AGENDA CULTURAL

Última itinerância da 35ª Bienal.

26/nov

De 30 de novembro de 2024 a 09 de março de 2025, a cidade de Porto Alegre, RS, receberá a última parada da itinerância da 35ª Bienal de São Paulo – coreografias do impossível, uma exposição correalizada pela Fundação Iberê Camargo e a Fundação Bienal de São Paulo. Curadoria de Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes e Manuel Borja-Villel.

O evento encerrará o ciclo de exposições que, ao longo de 2024, percorreu dez cidades brasileiras e três internacionais, ampliando as discussões propostas pela Bienal de São Paulo em sua última edição, realizada em 2023. Ao todo, a 35ª Bienal alcançou 14 cidades, incluindo seu último destino.

Entre os 121 participantes da 35ª Bienal de São Paulo, sete deles estarão presentes com suas obras na Fundação Iberê Camargo: Aurora Cursino dos Santos, Katherine Dunham, MAHKU (Movimento dos Artistas Huni Kuin), Nontsikelelo Mutiti, Rosana Paulino, Ubirajara Ferreira Braga, e a dupla Simone Leigh e Madeleine Hunt-Ehrlich. Os trabalhos selecionados para a última itinerância refletem diálogos sobre ancestralidade, memória e as complexas relações entre corpos, territórios e resistência, temas centrais desta edição da Bienal.

No dia 30 de novembro, durante a inauguração da itinerância, a entrada é gratuita e a equipe educativa da Fundação Bienal de São Paulo realizará uma visita mediada, às 15h30.

Três fotógrafas em foco.

22/nov

Exposição de fotos emoldura o Brasil profundo com lentes europeias. Imagens das fotógrafas Claudia Andujar, Lux Vidal e Maureen Bisilliat estão em cartaz no Centro MariAntonia da USP.

Suíça, Alemanha e Inglaterra. Em meados dos anos 1940, três jovens saíam de seus países de origem devido à Segunda Guerra Mundial, iniciando trajetórias que as levariam, décadas depois, às aldeias indígenas do Brasil. As fotógrafas Claudia Andujar, Lux Vidal e Maureen Bisilliat penetraram nas terras Parakanã, Xikrin, Xingu e Yanomami, capturando imagens singulares dos povos locais. Cerca de 300 dessas imagens encontram-se exibidas na exposição “Trajetórias Cruzadas”, em cartaz até 23 de fevereiro de 2025 no Centro MariAntonia da USP. “Para essas três mulheres, a fotografia foi uma forma de estabelecer contato com a população brasileira. Apesar de falarem várias línguas, elas não falavam português quando chegaram aqui. Então, foi também uma forma de comunicação muito eficiente”, afirma a antropóloga Sylvia Caiuby Novaes, professora do Departamento de Antropologia da Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas (FFLCH) da USP, curadora da mostra, que além das fotos traz também revistas, desenhos e um vídeo.

A exposição ocupa três salas do Centro MariAntonia. A primeira delas, intitulada Início, apresenta fotos da trajetória pessoal de Andujar, Vidal e Bisilliat. São imagens que remontam à infância e juventude das três fotógrafas, vividas em terras estrangeiras, e fotografias do começo das suas carreiras profissionais.

A segunda sala, chamada Outros Viveres, destaca as produções mais aclamadas das três fotógrafas, reunindo fotografias das aldeias indígenas visitadas por elas. Imagens de um incêndio no Xingu, feitas por Andujar em 1976, estão ao lado de fotos da estrutura de uma oca em construção, de autoria de Bisilliat, e de retratos de indígenas obtidos por Vidal, nunca antes expostos ao público.

Na terceira sala da exposição, Encontros, é exibido o vídeo Aqui é o Mundo, produção de 2023 dirigida por Maíra Bühler. O filme mostra as três fotógrafas conversando, enquanto manuseiam fotografias feitas em viagens pelas aldeias indígenas. As imagens expostas fazem parte dos acervos Instituto Moreira Salles (IMS), do Lisa, de Lux Vidal e da Galeria Vermelho.

