Arquivos da Categoria: Museus

Lulla & Piero Gancia

10/mar

A LUSTE, um Atelier Editorial & Multimídia, há 16 anos atuando no mercado editorial brasileiro, lança no próximo dia 14 de março, no Museu da Casa Brasileira, Jardim Paulistano, São Paulo, SP, o livro “Lulla & Piero Gancia – No Grande Prêmio da Vida”, de autoria de Carlo V. Gancia, que narra uma passagem da história da imigração italiana no Brasil, com ênfase na chegada da Família Gancia na década de 1950 e sua influência no estilo de vida da época. Um recorte das reproduções constantes na publicação, com 28 imagens, estarão em exibição por ocasião do lançamento,

Lulla & Piero Gancia, com intenso vigor e atuação no circuito cultural paulistano e forte ligação com o automobilismo, estabelecem novos parâmetros e deixam sua marca na vida contemporânea da cidade com uma visão vanguardista em todos os setores a que se dedicam. O relato de Carlo Gancia é um testemunho presencial da vida do casal, que ele acompanhou os feitos e conquistas por ser filho e estar presente. De próprio punho, ele oferece um pequeno relato do que será apresentado.

 

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Na Casa de Cultura Laura Alvim

07/mar

 

Exposição de Nelly Gutmacher – de 15 de março a 07 de maio – reúne séries produzidas desde a década de 1970, destacando o questionamento de gênero. Deusas gregas emergem andróginas das profundezas do oceano. Vênus dotadas de falos revelam-se hermafroditas. Fragmentos moldados no corpo dão origem a esculturas em cerâmica, metal e pó de pedra. Vulvas em diferentes formatos e cores fazem alusão à História da Arte e ao ícone pop Madonna. Colagens e fotomontagens ecoam influências do cenário social em que foram criadas, da década de 1970 aos dias atuais.

Este recorte da carreira de Nelly Gutmacher, 81 anos, foi reunido em “Absoluto Falho”, revelando toda a inquietude fértil que permeia a carreira da artista. Sua individual, sob curadoria de Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto, inaugura no dia 14 de março, segmentada entre quatro séries que ocupam o segundo andar da Casa de Cultura Laura Alvim, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, tendo como cerne principal o questionamento de gênero, abalizando diferentes momentos históricos desta trajetória, iniciada na década de 1960.

“Absoluto Falho” aborda as questões de corpos e gêneros, apontando uma provocação poética no surgimento de novas identificações e de um futuro mais plural. Reunindo obras de diversos períodos da produção da artista, a mostra parte de inspirações em formas elementares e narrativas mitológicas para repensar as estruturas binárias que ainda fundamentam as nossas sociedades”, avalia Marcus Lontra.

Abrindo a exposição e resgatando imagens e formas que habitam o inconsciente coletivo, os curadores apresentam uma série de colagens analógicas já ambientalizando o espectador num espaço de referências estéticas, históricas e poéticas onde toda a criação artística de Nelly Gutmacher acontece. “Nas salas ocupadas pela mostra, monta-se uma narrativa não-linear onde a artista constata a obsolescência das definições entre homem e mulher e provoca sobre o aparecimento de novas formas de vida híbridas, nascidas da lama profunda do oceano”, diz Rafael Fortes Peixoto.

 

Espaço expositivo

A proposta de Nelly Gutmacher é a de provocar novos e múltiplos olhares, investigando (e instigando) questões relativas aos gêneros, aos corpos e à sexualidade. Na sala de entrada, apresenta colagens e fotomontagens que produziu desde a década de 1970, em plena Ditadura Militar, até 2021, através de uma perspectiva onírica e intimista; no salão central, estão expostas séries que se relacionam com uma espécie de arqueologia criada pela artista, como as “Hermafroditas” dos anos 1980, pequenas esculturas em porcelana, bronze e metal que seriam facilmente confundidas com as Vênus do período Neolítico, não fosse por um detalhe: todas são dotadas de falos. A sala lateral, separada por uma cortina do resto da exposição, divide-se em duas séries distintas, de diferentes épocas, em que Nelly Gutmacher parte de seu próprio corpo para a criação do corpo artístico externo e simbólico. Na primeira série, “Fragmentos”, realizada aos longo dos anos 1970/80, a artista moldava seu próprio corpo, propondo intervenções materiais. Já na série “Like a Virgin”, criada aos 80 anos, mostra vaginas em diferentes formatos e cores, com citações tanto à História da Arte, com Courbet e Man Ray, como ao ícone do pop e do “Pussy Power”, Madonna. Na sala frontal, que conta com um grande vidro e com a vista da praia de Ipanema, Nelly Gutmacher apresenta as obras da série “Tálassa”, a mais recente (2022 e 2023), propondo o surgimento de seres andróginos e multigêneros que surgem da lama do fundo do oceano, em uma montagem que mistura instalação e esculturas criadas em cerâmica e resina.

