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Fotos na Marcelo Guarnieri/Rio

03/fev

A Galeria Marcelo Guarnieri, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, inaugura, no dia 9 de fevereiro, a exposição “Série Azul – Caretas de Maragojipe”, com trinta fotografias sobre o Carnaval feitas por João Farkas, – pesquisador da cultura popular – em Maragojipe, pequena cidade no recôncavo baiano. As obras do artista integram importantes coleções no Brasil e no exterior em instituições como a Maison Européenne de la Photographie, na França; International Center of Photography (ICP), nos EUA; Museu de Arte de São Paulo, MASP;  Museu de Arte do Rio, MAR; Museu de Arte Moderna da Bahia, MAM-BA, e Instituto Figueiredo Ferraz, em Ribeirão Preto.

 

Esta pesquisa para a série fotográfica desta exposição começou há três anos, quando João Farkas conheceu a tradicional festa de carnaval de Maragojipe, que recebeu o título de Patrimônio Imaterial do Estado, por manter, até hoje, a tradição centenária dos “caretas”, pessoas que se fantasiam com roupas coloridas e máscaras de pano que cobrem todo o rosto, com duas grandes orelhas pontudas para o alto. “Essa era a forma das pessoas curtirem o carnaval incógnitas. Esta maneira de brincar o carnaval acontecia em toda a Bahia, há registros em Salvador, mas com o tempo a tradição foi se perdendo e só se manteve nessa pequena cidade do recôncavo baiano”, conta João Farkas, que em seu trabalho pesquisa a cultura popular, já tendo lançado livros sobre a cidade de Trancoso e sobre a Ocupação da Amazônia.

 

João Farkas ressalta que as fotografias que serão apresentadas na exposição “registram o carnaval popular em toda exuberância criativa, que é própria do brasileiro em geral e dos baianos especialmente”. Nas fotos, os “caretas” aparecem em um fundo azul, que foi descoberto pelo fotógrafo na cidade. O muro, de um azul intenso, virou uma espécie de estúdo fotógrafico, onde ele registrou os “caretas” que passavam durante o carnaval. Por isso, a série foi intitulada “Caretas de Maragojipe – Série Azul”. As fotos, que medem 60 cm X 40 cm cada, são impressões digitais de altíssima qualidade em jato de tinta, sobre alumínio, garantindo sua permanência e conservação.

 

Durante três anos, o fotógrafo frequentou e registrou o carnaval de Maragojipe, até chegar nas fotos que serão apresentadas na exposição. “No inicio registrei toda riqueza e variedade da festa em Maragojipe, mas aos poucos fui percebendo e focando nos ‘caretas’ e, finalmente, no grande insight percebi tratar-se de retratos mascarados, com suas expressões e personalidades, num jogo fascinante de simultaneamente esconder e revelar”, diz.

 

Com um aspecto visual riquíssimo, o que chama a atenção de João Farkas é que “essa tradição é o reconhecimento de que criatividade e arte não são privilégio dos ‘artistas’ mas são características universais latentes em todos os seres humanos”. De acordo com o curador Diógenes Moura: “este trabalho mostra uma tradição popular registrada anteriormente por fotógrafos como Pierre Verger e Marcel Gotherot, mas agora resignificada pelas informações culturais contemporâneas sem perder suas raízes”. O também curador Paulo Herkenhoff considera que “esta Série Azul sintetiza a expressão da cor do século XXI”.

 

 

 

Sobre o artista

 

João Farkas nasceu em São Paulo, em 1955, e vive e trabalha entre São Paulo e Salvador. Formou-se em Filosofia pela Universidade de São Paulo e continuou sua formação como fotógrafo em Nova York, no International Center of Photography e na School of Visual Arts. Seu trabalho-documento “Retratos da Ocupação da Amazônia” recebeu a bolsa Vitae e o Prêmio Aberje, em 1988. Seu trabalho “De Trancoso ao Espelho da Maravilha” que retrata a vida naquele vilarejo bahiano antes da invasão turística, foi objeto de publicação em 3 livros: “Museu Aberto do Descobrimento” e Nativos e Biribandos” e “Trancoso”, publicado pela Editora Cobogó, em 2016. Publicou, ainda, o livro “Amazônia Ocupada” (2015) coeditado e apresentado por Paulo Herkenhoff. Dentre suas exposições mais recentes estão: “A cor do Brasil” (2016), no Museu de Arte do Rio (MAR); “Amazônia”, na Galeria Marcelo Guarnieri, São Paulo, e no Instituto Figueiredo Ferraz, em Ribeirão Preto, ambas em 2015; “Amazônia ocupada”, no SESC Bom Retiro, em São Paulo, também em 2015; “Histórias Mestiças” (2014), no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo; “Órbita” (2014), na Galeria Marcelo Guarnieri, em Ribeirão Preto, entre outras. Em 2015 o fotógrafo doou a sua documentação sobre a Vila de Trancoso onde foi instalado um Memorial do Povo, da Paisagems e da Cultura de Trancoso.

 

 

 

Até 11 de março.

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Na Oi Futuro/Ipanema

02/fev

A ideia central desse trabalho é que você passe por uma desconstrução, você não será tocado, a não ser que você queira. Você só vai fazer o que você quiser, mas vale a pena aproveitar tudo que for sugerido”.

