AGENDA CULTURAL

Um outro Brasil na Zipper Galeria

11/mai

: João Castilho

: Romy Pocztaruk

: Tuca Vieira

A exposição coletiva “Desmedida” é o novo cartaz da Zipper Galeria, Jardim América, São Paulo, SP, com abertura para o próximo dia 17 de maio. O título da exposição é tomado emprestado do livro “Desmedida”, do escritor angolano Ruy Duarte de Carvalho. Trata-se de um relato poético de viajante quando de sua prospecção pelo Brasil, a partir de excursão pela bacia do Rio São Francisco. “Vários artistas estabelecem relações poéticas e visuais semelhantes ao escritos de Ruy. Há uma geração de artistas trabalhando com a ideia de redescobrimento. O interior do país passou por transformação sócio econômica radical nos últimos 20 anos”, afirma o curador Diego Matos.

Na exposição coletiva “Desmedida”, prelúdio de uma pesquisa curatorial mais ampla desenvolvida na última década, o curador Diego Matos reúne um conjunto de trabalhos que retratam o Brasil, seu lastro histórico e suas múltiplas realidades à luz de um imaginário construído nas duas últimas décadas do século XXI. Na contramão aos parâmetros de uma história oficial baseada nas ideias grandiosas de progresso e civilização e na atenção ao desenvolvimento das grandes metrópoles, as investidas dos artistas aqui selecionados conflagram largo interesse em explorar, reconhecer territórios grandiosos mas invisíveis. Trata-se desse mesmo Brasil que, no momento, seja por temor, ignorância ou elitismo, é dado as costas.

Em busca de narrativas que refletem sobre outros entendimentos do que seria o chamado “Brasil profundo”, “o grande sertão”, a dimensão da floresta ou a errônea percepção da natureza “selvagem”, a seleção contempla produções de André Penteado (São Paulo, 1973), Daniel Frota (Rio de Janeiro, 1988), Haroldo Sabóia (Fortaleza, 1985), João Castilho (Belo Horizonte, 1978), Marcelo Gomes (Recife, 1963), Karim Aïnouz (Fortaleza, 1966), Regina Parra (São Paulo, 1981), Romy Pocztaruk (Porto Alegre, 1983) e Tuca Vieira (São Paulo, 1974). “Muitas destas pesquisa encontram nas profundezas do interior, deste íntimo do país, alguma condição universal, um sentimento comum demasiadamente humano. O interesse é este: confrontar o íntimo e o universal, o micro e o macro, confundindo escalas”, afirma.

De Tuca Vieira, a série fotográfica “Viagem ao Brasil” (2013) faz um retrato deste novo habitus construído sob a égide do desenvolvimento econômico e que se sobrepõe aos discursos globalizantes e homogeneizadores. Dois vídeos de Haroldo Sabóia – “Carta à Solidão (2016)” e “Na medida em que caminho” (2017) – fazem uma espécie relato poético sobre paisagens interioranas do Nordeste do país. Também o faz o vídeo “Sertão de Acrílico Azul Piscina” (2004), da dupla Marcelo Gomes e Karim Aïnouz, com tom documental e prospectivo, mas de caráter eminentemente experimental e poético. É por ele que a própria narrativa expositiva começa. O último vídeo da coletiva, “Barca Aberta” (2016), de João Castilho, reflete sobre deslocamentos de trabalhadores no interior mineiro, perpetuando a idéia permanente de movimento enquanto forma de sobrevivência.

De André Penteado, fotografias da série “Missão Francesa” (2017) desvendam o processo civilizatório e cultural de “catequizar” o Brasil a partir de referências ocidentais. Talvez seja esse contexto registrado que demarca a primeira ação de caráter simbólico no país, na construção de uma modernidade forjada. E, de Romy Pocztaruk, trabalhos da série “A Última Aventura” (2014) investigam os vestígios materiais e simbólicos remanescentes da construção da rodovia Transamazônica, um projeto faraônico, utópico e ufanista, relegado ao abandono e esquecimento. Regina Parra é a única artista a apresentar uma pintura da mostra. “Um Perigo um Chance” (2017), pintura de escala monumental, vem de uma pesquisa da artista que reflete sobre temas como imigração, iminências de transformação e condições inóspitas, colocando o espectador em real situação de desequilíbrio. Por fim, Daniel Frota, com sua peça sonora “It’s a Perpetual Way”, investindo na natureza circular e mântrica da musica popular brasileira, manipula a canção de Caetano Veloso, “It’s a Long Way”, de 1972, abrindo alas aos que chegam à galeria, o que põe em contato o público e o privado.

