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Di Cavalcanti no Farol Santander

23/out

O Farol Santander São Paulo, centro de cultura, lazer, turismo e gastronomia, inaugurou a exposição inédita “Di Cavalcanti – 125 anos”. A mostra apresenta um conjunto de obras raras e extraordinárias pertencentes a coleções particulares de São Paulo, Rio de Janeiro, Salvador e Fortaleza. Com curadoria de Denise Mattar, a exposição “Di Cavalcanti – 125 anos” permanecerá em exibição até 07 de janeiro de 2024.

O grande destaque fica por conta da excepcional obra Carnaval (1929/30), que foi adquirida na década de 1930 por um colecionador em Paris, lá permanecendo até o ano passado, quando retornou ao Brasil. Trata-se de um trabalho impactante, relativamente desconhecido pelo público e que será exibido pela primeira vez em uma grande exposição.

A criação de Carnaval (1929/30) tem características que o situam na produção realizada entre os anos 1929 e 1931, quando a influência muralista toma corpo na obra de Di Cavalcanti. O artista tinha como proposta criar um muralismo diverso do mexicano, que é marcadamente político, preferindo se debruçar sobre o aspecto humanista. Os sambas, morros, favelas e danças que ele pintou são verdadeiros, quentes, amorosos e carnais – feitos de dentro.

“Partindo de um olhar marcante e afetivo, Emiliano Di Cavalcanti retratou o Brasil utilizando cores vibrantes e formas sinuosas. Sua obra é um registro do cotidiano do povo brasileiro em seus momentos de alegria e tristeza, lazer e trabalho, amores e dores”, comenta Maitê Leite, vice-presidente institucional do Santander Brasil.

A mostra ocupa toda a galeria do 22º andar do Farol Santander São Paulo. São ao todo quarenta e cinco trabalhos, incluindo um álbum com dezesseis gravuras, que traçam um percurso do artista de 1920 a 1970 por meio de seu tema favorito: o povo brasileiro, com suas festas, sambas e carnavais. O conjunto proporciona uma oportunidade única de ver algumas de suas obras-primas e de acompanhar sua trajetória pictórica, pesquisas estéticas, opções construtivas e afinidades eletivas.

Terminando pelo início, a exposição apresenta Fantoches da meia-noite, álbum realizado por Di Cavalcanti em 1921. O conjunto de 16 gravuras, acompanhado de texto do poeta Ribeiro Couto, foi editado por Monteiro Lobato num álbum extremamente moderno para a época e de grande impacto até hoje. Seu lançamento foi um dos pontos de partida da Semana de Arte Moderna de 22, na qual Di Cavalcanti teve um protagonismo às vezes subavaliado pelos estudiosos.

“Di Cavalcanti – 125 anos” vem assim apresentar o artista na sua integridade, um intelectual apaixonado, boêmio, sensual e romântico – autor de algumas das mais belas obras da nossa arte. Obras que têm o cheiro, o sabor e a cor do Brasil”, relata Denise Mattar, curadora da mostra.

Di Cavalcanti – 125 anos no Metrô SP

O Farol Santander São Paulo, em parceria com o Metrô SP, apresenta nas vitrines da estação Trianon-Masp (linha 2 – verde) reproduções das obras Seresta (1925) e Carnaval (1929/30). Assim, os paulistanos e turistas que circulam diariamente por um dos pontos mais tradicionais da cidade, na Avenida Paulista, poderão conferir durante o mesmo período expositivo réplicas de dois dos principais trabalhos exibidos na mostra do Farol Santander São Paulo.

A exposição “Di Cavalcanti – 125 anos” conta com o patrocínio do Santander Brasil, por meio da Lei Federal de Incentivo à Cultura do Ministério da Cultura.

Destaques das obras

“Seresta”, de 1925 foi criada logo após seu retorno ao Brasil, já exibia elementos característicos da vida carioca que dominariam sua obra posterior. Este trabalho antecipou as escolhas estéticas que ele aplicaria nos painéis decorativos do Teatro João Caetano (SP) em 1929.

A obra “Devaneio”, de 1927, busca pela expressão autêntica da cultura brasileira, Di Cavalcanti escolheu como seu tema as bordas da cidade, as pessoas comuns, os “suburbanos” retratados nas favelas, nos botecos, nas docas e nos bordéis. O título “Devaneio” ganha reforço na postura pensativa e um tanto melancólica da figura principal, uma mulher negra, perdida em sonhos, retratada ao lado de um barraco – um cenário que remete à época em que os morros se tornaram o “berço do samba”.

Seguindo para a obra “Nascimento de Vênus”, de 1940, Di Cavalcanti continuou a produzir no Brasil, mulheres olímpicas, quase clássicas, com toques picassianos, às quais adicionaram uma sensualidade tropical, mestiça e calor. Nessa obra, o artista compõe três mulheres com diversos tipos físicos que unem um olhar cúmplice diante da nudez e da beleza pura da protagonista.