 

Essas são algumas das frases distribuídas nas paredes, que o visitante encontrará, antes de percorrer as galerias do Oi Futuro, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ. Nesta exibição, Maria Lynch – em “Máquina Devir” -, uma das artistas mais criativas da atualidade, com obras no Brasil e no exterior, promete surpresas nesta exposição interativa: em cada sala, só poderão entrar dois espectadores ao mesmo tempo; eles não devem se conhecer e o tempo limite de permanência é 3 minutos.

 

Marco comemorativo dos quinze anos de carreira de Maria, a mostra aborda o retorno à infância e a desconstrução do pensamento hegemônico, além de evidenciar sua opção crescente pela performance e a imersão. Aventurando-se a princípio na pintura, a artista foi aos poucos trazendo suas formas amorfas das telas para o espaço físico. “Comecei a investigar um lugar tridimensional dessas formas”, ela conta em uma entrevista ao PIPA 2010, ao qual foi indicada. De lá para cá, Maria já apresentou performances no Paço Imperial e no MAM-Rio, além de ter vencido diversos prêmios. Uma das obras apresentadas no Oi Futuro é, aliás, oriunda de uma outra exposição internacional, dessa vez em Los Angeles, nos Estados Unidos. Com trilha sonora de Rodrigo Amarante, a instalação com bolas que ocupa a vitrine do térreo do espaço foi apresentada na galeria Wilding Cran no ano passado.

 

Para Maria, o objetivo de “Máquina Devir” é criar um espaço de instabilidade. “Procuro evidenciar que somos passíveis de criar uma nova maneira de pensar e sentir, resistindo aos valores consolidados e estabelecidos”, explica. Uma ideia que, apesar do aparente aspecto lúdico da mostra, ganha sustentação no pensamento de filósofos de renome: “Como diria Spinoza, ‘o homem só é livre somente quando entra na posse da sua potência de agir’”, conclui.

 

 

 

Até 19 de março

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Palatnik no CCBB/Rio

31/jan


O CCBB, Centro, Rio de Janeiro, RJ, exibe a retrospectiva itinerante do mestre internacional da arte cinética Abraham Palatnik, com curadoria assinada por Pieter Tjabbes e Felipe Scovino. “A Reinvenção da Pintura” apresenta 92 obras produzidas entre os anos de1940 e 2000. A exposição composta por pinturas, desenhos, esculturas, móveis, objetos e estudos do artista brasileiro conhecido por obras que combinam luz e movimento e, em muitos casos, utilizam instalações elétricas.“A obra de Palatnik caracteriza-se por uma qualidade inegável: permite não só observar as passagens do moderno ao contemporâneo, mas também estudar e reconhecer uma das

 

primeiras associações entre arte e tecnologia no mundo, um diálogo cada vez mais presente a partir da metade do século XX. Esta exposição ultrapassa os limites da pintura e da escultura modernas, intenção que o artista manifestou claramente nos Aparelhos cinecromáticos, nos Objetos cinéticos e em suas pinturas, quando passou a promover experiências que implicam uma nova consciência do corpo”, pontuam os curadores no texto de apresentação da exposição.

 

Segundo os curadores, a singular contribuição de Palatnik para a história da arte não se dá apenas por sua posição como um dos precursores da chamada arte cinética- caracterizada pelo uso da energia, presente em motores e luzes-, mas também pela leitura particular que faz da pintura e em especial pela articulação que promove entre invenção e experimentação:“Seu lado ‘inventor’ está presente em uma artesania muito particular que o deixa cercado em seu ateliê por porcas, parafusos e ferramentas construídas por ele mesmo e não pelas tintas,imagem característica de um pintor. O crítico de arte Mário Pedrosa e o escritor Rubem Braga já afirmavam, na década de 1950, que Palatnik pintava com a luz”.

 

“Palatnik dinamizou a arte concreta expandindo-a para além de seu campo usual e integrou-aà vida cotidiana por intermédio do design. Ao longo de sua trajetória, o artista produziu cadeiras, poltronas, ferramentas, jogos e sofás, entre outros objetos. Sua obra habita o mundo de distintas maneiras, apontando para uma formação incessante de novas paisagens e leituras à medida que diminui, desacelera e molda o tempo. Nesta exposição reunimos todos esses momentos da obra extraordinária de Abraham Palatnik. Uma obra que oferece ao público experiências marcantes e solicita, em troca, uma entrega total”, afirmam os curadores.

 

 

A palavra da curadoria

 
A obra de Abraham Palatnik (1928) caracteriza-se por uma qualidade inegável: permite não só observar as passagens do moderno ao contemporâneo, mas também estudar e reconhecer uma das primeiras associações entre arte e tecnologia no mundo, um diálogo cada vez mais presente a partir da metade do século XX. Esta exposição ultrapassa os limites da pintura e da escultura modernas, intenção que o artista manifestou claramente nos Aparelhos Cinecromáticos, nos Objetos Cinéticos e em suas pinturas.A retrospectiva“Abraham Palatnik- A Reinvenção da Pintura” começa pelas obras nas quais se vê a técnica acadêmica com a qual ele romperia no final da década de 1940 para dedicar-se à arte cinética, caracterizada pelo uso da energia, presente em motores e luzes, com as séries Aparelhos Cinecromáticos e Objetos Cinéticos.