Sobre o curador

Diego Matos nasceu em Fortaleza, CE, 1979), é pesquisador e curador; mestre (2009) e doutor (2014) pela FAU-USP. Foi um dos curadores do 20o Festival de Arte Contemporânea Sesc-Videobrasil, Sesc Pompéia, 2017. É organizador, com Guilherme Wisnik, do livro “Cildo: estudos, espaços, tempo”, pela Ubu Editora, 2017. Foi assistente de curadoria da 29ª Bienal de São Paulo (2010); membro do Núcleo de Pesquisa e Curadoria do Instituto Tomie Ohtake (2011 – 2013); curador assistente do 18º Festival de Arte Contemporânea Sesc-Videobrasil (2013); e curador das exposições Da Próxima Vez Eu Fazia Tudo Diferente (Pivô, 2012) e Quem nasce pra aventura não toma outro rumo (Paço das Artes, 19º Videobrasil), todos em São Paulo, entre outras. Foi coordenador de Acervo e Pesquisa da Associação Cultural Videobrasil (2014-2016). Foi curador de exposições individuais de artistas como: Michel Zózimo, Rafael Pagatini, Raquel Garbelotti, Yiftah Peled, entre outros. Atuou também como professor em centros de ensino de arte e arquitetura em São Paulo (Instituto Tomie Ohtake, Escola São Paulo, Centro de Pesquisa e Formação e outras unidades do Sesc São Paulo). Ademais, escreve textos para catálogos de exposições; livros e exposições de artistas e colabora com revistas acadêmicas e de arte.

Até 16 de junho.

Cenas Contínuas

O Face Gabinete de Arte, Pinheiros, São Paulo, SP, apresenta pela primeira vez as pinturas da jovem artista Luisa Zimmer Ritter, na mostra “Nachleben – Cenas Contínuas” com vernissage marcado para o dia 16 de maio. Pinturas de séries realizadas entre 2014 e 2018 (óleo e cera de abelha sobre tela), intituladas “Rio Espelhado” e “Paisagens Vila Ipojuca”, serão apresentadas de forma inédita na capital paulista. A exposição tem curadoria da historiadora Eugênia Gorini Esmeraldo.

“Nachleben” em alemão pode significar vida após a morte e sobrevivência, como uma sequência de cenas que se estendem por tempos, eras, culturas… Aby Warburg se referia à sobrevivência das imagens e motivos, à continuidade ou pós-vida e à metamorfose das imagens. “Nachleben” envolve sequências não literais, gesto e ruptura, relacionados com o modo de ver, encontrar e lembrar dessas imagens abordadas nas diferentes séries, às sequências delas, que se conectam, mas também levam para uma particularidade específica. Uma mistura de vida urbana, vida familiar, nostalgia, trabalho, viagens. Isso tudo ressignificando e dando movimento às sequências de imagens.

Sobre a artista

Luisa Zimmer Ritter nasceu em Montenegro, RS, em 1988. Vive e trabalha em São Paulo. Com formação em publicidade, morando em São Paulo desde 2008, a artista fez experimentações com tecidos, objetos, fotografia. Porém a pintura acabou se revelando seu interesse maior e é isso que agora a leva para a Alemanha, onde pretende aperfeiçoar sua produção pictórica em um residência artística. Suas pinturas ilustraram a capa e a página central do Caderno Ilustríssima (21/jan/2018) do jornal A Folha de São Paulo. A pintura conquistou a artista quando frequentou cursos de história da arte. Decidida a seguir nessa trilha, aos poucos deixou as experiências que realizava e passou a fazer estudos de obras clássicas em frequentes visitas à coleção do MASP e às Bienais. Percebe-se também o uso da fotografia, mas ela avança e amplia o espaço ou modifica o real com inserções próprias. Seu trabalho tem uma pincelada segura, utiliza pigmentos de alta qualidade e consegue em cenas banais momentos de grande beleza com a luz cuidada e delicada que insere, principalmente nas paisagens. As cores fortes não resvalam para o excesso, dando boa resolução para suas composições. Os temas, mesmo que autorreferentes, retratam o mundo jovem, sugerem um viés pop que não pesa ao olhar e permite identificação imediata. Sua dedicação e seu trabalho persistente sugerem uma carreira promissora.

Sobre a Face Gabinete de Arte

Com quase um ano de funcionamento, o espaço é dirigido pelo colecionador Francisco de Assis Cutrim Esmeraldo e pela historiadora Eugênia Gorini Esmeraldo e tem como foco a difusão de artistas brasileiros modernos e arte popular.

A palavra da artista

“Nachleben” em alemão significa vida após a morte e sobrevivência, uma sequência de cenas que se estendem por tempos, eras, culturas… Aby Warburg se referia a sobrevivência das imagens e motivos, a continuidade ou pós-vida e a metamorfose das imagens. “Nachleben” envolve sequências não literais, gesto e ruptura, relacionados com o modo de ver, encontrar e lembrar dessas imagens abordadas nas diferentes séries, às sequências delas, que se conectam, mas também levam para uma particularidade específica. Uma mistura de vida urbana, vida familiar, nostalgia, trabalho, viagens. Isso tudo ressignificando e dando movimento às sequências de imagens. O tema gira em torno das pinturas que produzi nos últimos anos, muitas das cenas fazem parte do acervo de imagens que herdei do meu avô Ivan Zimmer. Fotografias que retratam do sul ao norte do Brasil. Na sequência a série “Rio Espelhado”, que faz parte de uma descoberta de negativos deteriorados da minha primeira ida ao Rio de Janeiro, em 1994. O fato gerou uma grande inspiração cinematográfica na minha infância; eram somente recortes, não lembrava das cenas até reencontrar as imagens quase 20 anos depois. Os retratos de Caroline Bittencourt, da série “Todas as Cores, do Preto ao Branco”, levam a essa permanência da imagem, quando a fotógrafa registra minha fase bem jovem. Projeto nas pinturas o que somente nas fotografias seria possível rever. As demais séries, mesmo sendo memórias mais recentes, também têm este significado marcante por serem visões contemporâneas. Nas duas pinturas “Pitangueira”, são retratos de uma árvore que secou. Mas cujos resquícios estão ainda presentes no jardim da casa da minha família, em Montenegro, no Rio Grande do Sul.