 

Saiba mais sobre Nelly Gutmacher

Filha de imigrantes judeus, Nelly Gutmacher possui formação junguiana e interesses como mitologia e arquétipos. Natural do Rio de Janeiro (1941), começou sua trajetória na década de 1960, com Ivan Serpa, no MAM-RJ. Nos anos 1970, frequentou diversos ateliês experimentando técnicas e materiais. Nessas vivências teve contato com Celeida Tostes, com quem dividiu ateliê e estabeleceu uma relação de cumplicidade poética, introduzindo na cerâmica a temática feminina no Brasil, ao longo de 1970, tendo atuado em vários suportes com diferentes técnicas, sempre de forma pulsante e conduzindo o público por questões que transcendem o mero simbolismo. Na década de 1980, passou a dar aulas no Parque Lage e, no mesmo período, investigou a experimentação artística como processo terapêutico, aprofundando-se nas questões psicanalíticas que passam a influenciar sua produção. Em paralelo à prática artística, atuou também como terapeuta, numa trajetória semelhante à de Lygia Clark. Nas décadas seguintes, como elaboração conceitual, o corpo e as formas orgânicas estruturam suas obras e articulam-se sobre os conceitos de gênero, sexualidade e erotismo através de referenciais arquetípicos e ancestrais, sendo pioneira no Brasil na abordagem desses temas e aproximando-se de importantes nomes da escultura como Louise Bourgeois e Maria Martins.

Apoio cultural: Danielian Galeria

 

 

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Diálogos com cor e luz

06/mar

“Diálogos com cor e luz” é uma exposição voltada para a difusão da coleção do Museu de Arte Moderna de São Paulo, Parque do Ibirapuera, São Paulo, SP, que apresenta exclusivamente trabalhos desse acervo. Aqui, reunimos um pequeno recorte de obras com ênfase nas relações entre a cor e a luz na arte brasileira da segunda metade do século 20. Vale destacar que, no século passado, o MAM São Paulo desempenhou um papel significativo na introdução e na propagação das tendências abstracionistas no Brasil. Dois exemplos merecem ser citados: a mostra inaugural do museu, Do Figurativismo ao Abstracionismo, realizada em março de 1949 por Léon Degand (1907-1958), e a exposição Ruptura, em dezembro de 1952, que deu início ao movimento concretista na arte brasileira, com a publicação de seu manifesto.

Agrupamos no espaço várias gerações de artistas, sem privilegiar tendências nem estabelecer uma ordem cronológica. Misturamos tempos e linguagens, para incentivar nosso olhar à percepção de semelhanças e diferenças entre as várias poéticas visuais nos diversos tratamentos da luz e da cor. A museografia distribuiu no espaço os painéis radiais, numa referência ao disco de cores – ou seja, ao experimento óptico de Isaac Newton (1643-1727), publicado em 1707 em seu livro Opticks. Nele, o físico inglês demonstra, por meio de um disco de sete cores (vermelho, violeta, azul índigo, azul ciano, verde, amarelo e laranja), sua teoria de que a luz branca do Sol é formada pelos matizes do arco-íris. Ao girarmos o disco com velocidade, as cores se sobrepõem em nossa retina e nos fazem enxergar o branco.

A seleção de obras, ao enfatizar os diálogos com a cor e a luz em diversos suportes, chama atenção para a luz como elemento fundante da percepção. Trabalhar com a luz significa que temos de lidar também com a sombra, a escuridão ou a ausência de luz. E nos interessa justamente o primeiro contato que temos com a cor, anterior às teorizações e aos sentidos que acrescentamos a ela. A cor é indissociável daquilo que ela expressa. Ela mesma já é expressão, não apenas a tradução de uma ideia ou sentido preconcebido.

Fundamental é nos livrarmos dos sentidos já instituídos e sedimentados no campo da cultura, de conceitos anteriores ao vivido, para aí podermos ter a experiência com a duração da cor. Em vez de pensarmos a cor e a luz como elementos idealizados, o contato direto com a arte nos ajuda a restituir o vínculo originário com o mundo. Os diálogos entre luz e cor na arte nos mostram que o mundo pode ser surpreendente e nossa relação com ele, inesgotável.

 

Fábio Magalhães e Cauê Alves

Curadores

Diálogos com cor e luz

Coletiva com Abraham Palatnik, Alfredo Volpi, Almir Mavignier, Amelia Toledo, Arthur Luiz Piza, Cássio Michalany, Hermelindo Fiaminghi, Lothar Charoux, Luiz Aquila, Lygia Clark, Manabu Mabe, Marco Giannotti, Maria Leontina, Maurício Nogueira Lima, Mira Schendel, Paulo Pasta, Rubem Valentim, Sérgio Sister, Takashi Fukushima, Thomaz Ianelli, Tomie Ohtake, Wega Nery e Yolanda Mohalyi.

Até 28 de maio.

