Arquivos da Categoria: Pinturas

Galeria Provisória em versão pop-up

12/ago

 

Mantendo sua vocação itinerante, democratizando a arte em espaços diversos por períodos indeterminados, a partir do dia 15 de agosto, a Galeria Provisória, do artista plástico Anderson Thives, ocupará espaço no Botafogo Praia Shopping, Rio de Janeiro, RJ, em uma versão pop-up. Além de promover um passeio por suas exposições, Thives dá um toque “instagramável” ao ambiente, para que os visitantes possam fazer suas postagens em um ambiente conceitual e divertido, seguindo a concepção do projeto. A iniciativa, uma parceria com a administradora do shopping, Ancar Invanhoe, surgiu da ideia de levar cultura aos frequentadores do empreendimento, contemplando novos projetos do artista, além de previews de outras exposições.

 

“É um prazer para o Botafogo Praia Shopping receber uma exposição tão inovadora quanto a de Thives. Ações como essa reforçam nosso compromisso com os moradores do bairro e dos arredores, oferecendo opções culturais gratuitas e de muita qualidade. Dessa forma, incentivamos que nossos frequentadores tenham um contato mais próximo com a arte”, celebra Juliana Haddad, gerente de marketing do empreendimento.

 

Especializado em colagens e inspirado em ícones da Pop Art, o artista utiliza cerca de cinco mil recortes coloridos por metro quadrado em suas criações. A galeria ocupará o segundo piso, em frente à loja L’Occitane au Brésil. A entrada é gratuita e algumas obras estarão apenas expostas, enquanto outras selecionadas estarão disponíveis para venda. Entre os  temas escolhidos, além de uma série autoral, estão releituras de grandes pintores, como Leonardo Da Vinci, Van Gogh, Salvador Dalí e Frida Kahlo.

 

“O objetivo principal, mais do que vender, é levar arte e novos olhares ao público local. O conceito de se configurar como uma grande instalação, assim como na galeria de Ipanema, é o mesmo, agora mais compacta e de certa forma intimista. É uma ótima opção de passeio! Botafogo, como um bairro super cool, merece esse programa na agenda”, afirma Thives.

 

Sobre a Galeria Provisória

 

Idealizada pela arquiteta Aline Araújo em parceria com Thives, a galeria inaugurou no início do ano, no coração de Ipanema, em um imóvel que pertence a empresa da família de Aline. Sua efemeridade estabelece uma analogia com os tempos atuais de pandemia. Nesta primeira ocupação, trouxe uma retrospectiva da carreira de Thives: cerca de 40 peças abordando mostras realizadas desde o início, assim como projetos recentes, que abrangem previews de novas exposições e instalações. Tudo isso exibido ao longo dos meses de permanência, com a proposta de reunir também outros artistas que dialoguem com a proposta do espaço. Recentemente, o artista realizou um grande painel instagramável no Píer Mauá, em frente ao Museu de Arte do Rio, em comemoração ao mês Orgulho LGBTQIA+.

 

Sobre o artista

 

Anderson Thives é um dos únicos artistas brasileiros a trabalhar exclusivamente com colagem, em uma técnica que consiste em juntar milhares de quadrados de papel nas mais variadas cores, tons e tamanhos, retirados de revistas e catálogos para formar as imagens. Com uma grande influência da Pop Art, além de artistas como Pablo Picasso, Andy Warhol, Tom Wesselman e Richard Hamilton, com seu estilo e gosto pela cultura das imagens, específica, direta e fácil de assimilar, o artista retrata através de suas colagens toda sensibilidade, expressão e impacto formado por uma técnica pouco convencional. Sempre coloridas, alegres e vibrantes, suas obras podem ser vistas em diversos museus e galerias do mundo afora, pois Thives também é representado pela Abraham Art, situada na Holanda, uma das maiores distribuidoras de galerias do mundo. Em Paris, depois de trabalhar com duas renomadas galerias da cidade luz e fazer a maior art fair na Bastille, em 2015 o artista fixou uma nova galeria que leva seu nome, em Rueil-Malmaison, situada ao lado do Jóquei Clube de Paris. Nos Estados Unidos, fez exibições em San Francisco e Nova York, com grande sucesso, e desde 2016 faz parte do coletivo GAB Gallery, em Wynwood District. Entre seus clientes, nomes conhecidos como o do empresário Eike Batista, os escritores de novelas Cristianne Fridman e Rui Vilhena, as atrizes Cláudia Raia, Juliana Paes, Lilia Cabral, Regina Duarte, Deborah Secco, Claudia Abreu, Letícia Spiller, Carol Castro, Emanuelle Araújo, Viviane Pasmanter, Leandra Leal, Paloma Bernardi, a socialite Narcisa Tamborindeguy, o músico Tico Santa Cruz, passando pelas cantoras brasileiras, Ivete Sangalo, Anitta, Ludmilla, Vanessa Da Mata, Preta Gil e Ana Carolina, o cantor sírio-Libanês Mika, a pop star Madonna, e, mais recentemente, Mark Zuckerberg, criador do Facebook, só para citar alguns.