A série “Paisagens Vila Ipojuca” é uma homenagem ao amigo Emerson Pingarilho, que faleceu precocemente ano passado. Ali nos vimos pela última vez e foi onde fizemos nosso último filme. O lugar é especial para mim por estar ao lado do atelier em que passei os últimos três anos em São Paulo. Há uma vibração pictórica que vive por ali, que me lembram Van Gogh e Cézanne. Deve ser por causa das árvores e pedras, que foi o que me inspirou também em São Bonifácio, na Serra do Tabuleiro em Santa Catarina, da série “Terras de Egon Schaden”. Fui levada a notar com mais cuidado as cenas que a natureza nos apresenta, as histórias antropológicas sobre cada lugar; paisagens sublimes que mostram a passagem do tempo, pedras que mostram seres inanimados. Resquícios de que lá um dia foi mar e mais ainda, foi terra de outros habitantes.

Sobre a Face Gabinete de Arte

Presença Afro Brasil

09/mai

Mostra homenageia artistas e personalidades negras dos séculos XIX e XX, além da arte afro-atlântica de Cuba e do Haiti. No dia 12 de maio, sábado, Museu Afro Brasil, instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo em parceria com a Associação Museu Afro Brasil – organização social de cultura, inaugura a exposição “Isso É Coisa de Preto – 130 Anos da Abolição da Escravidão”. A mostra, com curadoria de Emanoel Araújo, destaca a definitiva presença negra na arte, história e memória brasileiras.

Nos 130 anos da abolição da escravidão (1888), o Museu Afro Brasil ressalta a competência, o talento e a resistência negra nos campos da arquitetura, artes plásticas, escultura, ourivesaria, literatura, música, dança, teatro, idioma e costumes. A mostra destaca a produção dos séculos XIX e XX, por meio de pinturas, fotografias, litografias, esculturas e desenhos que evidenciam e valorizam a fundamental contribuição africana e afro-brasileira na construção do país..

“Isso é Coisa de Preto é um jargão, um termo preconceituoso e racista nacional, muito usado para descriminar a condição de ser afro-brasileiro. Ressignificar tal terminologia, com o objetivo de ressaltar que ‘coisa de preto’ é ter excelência nas artes, ciências, esportes, medicina e em outros campos relevantes da sociedade, é um dos objetivos da exposição”, salienta Emanoel Araújo.

Mulheres e homens negros que marcaram época na recente história brasileira em suas respectivas áreas, tais como o médico Juliano Moreira, o poeta Luiz Gama, o escritor Manuel Querino, a cantora Elza Soares, o editor Francisco Paula Brito, os músicos Dorival Caymmi, João do Vale, Cartola, Milton Nascimento, Luiz Melodia, Jamelão, Pixinguinha, Paulinho da Viola e Itamar Assumpção, a bailarina Mercedes Baptista, o abolicionista José do Patrocínio, a atriz Ruth de Souza, o jogador Pelé, Madame Satã, entre outros, estão entre as personalidades negras representadas na mostra.

Nomes como o dos irmãos Arthur Timótheo e João Timótheo, Heitor dos Prazeres, Solano Trindade, Yedamaria, Mestre Valentim, Nelson Sargento, Eustáquio Neves, Walter Firmo, Rubem Valentim, Estevão Silva, José Teóphilo de Jesus, Benedito José Tobias, Mureen Basiliat, Rafael Pinto Bandeira, Washington Silveira, Otávio Araujo, Waldomiro de Deus, Antonio Firmino Monteiro, Pierre Verger, Carybé, João Alves, Maria Lídia Magliani, Caetano Dias, Belmiro de Almeida, Mestre Benon e João da Baiana são alguns dos artistas com trabalhos na expostos na mostra.

“Se por um lado a data marca os 130 anos da extinção do trabalho escravo no Brasil, por outro ainda somamos 400 anos de preconceitos, racismo e indiferença das elites oligárquicas desse país com relação aos negros e negras. São 400 anos de ausência de políticas públicas capazes, ao menos, de sanar esses absurdos que não só envolvem a questão de cor e de raça, mas também a pobreza que atinge as comunidades onde a maioria negra é constantemente objeto do maltrato, do isolamento e da violência noticiada todos os dias pela imprensa, como se normal fosse o mal que atinge em pleno século XXI essa camada da população excluída da educação, da saúde, da moradia e dos direitos e privilégios das outras classes sociais”, afirma o curador sobre os 130 anos da abolição da escravatura no Brasil.