 

Essa mudança de rumos na produção de Palatnik ocorreu em um momento decisivo para a arte nacional. Nascia a Bienal de São Paulo, um dos marcos na entrada do país no circuito da arte internacional. Palatnik participou da Bienal de 1951 com um Aparelho Cinecromático, uma invenção- tão artesanal quanto engenhosa – de uma pintura feita de luz e movimento.Se os Aparelhos Cinecromáticos criaram uma nova forma de pintar, os Objetos Cinéticos podem ser vistos como uma renovação na forma de ocupar o espaço. No lugar dos volumes da escultura, esses aparelhos lúdicos, coloridos e quase sempre motorizados ocupam o espaço com movimento, aproximando a pesquisa de Palatnik das proposições de Alexander Calder e Soto. Palatnik foi um dos precursores da arte cinética e da arte concreta. Mas também dinamizou a arte concreta, expandindo-a para além de seu campo usual, e integrou-a à vida cotidiana por intermédio do design. O experimentalismo e a organicidade sobrevoam a sua trajetória – em particular na série de obras que utilizam a madeira como suporte e meio,aproveitando os desenhos naturais dos veios dos troncos de jacarandá.

 

Na década de 1980, o artista inicia outra pesquisa com cor: a criação de telas com cordas coladas para dar volume, e novamente a exploração das cores com a tinta. Na série W, o artista estuda os jogos óticos resultantes do corte (que hoje realiza com laser) e subsequente reagrupamento de tiras de madeira pintada, técnica que teve origem na série Relevos Progressivos (feitos com papel cartão) iniciada na década de 1960. Palatnik movimenta as varetas do ‘quadro fatiado’ no sentido vertical, ‘desenhando’ o futuro trabalho, construindo um ritmo progressivo da forma, conjugando expansão e dinâmica visual e “explorando o potencial expressivo de cada material”. A produção de Palatnik, apresentada nesta retrospectiva em todas as suas facetas, intriga e encanta: suas obras vão construindo uma narrativa visual marcante e profundamente elaborada sobre os horizontes alargados por ele.

 

 

Até 24 de abril.

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Lugares do delírio

Num momento de desafios cotidianos ao que outrora pode ter parecido uma ideia inquestionável de racionalidade – como nos episódios recentes de intolerância que têm produzido violências inadmissíveis em escala local e global -, o MAR, Museu de Arte do Rio, Centro, Praça Mauá, Rio de Janeiro, RJ, inaugura em 07 de fevereiro, seu programa de exposições de 2017, com uma mostra dedicada ao delírio, força criadora que concerne a todos em sua capacidade política de reposicionar a razão. Se o século XXI tem nos impelido a rever o senso (em especial, o “bom senso” e o “senso comum”), não poderíamos fazê-lo sem reconsiderar também o “dissenso” e o nonsense, aquilo que hipoteticamente não possuiria laços de sentido. A partir dessas indagações, “Lugares do delírio” foi idealizada há mais de dois anos por seu primeiro diretor cultural, Paulo Herkenhoff. A seu convite, a curadora Tania Rivera propôs uma delicada trama de experiências, obras e projetos que dão a ver formas de resistência e de agenciamento de forças inconformes a modelos de racionalidade.
“Lugares do delírio” reúne trabalhos e práticas significativas em torno do delírio e da dimensão produtiva da loucura. Apresenta uma trama de experiências e artistas que atuaram no território da saúde mental no Brasil, especialmente a partir dos anos 1940, com o trabalho da dra. Nise da Silveira no Centro Psiquiátrico Pedro I. Curadoria de Tânia Rivera.

 

Local: 2º andar do Pavilhão de Exposições

 

No dia da abertura, 07 de fevereiro, às 16h, haverá Conversa de Galeria e performance “In Atto”, de Anna Maria Maiolino. Parte da programação da exposição “Lugares do delírio – Programa arte e sociedade no Brasil III”, a performance liga e se desenvolve entre as duas personagens: uma jovem, outra anciã e com o público circunstante. A obra se reveste de alguns aspectos de rituais e proporciona a afirmação da vida sobre a morte.
“In ATTO”: é uma obra, uma linguagem que expressa afecções. A performance liga e se desenvolve entre as duas personagens: uma jovem, outra anciã e com o público circunstante. A obra se reveste de alguns aspectos de rituais e proporciona a afirmação da vida sobre a morte. Sandra realiza uma paisagem sonora e corporal composta de vocalizações, cantos e fala. Temos voz e um corpo que se movem com grande dose de improvisação. Anna, a mulher anciã está por perto, atenta e solicita. Ela metaforicamente e simbolicamente é mestre e serva da jovem para a volta à vida.
A performance in ATTO foi apresentada primeiramente na galeria Raffaella Cortese na exposição individual da artista: CIOè em Milão, em abril de 2015. A seguir foi realizado um vídeo-documento da mesma.
Local: Térreo do Pavilhão de Exposições do MAR.

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Novíssima Pintura Brasileira

30/jan

A exposição “A luz que vela o corpo é a mesma que revela a tela” apresenta trabalhos da geração de artistas pós-internet. A CAIXA Cultural, Centro, Rio de Janeiro, RJ, apresenta inaugurou a exposição “A luz que vela o corpo é a mesma que revela a tela”, que apresenta 100 obras da produção recente de 36 pintores contemporâneos brasileiros. Sob curadoria de Bruno Miguel, a mostra é um recorte heterogêneo que mescla artistas já consolidados com outros menos recorrentes nas grandes exposições e busca revelar como a pintura é contaminada pelo pensamento de seu tempo e como prossegue viva comentando as questões do mundo atual. O projeto tem patrocínio da Caixa Econômica Federal e Governo Federal.