 

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Conversa aberta na Galeria Movimento

 

Neste sábado, dia 13 de agosto, às 12h, a galeria Movimento, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, fará uma conversa aberta com os artistas Edu Monteiro, Viviane Teixeira e Xico Chaves e a curadora da exposição Érika Nascimento em torno da exposição coletiva “Riscos, brechas e horizontes”. A partir das produções dos artistas, a conversa tem como proposta ativar brechas de articulações para se pensar novos horizontes onde as relações de poder, precariedade e subalternidade são denunciadas.

 

Sobre a exposição

 

A galeria Movimento apresenta até o dia 20 de agosto a   exposição coletiva “Riscos, brechas e horizontes” com os artistas  Arthur Arnold, Edu Monteiro, Hal Wildson, Jan Kaláb, Marcos Roberto, Pedro Carneiro, Viviane Teixeira e Xico Chaves, a exposição tem como proposição refletir sobre as fissuras de um tempo complexo e desigual para se pensar o “outro”, a disputa por narrativas, construções de símbolos e criação de novos horizontes possíveis.

 

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Chico da Silva

11/ago

 

 

Brazilian Mythologies (MitologiasBrasileiras)

 

A Galatea, Jardins, São Paulo, SP, anuncia sua participação na Independent 20th Century, no Battery Maritime Building, NY, dos dias 08 a 11 de setembro. O projeto “Chico da Silva: mitologias brasileiras” é uma exposição monográfica das obras de Chico da Silva (1910, Alto Tejo, Acre – 1985, Fortaleza, Ceará). Francisco Domingos da Silva é um artista brasileiro autodidata e de ascendência indígena, que lida com elementos, imagens e referências das culturas, cosmologias e mitologias indígenas e populares brasileiras.

 

Chico da Silva nasceu cercado pela floresta amazônica na região do Alto Tejo, mas ainda criança mudou-se para o Ceará, no Nordeste do Brasil, passando por algumas cidades do interior até se instalar em Fortaleza em 1935, onde viveu até sua morte. Foi pintando os muros caiados das casas de pescadores da Praia Formosa que começou sua produção artística. Da Silva dava forma e cor a seus desenhos com pedaços de carvão, tijolos, folhas e outros elementos encontrados ao seu redor.

 

Jean-Pierre Chabloz (1910, Lausanne, Suíça – 1984, Fortaleza, Ceará, Brasil), crítico e artista suíço que se mudou para o Brasil em 1940 devido à Segunda Guerra Mundial, viajou para Fortaleza a trabalho em 1943, onde conheceu os desenhos de Chico da Silva em uma visita à praia. Admirado, Chabloz incentivou-o e forneceu-lhe materiais para que se aprofundasse em sua pesquisa artística. Tal encontro teve grande relevância na consolidação e difusão do trabalho de Chico da Silva, abrindo portas para que circulasse nos principais centros urbanos do Brasil, como Rio de Janeiro e São Paulo, e pela Europa, em cidades como Genebra, Neuchâtel, Lausanne e Paris.