Arte Afro-Atlântica de Cuba e Haiti

A exposição “Isso É Coisa de Preto – 130 Anos da Abolição da Escravidão”, revê ainda a produção artística de dois países com predominante população negra: Cuba e Haiti. Obras provenientes do sincretismo religioso e da união entre os cultos do vodum e da igreja católica, presentes no cotidiano de inúmeras famílias destas duas nações abastecidas por corpos negros durante o período do tráfico negreiro também integram a exposição.

Esculturas e pinturas que remetem à prática religiosa nos templos afro-cubanos e revelam a sintonia deste povo com a ancestralidade africana, em especial seus escultores que entenderam intimamente como interpretar este sincretismo, integram a o núcleo dedicado a república socialista de Cuba.

A exposição mostra também a vitalidade criativa do povo haitiano, através das linguagens que a obra de arte pode oferecer: das esculturas em ferro recortadas com seres míticos, das assemblagens evocando associações secretas e das bandeiras bordadas com miçangas, com símbolos do sincretismo religioso. Todo esse cabedal exposto nesta exposição revela um povo voltado para manifestações artísticas profundas, unido pela fé e pelo desejo espiritual das permanências ancestrais.

Vernissage com música africana ao vivo

O grupo Os Escolhidos, criado em 2014, no Brasil, e formado por imigrantes e refugiados da República Democrática do Congo, se apresentará durante abertura da exposição “Isso É Coisa de Preto – 130 Anos da Abolição da Escravidão”. Na ocasião, o grupo entoará diferentes gêneros musicais como rumba congolesa, acapela, zouk, world music, além de estilos próprios da região do Congo cantados em diferentes idiomas como lingala, kikongo e swahili.

Até 29 de julho.

Ismael Nery no MAM/SP

Ao programar esta exposição, o Museu de Arte Moderna de São Paulo, Parque do Ibirapuera, São Paulo, SP, e o “… curador pensaram sobretudo nos jovens que se interessam por arte, nos professores e no grande público que ainda não tinha contato com a obra de Ismael Nery (1900-1934). Não é uma exposição para especialistas, embora esses possam ter o prazer de revisitar trabalhos já conhecidos. É uma exposição em que se revela um artista que, na sua época, teve a coragem de caminhar sozinho, descobrir-se e procurar um olhar que estivesse absolutamente sincronizado com o seu tempo, mas – incrível – não com os intelectuais de seu país.

Em um momento em que era moda intelectual ser materialista e mesmo anticlerical, o homem que se dizia católico e professava sua fé em discussões filosóficas, na sua casa e na casa de amigos no Rio de Janeiro, era um dândi narcisista. Assim como a de sua mulher, sua beleza física evidente e muito impositiva, aliada à sua habilidade intelectual de polemista nas rodas de discussões, contribuía para elevar sua vaidade. Basta lembrar a quantidade de autorretratos – e autorretratos com Adalgisa. Era exímio dançarino e, na época, era o que chamamos hoje de “um artista performático”. A questão de gênero não estava ausente na sua corajosa produção: figuras andróginas atravessam toda a sua obra, assim como a relação entre o feminino e o masculino.

Agora vamos às obras. Os grupos estão divididos por gêneros: os nus, as figuras, os retratos e autorretratos, as danças, os cenários, as obras surrealistas – estas pioneiras do gênero no Brasil, junto com as de Cícero Dias (1907-2003). É apenas uma das formas de se mostrar e examinar as pinturas e os desenhos. Antes, o que ressalta aos olhos? Evidentemente, as pequenas dimensões da maioria desses trabalhos. Essa escala muito íntima demonstra um certo desprezo pelo mundo no qual a arte irá circular enquanto mercadoria. A maior parte deles não admite nenhuma distância, tem de ser vista de muito perto – para cada trabalho, um olhar. “

A curadoria de “Ismael Nery: feminino e masculino” é do crítico de arte Paulo Sergio Duarte.

De 08 de maio a 19 de agosto.

Nassar está na Pinacoteca Estação

25/abr

A Pinacoteca Estação, São Paulo, SP, exibe a retrospectiva do artista paraense Emmanuel Nassar. Com patrocínio de Credit Suisse, “Emmanuel Nassar: 81-18” abre o calendário de exposições do prédio, que é da Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura do Estado.

Com sua produção, Nassar provoca reflexões sobre o “erudito” e o “popular”. Suas pinturas e objetos estão marcados por interações aparentemente banais: das logomarcas pintadas em fachadas de rua à geometria rigorosa que remete ao concretismo brasileiro; da pintura popular do circo e do parque de diversões que circula o país à ironia da arte-pop americana. Além disso, o uso de símbolos como a bandeira nacional, a logomarca da Coca-Cola e a referência à Hollywood estão também presentes sem hierarquias, mas apresentadas com um senso de humor irônico.