Na criação, “Abigail”, de 1940, o lirismo e uma sensualidade vigorosa tomam conta das telas de Di Cavalcanti. É um período romântico, de retratos imaginados, no qual as mulheres têm olhos doces e os ambientes são cuidadosamente ornamentados. “Abigail” é um registro excepcional dessa fase.

“A espera”, de 1960, o artista é convidado a criar painéis e murais para a nova arquitetura de linhas simples e arrojadas que começava a se implantar no Brasil, encarnando o sonho da modernidade. A obra ilustra bem essa fase na qual os espaços vazios vão desaparecendo até que toda a tela é ocupada por elementos ornamentais, balcões, portas, janelas e vestidos que se mesclam a elementos florais e até animais.

A obra “Colombina, pierrô e arlequim”, de 1960, traz o universo carnavalesco que esteve presente ao longo da produção de Di Cavalcanti, tanto em seu aspecto sensual e debochado, quanto na lembrança das comemorações mais ingênuas dos carnavais antigos. Na obra, o artista empodera “Colombina”, retratada como uma bela mulher, coroada e presenteada com flores.

“Mulata na cadeira”, de 1970 (Coleção Santander Brasil), destaca o reconhecimento do artista. Na década de 1950, ele foi rotulado como o “pintor das mulatas”, o que, na verdade, simplifica muito seu talento. Di Cavalcanti retratou uma variedade de mulheres, independentemente de sua origem étnica, status social ou características físicas, em um contexto lírico e sensual. No entanto, suas obras sempre exalavam um toque de melancolia no ar. A representação das figuras femininas ao longo de sua vida artística acompanha sua evolução como pintor, suas explorações estéticas e suas decisões construtivas. Mesmo enfrentando problemas de saúde nos últimos anos de sua vida, Di Cavalcanti perseverou na criação de obras notáveis, como “Mulata na cadeira”. Esta pintura é um exemplo vívido de sua estética vibrante e colorida, permeada por elementos surrealistas.

Por fim, a obra “Fantoches da meia-noite”, de 1921. Di Cavalcanti era muito amigo de Paulo Barreto, o João do Rio, cronista famoso, tradutor de Oscar Wilde e autor de “A alma encantadora das ruas”. O escritor apresentou o submundo carioca ao artista, o que o levou a produzir a série “Fantoches da meia-noite”. O conjunto de 16 gravuras, acompanhado de um texto do poeta Ribeiro Couto, foi editado por Monteiro Lobato num álbum extremamente moderno para a época e de grande impacto até hoje.

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Di Cavalcanti no Farol Santander

19/out

O Farol Santander São Paulo, centro de cultura, lazer, turismo e gastronomia, inaugurou a exposição inédita “Di Cavalcanti – 125 anos”. A mostra apresenta um conjunto de obras raras e extraordinárias pertencentes a coleções particulares de São Paulo, Rio de Janeiro, Salvador e Fortaleza. Com curadoria de Denise Mattar, a exposição “Di Cavalcanti – 125 anos” permanecerá em exibição até 07 de janeiro de 2024.

O grande destaque fica por conta da excepcional obra Carnaval (1929/30), que foi adquirida na década de 1930 por um colecionador em Paris, lá permanecendo até o ano passado, quando retornou ao Brasil. Trata-se de um trabalho impactante, relativamente desconhecido pelo público e que será exibido pela primeira vez em uma grande exposição.

A criação de Carnaval (1929/30) tem características que o situam na produção realizada entre os anos 1929 e 1931, quando a influência muralista toma corpo na obra de Di Cavalcanti. O artista tinha como proposta criar um muralismo diverso do mexicano, que é marcadamente político, preferindo se debruçar sobre o aspecto humanista. Os sambas, morros, favelas e danças que ele pintou são verdadeiros, quentes, amorosos e carnais – feitos de dentro.

“Partindo de um olhar marcante e afetivo, Emiliano Di Cavalcanti retratou o Brasil utilizando cores vibrantes e formas sinuosas. Sua obra é um registro do cotidiano do povo brasileiro em seus momentos de alegria e tristeza, lazer e trabalho, amores e dores”, comenta Maitê Leite, vice-presidente institucional do Santander Brasil.

A mostra ocupa toda a galeria do 22º andar do Farol Santander São Paulo. São ao todo quarenta e cinco trabalhos, incluindo um álbum com dezesseis gravuras, que traçam um percurso do artista de 1920 a 1970 por meio de seu tema favorito: o povo brasileiro, com suas festas, sambas e carnavais. O conjunto proporciona uma oportunidade única de ver algumas de suas obras-primas e de acompanhar sua trajetória pictórica, pesquisas estéticas, opções construtivas e afinidades eletivas.