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Registro de viagem

 

A Roda de Saberes no Pontal Instituto Cultural recebe o artista viajante Alex Flemming em Marabá, PI. É mais uma etapa que se cumpre no alongado caderno de vaigens do renomado artista.

 

Sobre o artista

Alex Flemming nasceu em São Paulo, SP, em 1954. Multiartista, fotógrafo, pintor, escultor e gravador. De ascendência patrilinear alemã, freqüentou o curso livre de Cinema na Fundação Armando Álvares Penteado, entre 1972 e 1974. Cursou serigrafia com Regina Silveira e Julio Plaza, e gravura em metal com Romildo Paiva, nos anos de 1979 e 1980. Na década de 1970 realizou filmes de curta-metragem, participando de festivais. Em 1981 viajou para Nova Iorque, onde desenvolveu projeto no Pratt Institute Manhattan, com bolsa de estudos da Comissão Fulbright, com permanência até 1983. Foi professor da Kunstakademie de Oslo, na Noruega, entre 1993 e 1994. No começo dos anos 1990, realizou algumas séries de pinturas com caráter autobiográfico, que tinham como suporte suas próprias roupas. Posteriormente, passou a recolher e pintar cadeiras, poltronas e sofás usados, nos quais posteriormente aplicava letras, que formavam textos retirados de notícias de jornais, deslocando assim a relação preestabelecida com esses objetos. Já em Body Builders (2001/2002), fotografou corpos jovens e esbeltos para em seguida desenhar, sobre essas imagens, mapas de áreas de conflitos e de guerras, como, por exemplo, as do Oriente Médio ou da região de Chiapas, no México. A fotografia, como meio em si ou como propiciadora de acesso a outras médias, é usada por Flemming desde o início de sua carreira. O uso de caracteres gráficos sobre fotografias de pessoas também está presente em um dos seus mais destacados trabalhos: os painéis da Estação Sumaré do Metrô de São Paulo. Compostos por fotos de pessoas comuns, a cada uma delas foi atribuído um poema, escrito em letras meio borradas, com alguns trechos invertidos ou ausentes, o que não impossibilita totalmente a compreensão do texto. São particularmente interessantes as gravuras executadas nos anos 1970, de forte conteúdo político, reproduzidas em livro editado pela Editora da Universidade de São Paulo. Alex Flemming realizou diversas exposições individuais no Brasil, na Europa e nos Estados Unidos. Vive em Berlim.

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Arte em Ouro Preto

 

Estes são detalhes de algumas obras de “Sofrência”, que ocupa o Paço da Misericórdia, em Ouro Preto, MG. A exposição integra o projeto “Arte nas Estações”, que leva para as cidades mineiras o acervo incrível do Museu de Arte Naïf, que infelizmente fechou suas portas em 2016.

Com curadoria de Ulisses Carrilho, a mostra fala sobre apaixonamento e separação por meio de uma narrativa com início, meio e fim. Inspirada nas novelas, essa história apresenta ao público cenas de convívio social, flerte, festas e jogos de sedução, permeadas por poesias e poemas populares. (Texto de Fábio Schwarzwald no Facebook).

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A qualidade que ilumina

01/mar

 

O “Dia do Design Italiano no Mundo” é celebrado com eventos sobre sustentabilidade ambiental. Exposição “Triennale Milano. Uma história em cartazes”, abre no dia 9 de março, é destaque e estende-se até o dia 14 de maio no Solar Grandjean de Montigny, Gávea, Rio de Janeiro, RJ.

Em sua sétima edição, o “Italian Design Day” ou “Dia do Design Italiano no Mundo” – uma iniciativa promovida pelo Ministério Italiano das Relações Exteriores através da rede diplomático-cultural no mundo inteiro – será celebrado no Rio de Janeiro com uma série de eventos realizados pelo Instituto Italiano de Cultura, em parceria com o Consulado da Itália, a Fundação Triennale di Milano, a PUC-Rio e o Instituto Europeu de Design-IED.

Depois do sucesso das edições anteriores, com o envolvimento de mais de 450 especialistas italianos de design – escolhidos entre designers, artistas, curadores, arquitetos, acadêmicos e jornalistas – com cerca de 1.000 iniciativas em mais de 200 cidades no mundo, a edição 2023 do “Dia do Design Italiano” – que, pela primeira vez depois da Pandemia, volta à modalidade presencial – será dedicada à temática da sustentabilidade ambiental, tendo como título: “A qualidade que ilumina. A energia do design para as pessoas e o meio-ambiente”. A iniciativa também será uma oportunidade para promover o encontro entre profissionais da área (designers, universidades, empreendedores) e instituições italianas.

“Design e indústria criativa constituem dois setores de ponta da economia e da cultura italiana. A eles é associada frequentemente a imagem da Itália no exterior”, afirma a diretora do Instituto Italiano de Cultura do Rio de Janeiro, Livia Raponi. “O Dia do Design Italiano constitui um momento importante de diálogo e troca de experiências entre especialistas do design de ambos os países”.