Sobre as três fotógrafas

Claudia Andujar nasceu em Neuchâtel, na Suíça, em 1931. Passou a infância em Orádea, entre a Hungria e a Romênia. Entre 1944 e 1945, seu pai e sua família paterna, de origem judaica, são enviados aos campos de concentração de Auschwitz e Dachau. Em 1946, muda-se para Nova York com seu tio Marcel Haas. Casou-se com o espanhol Julio Andujar e adotou seu sobrenome. Entre 1949 e 1952, estudou no Hunter College e começou a pintar, inspirada pelo expressionismo abstrato. Decide vir para o Brasil em 1955, onde começa a se interessar por fotografia. Nos anos 1960, trabalha como fotógrafa freelancer para revistas brasileiras e norte-americanas, como Claudia, Realidade, Life e Look. Enquanto trabalhava em um número especial da revista Realidade dedicado à Amazônia, em 1971, entra em contato com os Yanomami. Sete anos mais tarde, funda, junto com outras pessoas, a Comissão pela Criação do Parque Yanomami (CCPY), que luta pelo reconhecimento do território daquele povo. Faz diversas exposições sobre os Yanomami, no Masp (1989), no Memorial da América Latina (1991), na Bienal de Arte de SP (1998), no MIS (2000), na Pinacoteca (2005), no Instituto Moreira Salles (2019) e na Fundação Cartier de Paris (2002 e 2020).

Lux Vidal nasceu em 1930, em Berlim. Passou a maior parte de sua infância e juventude na Espanha e na França, onde estudou Letras Clássicas. Em 1951 obteve o título de Bacharel em Artes pelo Sarah Lawrence College, em Nova York (EUA), onde cursou Antropologia, Literatura e Teatro. Chegou em São Paulo em 1955, lecionou na Aliança Francesa e no Liceu Pasteur, e, em 1967, voltou a estudar Antropologia na USP, onde realizou seu mestrado e doutorado. Em 1969, ingressou como professora no Departamento de Antropologia da USP e a partir de então desenvolveu diversas pesquisas e ações indigenistas, especialmente com os Mebengokré-Xikrin, do Pará, e os povos indígenas do Oiapoque, Amapá. Lux formou um grande número de antropólogos e antropólogas e contribuiu para a fundação de várias organizações indigenistas, como a Comissão Pró-Índio de São Paulo, e segue realizando publicações e trabalhos relacionados aos povos indígenas.

Maureen Bisilliat nasceu em 1931 em Englefield Green, na Inglaterra. Filha de uma pintora escocesa e de um diplomata argentino, morou em diversos países quando criança por conta da profissão de seu pai. Em 1955, estudou pintura com André Lhote e, dois anos depois, estudou artes em Nova York, na Arts Students League. Maureen vem para São Paulo em 1953 com seu primeiro marido, o fotógrafo espanhol José Antonio Carbonell e, em 1959, se muda definitivamente para o Brasil. Ela então abandona a pintura e começa a se dedicar mais à fotografia. Entre os anos 1960 e 1970, trabalha para a revista Realidade, da Editora Abril. Na mesma época, começa a editar fotolivros, onde traça equivalências entre suas fotografias e trechos de livros de autores brasileiros. Em 1973 faz sua primeira viagem ao Xingu com os irmãos Villas-Boas, mesmo ano em que inaugura a Galeria O Bode, em São Paulo. Em 1988, é convidada por Darcy Ribeiro a constituir o Pavilhão da Criatividade no Memorial da América Latina. Maureen publica diversos fotolivros, filmes e realiza exposições na Bienal de São Paulo (1985), Fiesp (2009), IMS (2020) e MIS (2022).

Fonte: Jornal da USP.

Deusas da Terra – Transmutando o Cotidiano.

A exibição individual com esculturas de Michele Rocha propõe uma imersão no universo feminino, com abertura no dia 23 de novembro, no Espaço Cultural Correios de Niterói, RJ. Idealizada pela artista plástica Michele Rocha, a exposição “Deusas da Terra – Transmutando o Cotidiano”, foi inspirada no livro “Os Nove Arquétipos da Alma Feminina”, de Cherry Gilchrist, conectando esses símbolos ao cotidiano das mulheres e apresentando uma jornada de autoconhecimento, cura e transformação. Com curadoria de Renato Moreth e organização de Michele Rocha em parceria com Neide Lúcia, a individual ocupará o Espaço Cultural Correios até janeiro de 2025. Um espaço interativo com painel instagramável disponibiliza o quiz “Descubra sua Deusa”. As esculturas de Michele Rocha foram produzidas em cerâmica, bronze e pedras, materiais que, combinados, evocam uma verdadeira alquimia, simbolizando as forças elementares da Natureza e a conexão das mulheres com a Terra. Esse processo de transformação da matéria bruta em arte representa a metamorfose da argila para a obra final, celebrando a cerâmica como uma expressão da arte da terra e do poder curativo da criação.

