada da feira”, disse Alexandre Roesler, da Galeria Nara Roesler.

 

“Eu não esperava um evento tão alto astral em um momento como esse, tanto econômico, quanto político. Só esse clima já valeu tudo. Nossas vendas foram razoáveis, mas tivemos muita procura e interesse, fazendo com que o pós feira seja de muitas vendas. O mais interessante foi ter nossa clientela renovada”, esclarece Maneco Muller, da galeria Mul.ti.plo Espaço Arte.

 

“Essa é a primeira vez da Central na ArtRio e foi muito produtivo, tanto em contatos quanto em vendas. Já estamos pensando no artista para trazer no ano que vem”, afirma Fernanda Basile Resstom, da Central Galeria.

 

“Em mais uma participação na ArtRio, tivemos a alegria de apresentar uma exposição que refletiu o trabalho e a poética de nossos artistas. Além de sermos visitados por nossos clientes, travamos novos e importantes contatos”, indicam Jaime Portas Vilaseca e Gus Moura de Almeida, da Portas Vilaseca Galeria.

 

“Para nós, foi ótima a participação na ArtRio. Como somos uma galeria nova, geramos relacionamento e oportunidades incríveis entre galeria, público, curadores e colecionadores; conquistando mais visibilidade e prestígio”, conta Janaina Torres, da Janaina Torres Galeria.

 

As galerias dos programas PANORAMA e VISTA foram selecionadas pelo Comitê de Seleção formado pelos galeristas Alexandre Gabriel (Fortes D’Aloia & Gabriel/ SP e RJ); Anita Schwartz (Anita Schwartz Galeria de Arte / RJ); Elsa Ravazzolo (A Gentil Carioca / RJ); Eduardo Brandão (Galeria Vermelho / SP) e Max Perlingeiro (Pinakotheke / RJ, SP e FOR).

 

O programa BRASIL CONTEMPORÂNEO teve sua primeira edição em 2018, com curadoria de Bernardo Mosqueira, e foi dedicado a galerias que apresentaram trabalhos solo de artistas residentes fora do eixo Rio de Janeiro – São Paulo. O MIRA teve como curador David Gryn, que também assina a curadoria do programa de vídeo da Art Basel Miami Beach. O SOLO pela primeira vez teve duas colecionadoras de arte assinando a linha curatorial: Genny Nissenbaum e Mara Fainziliber. O PALAVRA teve a curadoria de Claudia Sehbe e Omar Salomão.

 

A ArtRio é apresentada pelo Bradesco, pelo sétimo ano consecutivo, através da Lei de Incentivo à Cultura do Ministério da Cultura. O evento tem patrocínio de Stella Artois e CRAB/SEBRAE, FIRJAN, e apoio institucional da Valid, Bondinho Pão de Açúcar, Estácio, Bacardi, Bombay Sapphire, Shopping Leblon, High End e Breton. A rede Windsor será a rede de hotel oficial do evento.

 

Durante a ArtRio foram apresentados os vencedores da sexta edição do Prêmio FOCO Bradesco ArtRio, destinado a artistas jovens com até 15 anos de carreiras. Os selecionados em 2018 foram Paul Setúbal, Ana Hupe e Aline Xavier. Todos receberão residências artísticas e esse ano participaram com suas obras da ArtRio.
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Informações sobre Antonio Tarsis.

27/set

O artista parte da violência sofrida por moradores de favelas cariocas para os trabalhos da mostra no espaço Brasil Contemporâneo da ArtRio, Parque do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ. A curadoria é de Bernardo Mosqueira, que selecionou artistas e galerias fora do eixo Rio-São Paulo. Tarsis é representado por Luiz Fernando Landeiro Arte Contemporânea, de Salvador. O artista mostrará dois trabalhos: a série de bordados “Genocídio Simbólico” e o conjunto de objetos “Trabuco”. Ele nasceu em 1995 na periferia de Salvador, e esta é sua primeira exposição no Rio de Janeiro. Autodidata, começou a pintar aos quinze anos. É neto de feirantes e vem  conquistando o circuito artístico com seu trabalho, que abrange fotografia, pintura em variados suportes, objetos e colagem. Em 2016 foi um dos vencedores do 5º Prêmio Energias na Arte, do Instituto Tomie Ohtake, ganhando uma residência no prestigioso Lugar a Dudas, em Cáli, Colômbia, mantido pelo artista Oscar Muñoz.
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Miguel Rio Branco na Silvia Cintra+Box4