Convidada especial deste ano, a especialista italiana de design Nina Bassoli, arquiteta, pesquisadora, curadora de exposições e professora do Politécnico de Milão, além de “Embaixadora” oficial do design italiano no Brasil em 2023, abrirá as comemorações. Nina Bassoli conduzirá um bate-papo com os alunos no Hall do Departamento de Artes e Design da PUC-Rio, no dia 09 de março, das 15h às 17h. A seguir, será inaugurada, no Museu Universitário Solar Grandjean de Montigny, a exposição “Triennale Milano. Uma história em cartazes”, realizada pelo IIC Rio em colaboração com a Triennale Milano, sob curadoria do Diretor da instituição italiana, Marco Sammicheli.

No dia anterior, na quarta-feira, 08 de março, às 18h, Nina Bassoli participará de outro bate-papo, desta vez com os alunos do IED (Instituto Europeu de Design). O encontro acontece no Instituto Italiano de Design, localizado no 3º andar do prédio do Consulado Italiano, para onde recentemente o IED transferiu sua sede.

 

Sobre a Triennale Milano

Entre as disciplinas nas quais a Itália e o Brasil mantiveram e mantêm um diálogo particularmente frutífero, se encontram sem sombra de dúvida a arquitetura, a arte e o design. A Triennale Milano, instituição italiana de excelência, desde a sua criação, sempre incentivou o confronto dialético entre esses três campos, bem como estimulou suas relações mútuas com a indústria e a sociedade.

Desde a primeira edição em Monza, em 1923, foram realizadas, até 2022, cerca de 23 edições da Exposição Internacional, com a participação de 66 países dos cinco continentes. A exposição apresentada na PUC pelo Instituto Italiano de Cultura do Rio traça a trajetória das exposições internacionais através de obras icônicas da arte gráfica criadas para promover e divulgar o evento.

A inauguração contará com a presença da arquiteta urbanista Nina Bassoli, o Cônsul Geral da Itália no Rio, Massimiliano Iacchini, e a Diretora do Istituto Italiano di Cultura do Rio de Janeiro, Livia Raponi.

“Um cartaz é, antes de tudo, um suporte informativo, mas é também, e sobretudo, uma declaração pública que tem o escopo de atingir o maior número possível de pessoas e de comunicar no modo mais imediato possível temas e visões. Em vista do centenário da referida instituição, esta mostra pretende percorrer a história das Exposições Internacionais da Triennale através dos cartazes projetados para cada edição pelos maiores artistas gráficos italianos e internacionais”, afirma o curador, Marco Sammicheli.

Os 80 cartazes expostos – obras exemplares de arte gráfica – assinadas por grandes mestres do século XX italiano e por designers contemporâneos, expressam, tanto em suas constantes quanto em sua originalidade, um encontro sempre em movimento entre pensamento, conceitos éticos e estéticos, e práticas artísticas e produtivas. As peças provêm dos arquivos da Triennale e são assinadas por autores como Enrico Ciuti, Marco Del Corno, Eugenio Carmi, Roberto Sambonet, Giulio Confalonieri, Ettore Sottsass, Andrea Branzi, Italo Lupi, Bon Noorda e Studio Cerri Associati. Os pôsteres selecionados são exemplares muito valiosos tanto da história da Triennale quanto do desenvolvimento da gráfica italiana.

“A vocação para a sinergia interdisciplinar, em nome da criatividade e do know-how italianos, fazem da Triennale di Milano um exemplo particularmente inspirador nos dias de hoje; acreditamos que a Triennale e o Brasil têm muito a trocar e que podem, a partir dos desafios e encontros comuns que já aconteceram no passado, desenhar uma dialética e colaboração renovadas”, diz o Embaixador da Itália no Brasil, Francesco Azzarello.

Segundo Livia Raponi, Diretora do Instituto Italiano de Cultura do Rio de Janeiro, “…a Triennale é um laboratório essencial de reflexão sobre a construção coletiva do presente e do futuro, sempre atento aos desafios do mundo contemporâneo como nos mostram os temas das edições mais recentes”.

 

Sobre Nina Bassoli

Arquiteta, pesquisadora e curadora, Nina Bassoli (1983) é responsável pelo projeto “Architettura, Rigenerazione urbana e Città” (Arquitetura, Regeneração urbana e Cidade) na Triennale Milano. Doutora pela Universidade IUAV de Veneza, formou-se no Politecnico de Milão, onde hoje dá aula de Projetação Arquitetônica. É redatora da revista “Lotus international” desde 2008, teve palestras e conferências em várias universidades e instituições internacionais. É curadora de numerosas publicações e exposições: entre elas “Arquitecture as Art” no Pirelli HangarBicocca e “City after the City. Street Art” no âmbito da XXI Exposição Internacional de Triennale Milano.