 

A mostra é dividida em nove temas – “O individuo social”; “Narrativas outras”; “Em ruínas; Corpo Fim”; “O Belo e não”; “Imagem-margem-poesia”; “Habitat; Deus ex”; e “Transbordamentos” -, que estabelecem relações subjetivas entre pintores surgidos a partir do fim dos anos 1990. “O fato de terem suas pesquisas desenvolvidas e afirmadas após o surgimento da internet não é um dado conceitual e sim um recorte curatorial para investigar um momento específico da história da pintura brasileira, da arte e do mundo”, explica o curador. Em cada tema, as questões são apresentadas a partir de contrastes e oposições, e o ritmo da exposição se desenha em processos híbridos de criação.

 

Em “A luz que vela o corpo é a mesma que revela a tela”, além do curador Bruno Miguel, que também participa da mostra como expositor, foram convidados a exibir o resultado de suas investigações e experimentações no campo da pintura contemporânea os artistas Alan Fontes, Alexandre Mury, Alvaro Seixas, Ana Elisa Egreja, Ana Prata, Bruno Belo, Bruno Dunley, Bruno Vilela, Caio Pacela, Camila Soato, Dalton Paula, Eder Oliveira, Fabio Magalhães, Gabriel Secchin, Gisele Camargo, Gustavo Speridião, Julia Debasse, Makh Hanamakh, Marcelo Amorim, Marcone Moreira, Mariana Leico, Mariana Palma, Marina Rheinghantz, Paloma Ariston, Paulo Almeida, Paulo Nimer Pjota, Pedro Varela, Rafael Alonso, Rafael Carneiro, Rodrigo Martins, Rodrigo Torres, Sidney Amaral, Thiago Martins de Melo, Victor Mattina e Vitor Mizael.

 

A mostra é uma produção de ADUPLA, formada por Anderson Eleotério e Izabel Ferreira, responsável por importantes publicações e exposições itinerantes pelo Brasil, como Athos Bulcão, Milton Dacosta, Carlos Scliar, Henri Matisse e Bandeira de Mello, entre outros.

 

 

 

Até 12 de março.

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Territórios

23/jan

O Centro de Referência do Artesanato Brasileiro, CRAB, Centro, Rio de Janeiro, RJ, inaugurou a exposição “Territórios”, com direção geral e concepção visual de Bia Lessa, e curadoria de Renata Piazzalunga, do Instituto de Pesquisas em Tecnologia e Inovação, que mostra de uma forma lúdica e atraente o universo dos artesãos das cidades de Poço Redondo, Sítios Novos e Poço Verde, em Sergipe, e Ilha do Ferro e Entremontes, em Alagoas.

 

As paredes históricas de três grandes salas do CRAB foram recobertas por compensado de madeira, para serem bordadas com centenas de metros de fios de lã, e quase 2, 5 milhões de pregos, que formam escritas que revelam quem são, como vivem e como trabalham esses artesãos, em instalações criadas pela premiada diretora e cenógrafa. Bia Lessa explica que “o público verá o rigor, o tempo empregado e o trabalho árduo desses artesãos, e seu valor”. “A exposição reúne produtos feitos pelos artesãos antes, durante e depois do projeto realizado ao longo de três anos pelo SEBRAE e IPTI, que viabiliza economicamente as associações locais desses artistas”, diz. “Mais do que interativa, a exposição tem uma proposta colaborativa, de estar junto”, destaca.

 

A montagem de “Territórios” envolveu mais de 60 pessoas, em três equipes, em um trabalho manual realizado ao longo de quase três semanas e doze horas diárias. “Queria que os espaços tivessem este dado artesanal, levar a estética dos artesãos para as salas”, diz a diretora. Bia Lessa traduziu visual e artisticamente as informações colhidas pelo projeto, que mapeou, pesquisou e trabalhou junto a 120 artesãos organizados em cinco associações. A exposição detalha principalmente o universo dos artesãos de Poço Redondo, a cidade sergipana onde foram mortos Lampião e Maria Bonita.

 

 

Percurso da exposição

 
Na primeira sala de “Territórios”, estão centenas de quadros contendo imagens e informações sobre a cidade, seus personagens e sua história, com legendas escritas à mão por um grupo de jovens calígrafos de São Paulo. O chão será coberto por um tapete onde se verá impresso um mapa com a relação entre a cidade e as metrópoles. Sobre o chão, uma bola de 1,5m de diâmetro, feita em fibra de vidro, conterá informações sobre Poço Redondo, e poderá ser girada por uma ou mais pessoas, em um movimento conjunto para que a leitura seja partilhada.

 

 

Paredes bordadas

 
Na segunda sala, o público verá paredes recobertas por tramas de linhas coloridas sobre uma escrita bordada com fios de lã vermelha que mostra o trabalho associativo dos artesãos. No centro do espaço 19 cadeiras, em círculo, fazem uma alusão às reuniões, e, sobre cada um dos assentos, estará um trabalho feito pelos artesãos antes da chegada do projeto do SEBRAE/IPTI. “Um dos fatos revelados pelo projeto é que o elo de confiança estabelecido é fundamental. Tudo é tênue, delicado, sutil. Não são relações fáceis e óbvias. Eu gostaria que o público perceba esta delicadeza, que isso se reflita em sua atitude diante da exposição. Por isso também a presença da linha nesta sala, que representa esta sutileza”, explica Bia Lessa.