Terminando pelo início, a exposição apresenta Fantoches da meia-noite, álbum realizado por Di Cavalcanti em 1921. O conjunto de 16 gravuras, acompanhado de texto do poeta Ribeiro Couto, foi editado por Monteiro Lobato num álbum extremamente moderno para a época e de grande impacto até hoje. Seu lançamento foi um dos pontos de partida da Semana de Arte Moderna de 22, na qual Di Cavalcanti teve um protagonismo às vezes subavaliado pelos estudiosos.

“Di Cavalcanti – 125 anos” vem assim apresentar o artista na sua integridade, um intelectual apaixonado, boêmio, sensual e romântico – autor de algumas das mais belas obras da nossa arte. Obras que têm o cheiro, o sabor e a cor do Brasil”, relata Denise Mattar, curadora da mostra.

Di Cavalcanti – 125 anos no Metrô SP

O Farol Santander São Paulo, em parceria com o Metrô SP, apresenta nas vitrines da estação Trianon-Masp (linha 2 – verde) reproduções das obras Seresta (1925) e Carnaval (1929/30). Assim, os paulistanos e turistas que circulam diariamente por um dos pontos mais tradicionais da cidade, na Avenida Paulista, poderão conferir durante o mesmo período expositivo réplicas de dois dos principais trabalhos exibidos na mostra do Farol Santander São Paulo.

A exposição “Di Cavalcanti – 125 anos” conta com o patrocínio do Santander Brasil, por meio da Lei Federal de Incentivo à Cultura do Ministério da Cultura.

Destaques das obras

“Seresta”, de 1925 foi criada logo após seu retorno ao Brasil, já exibia elementos característicos da vida carioca que dominariam sua obra posterior. Este trabalho antecipou as escolhas estéticas que ele aplicaria nos painéis decorativos do Teatro João Caetano (SP) em 1929.

A obra “Devaneio”, de 1927, busca pela expressão autêntica da cultura brasileira, Di Cavalcanti escolheu como seu tema as bordas da cidade, as pessoas comuns, os “suburbanos” retratados nas favelas, nos botecos, nas docas e nos bordéis. O título “Devaneio” ganha reforço na postura pensativa e um tanto melancólica da figura principal, uma mulher negra, perdida em sonhos, retratada ao lado de um barraco – um cenário que remete à época em que os morros se tornaram o “berço do samba”.

Seguindo para a obra “Nascimento de Vênus”, de 1940, Di Cavalcanti continuou a produzir no Brasil, mulheres olímpicas, quase clássicas, com toques picassianos, às quais adicionaram uma sensualidade tropical, mestiça e calor. Nessa obra, o artista compõe três mulheres com diversos tipos físicos que unem um olhar cúmplice diante da nudez e da beleza pura da protagonista.

Na criação, “Abigail”, de 1940, o lirismo e uma sensualidade vigorosa tomam conta das telas de Di Cavalcanti. É um período romântico, de retratos imaginados, no qual as mulheres têm olhos doces e os ambientes são cuidadosamente ornamentados. “Abigail” é um registro excepcional dessa fase.

“A espera”, de 1960, o artista é convidado a criar painéis e murais para a nova arquitetura de linhas simples e arrojadas que começava a se implantar no Brasil, encarnando o sonho da modernidade. A obra ilustra bem essa fase na qual os espaços vazios vão desaparecendo até que toda a tela é ocupada por elementos ornamentais, balcões, portas, janelas e vestidos que se mesclam a elementos florais e até animais.

A obra “Colombina, pierrô e arlequim”, de 1960, traz o universo carnavalesco que esteve presente ao longo da produção de Di Cavalcanti, tanto em seu aspecto sensual e debochado, quanto na lembrança das comemorações mais ingênuas dos carnavais antigos. Na obra, o artista empodera “Colombina”, retratada como uma bela mulher, coroada e presenteada com flores.

“Mulata na cadeira”, de 1970 (Coleção Santander Brasil), destaca o reconhecimento do artista. Na década de 1950, ele foi rotulado como o “pintor das mulatas”, o que, na verdade, simplifica muito seu talento. Di Cavalcanti retratou uma variedade de mulheres, independentemente de sua origem étnica, status social ou características físicas, em um contexto lírico e sensual. No entanto, suas obras sempre exalavam um toque de melancolia no ar. A representação das figuras femininas ao longo de sua vida artística acompanha sua evolução como pintor, suas explorações estéticas e suas decisões construtivas. Mesmo enfrentando problemas de saúde nos últimos anos de sua vida, Di Cavalcanti perseverou na criação de obras notáveis, como “Mulata na cadeira”. Esta pintura é um exemplo vívido de sua estética vibrante e colorida, permeada por elementos surrealistas.