Sobre a artista

Michele Rocha é uma artista plástica premiada e reconhecida por seu trabalho com esculturas que abordam as figuras femininas. Sua trajetória artística inclui Premiações no Clube Naval de Belas Artes do Rio de Janeiro, em três edições desse importante salão. Na Academia Brasileira de Belas Artes, teve seu reconhecimento reforçando sua relevância artística e técnica. Michele Rocha faz parte do International Sculpture Center, ampliando alcance no cenário artístico internacional. Realizou imersão internacional em Faenza, na Itália, em um dos maiores centros de cerâmica do mundo. Essa experiência aprofundou sua compreensão cultural e técnica, ampliando a qualidade e a visão artística de seu trabalho. Participou de diversas exposições coletivas, incluindo “Bendito Fruto” e “Potências”, em Niterói, além de salões de arte como o Clube Naval de Belas Artes do Rio de Janeiro e a Academia Brasileira de Belas Artes. A artista também é conhecida por seu trabalho educativo e de inclusão, especialmente em oficinas voltadas ao público feminino durante as exposições e encontro de ceramistas, que incluem “Modelando Minha Deusa Interior” (oficina que explora a escultura como meio de expressão e autoconhecimento, convidando as participantes a reconectar-se com a essência feminina) e “O Corpo” e “O Feminino”, onde aborda temas como maternidade, força e sensibilidade feminina, criando um espaço de cura e expressão para mulheres.

Até 18 de janeiro de 2025.

Uma exposição para Lita Cerqueira.

Para celebrar os 50 anos do trabalho da Lita Cerqueira, a primeira fotógrafa negra profissional do Brasil, a CAIXA Cultural Salvador, BA, inaugurou, uma exposição que reúne as principais obras da artista que retrata a cultura e a vida do povo negro no país. A visitação é gratuita e ocorre até o dia 20 de dezembro.

A mostra “O Povo Negro é o Meu Povo – Lita Cerqueira, 50 Anos de Fotografia”, organizada em sete núcleos curatoriais, destaca temas como ancestralidade e pertencimento, refletindo a perspectiva única de Lita Cerqueira como uma mulher negra e sua profunda conexão com o cotidiano e as histórias que eterniza através de suas lentes. Com um acervo de mais de 50 mil imagens, com obras em preto e branco de uma das mais ecléticas produções fotográficas do fim do século XX e início do XXI.

“Lita não apenas observa o mundo; ela o vive intensamente. Seu trabalho é um reflexo de sua própria história e das histórias daqueles que ela imortaliza através de suas lentes”, destaca Janaína Damaceno, curadora da mostra. Para Lu Araújo, que assina a coordenação geral, as fotos são manifestações de alma. “Ela consegue capturar a essência de cada pessoa, cada momento, com uma sensibilidade única. Lita é uma guardiã da memória do nosso povo”, afirma.

Em “O Povo Negro é o Meu Povo – Lita Cerqueira, 50 anos de fotografia”, a artista compartilha com o público não apenas imagens, mas uma narrativa visual que resgata a ancestralidade e celebra a cultura negra. A exposição é um convite para reconhecer e valorizar a beleza e a força de um povo que, através das lentes de Lita Cerqueira, ganha visibilidade e respeito, além de pertencimento e resistência.

Eixos da Exposição:

O primeiro eixo da exposição é “Andar com fé”, que retrata o sagrado afro-brasileiro. No segundo, “Para o mundo ficar Odara”, o destaque é a beleza negra. Em “Zum zum zum”, as fotos são das rodas de copeira, enquanto em “Vou fazer minha folia”, o tema é o Carnaval. No quinto eixo, “Filhas de Oxum”, a artista captura a espiritualidade e ancestralidade das festas populares. Já em “Doces Bárbaros” e “Atraca que o Naná vem chegando”, estão os momentos intimistas nos quais a fotógrafa acompanhou grandes nomes da música popular brasileira, como Gilberto Gil, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Maria Bethânia e Gal Costa. Atualmente, a artista participa da exposição “Quilombo: vida, problemas e aspirações do negro”, em Inhotim, parte integrante da mostra dedicada a Abdias Nascimento. Também está nas mostras “Lélia em Nós”, no Sesc Vila Mariana em São Paulo, “Encruzilhadas da Arte Afro-brasileira” no CCBB de Belo Horizonte e na exposição itinerante “O que vem de dentro”, de Diógenes Moura.

Fonte: Mundo Negro

Arte mural em exibição.