Nina Bassoli encontra os alunos do IED-RIO

Dia 08 de março, às 18h

Local: Instituto Italiano de Design

Av. Antônio Carlos, 40-2º andar (prédio do Consulado da Itália)

Entrada franca

Nina Bassoli conversa com os alunos da PUC

Dia 09 de março, das 15h às 17h

Local: Departamento de Artes e Design da PUC-Rio

Endereço: Rua Marquês de São Vicente, 225, Gávea-RJ

Entrada franca

 

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Artistas de diversos estados no Memorial

 

Abrindo o calendário de exposições de 2023 do Memorial Getúlio Vargas, Glória, Rio de Janeiro, RJ, a exposição coletiva “Memória do Futuro” apresenta no dia 04 de março, das 12h às 17h, e exibe até o dia 16 de abril, pinturas, instalações, fotografias, desenhos, esculturas e objetos de 23 artistas de diferentes estados do Brasil, que refletem o lastro temporal da memória como condutor de um futuro possível e de suas subjetividades.

Com curadoria de Shannon Botelho, “Memória do Futuro” tem a memória como construção de identidade, invenção de si, de coletividade, de singularidade e de sociedade. A mostra traz os artistas Consuelo Vezarro, Cristina Canepa, Danielle Cukierman, Débora Rayel Eva, Federico Guerreros, Gláucia Crispino, Leda Braga, Lili Buzolin, Lucy Copstein, Marcia Rosa, Michaela A F, Odette Boudet, Renata Carra, Riyosuke Komatsu, Rosa Hollmann, Rosana Spagnuolo, Rose Aguiar, Sandra Gonçalves, Sheila Riente, Suzana Barbosa, Tuca Chicalé Galvan, Vitória Kachar, Yohana Oizumi.

 

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Walter Firmo faz palestra no CCBB RJ

28/fev

 

O consagrado fotógrafo Walter Firmo fará uma palestra no dia 04 de março, sábado, às 15h, no Centro Cultural Banco do Brasil Rio de Janeiro, como parte da exposição “Walter Firmo no verbo do silêncio a síntese do grito”, em cartaz até o dia 27 de março. Gratuita e aberta ao público, a mesa de conversa “Carnaval, samba e encantamentos na obra do fotógrafo Walter Firmo” terá a participação de Firmo e dos curadores Sergio Burgi e Janaina Damaceno e da antropóloga Ana Paula Alves Ribeiro.

Os palestrantes debaterão com o público a obra de Firmo e o seu vínculo com o carnaval e o samba. A conversa será realizada no auditório do 4º andar do CCBB RJ, com 64 lugares disponíveis, além de três para pessoas com deficiência, e os ingressos poderão ser retirados até 1 hora antes do início do evento na bilheteria física ou pelo site do CCBB (bb.com.br/cultura).

A grande exposição retrospectiva “Walter Firmo: no verbo do silêncio a síntese do grito” apresenta um panorama dos mais de 70 anos de trajetória do fotógrafo carioca. Com curadoria de Sergio Burgi e Janaina Damaceno, são apresentadas 266 fotografias, produzidas desde 1950, no início da carreira de Firmo, até 2021. São imagens que retratam e exaltam a população e a cultura brasileira de diversas regiões do país, registrando ritos, festas populares e religiosas, além de cenas cotidianas. O conjunto destaca a poética do artista, associada à experimentação e à criação de imagens muitas vezes encenadas e dirigidas. “Acabei colocando os negros numa atitude de referência no meu trabalho, fotografando os músicos, os operários, as festas folclóricas, enfim, toda a gente. A vertigem é em cima deles. De colocá-los como honrados, totens, como homens que trabalham, que existem. Eles ajudaram a construir esse país para chegar aonde ele chegou.”, diz Walter Firmo.

O fotógrafo percorreu intensamente todo o país, mas sempre manteve um vínculo especial com o Rio de Janeiro, sua cidade natal, onde iniciou e construiu sua carreira e desenhou sua trajetória na fotografia, a partir da vivência de homem negro nascido e criado nos subúrbios e arrabaldes de Mesquita, Nilópolis, Marechal Hermes, Osvaldo Cruz, Vaz Lobo, Cordovil, Parada de Lucas, Vista Alegre e Irajá, territórios do samba de raiz e do permanente ronco da cuíca.

Dividida em núcleos temáticos, a mostra traz retratos memoráveis de grandes nomes da música brasileira, como Cartola, Clementina de Jesus e a icônica fotografia de Pixinguinha na cadeira de balanço, além de destacar a importante trajetória de Firmo como fotojornalista e de dedicar uma seção à fotografia em preto e branco do artista, pouco conhecida e, em grande parte, inédita.

A exposição é uma oportunidade para o público conhecer em profundidade a obra de um dos grandes fotógrafos do país, que até hoje mantém seu compromisso pelo fazer artístico: “Aí está o meu relato, a história de uma vida dedicada ao fazer fotográfico, dias encantados, anos dourados. Qual a minha melhor imagem? Certamente aquela que em vida ainda poderei fazer. Emoções, demais”, afirma o fotógrafo.