Por fim, a obra “Fantoches da meia-noite”, de 1921. Di Cavalcanti era muito amigo de Paulo Barreto, o João do Rio, cronista famoso, tradutor de Oscar Wilde e autor de “A alma encantadora das ruas”. O escritor apresentou o submundo carioca ao artista, o que o levou a produzir a série “Fantoches da meia-noite”. O conjunto de 16 gravuras, acompanhado de um texto do poeta Ribeiro Couto, foi editado por Monteiro Lobato num álbum extremamente moderno para a época e de grande impacto até hoje.

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Daniel Senise em São Paulo

18/out

Desde 2019, Daniel Senise, um dos nomes substanciais da arte contemporânea brasileira, não se apresentava em um museu paulista, no caso o Instituto Tomie Ohtake, quando expôs “Todos os Santos”, uma série marcada pela utilização da fotografia como um dos elementos centrais das obras. Desta vez, o artista traz “Biógrafo: Daniel Senise”, com curadoria de Marta Bogéa e Helouise Costa, ao mezzanino do MAC USP, uma exposição de caráter semi-retrospectivo, visto que o início de Senise nas artes plásticas data de meados dos anos 1980 e, o atual evento, abrange as últimas três décadas, de 1992 a 2022.

Nas cerca de 40 obras, a maioria em grande formato, é perceptível o pleno domínio do artista maduro que construiu, ao longo de quatro décadas, uma poética calcada em uma sacada/insight muito original e na qual firmemente acreditou. As suas são telas complexas, laboriosas, que exigem fatura de precisão cirúrgica, mas o resultado é um exercício categórico de grande beleza monocromática. Daniel Senise poderia até ter tomado emprestado o título do filme italiano de 2013 de Paolo Sorrentino, “La Grande Bellezza” (com o charme do ator Tony Servillo no papel do impagável Jep Gambardella). Mas o engenheiro que Senise tem na alma, alicerçado pelo diploma que nunca pegou na UFRJ da disciplina empírica que jamais viria a seguir, deixou suas marcas. No fazer do artista elas são as marcas do tempo encontradas nos pisos e assoalhos de locais degradados, abandonados, em que ele, utilizando um processo similar ao decalque, imprime em tecido absorvendo assim os resíduos do lugar ou sua “memória”, conforme ele costuma dizer. Os romanos chamavam em latim essa reminiscência de “genius loci”, que dizia a respeito ao espírito protetor de um determinado local.

Fonte: Forbes.

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35 anos da Mão Afro-Brasileira no MAM SP

17/out

Poderá ser vista até 03 de março de 2024 no MAM SP, Parque do Ibirapuera, sob curadoria de Claudinei Roberto da Silv, a exposição comemorativa “Mãos: 35 anos da Mão Afro-Brasileira” que reúne cerca de quarenta e cinco artistas e em homenagem a Emanoel Araúko, artista criador do Museu Afro-Brasil.

A palavra do curador.

Em 1988, celebrou-se entre nós o centenário da Abolição da Escravidão, e várias iniciativas, de caráter público ou privado, foram promovidas para festejar a efeméride. O mesmo ano via surgir a nova carta magna da República, a Constituição que ampliava ou instituía direitos até então recusados a mulheres, negros, negras e originários. A celebração também deu ensejo a protestos daqueles que, justamente, entendiam ser pífios os avanços do combate às desigualdades de raça, gênero e classe, profunda e historicamente arraigadas na sociedade brasileira.

Nessa ocasião, tanto a exposição A Mão Afro-Brasileira – Significado da contribuição artística e histórica, organizada por Emanoel Araujo e realizada no MAM, quanto a nova Constituição foram resultados da luta obstinada daqueles que entendiam a necessidade de construir uma sociedade que, por ser justa e igualitária, seria também mais comprometida com a democracia.

O lapso de tempo que separa a exposição de 1988 desta, Mãos: 35 anos da Mão Afro-Brasileira, foi repleto de acontecimentos historicamente significativos, que acabaram por confirmar a relevância das instituições culturais do país, pois afirmam, igualmente, a importância central que a educação (formal e não formal) ocupa no combate às mazelas que secularmente nos assombram. Entre elas, o racismo estrutural que, apesar dos avanços que paulatina e lentamente vão sendo feitos, permanece, infelizmente, como característica comum ao cotidiano de milhões de afrodescendentes que são por ele infelicitados.

Entre as importantes conquistas observadas está, justamente, o debate sobre a constituição dos acervos dos nossos museus e sobre como eles espelham, ou não, a diversidade étnica, de gênero e classe da população do país. No momento em que se estabelece o necessário e profícuo debate sobre a relevância e circulação da produção intelectual e artística de minorias secularmente excluídas, convém lembrar a importância pioneira da mostra de 1988.