O Instituto Ling, Porto Alegre, RS, recebe a artista amazonense Sãnipã, para realizar uma intervenção artística inédita em uma das paredes do centro cultural. De 25 a 29 de novembro, o público poderá acompanhar gratuitamente a criação de uma nova obra, realizada ao vivo durante o horário de funcionamento do prédio. Será possível observar as escolhas, técnicas e movimentos da artista. Após a finalização, o trabalho ficará exposto para visitação até o dia 25 de janeiro de 2025.

A atividade faz parte da terceira temporada do projeto LING apresenta, e conta com a curadoria de Vânia Leal, atual Diretora de Projetos da Bienal das Amazônias e membro do grupo de crítica do Centro Cultural São Paulo. Após a finalização do mural, a artista Sãnipã irá comentar a experiência e o resultado em bate-papo com o público e a curadora, no dia 30 de novembro, sábado, às 11h, em frente à obra. Faça sua inscrição sem custo.

Amazônias: no tremor das vidas

Uma narrativa histórica da arte na Amazônia brasileira compreende muitas “Amazônias”, pois resguarda realidades diversas. Neste cenário, surge o projeto LING apresenta Amazônias: no tremor das vidas, como um disparador nessa perspectiva plural, com artistas que desentravam a compreensão da interculturalidade, dos contatos, das provocações e das possibilidades nesses espaços imensos quando a Amazônia se torna o centro de preocupação da humanidade. O tremor das vidas nas Amazônias está nas placas tectônicas, no tremor das pororocas, do jambu na boca e nos sentidos, no treme das aparelhagens, no tremor do mundo, no negacionismo da ciência, nas narrativas dos povos da floresta, no pó de paricá e no transe como parte da ancestralidade florestânica…A partir dessas provocações, a mostra aponta caminhos e impasses da arte compostos por artistas do continente amazônico. Estes discutem, por meio de investigações e territorialidade, as relações afetivas, políticas, sociais e culturais de identidades e de pertencimento, assim como o “imaginário geográfico”. Defende-se que a arte não pode se limitar à expropriação dos valores simbólicos e saberes materiais dos ribeirinhos, povos indígenas, quilombolas, assentados, afro-indígenas, castanheiros e de todo sujeito que mobiliza a sensibilidade de qualquer artista. É importante também ressaltar que, historicamente, esses sujeitos seguem elaborando estratégias criativas de sobrevivência como protagonistas, por meio de tecnologias ancestrais à manutenção da vida que pulsam nesses lugares poéticos e políticos. Entre o “bom selvagem” idealizado de uma visão romântica e o “inferno verde”, a Amazônia quase mitológica é o ambiente em que cabe ao artista criar pontes críticas com o real, dar asas ao imaginário e fortalecer o simbólico coletivo. Este é o desejo para esta edição do projeto LING apresenta.

Vânia Leal

Sobre a artista

Sãnipã nasceu em Lábrea, Amazonas, 1979. Sãnipã é artista visual dos povos Apurinã e Kamadeni do Amazonas. Sua obra reflete tradições e narrativas indígenas, abordando temas de identidade, ancestralidade e meio ambiente. Em pinturas, gravuras e instalações, expressa a conexão profunda com a natureza e o universo simbólico de seu povo, com uma estética de cores vibrantes e formas orgânicas. Sãnipã tem se destacado em exposições nacionais e internacionais, dando voz às culturas originárias em um contexto contemporâneo. Na 15ª Bienal Naïfs do Brasil, recebeu o prêmio Destaque-Aquisição, com a obra Totem Apurinã Kamadeni adquirida pelo Acervo Sesc, sendo a primeira mulher indígena amazonense na coleção. Suas principais exposições incluem Nipetirã, O Sopro Tribal sobre Outros Olhares, na Galeria do Largo; Amazônia Sou Eu!, em Nova Iorque; e a individual Dança Sagrada do Povo Apurinã, no Museu Amazônico.