A exposição é uma parceria inédita entre o Instituto Moreira Salles de São Paulo (IMS Paulista) e o Centro Cultural Banco do Brasil. A mostra seguirá para o CCBB Brasília, com abertura prevista para 21 de abril, e posteriormente para o CCBB Belo Horizonte. O patrocínio é do Banco do Brasil.

 

Sobre os participantes:

Walter Firmo nasceu em 1937 no bairro do Irajá, no Rio de Janeiro, criado no subúrbio carioca, filho único de paraenses – seu pai, de família negra e ribeirinha do baixo Amazonas; sua mãe, de família branca portuguesa, nascida em Belém -, Firmo começou a fotografar cedo, após ganhar uma câmera de seu pai. Em 1955, então com 18 anos, passou a integrar a equipe do jornal Última Hora, após estudar na Associação Brasileira de Arte Fotográfica (Abaf), no Rio. Mais tarde, trabalharia no Jornal do Brasil e, em seguida, na revista Realidade, como um dos primeiros fotógrafos da revista. Em 1967, já trabalhando na revista Manchete, foi correspondente, durante cerca de seis meses, da Editora Bloch em Nova York. Neste período no exterior, o artista teve contato com o movimento Black is Beautiful e as discussões em torno dos direitos civis, que marcariam todo seu trabalho posterior. De volta ao Brasil, trabalhou em outros veículos da imprensa e começou a fotografar para a indústria fonográfica. Iniciou ainda sua pesquisa sobre as festas populares, sagradas e profanas, em todo o território brasileiro, em direção a uma produção cada vez mais autoral.

Sergio Burgi é coordenador de Fotografia do Instituto Moreira Salles desde 1999. Formado em Ciências Sociais na USP, tem mestrado em Conservação Fotográfica na School of Photographic Arts and Sciences, do Rochester Institute of Technology (EUA). Foi coordenador do Centro de Conservação e Preservação Fotográfica da Funarte entre 1984 e 1991.

Janaína Damaceno é professora da área de Cultura e História da Arte da Faculdade de Educação da Baixada Fluminense (Febf/ UERJ) é só Programa de Pós-graduação em Cultura e Territorialidades (PPCult/UFF). Coordena o Grupo de Pesquisas Afrovisualidades: estéticas e políticas da imagem negra. É uma das fundadoras do FICINE (Fórum Itinerante de Cinema Negro).

Ana Paula Alves Ribeiro é Antropóloga, Professora Adjunta da Faculdade de Educação da Baixada Fluminense (FEBF – Pedagogia, Departamento de Formação de Professores/UERJ) e do Programa de Pós-Graduação em Culturas e Territorialidade (UFF).

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Diplomacia Cultural e o Cinema Brasileiro

27/fev

 

 

Por Instituto Ling

Quando e onde:

Data e hora: sex, 3 de março de 2023, 18:00 – 21:00

Instituto Ling João Caetano, 440 – Três Figueiras – Porto Alegre – RS – 90470260

 

Sobre este evento

O Curso de Relações Internacionais da ESPM-POA convida todos, em ritmo de aula inaugural, para celebrar, conhecer e debater o tema da Diplomacia Cultural, com a autora Manuela Fetter Nicoletti e sua convidada especial, a Cônsul da Áustria Dra. Kathrin Rosenfield.

18h: Sessão de autógrafos

19h: Brinde comemorativo

19h30: Apresentação e debate no Auditório

 

Sinopse do Livro:

Refletir sobre o tema da diplomacia cultural pode ser considerado tanto um grande desafio quanto um imenso deleite. De um lado, porque se trata de um termo pouco discutido no âmbito nacional, mesmo que amplamente abordado no meio internacional. E sob outro ponto de vista, também aborda um tópico paradoxalmente condicionado a abstração conceitual. É dizer, quanto mais tentamos definir ou delimitar esta atividade em teoria, menos a enxergamos na prática. Quando a diplomacia perde sua subjetividade para adquirir uma descrição objetiva, ela se torna política externa ou prática de desenvolvimento cultural. E é aqui que decidi inserir nosso caro cinema em perspectiva, para que através da observação da sua circulação internacional, ele nos evidencie as principais dinâmicas, os agentes protagonistas e principalmente, os caminhos da diplomacia cultural no Brasil. De maneira elíptica, este livro se posiciona na corda bamba do limiar técnico-interpretativo sobre as nuances diplomáticas e culturais. A parte desafiadora é dissolvida pelo lado técnico e a amplitude de interpretação é plano de fundo ao deleite de leitura.