A exposição Mãos acaba por celebrar a memória de Emanoel Araujo – criador do Museu Afro Brasil, que hoje recebe seu nome -, um polímata que, falecido há um ano, no dia 7 de setembro de 2022, catalisou, a partir da sua pioneira e corajosa atuação, a vontade de todos os que desejam a promoção da cultura afro-diaspórica, por entendê-la parte valiosa e inextrincável de um patrimônio que pertence a toda a humanidade.

Claudinei Roberto da Silva

curador

Artistas participantes: MAM São Paulo (Sala Paulo Figueiredo)

Agnaldo Manuel dos Santos, Aline Bispo, Almandrade, André Ricardo, Arthur Timótheo da Costa, Betto Souza, Claudio Cupertino, Cosme Martins, Denis Moreira, Diogo Nógue, Edival Ramosa, Edu Silva, Emanoel Araujo, Emaye – Natalia Marques, Eneida Sanches, Estevão Roberto da Silva, Flávia Santos, Genilson Soares, Heitor dos Prazeres, João Timótheo da Costa, Jorge dos Anjos, José Adário dos Santos, Leandro Mendes, Luiz 83, Maria Lídia Magliani, Maurino de Araújo, May Agontinmé, Mestre Didi, Néia Martins, Nivaldo Carmo, Otávio Araújo, Paulo Nazareth, Peter de Brito, Rebeca Carapiá, Rommulo Vieira Conceição, Rosana Paulino, Rubem Valentim, Sérgio Adriano H, Sidney Amaral, Sonia Gomes, Taygoara Schiavinoto, Wilson Tibério e Yêdamaria.

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A África nunca antes vista

Começa no Instituto Ling, Bairro Três Figueiras, Porto Alehre, RS, o curso Pensamento Africano Moderno. Nele, a África será vista a partir da perspectiva de importantes escritores e pensadores africanos como Cheikh Anta Diop, Frantz Fanon, Valentin-Yves Mudimbe, e muitos outros. Ao longo das aulas, haverá a oportunidade de examinar suas obras, compreender suas ideias e conhecer as complexidades do pensamento africano. Quem ministra os encontros é o professor e pesquisador José Rivair Macedo, especialista no assunto.   O domínio europeu sobre o continente africano, especialmente entre 1880-1960, produziu alterações estruturais significativas, impondo aos povos e sociedades africanas padrões políticos e socioculturais identificados com a modernidade ocidental. No decorrer do século XX, durante os períodos da colonização, descolonização e criação das nações africanas modernas, ativistas, intelectuais e artistas desenvolveram ideias e propostas políticas para expressar a condição de subalternidade de seus coetâneos no mundo e, com isso, o desejo de transformá-la. Desse contexto surgem questões-chave para pensarmos o processo de descolonização e a oportunidade de uma reavaliação crítica das influências e legados culturais deixados pelos colonizadores. O objetivo do curso é ampliar as perspectivas recorrentes em torno do pensamento africano contemporâneo, examinando obras e autores como Cheikh Anta Diop, Frantz Fanon e Valentin-Yves Mudimbe, entre outros.

Sobre o ministrante:

José Rivair Macedo é doutor em História Social pela Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da Universidade de São Paulo – FFLCH-USP, com estágio de pós-doutorado na Universidade Nova de Lisboa (2001) e Universidade de Lisboa (2011). É professor no Departamento de História da Universidade Federal do Rio Grande do Sul – UFRGS, na área de História da África e dos Afro-Brasileiros, e no Programa de Pós-Graduação em História da mesma instituição. Pesquisador, coordena a Rede Multidisciplinar de Estudos Africanos do Instituto Latino-Americano de Estudos Avançados – ILEA-UFRGS e integra o Núcleo de Estudos Africanos, Afro-brasileiros e Indígenas da Universidade Federal do Rio Grande do Sul – NEABI-UFRGS. É autor, entre outros, dos livros História da África (Editora Contexto, 2013); O pensamento africano no século XX (Outras Expressões, 2016); Dicionário de História da África (Edições Autêntica, 2017; 2021) e Antigas Sociedades da África Negra (Contexto, 2021).

Programa do curso:

18.10 – Aula 1: 1900 a 1950 – Introdução ao pensamento africano moderno e pensamento social africano: tendências e movimentos da “personalidade africana”, “pan-africanismo” e “negritude” (Blyden, Du Bois, Garvey, Césaire, Senghor)

25.10 – Aula 2: 1950 a 1980 – Contextualização e estudo de obras e autores essenciais vinculados aos movimentos anti-coloniais e às lutas de libertação nacional na África ( Diop, Fanon, Nkrumah, Cabral)

1.11 – Aula 3: 1980 a 2020 – Pensamento africano pós-colonial (Mudimbe, Hountondji, Mbembe, Amina Mama, Oyèwúmí)

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A Cor e o Tempo em Sergio Lucena

11/out

O Museu Afro Brasil Emanoel Araujo, Parque do Ibirapuera, São Paulo, SP, com apoio da Simões de Assis, inaugurou uma grande mostra individual do artista Sergio Lucena. Com curadoria de Claudinei Roberto, “Na Raiz do Tempo, a Matriz da Cor” traz mais de 70 obras do artista paraibano, realizadas ao longo de seus mais de 40 anos de carreira.