 
Na terceira sala, foram empregados mais de 2 milhões 419 mil pregos, que formam uma caligrafia que conta a história do que pensam e sentem os artesãos,suas dificuldades e sonhos, em frases e conceitos retirados do questionário respondido por eles durante o projeto. “Um prego sozinho é só um prego. Junto pode ser outra coisa. É a ideia da associação: um sozinho faz uma coisa, mas quando se tornam juntos, trabalham em um coletivo, transformam, tem uma lógica, uma postura diferente”, ressalta Bia Lessa.

 
Um gigantesco rolo de tecido, com 40 metros de comprimento, cairá de um andaime, e ondulará sobre cavaletes na extensão da sala. Museu da Língua Portuguesa, em São Paulo; pelo Módulo Barroco na Bienal do Redescobrimento, em 2000, e por diversas exposições, peças de teatro, óperas, shows etc. Museu da Língua Portuguesa, em São Paulo; pelo Módulo Barroco na Bienal do Redescobrimento, em 2000, e por diversas exposições, peças de teatro, óperas, shows etc. Bordeiras da Coopa Roca escreveram sobre o tecido o detalhamento das atividades dos artesãos, registrado no blog da associação. Para ler o conteúdo, o público poderá estender o tecido através de uma manivela.

 
“Os pregos e as linhas fazem parte do processo de trabalho deles, o bordado, a renda, tudo feito à mão, em um diálogo real com os materiais usados por eles e a tecnologia, ligando todos os conteúdos”, diz Bia Lessa. Linhas de lã percorrem o teto de todos os espaços, e “costuram as ideias do que está na exposição”. Cada uma das salas tem uma trilha sonora própria, composta por Dany Roland. O percurso da exposição termina na loja do CRAB, onde estarão as criações dos artesãos feitas em parceria com os designers do projeto.

 

 

Instalação na calçada em frente ao CRAB

 
Os outros quatro municípios abrangidos pelo projeto do SEBRAE/IPTI estarão em uma instalação na frente do CRAB, na calçada, onde quatro bolas de 1,5m de diâmetro conterão informações sobre esses locais. “As bolas irão conviver com os transeuntes, dentro do objetivo do convívio compartilhado”, explica Bia Lessa que afirma ser “louca pela Praça Tiradentes”! “Tem tanta coisa bacana que acontece a sua volta, como os dois teatros, o Centro Carioca de Design, o Studio-X, a Estudantina, o Centro Municipal de Arte Helio Oiticica, e a exposição criou um espaço de diálogo com essa rica história”, conta.

 
Bia Lessa conta que ao ser convidada pelo SEBRAE a ideia inicial era mostrar somente as peças de artesanato. “Mas quando comecei a pesquisar o assunto deparei com o processo de trabalho realizado junto aos artesãos. Achei inusitado e sofisticado, pois é um trabalho transformador e dinâmico, unindo tecnologia e artesanato. Isso seria o diferente, pois expor produto artesanal tem em todo o lugar”, diz.

 

 
Ficha técnica

 
Concepção e Direção Geral – Bia Lessa; Curadoria – Renata Piazzalunga (Instituto de Pesquisa em Tecnologia e Inovação); Trilha Sonora – Dany Roland; Design gráfico – Rico Lins; Design de Luz-– Binho Schiffer e Bia Lessa; Arquitetura – Lucia Vaz Pato; Produção Executiva – Arlindo Hartz.

 

 

Sobre Bia Lessa

 
Bia Lessa, paulista 58 anos, artista responsável por trabalhos nas áreas de teatro, ópera, artes plásticas e cinema. Recentemente ganhou o prêmio de melhor longa- metragem na categoria Novos Rumos, no Festival do Rio com o filme “Então Morri”; lança no próximo dia 24 de janeiro, no MAM, o livro “Então, Maria Bethânia”, de sua autoria. Foi responsável pelo pavilhão Humanidade 2012, no Forte de Copacabana durante a RIO + 20; pela reinauguração do Theatro Municipal do Rio com a ópera “Il Trovatore”; pelo pavilhão do Brasil na EXPO 2000, na Alemanha; pelo reinauguração dos painéis “Guerra e Paz”, de Portinari, na ONU, em Nova York; pela exposição “Grande Sertão Veredas”, na inauguração do Museu da Língua Portuguesa, em São Paulo; pelo Módulo Barroco na Bienal do Redescobrimento, em 2000, e por diversas exposições, peças de teatro, óperas, shows etc.

 

 

 
Sobre o CRAB

 
Instalado em um conjunto de três prédios do século 18, em plena Praça Tiradentes, no Centro do Rio, o Centro SEBRAE de Referência do Artesanato Brasileiro é um espaço para a qualificação do artesanato brasileiro, e tem como principal missão promover o artesanato nacional, contribuindo para o melhor posicionamento de imagem dos produtos feitos à mão no Brasil. O CRAB apresenta o artesanato ao mercado revelando suas histórias, origens, territórios, indivíduos e coletivos que criam objetos como expressão da cultura e da criatividade brasileira. O CRAB é também espaço de conexão e de diálogo com outros segmentos da economia criativa como o design, a arquitetura, a música, o audiovisual, a literatura, a moda, as mídias e a cultura popular. O complexo arquitetônico do CRAB está regido pela legislação de proteção aos bens tombados pelo IPHAN, na esfera federal; pelo INEPAC, na estadual; e pelo IRPH, órgão municipal. Os três prédios fazem parte do Corredor Cultural do Rio Antigo, criado para preservar áreas históricas. A loja-evento, como experiência de consumo, comercializa o melhor artesanato brasileiro, sempre em diálogo com as exposições.. O CRAB possui ainda espaços multiuso, como um auditório de 100 lugares, uma midiateca e salas para oficinas. Os ambientes são destinados à capacitação, formação, especialização, pesquisa e experimentação. Também recebem shows, encontros, debates, palestras, lançamentos de produtos e cursos livres.