 

Manuela Fetter Nicoletti – Autora

Formada em Relações Internacionais e Administração de Empresas, Manuela Fetter é fundadora da LORA, onde atua como curadora e internacionalista, propondo pontes e cruzamentos entre expressões artísticas culturais e o audiovisual. Mestre pela PUCRS, na área de comunicação social, em que pesquisou o papel ativador da diplomacia cultural na cadeia de valor cinematográfica. À frente da LORA, já promoveu mais de 50 eventos de cinema de rua na capital gaúcha, em centros culturais, museus e galerias, já trouxe para o Brasil mais de 90 filmes licenciados e legendados em português. Tem como missão expandir o alcance da diplomacia cultural nos estudos das Relações Internacionais e seus benefícios para outras áreas de pesquisa, promovendo assim uma maior interação acadêmica e profissional para o mercado cultural.

 

Sobre Kathrin Holzermayr Rosenfield

Austríaca de origem, fez sua formação nas universidades de Viena, Salzburg e em Paris: na Áustria, em Artes Cênicas e Literaturas alemã, francesa e anglo-americana; na Sorbonne (literatura e psicologia clínica); ela fez sua tese sob a direção de Jacques Le Goff, na École des Hautes Études/Paris (antropologia histórica). É professora titular no Depto. de Filosofia da UFRGS, e atua no PPG Letras e no PPG Filosofia da UFRGS. Também autora de vários livros sobre literatura e filosofia, arte, estética e psicanálise. Seus livros iluminam a partir de perspectivas interdisciplinares clássicos da filosofia e da literatura mundiais. Seu ensaio Desenveredando Rosa – a obra de J.G.Rosa ganhou o prêmio Mário de Andrade. Recentemente publicou a Introdução e os comentários para Antígona de Sófocles (trad. L.F. Pereira, Penguin-Cia.das Letras 2022); as traduções comentadas das novelas de Robert Musil, Uniões (Perspectiva, 2018) e R. Musil, Ensaios 1900-1919 (Perspectiva 2021); além do verbete “Inconsciente” (Palavras da Crítica, online). O segundo volume dos Ensaios 1919-1942 será lançado em 2023. Na chegada ao Brasil em 1984, Kathrin iniciou sua carreira em Porto Alegre como psicanalista e manteve o trabalho clínico até tornar-se professora adjunta na UFRGS. Dirige diversos projetos e grupos de pesquisa dentro e fora do âmbito da universidade, em particular, projetos vinculando a pesquisa acadêmica com eventos artísticos (exposições, podcasts e videocasts envolvendo artes plásticas e literatura; dramaturgia e produção de espetáculos como Antígone ou Hamlet (com Luciano Alabarse e tradução de L.F. Pereira). Atua também em programas de TV como “Direito e Literatura”, Canal 247, entre outros.

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Catalogação da obra de Lorenzato

15/fev

 

Foi lançado no mês passado o Projeto Amadeo Luciano Lorenzato, que busca identificar e catalogar as obras do artista mineiro em uma plataforma digital, contínua e aberta. Com apoio do Itaú Cultural, a iniciativa partiu do galerista Thiago Gomide, mineiro como Lorenzato, e que tem o artista no elenco e de sua Gomide & Co.

Segundo o pesquisador Mateus Nunes, que coordena o projeto, Gomide “sempre foi atento à importância do artista, que tinha seus debates muito restritos a Minas Gerais” e ele sentia a necessidade de “enfatizar a presença de Lorenzato na história da arte em um panorama mais amplo”. Nunes é doutor em História da Arte pela Universidade de Lisboa, professor do MASP e pesquisador integrado do Instituto de História da Arte da Universidade de Lisboa.

“A submissão pelo formulário objetiva, sobretudo, alcançar uma capilaridade em que a pesquisa de campo que empreendemos não chega, como as coleções particulares de muitos colecionadores”, Mateus Nunes, coordenador geral do Projeto Lorenzato

Por ora, foram catalogadas em torno de 300 obras, e há cerca de outros 100 trabalhos submetidos pela plataforma do site. De acordo com Nunes, Gomide estima que Lorenzato tenha entre 3 mil e 4 mil obras espalhadas pelo mundo. A catalogação do Projeto Amadeo Luciano Lorenzato feita a partir da submissão dos formulários, conta ele, tem sido minoritária. Para o lançamento, foi formado um banco de dados de centenas de obras a partir de pesquisa de campo em galerias e instituições de arte, além de publicações, catálogos, exibições em exposições, etc.

“A submissão pelo formulário objetiva, sobretudo, alcançar uma capilaridade em que a pesquisa de campo que empreendemos não chega, como as coleções particulares de muitos colecionadores”, diz o pesquisador à arte!brasileiros, explicando que, além de três pessoas que trabalham diretamente na catalogação, as equipes das galerias e instituições de arte colaboradoras têm ajudado, cedendo imagens, fichas técnicas e pesquisas já presentes em seus próprios bancos de dados.