 

Em seus guaches e pinturas, Chico da Silva representou sobretudo os seres da floresta, como os pássaros e peixes amazônicos, além de figuras fantasiosas, como dragões. Suas obras dão forma a histórias e mitologias da tradição oral da cultura do Norte do Brasil, em composições marcadas por uma rica policromia e pelo grafismo detalhado do desenho, composto por tramas e linhas coloridas. Acerca do seu universo e de seus procedimentos, Jean-Pierre Chabloz faz as seguintes considerações no texto “Un indien brésilien ré-invente la peinture” (Um indígena* brasileiro reinventa a pintura), originalmente publicado na revista francesa Cahier d’Art, em 1952:

 

“Por toda parte em que os guaches visionários do Pintor da Praia foram expostos, em Fortaleza mesmo, no Rio, em Genebra, em Lausanne, em Lisboa, encontraram-se destes bem-aventurados que souberam ver no maravilhoso universo de Francisco Silva, o índio, o que eu próprio tinha visto. Pois cada um de seus guaches contém e propõe um universo que ultrapassa muito o tema tratado. Lendas amazônicas, lembranças da infância, ritos e práticas mágicas, espetáculos naturais transpostos pela assunção poética, complexos psíquicos individuais e raciais exteriorizados através do símbolo, voluptuosidade (…) de linhas, de movimentos, de cores, formam o fundo extraordinariamente rico e sutil desse universo. Como se podia prever, ele atraiu as atenções mais diversas. Artistas e poetas, críticos de arte e jornalistas, etnógrafos e psicanalistas se entusiasmaram e se entusiasmarão ainda diante destas surpreendentes condensações coloridas em diversos planos, que revelam, em cada um, horizontes novos (…).”

 

Dada a originalidade do seu estilo e de suas composições, destacou-se no contexto da chamada arte popular brasileira e, além de experimentar bastante sucesso comercial em vida, atraiu grande interesse da crítica. Entre as principais exposições que participou, estão: Francisco da Silva, Galerie Pour L’Art, Lausanne, Suíça, em 1950; Exposition d‘Art Primitif et Moderne, Musée d‘Ethnographie, Neuchâtel, Suíça, em 1956; 8 Peintres Naïfs Brésiliens, Galerie Jacques Massol, Paris, France, em 1965; 9ª Bienal Internacional de São Paulo, São Paulo, SP, Brasil, em 1967; Tradição e Ruptura: Síntese de Arte e Cultura Brasileiras, Fundação Bienal de São Paulo, Brasil, em 1984. Além disso, recebeu, em 1966, o prêmio de Menção Honrosa por sua participação na 33ª Bienal de Veneza.

 

Convencido quanto à relevância da obra de Chico da Silva e o quanto ela agrega à arte brasileira, Chabloz projeta, ainda, a recepção que estaria à sua altura: “Agrada-me, às vezes, imaginar Francisco Silva decorando ministérios e palácios do governo, correios e telégrafos, bancos, escolas e ricas casas particulares. Uma vida inteira não seria suficiente. Mas, consagrando a sua vida a esta tarefa, o humilde pintor paradisíaco da praia cearense, através da radiosa proclamação de uma arte (…) autenticamente brasileira, redimiria sozinho seu País da desagradável e involuntária sabotagem que, outrora, privara-o de sua primavera pictórica.”

 

Embora tenha caído em certo esquecimento, por conta dos rumos que tomou ao fim de sua carreira, hoje o trabalho de Chico da Silva vem sendo retomado e atualizado com novas leituras e abordagens. Esse dado acompanha um crescente interesse contemporâneo pela arte produzida por artistas autodidatas, atuantes fora do sistema tradicional das artes, que criaram visões próprias e originais sobre suas culturas e sobre a sociedade em que viveram. Atualmente, seus trabalhos fazem parte de inúmeras coleções públicas, entre elas: Museo del Barrio, Nova York; Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro – MAM Rio; Museu de Arte do Rio de Janeiro – MAR; Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo – MAC USP; e Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand – MASP.

 

Apresentar, discutir e difundir a obra de Chico da Silva sob uma perspectiva contemporânea coloca em debate as diversas matrizes de conhecimento que constituem a cultura e a arte brasileira, escapando das perspectivas tradicionais e eurocêntricas que, por muito tempo, dominaram as narrativas da nossa produção artística e cultural.

 

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* Alguns termos usados no período em que Jean Pierre Chabloz escreveu seu texto caíram em desuso, de modo que os atualizamos para o contexto atual.