25/set

Miguel Rio Branco, um dos maiores nomes da fotografia e da arte contemporânea brasileira, inaugura no dia 27 de setembro a mostra “Através do olhar dourado” na galeria Silvia Cintra+Box4, Gávea, Rio de Janeiro, RJ. Ao contrário das duas últimas exposições do artista na galeria, quando a mulher foi o tema central, agora os trabalhos não trazem a presença da figura humana.

 

Entre dípticos, trípticos e polípticos – montados por Miguel como um quebra-cabeça de fotografias de diferentes momentos e lugares – a exposição se constrói como um exercício poético de não temas, apenas uma viagem do olhar do artista sobre paisagens, detalhes arquitetônicos, cavalos, uma roda gigante desativada, restos de coisas e relíquias.

 

Conhecido por obras de forte cunho social e político, como as séries Maciel, realizada no Pelourinho no final dos anos 70 e Santa Rosa numa academia de boxe carioca nos anos 90, a mostra na galeria Silvia Cintra é uma boa oportunidade para o público conhecer um lado mais lírico da obra do artista.

 

 

 

Sobre o artista

 

 

Nascido em 1946, filho de diplomata, bisneto do barão do Rio Branco e neto do caricaturista J. Carlos, Miguel Rio Branco ganhou em 2010, um pavilhão no centro de arte contemporânea de Inhotim, MG. Espaço que considera a mais instigante proposta de comunhão entre Arte e Natureza. Miguel Rio Branco é um dos artistas nacionais com maior projeção no exterior, com um currículo repleto de exposições em espaços de grande prestígio, como as suas individuais “Out of Nowhere”, no Groninger Museum, na Holanda (2006), “Gritos Surdos” nos encontros de Fotografia de Arles (2005), “Plaisir La Douleur”, na Maison Européenne de La Photographie, em Paris (2005) e no Kulturhuset de Stockholm. No Brasil realizou recentemente a mostra individual “Nada levarei quando morrer” no MASP (2017) e “Wishfull Thinking” na Oi Futuro (2108). Atualmente está em cartaz também na 33ª Bienal de São Paulo.

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Coletiva da Luciana Caravello

24/set

Luciana Caravello Arte Contemporânea, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, apresenta exposição coletiva com obras de seu acervo. A mostra terá cerca de 40 trabalho, dentre pinturas, desenhos, esculturas e instalações, dos 30 artistas representados pela galeria: Adrianna Eu, Afonso Tostes, Alan Fontes, Alexandre Mazza, Alexandre Sequeira, Almandrade, Ana Linnemann, Armando Queiroz, Bruno Miguel, Carolina Ponte, Claudio Alvarez, Daniel Escobar, Daniel Lannes, Eduardo Kac, Eliane Prolik, Fernando Lindote, Gê Orthof, Gisele Camargo, Güler Ates, Igor Vidor, Ivan Grilo, Jeanete Musatti, João Louro, Lucas Simões, Marcelo Solá, Marina Perez Simão, Nazareno, Paula Trope, Pedro Varela e Ricardo Villa. Entre as obras apresentadas estarão esculturas da série “Borda e Alegria”, de Igor Vidor, composições feitas a partir de armações de pipas, vazadas, e seus respectivos padrões geométricos desenvolvidos em papéis de seda; origamis da série “Articulando Princípios”, de Ricardo Villa, e a instalação “Estudo para fábrica de vidros” (2017/2018), de Ivan Grilo. Pelo oitavo ano consecutivo, a galeria participa da ArtRio, um dos principais eventos de arte da América Latina. No stand da galeria, no setor “Panorama”, que reúne as galerias já estabelecidas no circuito internacional de arte, estarão obras dos artistas representados, incluindo pinturas, desenhos e esculturas. A galeria também estará presente no programa SOLO, com uma instalação da artista Adrianna Eu, e no programa MIRA, que reúne videoarte, com uma obra do artista Igor Vidor.