Nos próximos meses, será feita a primeira assembleia do Conselho Consultivo, presidido por Thiago Gomide, para a análise e deliberação do que vem sendo submetido por meio da plataforma. Entre os membros pesquisadores do Conselho estão Rodrigo Moura, autor de Lorenzato, livro publicado pela editora Ubu, e curador do El Museo del Barrio, em Nova York; Sabrina Sedlmayer, Laymert Garcia dos Santos e Luisa Duarte; os galeristas Vilma Eid, Pedro Mendes, Rodrigo Ratton e James Green; e Rui Terenzi Neuenschwander, colecionador de arte e primo de segundo grau do artista.

 

Trajetória

Amadeu Luciano Lorenzato (1900-1995) nasceu e morreu em Belo Horizonte, capital mineira. Ao longo de sua trajetória, atuou como pintor e escultor. Mudou-se com a família em 1920 para Arsiero (Itália), onde trabalhou como pintor de paredes. Estudou na Reale Accademia delle Arti, em Vicenza. Em 1926, foi para Roma, onde ficou dois anos em companhia do pintor e cartazista holandês Cornelius Keesman, com quem desenhava nos fins de semana. Em 1928, ambos iniciaram uma viagem de bicicleta ao leste europeu, passando por Áustria, Eslováquia, Hungria, Bulgária e Turquia. Em Paris, participou da montagem dos pavilhões da Exposição Internacional Colonial. No início da década de 1930, voltou para a Itália, onde permaneceu até 1948, quando retornou ao Brasil. Em BH, retomou o ofício de pintor de paredes até meados dos anos 1950, quando, devido a um acidente, passou a se dedicar apenas à pintura. No comunicado de lançamento do projeto, Mateus Nunes ressalta que Lorenzato “é um artista que não obedece a moldes historiográficos usuais, como enquadramento em estilos, foi fora do eixo Rio-SP e utilizava técnicas não usuais”. O texto salienta ainda aspectos em oposição na produção de Lorenzato: figurativo versus abstrato, estética brasileira versus internacional, imaginário versus autêntico. Para Nunes, Lorenzato era o próprio denominador comum de sua obra.

“Ele fazia congregar esses opostos de maneira híbrida, erudita e intuitiva, ao ponto de manipular ferramentas visuais, como a perspectiva, por exemplo, para a criação de uma atmosfera nostálgica. O Projeto Amadeo Luciano Lorenzato refrisa o aspecto autobiográfico na produção do artista”, diz.

O pesquisador destaca também que a prática de Lorenzato, iniciada na década de 1920, percorreu um longo caminho até 1964 – as pinturas anteriores a 1948, ano em que retornou ao Brasil, foram destruídas durante a Segunda Guerra, conta ele -, quando apresentou alguns trabalhos aos críticos de arte Sérgio Maldonado e Palhano Júnior, responsáveis pela organização de suas primeiras mostras individuais. Ainda em vida, no início dos anos 1970, Lorenzato participou de exposições internacionais, na antiga Checoslováquia e na França.

“(O trabalho de Lorenzato) ficou por mais de 40 anos sendo exposto apenas no Brasil, com quase todas as mostras sendo feitas em Minas Gerais. Os debates foram reavivados há cinco anos, quando Lorenzato foi reinserido no panorama de discussão global, com exposições em Londres e em Nova York”, Mateus Nunes, coordenador geral do Projeto Lorenzato

“Depois dessas participações, seu trabalho ficou por mais de 40 anos sendo exposto apenas no Brasil, com quase todas as mostras sendo feitas em Minas Gerais. Os debates foram reavivados há cinco anos, quando Lorenzato foi reinserido no panorama de discussão global, com exposições em Londres e em Nova York. O objetivo do projeto é que, por meio da catalogação, Lorenzato tenha uma repercussão digna ao tamanho de sua obra tanto no Brasil quando no exterior”, afirma Nunes.

 

Obra dispersa

Um dos principais desafios do Projeto é saber que se trata de um arquivo em constante expansão. O pesquisador lembra também que a obra de Lorenzato é bastante dispersa. Por exemplo, foram identificados indícios da presença de um trabalho feito pelo artista no período em que colaborou com Cornelius Keesman, “mas ainda sem grandes descobertas”, segundo Nunes, que considera as obras feitas à época na Itália “de muito difícil rastreamento”. Daí a necessidade de que os processos do Projeto ocorram em parte online:

“Ele pede uma plataforma aberta, que solicite aos colecionadores e pesquisadores o envio de obras para análise e catalogação. Há peculiaridades menos específicas, como acontece na catalogação das obras muitos artistas, como imprecisão de datas, falta de registros fotográficos que sigam um certo padrão de qualidade para um banco de dados padronizado e pouquíssima bibliografia acerca de Lorenzato”, explica. “A catalogação geral deve durar alguns anos e ficar sempre aberta a novas análises. É possível que, no futuro, exposições e publicações sejam fomentadas a partir do Projeto, mas não há planos para desenvolvê-los em um futuro próximo”.

 

Fonte: por Eduardo Simões em arte!brasileiros

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