Sobre a curadora

Vânia Leal Machado nasceu em Macapá, Amapá. Atualmente vive e trabalha em Belém, no Pará. Mestre em Comunicação, Linguagem e Cultura e atua na área de curadoria e pesquisa em Artes, tendo participado de júris de seleção e premiação e organizações de salões. Foi Curadora Educacional do Projeto Arte Pará e fez a curadoria de exposições como Mastarel: Rotas Imaginais (2019) de Elaine Arruda no Banco da Amazônia, Tecidos de Certeza (2019) de Elisa Arruda na Galeria Elf, Coleção Eduardo Vasconcelos (2021) nas Galerias Theodoro Braga e Benedicto Nunes no Centur, A inversão do cotidiano (2022) de Elisa Arruda na Galeria Ruy Meira, Nhe Amba (2022) de Xadalu Tupã Jekupe no SESC Paraty, Gravado na Alma (2023) de Eduardo Vasconcelos no Banco da Amazônia, entre outras. Também foi curadora da primeira Bienal das Amazônias em 2022-2023. Atualmente, é Diretora de Projetos da Bienal das Amazônias e faz parte do grupo de crítica do Centro Cultural São Paulo.

Luiz Zerbini no Paraná.

14/nov

O MON, Curitiba, PR, realiza a terceira edição de “Afinidades”, iniciativa que aproxima o seu acervo do público quando será inaugurada no dia 22 de novembro, data do aniversário de 22 anos do Museu Oscar Niemeyer, a exposição “Afinidades III – Cochicho”. Com curadoria de Marc Pottier, o artista contemporâneo Luiz Zerbini selecionou obras de cinco importantes nomes da arte paranaense para serem apresentadas ao lado das suas, na Sala 7.

Para a secretária de estado da Cultura, Luciana Casagrande Pereira, “Afinidades III – Cochicho” reforça o compromisso do Museu Oscar Niemeyer com a valorização do acervo paranaense e com a promoção de diálogos entre diferentes gerações de artistas. “Este é um projeto que aproxima o público do rico patrimônio cultural do Paraná, além de criar novas conexões a partir do olhar de Luiz Zerbini sobre a natureza e as paisagens brasileira e paranaense”, afirma.

“É muito mais que uma mostra. É a terceira edição de uma importante realização do Museu Oscar Niemeyer que intenciona valorizar e dar visibilidade ao seu acervo”, explica a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

Desta vez, Luiz Zerbini selecionou obras de cinco importantes nomes da arte paranaense que estão presentes no acervo do MON: Guido Viaro, Miguel Bakun, Bruno Lechowski, Guilherme William Michaud e Theodoro de Bona. “Em comum, ou por afinidade, assim como as suas obras apresentadas aqui, todos os trabalhos escolhidos têm como tema a natureza”, explica a diretora. “O resultado é surpreendente”.

Curadoria

De sua autoria, Luiz Zerbini apresenta na exposição 44 pinturas, 11 aquarelas e 12 monotipias. “Com estas obras, ele nos leva para sua intimidade”, explica o curador, Marc Pottier. Segundo ele, após visitar as coleções do MON, o artista decidiu apresentar pela primeira vez o que chama de “diários de viagem”: obras suas em que a natureza é sempre o tema principal.

“No acervo do MON, Zerbini encontrou artistas paisagistas cujas visões o sensibilizaram”, explica o curador. Pottier afirma que Zerbini sempre esteve atento a esse tipo de trabalho, observando com atenção, por exemplo, as paisagens mineiras de Guignard, os diálogos cromáticos do artista paulista Rodrigo Andrade, as marinhas de Pancetti, as obras do paisagista francês Corot e do artista americano Winslow Homer, conhecido pelas suas paisagens marítimas, entre outros.

“Com ‘Afinidades III – Cochicho”, ele traz para o MON esse olhar delicado e intimista em relação à natureza, criando, assim, um momento para se parar e meditar, antes que seja tarde demais”, diz o curador.

Até 18 de maio de 2025.

Reflexão através da Arte e da Cultura.

12/nov

A trajetória pessoal e trans sensorial pela trans culturalidade, presente nos grandes centros globais, se converte em uma experiência imersiva e inclusiva que integra realidade virtual e aumentada, fotografia, instalações sonoras, projeções, poesia e concertos, oferecendo uma rica paleta de sensações aos seus visitantes. O Projeto Transeuntis Mundi será apresentado na Cúpula do Caminho Niemeyer, em Niterói, de 15 a 17 de novembro, das 12h às 18h, durante o G20 no Rio de Janeiro e a entrada é gratuita.

Um dos principais desafios enfrentados por seus criadores – a brasileira Cândida Borges e o colombiano Gabriel Mario Vélez, ambos artistas e acadêmicos com grande experiência internacional – é convidar o público a explorar diferentes locais e épocas, estimulando uma reflexão profunda sobre o nosso espaço nesse mundo, por meio da Arte e da Cultura.