 

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Instalações no MAM Rio

21/set

O MAM Rio, Parque do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, inaugura no próximo dia 22 de setembro, às 15h, em seus jardins e pilotis, três grandes instalações de Cesar Oiticica Filho, que integram a exposição “Metaimagens”, com curadoria de Fernando Cocchiarale. Nos pilotis estarão duas obras interativas. “Caixa de Dança 1” (2002) em que faixas de tecidos cobertos por LEDs estarão à disposição do público para serem vestidos. O convite é para que o público dance, e tenha seus movimentos captados por uma câmera digital. As imagens serão enviadas ao participante por email. “Caixa de Dança 5.0” (2018) é outra grande instalação composta por quatro telas translúcidas dispostas como paredes de um cubo, com oito metros de face, em algodão muito fino, onde são projetadas imagens, vistas tanto do lado de fora como de dentro. Dessa forma, as imagens em movimento estão em sentido de fuga quando vistas do lado interno, e são convergentes, do outro lado, como que atingindo o espectador que está fora do cubo, criando a sensação de contração/expansão, dependendo do ponto de vista. O espectador poderá também dançar, ao som da música que integra a obra. Nos jardins do MAM estará a obra “É Tudo Verdade”, de Cesar Oiticica Filho em parceria com o artista Carlos Cirenza, formada por um conjunto de velas feitas de lona, com nove metros de altura por seis metros de largura, onde estarão estampados os rostos de figuras emblemáticas para o país como Dragão do Mar, Zumbi, Anastácia e Marielle, pintadas com tinta acrílica em tons de vermelho. Até o próximo dia 30 de setembro o conjunto será completado com as imagens dos rostos de Lampião, Olga, Antônio Conselheiro, Jacaré, e o artista José Oiticica, avô de Cesar.

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Volpi/Ione Saldanha na Galeria Ipanema

14/set

A Galeria de Arte Ipanema, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, apresenta, a partir do próximo dia 24 de setembro, a exposição “Alfredo Volpi e Ione Saldanha: o frescor da luminosidade”, que homenageia o grande artista Alfredo Volpi (1896 -1988) em seus trinta anos de morte, reunindo 66 obras em diálogo com outros 20 trabalhos de Ione Saldanha (1919 – 2001), com curadoria de Paulo Venâncio Filho.  Na abertura da exposição, será lançado um livro-catálogo editado pela Barléu, com texto do curador e imagens do fotógrafo Rômulo Fialdini. As obras que compõem “Alfredo Volpi e Ione Saldanha: o frescor da luminosidade”, pertencem a importantes acervos privados no Brasil, como o Instituto Volpi.

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Exposição de Hilal Sami Hilal

11/set

No dia 12 de setembro, Cassia Bomeny Galeria, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, inaugura a exposição “Fora da Palavra”, com obras inéditas de Hilal Sami Hilal, artista capixaba, de ascendência síria, que já fez exposições em importantes instituições no Rio de Janeiro, como MAM Rio e Museu da Chácara do Céu. Com curadoria de Vanda Klabin, serão apresentadas cerca de 20 obras, produzidas este ano, dentre trabalhos feitos em cobre oxidado e corroído e em papel artesanal pigmentado. A exposição tem o conto “A Terceira Margem do Rio” (1962), de Guimarães Rosa (1908-1967), como ponto de partida. Ele conta a história de um pai que abandona a família para viver em uma canoa. Hilal, que já desenvolve desde 2007 uma pesquisa sobre a ausência paterna, criou os trabalhos desta exposição baseando-se no conto.