Com séries antigas como os “Deuses”, e conjuntos inéditos como a série “Platibandas”, a exposição revela a vitalidade da linguagem da pintura que se verifica nos processos articulados pelo artista, que resultam em uma obra de alta voltagem poética e simbólica.

O projeto reúne de maneira ímpar referências à religiosidade de matriz africana, ao sincretismo caboclo, à arquitetura vernacular nordestina, às encruzilhadas e aos encontros. Essa síntese, apresentada nas pinturas, sugere uma narrativa em que convivem harmoniosa e poderosamente aquilo que convencionalmente chamamos de “arte erudita” e “arte popular”.

A mostra ficará em cartaz até fevereiro de 2024.

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Arte Brasileira na Casa Fiat

Esta é a primeira vez que uma mostra de tamanha robustez é montada em Belo Horizonte, MG, fora do Museu de Arte da Pampulha (MAP) – algumas obras, inclusive, jamais foram vistas que não na icônica construção encravada às margens da Lagoa da Pampulha, pensada originalmente para abrigar um cassino aberto ao público. A exposição “Arte Brasileira” está organizada em seis núcleos inter-relacionados: Conjunto Moderno da Pampulha, Os Modernos, Pampulha Espiralar: Um Lar, Um Altar, Nossos Parentes: Água, Terra, Fogo e Ar, O Menino Que Vê o Presépio e Novos Bustos. Obras de Cândido Portinari, Guignard, Di Cavalcanti, Burle Marx, Mary Vieira, Oswaldo Goeldi, Antônio Poteiro, Yara Tupynambá, Cildo Meireles, Jorge dos Anjos, Vik Muniz, Nydia Negromonte, Froiid, Wilma Martins, José Bento, Eustáquio Neves e Luana Vitra, entre outros, são artistas de diferentes gerações e movimentos que agora se reúnem na exposição “Arte Brasileira: A Coleção do MAP na Casa Fiat de Cultura”, inaugurada em Belo Horizonte.

No terceiro e extenso andar da Casa Fiat de Cultura, cerca de 200 obras, entre gravuras, pinturas, fotografias, esculturas e cerâmicas, nunca antes expostas em conjunto, fazem um importante passeio pela produção artística brasileira dos séculos XX e XXI, ressaltando os principais deslocamentos da arte contemporânea do país. Ali, estão nomes que contribuíram para elevar não só o pensamento estético, mas também uma criação que lançou olhares inovadores e utópicos sobre o Brasil, a partir de uma elaboração da releitura de uma identidade nacional proposta pelo modernismo.

As obras expostas na Casa Fiat evidenciam, também, a característica vanguardista do MAP, como sublinha o curador do Museu de Arte do Rio (MAR), Marcelo Campos, que assina a curadoria ao lado de Priscila Freire, ex-diretora do museu, inaugurado em 1957: “Na arte brasileira, a palavra vanguarda foi inaugurada no modernismo e acompanha essa coleção do MAP, que sempre se mostrou com muita coragem ao constituir seu múltiplo acervo”.

Priscila Freire, que esteve à frente do MAP durante 14 anos, diz que pode contar um pouco dessa história por meio da exposição. “Indiquei obras que considero interessantes da coleção de um museu que passou pelo moderno, pós-moderno e contemporâneo sendo sempre contemporâneo”, comenta.

Fruto da parceria entre a Casa Fiat de Cultura e prefeitura de Belo Horizonte, por meio da Secretaria Municipal de Cultura e Fundação Municipal de Cultura, “Arte Brasileira: A Coleção do MAP na Casa Fiat de Cultura” fica aberta ao público até fevereiro do ano que vem e é parte das celebrações dos 80 anos do Conjunto Moderno da Pampulha, eleito Patrimônio Cultural da Humanidade pela Unesco.

Para a secretária de Cultura de Belo Horizonte, Eliane Parreiras, “a exposição é um marco para a história do MAP, abre portas para pesquisas futuras e olhares que até então não tinham sido feitos sobre o acervo e a instituiçao”. Por sua vez, o presidente da Casa Fiat, Massimo Cavallo enfatiza o aspecto ousado, grandioso e inovador da mostra, “que desvela novos ângulos que habitam esse Patrimônio Cultural da Humanidade, nutrindo vínculos de pertencimento e identidades”.