“O trabalho de Emmanuel Nassar é muito potente. Fez com que a crítica do sudeste repensasse a noção idealizada que existia do pintor dito ingênuo”, explica o curador Pedro Nery.

A mostra apresenta quatro décadas de produção, reunindo trabalhos conectados por temas que são recorrentes ao longo desse período. Serão abordadas questões sobre identidade, a pop-arte ou a iconografia circense. Serão mais de cem trabalhos, entre eles “Receptor”, de 1981, o mais antigo presente na retrospectiva e que marca uma guinada em sua produção artística. Também “Fachada”, obra do acervo da Pinacoteca que representa em escala real o pórtico de um circo de rua e que foi feita para servir de entrada para a sala do artista na Bienal de 1989.

Vale lembrar que esta individual dá continuidade ao programa de exposições que pretende realizar uma revisão da carreira de artistas que iniciaram suas trajetórias na década de 1980 e construíram um percurso destacado no contexto da arte contemporânea brasileira.

“O que há de mais perene no conjunto da obra de Nassar é, possivelmente, a ambiguidade de dois mundos brasileiros, um informal das ruas e da experiência mundana em contraste com a formalidade geométrica e utópica”, completa Nery.

A Pinacoteca prepara um catálogo que reunirá dois textos inéditos escritos pelos autores Pedro Nery e Thierry Dufrêne, historiador da arte. O livro trará ainda reproduções das obras expostas.

Até 02 de julho.

Os africanos, cinco exposições

16/abr

O Museu Afro Brasil, Portão 10, Parque do Ibirapuera, São Paulo, SP, inaugura cinco exposições e homenageia Mestre Didi e Frans Krajcberg. Nova geração de artistas africanos e o olhar europeu na fotografia contemporânea também estão entre os destaques das mostras. Instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo em parceria com a Associação Museu Afro Brasil – organização social de cultura, abre simultaneamente no sábado, 21 de abril, às 11h00, cinco novas exposições: “Um Frans, a natureza – Exposição em memória de Krajcberg: Esculturas, relevos e fotografias”; “Um Deoscóredes – 100 anos do Alapini Deoscóredes Maximiliano dos Santos: Arte e Religiosidade”; “Os Africanos – O olhar europeu da fotografia contemporânea”; “África Contemporânea” e “África e a presença dos espíritos”.

Com curadoria de Emanoel Araújo, os destaques das exposições ficam por conta das homenagens póstumas a dois nomes fundamentais das artes visuais no Brasil no século 20, ambos, coincidentemente, com íntima relação com a natureza: o pintor, escultor, gravurista e fotógrafo Frans Krajcberg (1921-2017), falecido no ano passado, e Mestre Didi (1917-2013), cujo centenário de nascimento foi celebrado no último dia 2 de dezembro.

Um Frans
Conhecido por dedicar sua vida e obra à defesa da natureza brasileira, a mostra individual “Um Frans”, a natureza reúne esculturas, relevos e fotografias de Krjacberg que revelam a revolta do artista contra a destruição do planeta. A exposição destaca o modo criativo com que utilizava troncos de árvores, folhas e cipós como matéria-prima e fonte de inspiração para suas criações, que o próprio artista costumava chamar de “um grito da natureza por socorro”. “Frans foi um eterno encantado e um defensor da natureza que trazia dentro de sua alma peregrina as matas e florestas do Brasil. Em sua longa vida artística, Frans esteve intrinsicamente ligado as terras do país, nos convidando a fazer mais forte o seu eco irradiador em defesa das nossas matas, das florestas que ainda nos sobram, como a esperança e a beleza que emanam da sua obra”, ressalta o curador.

Um Deoscóredes

A exposição “Um Deoscóredes – 100 anos do Alapini Deoscóredes Maximiliano dos Santos: Arte e Religiosidade” é uma homenagem ao centenário de nascimento de Mestre Didi (1917-2013), Alapini do Ilê Asipa e filho de Mãe Senhora (1890-1967) – iyalorixá do Ilê Axé Opô Afonjá. A mostra celebra a obra de fôlego inesgotável e as tradicionais e potentes esculturas do artista, produzidas com materiais naturais como búzios, sementes, couro, nervuras e folhas de palmeira.

Repleta de elementos da cultura afro-brasileira, a produção artística de Mestre Didi “é como a união da antiga sabedoria, a expressão viva da continuidade e da permanência histórica da criação de uma nova estética que une o presente ao passado, o antigo ao contemporâneo, a abstração à figuração, formas compostas ora como totens, ora como entrelaçadas curvas. Suas esculturas, em sua interioridade, são uma relação entre o homem e o sacerdote que detém o espírito íntimo das coisas e de como elas se entrelaçam entre a sabedoria do sagrado e do profano”, define Emanoel Araújo. Dentro da exposição, será exibido pela primeira vez em São Paulo o documentário “Alapini: A Herança Ancestral do Mestre Didi Asipá”, de Silvana Moura, Emilio Le Roux e Hans Herold.