A Obra

Durante o festival, acontecerá a estreia mundial da exposição “Deriva Oikos”, que propõe uma metodologia artística e estética sobre a jornada humana e a migração, além do legado cultural e diversidade gerados por esses fenômenos. “Deriva Oikos” percorre o planeta, do Sul ao Norte, do Chile a Oslo, com a intenção de refletir sobre a vasta diversidade cultural e humana existente no mundo. A obra busca encantar o ser humano em sua “casa”, o planeta Terra – “Oikos”, termo grego que significa “casa, lar”. Através dessa vivência, almeja-se estimular o surgimento de uma nova consciência pela preservação do nosso espaço.

Retrospectiva de Brígida Baltar.

11/nov

Poder capturar o impalpável, perseguir o intangível, subverter o óbvio, essas eram formas da artista carioca Brígida Baltar (1959-2022) ocupar espaços inesperados, reunindo em sua obra elementos do corpo, da natureza, das paisagens e da própria moradia. A exposição “Brígida Baltar: pontuações”, no MAR, Centro, Rio de Janeiro, RJ, permanecerá em cartaz até 05 de março de 2025, reúne cerca de 200 obras, perto de 50 são inéditas, produzidas por quase três décadas de atuação. Esta é a maior exposição institucional dedicada à artista e é realizada em parceria com o Instituto Brígida Baltar e a Galeria Nara Roesler. A mostra conta com curadoria de Marcelo Campos, Amanda Bonan e equipe MAR além do curador convidado Jocelino Pessoa. Seis obras de Brígida Baltar que fazem parte do acervo do Museu de Arte do Rio estão na mostra que apresenta fotografias, vídeos, instalações, esculturas e memórias textuais da artista.

“É a primeira exposição póstuma a reunir esse conjunto tão significativo de obras. A exposição tem esse nome: pontuações, porque ela parte dos escritos da Brígida. Ela tinha uma consciência muito grande de que era preciso organizar as obras, ela gostava muito de conversar sobre isso, então, num dos momentos ela passou a anotar tudo, ela foi dizendo como ela queria as escalas de impressão, quais obras deveriam ser refeitas e quais não. Muitas frases e reflexões da artista sobre as obras acompanham toda a exposição. Brígida foi uma artista de muito destaque no Brasil, uma artista como personagem de suas próprias fabulações, ela foi muito importante para a fotoperformance, videoperformance, ela influenciou muita gente em muitos lugares do país”, afirma o curador Marcelo Campos.

Dividida em duas salas, a exposição apresenta as séries produzidas por Brígida Baltar: no primeiro espaço são exibidas as suas relações com a casa e a família, já na segunda sala são apresentadas as fabulações da artista. Toda a exposição foi concebida, produzida e montada com profissionais que tiveram vínculos com Brígida Baltar.

Arte contemporânea saudita.

08/nov

A primeira exibição coletiva itinerante de arte contemporânea saudita inicia sua jornada mundial no Paço Imperial, Centro, Rio de Janeiro, RJ, a partir do dia 13 de novembro.

A mostra, que no Brasil terá o nome de “Iluminações Poéticas”, traz à luz a História da Arábia Saudita tecida em termos artísticos e enriquecida pelas questões do presente.

Guanabara, o abraço do mar.

07/nov

A FGV Arte, Botafogo, Rio de Janeiro, RJ, com apoio da Água dos Rios, exibe sua quarta exposição, intitulada “Guanabara, o abraço do mar”, com curadoria de Paulo Herkenhoff, Luiz Alberto Oliveira e Marcus Monteiro. A exposição conta com a presença de importantes nomes do segmento. A nova coletiva expõe os diversos aspectos ecológicos, culturais e sociais de um dos importantes cartões-postais da cidade carioca e do Brasil.

Mostra apoiada pela concessionária reúne peças históricas, como um óleo sobre tela de Tarsila do Amaral e 40 obras da coleção de Sérgio Fadel. Das belas paisagens do entorno da Baía de Guanabara pintadas no início do século XIX a colagens com fotos atuais da vida cotidiana em comunidades que a rodeiam, reúne mais de 200 obras de cerca de 100 artistas.

“Guanabara, o abraço do mar” é sobre um lugar que reconhecemos que tem muitas dimensões, é onde as primeiras sociedades, os povos originários, moraram. A mostra vai expor não somente o aspecto cultural e as paisagens, mas, também, os fatos interessantes que ocorreram nesse processo”, explica o curador Paulo Herkenhoff.

A exibição “Guanabara, o abraço do mar” permanecerá em cartaz até 27 de fevereiro de 2025.