Vocação contemporânea

“Arte Brasileira” dialoga com as indagações que permeiam o que há de mais atual nos debates sociais e com a literatura de Conceição Evaristo, Ailton Krenak e Leda Maria Martins, homenageados e retratados no núcleo Novos Bustos. Muito antes de termos como decolonial ou pós-colonial se popularizarem no nosso vocabulário, as obras que serão vistas na mostra já traziam questionamentos que hoje encontram o pensamento contemporâneo. Quando Marcelo Campos e Priscila Freire propuseram que a exposição revelasse tal traço, perceberam que a coleção do MAP respondia a esse anseio e unia o que é considerado erudito, popular e contemporâneo.

“Só um acervo de vanguarda poderia nos dar insumos e elementos para constituir uma exposição com quantidade de arte popular que temos, com artistas negros e negras e também com muitas mulheres fundamentais para a arte brasileira. A exposição explicita isso, mas também busca renovar a leitura. Muitas obras aqui pertencem ao acervo, mas nunca tinham sido expostas. Isso é fundamental”, explica Campos.

Os quadros “Os acrobatas” (1958), de Candido Portinari, e “Espaço (da série Luz Negra)”, de Jorge dos Anjos, são dois destaques da exposição. “No Portinari é bonito porque a gente vê um artista modernista observando a cultura popular. Uma das utopias modernistas foi pensar uma sociedade mais justa, igualitária, com os ideais humanistas presentes. A grandeza de Portinari foi alertar para um Brasil que tinha na população suas riquezas culturais”, ressalta o curador.

Sobre Jorge dos Anjos, que tem outras duas obras expostas na Casa Fiat, Marcelo Campos salienta que o ouro-pretano ampliou tradições e “é um artista negro que olha para o seu tempo e, por outro lado, não esquece as discussões ancestrais”.

Entre as obras inéditas, vêm à tona o conjunto de pinturas populares e o presépio pertencente ao núcleo O Menino Que Vê o Presépio, montado em uma das pontas do terceiro andar da Casa Fiat. Exibido pela primeira vez ao público, a obra, inspirada em um conto de Conceição Evaristo, tem cerca de 300 peças e é composta por esculturas em cerâmicas originárias do Vale do Jequitinhonha, com autoria de Cléria Eneida Ferraz Santos e Mira Botelho do Vale.

“Esse é outro grande destaque, vamos colocar isso dentro de uma exposição que, em tese, seria de arte moderna e contemporânea. Esse gesto reforça a ideia de vanguarda do acervo do MAP”, afirma Marcelo Campos. Outra novidade fica por conta do restauro de duas obras: “Estandartes de Minas” (1974), de Yara Tupynambá, e “Tempos Modernos” (1961), de Di Cavalcanti, que se juntarão à mostra.

“Arte Brasileira: A Coleção do MAP na Casa Fiat de Cultura” joga luz na potência cromática da arte brasileira e faz as pazes com a diversidade e a força das cores, tão rechaçadas e inferiorizadas por uma leitura antiquada e elitista. Com a mostra, atual e tropicalista, o curador diz que esse trauma pode ser superado: “A cor é uma conquista, horizontaliza a arte”.

Programação paralela

No dia 29 de outubro, às 11h, o Encontros com o Patrimônio convida a diretora de museus da Fundação Municipal de Cultura de Belo Horizonte, Janaina Melo, para o bate-papo “Museu de Arte da Pampulha (MAP): Um Museu e Suas Histórias”. O evento é virtual e gratuito, com inscrição pela Sympla. Já no dia 07 de novembro, às 19h30, a Casa Fiat de Cultura realiza um bate-papo presencial com os curadores Marcelo Campos e Priscila Freire.

A exposição “Arte Brasileira: A Coleção do MAP na Casa Fiat de Cultura” fica aberta ao público, na Casa Fiat de Cultura (Praça da Liberdade, 10 – Funcionários), até 04 de fevereiro de 2024.

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Coleção Andrea e José Olympio Pereira

10/out

Um recorte surpreendente da coleção Andrea e José Olympio Pereira, uma das mais importantes do mundo, tomará o espaço expositivo do Palácio Anchieta a partir de 17 de outubro. A mostra, com o patrocínio do Instituto Cultural Vale, traz obras que têm a natureza como potência criativa, em diálogo com o registro dos povos originários, afrodescendentes e da dita tradição popular. Sob o arguto olhar da curadora Vanda Klabin, a exposição “De onde surgem os sonhos | Coleção Andrea e José Olympio Pereira” oferece um excelente momento de reflexão sobre os rumos da arte que trabalha as raízes mais fundas da ancestralidade brasileira. Mostra inédita de arte contemporânea, da coleção Andrea e José Olympio Pereira, no Palácio Anchieta, em Vitória (ES). Com patrocínio do Instituto Cultural Vale, a exposição é a terceira lançada este ano pelo Museu Vale, como parte de suas ações extramuros, e marca os 25 anos de trajetória da instituição.