Os africanos

Muitos foram os fotógrafos que fizeram extraordinários registros dos povos e das manifestações culturais África afora. “Os Africanos – O olhar europeu da fotografia contemporânea” reúne trabalhos de quatro fotógrafos do chamado velho continente que conseguiram contribuir, com profundo requinte estético, para uma melhor compreensão artística da África atual. São eles: Hans Silvester (Alemanha), Isabel Muñoz (Espanha), Alfred Weidinger (Áustria) e Manuel Correia (Portugal).

África Contemporânea

A exposição “África Contemporânea” apresenta trabalhos de artistas de países como Moçambique, Benin, Senegal, Angola e Gana, tais como Dominique Zinkpè, Aston, Soly Cissé, Yonamine, Gérard Quenun, Owusu-Ankomah, Oswald, Celestino Mudaulane, Edwige Aplogan, Francisco Vidal e Cyprien Tokoudagba, criadores conhecidos por exporem as próprias feridas e acumulações por meio de pinturas, esculturas, instalações, desenhos e colagens. Sobre a atual produção artística em África, Emanoel destaca o compromisso das novas gerações com temas da atualidade: “A arte contemporânea tem grande comprometimento com seu tempo, fala através de metáforas, é menos contemplativa, no sentido clássico da expressão. A arte fala não só do seu tempo, mas de experiências culturais e políticas, e o artista africano, submetido a grandes impulsos, como diferenças econômicas e sociais, extrai daí sua invenção plástica”.

África e a Presença dos Espíritos

A mostra “África e a Presença dos Espíritos” reúne esculturas, máscaras, asens e moedas produzidas em cobre, madeira, tecido, miçangas e fibra vegetal dos tradicionais povos africanos Guro, Fon, Senufo, Iorubá, entre outras etnias. “A arte tradicional africana foi criada por artistas anônimos, dentro dos dogmas que a situa entre a grande criação: o homem, a natureza e os deuses em comunhão espiritual desses diferentes povos”, explica Emanoel.

De 21 de abril a 10 de junho.

Aula Aberta 397

: Denise Alves-Rodrigues

: Ateliê 397

É namoro ou amizade: É possível definir as relações entre artistas e curadores?
No dia 17 de abril, o Ateliê397, Pompéia, São Paulo, SP, reúne seu time de professores para discutir a relação entre artistas e curadores. Junto à mesa formada pelos artistas Rodrigo Bivar e Raphael Escobar e os críticos-curadores Thais Rivitti e Carlos Eduardo Riccioppo, os alunos dos cursos e público interessado problematizarão sobre o tema.
Desde a histórica mostra de Harald Szeemann “When attitudes becomes form”, de 1969, o papel do curador tem sido fundamental para criar mediação entre artista, instituições e público. Mas, embora essencial, tal prática se vê comumente questionada, paradoxalmente, pelas mediações propostas. Nesse sentido, observamos uma independência do artista da figura do curador, tornando ele próprio artista-etc, como disserta Ricardo Basbaum em seu provocativo artigo “Amo artistas-etc”, como parte da publicação coletiva “The Next Documenta Should Be Curated By An Artist”, que reuniu artistas para pensar como seria a organização de uma grande mostra com a ausência da figura de um curador.Durante o encontro, não pretendemos defender lados, mas sim provocar o pensamento acerca das práticas tanto curatoriais, quanto artísticas, e elencarmos (se possível) razões que aproximam, distanciam ou geram casamentos de sucesso entre esses dois agentes da arte contemporânea.

TRELA #3 apresenta: Denise Alves Rodrigues

O programa TRELA, que estreou este ano no Ateliê397, tem como estrutura convidar a(o) artista para trazer e debater um trabalho de sua autoria, numa conversa aberta guiada a partir de interlocutores convidados. TRELA parte do anseio de encontrar novas formas de trazer trabalhos a público, mesmo na ausência de grandes estruturas, mediações institucionais ou cronogramas, sem que seja perdida a densidade do debate que as obras podem provocar.
Em sua terceira edição, Denise Alves-Rodrigues apresenta a Série T2283Bunke. No dia 19/04 será realizado o debate com interlocução de Julia Coelho e mediação de Flora Leite.

A Série T2283Bunke foi desenvolvida pela artista em residência na KIOSKO Galería (Santa Cruz, Bolívia) em 2016. Tamara Bunke foi uma guerrilheira argentina que lutou ao lado de Che Guevara na Bolívia morta em 1967 e o asteróide 2283Bunke foi descoberto pela astrônoma soviética Lyudmila Zhuravlyova em 26 de Setembro de 1974 e nomeado em sua homenagem. T2283Bunke é composta por trabalhos que constróem diferentes mecanismos e resultados de coleta e apresentação de dados relacionados à guerrilheira e ao asteróide.