 

 

Sobre o IPTI

 
Fundado em 2003, em São Paulo, o Instituto de Pesquisas em Tecnologia e Inovação (IPTI) é uma instituição privada, com fins não lucrativos, com o objetivo de desenvolver soluções integradas entre tecnologia e processos humanos, nas áreas prioritárias de educação, saúde pública e economias criativas. Em 2006 o IPTI iniciou diálogos com o Governo de Sergipe a fim de instalar naquele estado um Centro de Tecnologias Sociais, associado a uma experiência de promoção de desenvolvimento social e econômico, com base em uma integração entre arte, ciência e tecnologia (The Human Project). O objetivo era aplicar conhecimento científico e tecnológico para a construção de um modelo inovador, baseado em uma integração coordenada e sustentável entre design contemporâneo e processos artesanais, para o desenvolvimento de produtos com alto valor agregado, estabelecimento de inovação e aumento da competitividade. Em 2013 o IPTI foi vencedor do Prêmio FINEP de Inovação, na categoria Instituição de Ciência e Tecnologia (ICT), pela região nordeste.

 

 

 

De 20 de janeiro a 19 de abril.

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Ricardo Nauenberg | Entre Terra

16/dez

Fotografia
Curadoria Marc Pottier

 

Centro Cultural Correios RJ

 

Abertura: terça, 20 de dezembro, 19h
Aventura visual

 

Imagens de um subterrâneo urbano desaparecido

 

Ricardo Nauenberg tem um extenso currículo em TV, cinema e design, mas no começo de sua formação artística a fotografia foi seu principal instrumento de trabalho. Em maio de 2015, ele decidiu voltar ao imediatismo do clique.O cenário escolhido foi o subterrâneo da construção da Linha 4 do metrô carioca, inaugurada em agosto desse ano para a Olimpíada: uma paisagem à qual o público não teve acesso e desapareceu definitivamente quando a obra ficou pronta.Entre milhares de cliques, Nauenberg e o curador Marc Pottier escolheram 89 para compor a mostra “Entre Terra”, que abreem 20 de dezembro no Centro Cultural Correios, Centro, Rio de Janeiro, RJ, ocupando 600 metros quadrados de área expositiva. Acrescido de mais imagens, esse conjunto renderá também um livro a ser lançado no ano que vem.

 

As fotografias em cor e preto e branco não são sobre a obra de engenharia, mas sobre a capacidade de o homem interferir no meio ambiente. Nauenberg conta: “Decidi mergulhar em um ensaio sobre o tema e durante um ano fotografei essas interferências, procurando focar se eram cicatrizes (se mal feitas) ou tatuagens (se bem planejadas)… uma ação forte do homem no meio ambiente, com imagens e formas que surpreendem e que desapareceram, pois o processo se completaria em aproximadamente um ano”.

 

“Entre Terra” é um registro estético, distante do fotojornalismo. O que interessa a Nauenberg é, por exemplo, documentar uma paisagem transitória que ninguém captou, uma “Serra Pelada” submersa, como ele descreve. A lente de 600 mm, que achata planos, e a 7 mm, que distancia e cria linhas e perspectivas, foram sua escolha para se afastar do enfoque documental, jornalístico. Afinal, o que mais o atrai é a “interpretação do real” e não o factual.

 

O curador Marc Pottier diz que “[…] o que é essencial aqui é o que permanece invisível: a impressão, fotografia após fotografia, de um fascínio notável e imenso que vem da repetição e da revelação do poder de um artista que consegue impor a realidade a este mundo abarrotado com leis desconhecidas e a confirmação de que este trabalho é realmente o resultado de uma aventura espiritual profundamente vivida no limiar entre o consciente e o inconsciente. É a vitória do efêmero. Nas fotografias de Ricardo Nauenberg, o tempo parece já ter destruído a criação do homem.”Esse ensaio fotográfico sobre as variações humanas e geográficas foi realizado nas escavações do Itanhangá(Barra da Tijuca), da Antero de Quental e Igarapava (Leblon) e Praça Nossa Senhora da Paz (Ipanema).

 

 

Sobre o artista

 