“De onde surgem os sonhos” tem título inspirado na obra de mesmo nome do artista macuxi Jaider Esbell, ativista dos direitos indígenas, falecido em dezembro de 2021. A mostra conta com 72 obras, de 50 artistas, da que é considerada uma das maiores coleções de arte contemporânea do Brasil e está entre as 200 maiores do mundo. Nesta seleção dividida em sete salas, obras de artistas como Adriana Varejão, Cildo Meirelles, Ana Maria Maiolino, Cláudia Andujar, Franz Krajcberg, Waltercio Caldas e José Damasceno, por exemplo, dialogam com os trabalhos dos artistas mais recentes.

Sobre a Coleção Andrea e José Olympio Pereira

Famosa no mundo inteiro, a coleção de Andrea e José Olympio Pereira tem foco na produção brasileira a partir dos anos 1940 até o momento atual e reúne algo em torno de 2,5 mil obras. Em 2018, o casal inaugurou o Galpão da Lapa, antigo armazém de café do século XIX, e o converteu em um espaço expositivo que recebe, a cada dois anos, um curador diferente para criar novas exposições a partir das obras de sua coleção. “Quando nos interessamos por um artista, gostamos de ter profundidade”, explica Andrea. “Conseguimos entender melhor o artista desta forma, pois um único trabalho não mostra tudo. É como se fosse um livro cuja história seria impossível de ser compreendida só com uma página”, compara.

De 17 de outubro de 2023 a 28 de janeiro de 2024.

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Esculturas de Ascânio MMM em retrospectiva

A exposição “Ascânio MMM: Torções” no Museu Brasileiro de Escultura e Ecologia (MuBE), Jardim Europa, São Paulo, SP, apresenta uma retrospectiva da carreira de 60 anos do escultor Ascânio MMM. A mostra, organizada por Francesco Perrota-Bosch, reúne 55 esculturas e instalações, 22 maquetes, 12 desenhos, além de fotos antigas e documentos do artista, que é reconhecido como um expoente da abstração geométrica na América Latina.

O conceito central da exposição gira em torno da ideia de “torção”, que se relaciona com a maneira como Ascânio combina módulos, como ripas de madeira ou pequenos blocos retangulares, para criar esculturas que parecem se retorcer sobre si mesmas, criando uma sensação de movimento e dança. Essas obras demonstram a fusão entre precisão matemática e estética, refletindo sua formação dupla em Artes plásticas e Arquitetura.

A exposição está dividida em duas partes: a primeira apresenta esculturas monocromáticas em madeira pintada de branco, que datam do final dos anos 1960 até o início do século 21. A segunda parte exibe obras das últimas duas décadas, nas quais o artista começou a utilizar o alumínio como base para suas criações.

Além das esculturas, a exposição destaca uma cortina de metal formada por pequenos quadrados vazados, que remete à influência de Hélio Oiticica, com quem Ascânio conviveu nos anos 1960. Também são mencionados outros artistas que influenciaram sua obra, como Franz Weissmann e Alexander Calder, conhecidos por suas esculturas geométricas e móbiles. Uma obra de destaque é Escultura 2, que recebeu o prêmio do Panorama da Arte Brasileira de 1972. A exposição também inclui esculturas instaladas na área externa do museu, criadas a partir das esculturas públicas de Ascânio no Rio de Janeiro, que contrastam com a arquitetura do MuBE e convidam os espectadores a interagir com elas de diferentes ângulos.

Até 26 de novembro.

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História do funk no MAR

06/out

Música e artes visuais se unem em duas mostras que aportaram no Museu de Arte do Rio, Centro, Rio de Janeiro, RJ, que recebeu a exposição “Funk: Um Grito de Ousadia e Liberdade”, coletiva que conta a história do funk carioca, enquanto um casarão no bairro sedia “Ocupação Iboru”, desdobramento do álbum “Iboru”, de Marcelo D2.

Com mais de 900 obras, a principal mostra do MAR em 2023 recria a história do gênero musical que a batiza, indo dos bailes black da década de 1970 aos dias de hoje. São fotografias, pinturas, objetos, vídeos e instalações de mais de cem artistas, entre eles nomes como Hebert, Vincent Rosenblatt, Blecaute, Maxwell Alexandre, Panmela Castro, Gê Viana e Daniela Dacorso, dentre muitos outros.

A curadoria é de Marcelo Campos, curador-chefe do MAR, Amanda Bonan, gerente de curadoria do MAR, Dom Filó e Taísa Machado, com um time de consultores: Deize Tigrona, Sir Dema, Marcello B Groove, Tamiris Coutinho, Celly IDD, Glau Tavares, Sir Dema, GG Albuquerque, Leo Moraes e Zulu TR.

Na abertura, recebeu uma série de atrações, como apresentação de dança do Afrofunk Rio e show com MC Cacau cantando MC Marcinho.

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