Sobre a artista
Denise Alves-Rodrigues em 1981, vive e trabalha em São Paulo. É tecnóloga autodidata, artista plástica e astrônoma amadora. Iniciou seus estudos de Artes em Ribeirão Preto – SP e é bacharel em Artes Visuais pelo Centro Universitário Belas Artes de São Paulo – 2012. Inventa aparatos eletrônicos e dispositivos astronômicos para coleta de dados – do céu, da água e da terra – pesquisando as fricções entre técnica e representação.

De16 a 22 de abril.

Dois no Galpão

12/abr

A Fortes D’Aloia & Gabriel tem o prazer de apresentar duas exposições individuais simultâneas: “Hiato” de Rodrigo Matheus e “Cartas na mesa” de Sara Ramo ocupam o Galpão, Barra Funda, São Paulo, SP. Na ocasião da abertura, Rodrigo Matheus lança ainda seu livro monográfico pela Editora Cobogó, uma publicação com textos de Matthieu Lelièvre, Philip Monk e Kiki Mazzucchelli que abrange sua trajetória artística dos últimos 10 anos.

De 12 de abril a 19 de maio.

Obras de Gabriela Machado

09/abr

A Galeria Marcelo Guarnieri, Jardins, São Paulo, SP, apresenta, em mostra individual da artista Gabriela Machado, uma seleção de pinturas e esculturas produzidas entre os anos de 2013 e 2018. As pinturas fazem parte de diversas séries que a artista desenvolveu durante esses cinco anos em residências artísticas e viagens pelo mundo, já as esculturas são oriundas da série “Vibrato”, concebida entre Portugal (em residência na fábrica de cerâmica São Bernardo) e Rio de Janeiro e apresentada em 2016 no MAM-RJ.

Embora produza a partir de variadas dimensões desde a década de 1990, tiveram maior destaque em sua carreira as pinturas de grande escala e cores vibrantes, interessadas por elementos da paisagem que abarcavam desde visões de florestas, praias e morros, aos detalhes de um ramo de flores pousado na mesa de seu ateliê. A partir de 2013, Gabriela passou a concentrar-se na pintura de pequenas dimensões, rebaixando os tons de sua paleta de cores e compondo imagens menos festivas e mais silenciosas. Trabalhar em telas menores estimulava uma prática que ia além do espaço do ateliê: a mobilidade do material permitia à artista produzir em diferentes contextos, contaminando-se por eles. Foi o que aconteceu nos cinco anos seguintes, quando desenvolveu novas séries enquanto viajava para países como Portugal, Estados Unidos e regiões como a Patagônia, o sul de Minas Gerais e o litoral da Bahia. As pinturas apresentadas na exposição compõem um recorte de cada uma dessas séries, semelhantes por suas dimensões, mas distintas em suas particularidades enquanto conjuntos.

Em 2016, no período que passou em residência nos Hamptons, cores menos pálidas retornam a suas telas, pouco intimidadas pelo efeito que a escala diminuta do suporte produzia em qualquer elemento da composição. Voltaram à cena os vermelhos e rosas, embora ainda envoltos em cores mais geladas como o cinza e o bege. Nas pinturas mais recentes, produzidas a partir de 2017, aparecem os amarelos e verde-neons mergulhados em azuis escuros, vermelho-carmim misturado ao preto e ao laranja. Ainda se trata da paisagem, das flores, dos bichos, do mar e da floresta, mas agora há uma especial fascinação pelas visões noturnas, pela lua e pelos efeitos da luz.

As esculturas da série “Vibrato” se configuram em materiais diversos tais quais porcelana, madeira, bronze, gesso, argila e pedras. Oscilam não só a partir dos materiais, mas também a partir dos formatos, das alturas que alcançam e das cores que incorporam, compondo, juntas, uma espécie de sinfonia. Como observou Ronaldo Brito: “Daí o modo coerente como se apresentam em exposição – dispostas meio aleatoriamente sobre uma mesa comprida, em bases provisórias, que pertencem e não pertencem às esculturas. Ora falam, conversam à vontade entre si, ora se distanciam, isoladas em sua unidade formal particular.” As peças foram produzidas entre 2013 e 2015, período em que experimentou traduzir alguns procedimentos de suas pinturas para a escultura.

A exposição, que será inaugurada na noite de 10 de abril dentro da programação do Gallery Night, será acompanhada do lançamento de seu último livro “pequenas pinturas”, que também reúne os trabalhos desenvolvidos entre 2016 e 2018. O lançamento ocorre no dia 13 de abril, das 19h às 20h no Lounge de Lançamentos da sp-arte, localizado no piso térreo do prédio da Bienal.

Até 26 de maio.

Emanoel Araújo no MASP

O MASP, Avenida Paulista, São Paulo, SP, inaugurou sua terceira exposição de 2018, ano dedicado às histórias afro-atlânticas. “Emanoel Araújo, a ancestralidade dos símbolos: África-Brasil” apresenta 70 obras de Emanoel Araújo, um dos nomes mais expressivos do cenário artístico brasileiro, responsável por promover a arte e a cultura negras no país. Além de artista, Araújo é também curador e gestor cultural, tendo sido diretor da Pinacoteca do Estado de São Paulo e fundador do Museu Afro Brasil, que atualmente dirige. A mostra ocupa a galeria do segundo subsolo do Museu, local onde o artista realizou sua primeira individual no MASP, em 1981, que, na época, também ocupou o Vão Livre com esculturas de grandes dimensões.