Depois de uma rápida passagem pela pintura, estudando com Ivan Serpa, Ricardo Nauenberg se dedicou a colagens a partir de imagens reais. Na pesquisa por texturas e formas, passou, muitas vezes, a produzi-las com uma câmera fotográfica. Daí à fotografia pura foi um passo: estagiou no lendário estúdio Plug, de David Drew Zingg e Eduardo Clark, filho de Lygia Clark. Quem também trabalhava nesse estúdio como designer era um jovem alemão chamado Hans Donner, que acabou levando Nauenberg para a TV Globo, onde iniciou uma trajetória no design, na televisão e no cinema, seguida até hoje através de sua produtora de conteúdo Indústria imaginária.Durante dez anos na Globo, Nauenberg transitou do time de programação visual como diretor de arte a direção de Caso Verdade, Primo Basílio, de musicais como Free Jazz, Sting e Tina Turner e videoclips para o Fantástico. Deixou a TV Globo para se dedicar à montagem da TVA, primeira televisão a cabo no Brasil (do grupo Abril), e no desenvolvimento de série de ficção para a Rede Manchete.Com formação polivalente, em Design, Arquitetura e Economia, Nauenberg assina a criação e direção de séries de TV aberta e fechada sobre teatro, dança, meio ambiente e futebol; de espetáculos multimídias, de som e luz. É dele a criação e produção dos museus de Pierre Cardin na França, Japão, China e Austrália. Dirigiu o longa “O inventor de sonhos”, em 2013, com Sheron Menezes, Stenio Garcia, Icaro Silva, entre outros.Junto com a preparação da mostra Entre Terra, Ricardo dirige a série “Nas nuvens” (canal Arte 1), o doc “Cruzada São Sebastião” (Globo News) e a quarta temporada de “Audioretrato” (Music Box Brazil).“Nas nuvens” é sobre a feitura de super hits de Lulu Santos, Paralamas, Titãs, Paula Toller, Fernanda Abreu entre outros, nesse estúdio carioca histórico que dá nome ao programa. Em “Cruzada São Sebastião”, ele propõe uma radiografia humana desse “bairro” dentro do Leblon. “Audiorretrato”, já na quarta temporada, é um seriado sobre a “pessoa física” e não a jurídica de músicos brasileiros de tendências diversas.
De 21 de dezembro a 02 de março de 2017.

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Otto Stupakoff: beleza e inquietude

A retrospectiva dedicada ao fotógrafo paulistano Otto Stupakoff, 1935-2009, com curadoria de Bob Wolfenson e Sergio Burgi, reúne cerca de 300 fotografias, além de publicações e vídeos apresentando sua extensa produção, realizada entre 1955 e 2005. Seu acervo está sob a guarda do Instituto Moreira Salles, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, desde 2008 e é composto por 16 mil imagens.
Pioneiro da fotografia de moda no Brasil, Stupakoff foi um dos fotógrafos brasileiros de maior projeção internacional. Além de ensaios de moda e retratos de celebridades internacionais do mundo das artes e da política, produzidos para revistas como Harper’s Bazaar, Life, Esquire, Glamour, Look e Vogue,Otto Stupakoff, que passou a parte mais produtiva de sua carreira vivendo em Nova York e Paris, deixou conjuntos menos conhecidos de retratos, nus, instantâneos de rua, fotografias de suas incontáveis viagens pelo mundo – inclusive pelo Ártico – e experimentações no limite do abstracionismo.
Para contemplar toda a sua trajetória, a mostra se divide em quatro grandes temas: seus anos de formação e primeiros trabalhos nos anos 1950; os anos de 1960 a 1970 e sua colaboração com as principais revistas de moda do mundo, como a Harper’s Bazaar e a Vogue francesa, além de retratos de personalidades como Jack Nicholson e Truman Capote; sua série de nus; e uma sala dedicada às viagens que fez.
Para o curador Sergio Burgi, “a obra de Stupakoff se associa com aquilo que Umberto Eco, no seu livro História da beleza, definiu como a beleza inquieta do Renascimento, em que forma, proporção e equilíbrio convivem com estranhamento e inquietação. As incursões de Otto nas artes plásticas ao longo de toda a sua trajetória, particularmente por meio de suas colagens e assemblagens, em paralelo às suas fotografias de naturezas-mortas e construções imagéticas quase surrealistas, convivem com fotografias verdadeiramente icônicas, de grande beleza e encantamento. Destacam-se, em especial, as imagens do universo feminino e da infância, em retratos, nus, fotografias de viagens e registros de seu âmbito familiar e íntimo, concebidas e realizadas dentro de uma linguagem fotográfica que transita entre a modernidadee a pós-modernidade. Inquietude, imaginação, liberdade e beleza formam, assim, a matéria-prima essencial da obra de Otto Stupakoff.”

 

 

 

Até abril de 2017.

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Claudia Watkins nos Correios

15/dez

Neste dezembro, o público carioca volta a se encontrar com os trabalhos de Claudia Watkins, que, na exposição “OPUS CW XVI”, composta de apenas nove pinturas da artista. Na próxima terça-feira, 20 de dezembro, o Centro Cultural Correios, Centro, Rio de Janeiro, RJ, abre a exposição traz a série “Vasos e Flores”, últimos trabalhos de Claudia Watkins, nos quais ela explora cores, relevos e os limites entre o concreto e o onírico, que, para o artista Xico Chaves, se destacam pelo “lirismo impressionista (…) como se a poesia estabelecesse um laço romântico entre o passado e o presente, a permanência da linguagem já consagrada e sua atualidade efêmera”.

 

Claudia Watkins emprega pigmentos naturais e/ou industriais em seus trabalhos ou como ela diz ser obras “quase arqueológicas, de abstração quase simbólica”, até chegar ao “quase impressionismo”.

 

“Arte em sânscrito quer dizer fazer. Esta série resulta da progressão do que venho fazendo em pintura. Já tive como referência a arte rupestre, já passei por períodos monocromáticos. Agora, surge um momento de telas com cores e transparências aguadas, mais impressionistas, um aprendizado constante que a arte me proporciona”, diz Claudia.

 

A escolha do nome da mostra, é quase um verbete de arquivo: OPUS CW XVI ou Obras de Claudia Watkins, 2016. “Produzi a série este ano”, conta Claudia Watkins, que adotou Teresópolis para viver perto da natureza e dos animais, nunca deixando de dedicar-se à pintura e realizar exposições.