 

“A memória afetiva acompanha a obra. O conto fala de abandono, culpa, luto, melancolia, delírio, perdão…”, diz o artista. “Hilal rompe com os aspectos descritivos e narrativos, pois a obra não tem mais relação com a representação, contempla uma transposição caligráfica focada no texto, agora em oxidação metálica. Junta uma palavra com a outra, uma materialidade da equivalência do pensar, verdadeiros signos linguísticos, que geram nova visualidade gráfica palpável, perceptível, que brota em vigorosas partículas e, ao mesmo tempo, intensifica o vazio”, afirma a curadora Vanda Klabin.

 

No centro da exposição, pendurado no teto, haverá o grande painel de 2mX3m, composto por 24 placas de cobre vazadas. Como há uma transparência, será possível ver através da obra, tornando o público parte do trabalho. Essa grande peça foi criada a partir dos estudos das obras da exposição, que foram passados para o computador, trabalhados digitalmente e impressos em chapas de cobre, que depois foram corroídas. “Nesse trabalho está todo o estudo, tudo o que pensei sobre o conto: pensamentos, frases, desenhos, mostra o momento visceral do trabalho em construção“, conta.

 

Nas paredes, estarão obras feitas em cobre, com corrosão e oxidação. “Acelero o processo de oxidação com materiais químicos”, explica o artista. Algumas obras possuem a cor do metal corroído, outras um azul intenso; em algumas, as tramas são mais fechadas, há camadas, sobreposições de materiais, em outras, as tramas são mais abertas, mais transparentes e delicadas, como é o caso de uma que traz o desenho semelhante a um mapa vazado no meio da trama de cobre.

 

Um outro exemplo  é a obra da série Bastidor, que mede 1mX1m, e intensifica o espaço, o vazio. Este trabalho representa uma síntese do conto. É marcado com um objeto em ouro 18k. O “Livro Nuvem“ da série Atlas é feito artesanalmente pelo próprio artista, em papel de algodão com pigmentos, medindo 1mx 2m. A obra é composta por cerca de 60 imagens lembrando o céu e o mar. “Acho a paisagem fundamental presença para esta mostra, preciso desta geografia para construir um imaginário espacial e temporal”, afirma.

 

 

Haverá ainda, um trabalho feito em polietileno de alto impacto reciclado, com pintura em grafite. A obra da série “Deslocamentos“ é dividida em quatro módulos, trazendo o tema da separação. “Na presença da obra cria-se um delírio, uma vertigem, que tem muito a ver com o conto em questão”, diz o artista.

 

O nome da exposição, “Fora da Palavra”, foi tirado de um dos versos da música “Terceira Margem do Rio”, de Caetano Veloso e Milton Nascimento, que é baseada no conto de Guimarães Rosa. “A palavra está presente nas obras, mas existe mais do que isso, existe algo que não se diz, há a interpretação de cada um, o que cada um vai ver, de que forma aquilo vai tocar cada pessoa. O que a arte traz está fora da
palavra, é o que te captura, o que te toca”, como diz a música “fora da palavra, quanto mais dentro aflora” afirma o artista. O trabalho de Hilal Sami Hilal transita entre o fazer manual, técnicas milenares e a tecnologia moderna  para criar suas peças.

 

 

 

 

Sobre o artista

 

 

Capixaba de origem síria, Hilal Sami Hilal (Vitória, 1952) iniciou-se, nos anos 1970, no desenho e aquarela para depois decidir se aprofundar em técnicas japonesas de confecção do papel. A partir daí, com uma viagem ao Japão, sua pesquisa intensificou-se, resultando numa segunda viagem a esse país no final dos anos 1980. Cruzando influências culturais entre o Oriente e o Ocidente, entre a tradição moderna ocidental e a antiga arte islâmica, surgiram suas “rendas”. Confeccionadas com um material exclusivo, criado com celulose retirada de trapos de algodão e misturada com pigmentos, resina e pó de ferro e de alumínio, as rendas privilegiam a força gestual do artista, que assim constrói a tela a partir de linhas que se cruzam, de cores que se revelam na mistura dos materiais e da sensação de ausência gerada pelos espaços em branco. O trabalho, colocado a curta distância da parede, beneficia-se das sombras projetadas, criando um rendilhado virtual.

 

 

 

 

De 12 de setembro a 03 de novembro.

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