Entre as 70 obras presentes, 40 delas são esculturas e xilogravuras e 30 são cartazes, evidenciando sua aproximação com técnicas que vão além das artes plásticas, como a tipografia e a diagramação. Na mostra, os trabalhos oferecem um panorama dos diferentes períodos da carreira do artista, sem apresentarem, no entanto, um recorte cronológico ou retrospectivo.

A mostra, assim, dá destaque a um viés pouco explorado da trajetória de Emanoel Araújo, a temática afro-brasileira, afastando-se das interpretações que comumente associaram sua obra ao abstracionismo geométrico e ao construtivismo brasileiro. A temática afro-brasileira, assim, é evidente no uso de simbologias das religiões de matriz africana, em esculturas que aludem a orixás do candomblé, por exemplo; na representação de relações afro-atlânticas, principalmente relacionadas ao tráfico de africanos escravizados, como na série de navios negreiros; e na construção de composições geométricas com formas e paleta de cores inspiradas em padronagens de tecidos tradicionais africanos, a exemplo de suas gravuras.

No espaço expositivo, os diferentes conjuntos de obras estão dispostos em quatro núcleos: geometrias; máscaras; orixás; e navios.

Muitas das xilogravuras de Araújo são composições abstratas e geométricas, impressas em cores saturadas e contrastantes, baseadas nas cores do pan-africanismo: o preto, o vermelho e o verde. É o caso das gravuras da série “Suíte Afríquia”, de 1977, que marca um momento de virada na obra do artista, a partir de sua participação no 2º Festival Mundial de Arte e Cultura Negra e Africana (FESTAC), realizado no mesmo ano, em Lagos, na Nigéria. Imerso na realidade e vivências africanas, Araujo expandiu suas referências formais e temáticas da cultura africana, bem como seus desdobramentos nas relações com a cultura brasileira.

Justapostas às xilogravuras, estão esculturas de máscaras, que aludem aos objetos ritualísticos de religiões de matriz africana. As formas e cores das composições comumente fazem referência a determinados orixás. É o caso de associação a Exu, em uma máscara em preto e vermelho; ou a Oxalá, em uma composição de cor branca.

A partir dos anos 2000, Araújo passa a desenvolver de maneira mais direta a temática dos orixás em esculturas verticais de parede, de formato totêmico. A menção aos orixás aparece no título de cada trabalho, junto com símbolos próprios da cosmologia do candomblé, representados por cristais, miçangas, pregos, ferramentas de orixás, correntes de metal, fragmentos de madeira de lei e aço. A obra “Ogum” (2007), por exemplo, é formada por diversos objetos de metal, como correntes e um cutelo, que fazem referência à entidade da metalurgia e da tecnologia; já “Oxóssi” (2007), um arco e uma flecha de metal, insígnias do orixá que dá título ao trabalho.

Por fim, o núcleo de navios negreiros exibe uma seleção de esculturas de parede, nas cores preta e vermelha, com pregos cravejados e correntes de ferro, fazendo alusão às embarcações que trouxeram forçadamente africanos para serem escravizados nas Américas e no Caribe. Com essa série, Araújo expõe a violência e a perversidade dessa rede afro-atlântica de tráfico humano, chamando a atenção para o papel perverso do Brasil nesse processo, ao receber o maior número de africanos escravizados – 40% do fluxo migratório, estima-se, desembarcou no país -, além de ter sido a última nação das Américas a abolir a escravidão, com a assinatura da Lei Áurea, em 13 de maio de 1888, e que, em 2018 completa 130 anos.

À ocasião da exposição, o MASP lançará um catálogo de 168 páginas, com reprodução dos trabalhos expostos na mostra, texto do curador, Tomás Toledo, que também organiza a publicação, e republicação de textos de Clarival do Prado Valladares e George Nelson Preston e de uma entrevista com Emanoel Araújo feita por Adriano Pedrosa.

A exposição “Emanoel Araújo, a ancestralidade dos símbolos: África-Brasil” integra o ciclo de 2018 do MASP em torno das histórias afro-atlânticas. O programa está inserido em um projeto mais amplo de exposições, palestras, oficinas, seminários e atividades do Museu, que atenta para histórias plurais, que vão além das narrativas tradicionais, tais como Histórias da loucura (iniciada em 2015), Histórias da infância (em 2016) e Histórias da sexualidade (em 2017). A programação inclui ainda uma série de mostras monográficas de Aleijadinho, Maria Auxiliadora, Melvin Edwards, Rubem Valentim, Sônia Gomes, Pedro Figari e Lucia Laguna.

“Emanoel Araújo, a ancestralidade dos símbolos: África-Brasil” tem curadoria de Tomás Toledo, curador do MASP. O escritório de arquitetura METRO Arquitetos Associados assina a expografia da mostra.

Até 03 de junho.