 
Sobre a artista

 

Começou a pintar nos anos 1990, quando passou a frequentar os ateliês de pintores como David Largman e Xico Chaves. Também participou, como acompanhante, no ateliê de artes do Museu do Inconsciente (criado pela psiquiatra Nise da Silveira),e esteve no London Project, de Charles Watson, em Londres.

Texto de Xico Chaves

 

Desde o início a pintura de Claudia Watkins compreende a ação direta e energética sobre o vazio da tela ou qualquer superfície. Projeta-se sobre o suporte decidida, como se fosse arrancar dele o que já está em seu imaginário. Múltipla na utilização de materiais pictóricos extrai do pigmento natural e industrial, ou da água e da resina acrílica, camadas que se reverberam em diversos planos, ora em linguagens abstratas, ora delineando sutilmente figurações simbólicas.

 

Para ela, o quadro é como um território poético a ser explorado, que deixa a descoberto sua própria extensão, como se expandisse sempre para fora, à procura de associações e narrativas abertas a diversas leituras. No entanto, captura e revela a constelação de imagens que compreende seu cotidiano e seu entorno, quase se desfazendo em pinceladas gestuais descontínuas, onde cor e forma interagem à procura do equilíbrio. A liquidez da tinta se dilui, ora em grossas camadas em primeiro plano, ora quase em aguadas que deixam a descoberto as colorações do fundo, o inconsciente, onde tem origem parte de sua investigação.

 

Espontânea e decidida, a escrita da pintura estabelece lugares inusitados em busca da reconfiguração de uma realidade não estática, onde o movimento é quase um improviso, quase improvável e sem resolução definitiva. A figura, delineada e simbólica, vem surgindo nas fases mais recentes de Claudia, que adquirem fisionomias etéreas em uma temática, mas não se apegam a resoluções demasiadamente explícitas, como na sequência de pinturas intitulada por ela de Madeixas, quando a água, os cabelos, o corpo e a natureza formam quase que uma só paisagem. Esta mimetização da figura parece simular a intenção consciente de estabelecer a narrativa de personagens que desejam falar de dentro para fora, mas sem a pretensão de ocupar um papel de protagonismo único. São emergências muitas vezes involuntárias, mas reais, submersas na semântica exposta pela abstração informal predominante.
 

Nesta exposição literalmente aflora a materialização da imagem objetiva e central onde a abstração cede seu espaço à figuração, mas esta inversão não exaure sua presença intensa e afirmativa. O lirismo impressionista se configura como se a poesia estabelecesse um laço romântico entre o passado e o presente, a permanência da linguagem já consagrada e sua atualidade efêmera. Vasos de flores, pura e simplesmente, mas estas flores parecem imaginárias sem abdicarem de sua presença cotidiana. Predominam na pintura os relevos da espátula, ferramenta que a artista sempre manuseou com destreza e a planura expressiva da tinta, que imprime profundidade e luminosidade. A linha do horizonte, eventualmente presente em algumas de suas paisagens, torna-se concreta e instaura o plano de apoio para a explosão de cores sobre o fundo semi- infinito, com ranhuras e diversas camadas de cor, como paredes envelhecidas, o passado, que se reflete ainda sobre a mesa. No presente, flor e fundo se interpenetram de forma compacta ou translúcida, com suas constelações florais intensas, híbridas, inquietas, sonoras, sensitivas, vivas.

 
De 20 de dezembro a 12 de março de 2017.

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Foto de Katie van Scherpenberg

12/dez

O Oi Futuro, Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a fotografia “Santana”, da artista Katie van Scherpenberg, no Grande Campo, espaço de arte pública mantido pelo centro cultural no Flamengo. Cobrindo a fachada lateral do prédio, com 10 metros de altura, a obra traz a imagem de um morcego em preto e branco. “Santana” tem curadoria de Alberto Saraiva e ficará em cartaz até 29 de janeiro de 2017.O trabalho é baseado numa foto analógica de 1998, feita com flash. “A imagem foi feita às cegas numa visita à casa do meu pai, na IIha de Santana, no Rio Amazonas. Entrei no quarto onde ele havia morrido quase 30 anos antes. Imagem de cego, sem saber, sem ver, ignorante e belo”, lembra a artista.

 

Sobre a artista

 
Pintora, gravadora e desenhista, com trabalhos experimentais de intervenção na paisagem desde 1983, Katie van Scherpenberg nasceu em São Paulo em 1940 e viveu a infância na Inglaterra. Estudou pintura na Academia de Belas Artes da Universidade de Munique, na Alemanha e em Salzburg, na Áustria. Katie morou também na Ilha de Santana, situada no Rio Amazonas, até 1973, quando veio definitivamente para o Rio de Janeiro. Foi uma das fundadoras da ABAPP (Associação Brasileira de Artistas Plásticas Profissionais) em 1976, tendo feito parte de sua diretoria até 1983.Além do trabalho em pintura, a artista desenvolve desde 1976 uma carreira como professora de Artes Plásticas, tendo lecionado em diversas faculdades e escolas de artes, incluindo a Escola de Artes Visuais do Parque Lage, onde atua desde 1983.

 

 

Sobre o Grande Campo

 
O “Grande Campo” propõe uma aproximação do artista com o público por meio de uma intervenção na fachada que ocupa uma área superior a 120 m² e que possui uma iluminação especial, de modo que a obra pode ser vista e notada também durante a noite.

 

 

Até 29 de janeiro de 2017.

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