Chico da Silva: Brazilian Mythologies [Mitologias brasileiras]

Convidados [Preview]

Quinta-feira, 8 de Setembro | 10h às 20h – horário local

[Thursday, September 8 | 10AM-8PM – local time]

 

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Oito artistas no Centro Cultural Correios

10/ago

 

“Os Seres do Mundo” inaugura no Centro Cultural Correios, Centro, Rio de Janeiro, RJ. Elementos zoomórficos e extraídos da fauna e flora tropicais são destaques em exibição até 24 de setembro mostra coletiva sob curadoria de Marcus Lontra.

 

“No momento em que a discussão sobre a preservação da paisagem natural brasileira alcança dimensão internacional, é fundamental apresentar essa temática em todo o seu potencial, colaborando para a elaboração de propostas que tenham por objetivo integrar de maneira harmônica o homem e o seu meio ambiente”, afirma Marcus Lontra, o curador de “Os Seres do Mundo” que reúne artistas contemporâneos de diversos estados brasileiros, representados pela Dila Oliveira Galeria, de São Paulo: Alina Fonteneau, Claudio Cupertino, João di Souza, Lucas Elias, Raquel Saliba, Selma Parreira, Sérgio Helle e Weimar.

 

Esculturas, pinturas e desenhos se articulam na construção de cenários povoados por surpresa e encantamento. Ocupando três salas no Centro Cultural Correios RJ, a partir do dia 11 de agosto, a maior parte dessas obras possui grandes dimensões e dialoga com a arquitetura do prédio em estilo eclético. Marcus Lontra propõe a criação de um caminho expositivo variado e surpreendente, apontando vertentes da arte contemporânea produzida no Brasil.

 

“Nossa galeria define suas ações profissionais como uma ferramenta de integração entre o mercado e as instituições culturais, colaborando para a divulgação cada vez mais necessária da obra de importantes artistas nacionais…”, afirma Dila Oliveira.

 

Sobre os artistas

 

Alina Fonteneau nasceu em Cuba e viveu em Porto Rico, Venezuela e nos EUA antes de se mudar para o Brasil. Referências a flores, conchas e vida do oceano…um universo único de cor, formas e movimento, uma síntese do fantástico e do orgânico. Luas, sementes, estrelas, formas que se voltam e se abrem para o sol, ou que brilham do oceano ou do céu, encontram vida no infinito movimento em espiral da liberdade e criatividade da artista.

 

Claudio Cupertino nasceu em Minas Gerais, em 1980. Hoje é radicado em São Paulo. Começou a sua carreira no ano de 2011. Iniciou o processo de construção de sua identidade pictórica sobre papel e hoje pinta em tela, com a mesma poética. Após sua primeira Residência Artística em Athenas, Claudio Cupertino desenvolveu – em  2012 – uma técnica própria a partir de estudos sobre os princípios básicos da litografia.

 

João di Souza é natural de Itabuna, Bahia, sua produção artística atual apresenta paisagens tropicais fantásticas em telas de grandes dimensões, com um convite para que o olhar, desvendando os meandros entre o lúdico e o erótico. A juventude do artista é resgatada através destes trabalhos, em que memória e imaginação se mesclam em composições de atmosferas calorosas e úmidas. João di Souza aborda em sua produção a questão do tempo da observação, tão relevante à contemporaneidade.

 

Lucas Elias é graduando em Artes Visuais pela Universidade do Extremo Sul Catarinense – UNESC. Vive e trabalha em Sombrio, SC. Pesquisa por meio da pintura, do desenho e do bordado narrativas simbólicas sobre o processo pedagógico, questões ambientais através de uma visão afetiva e conceitos de nação. Em 2020 foi selecionado para o programa de mobilidade acadêmica na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, Portugal. Participou do 46° Salão de Arte Ribeirão Preto e do 17º Salão Ubatuba de Artes Visuais.

 

Raquel Saliba naceu em Itaúna, Minas Gerais. É artista plástica graduada em Psicologia, com formação em Psicanálise. Após morar em diferentes países, voltou a residir no Brasil em 2016. Desde 2010, tem se dedicado exclusivamente à arte, em especial às esculturas cerâmicas.

 

Selma Parreira nasceu em Buriti Alegre, Goiás, atualmente vive e trabalha em Goiânia/GO. Iniciou sua carreira nos anos 1980 com pintura, participou de vários salões de arte e mostras individuais e coletivas realizadas em várias capitais brasileiras e algumas no exterior. Selma Parreira é bacharel em Artes Visuais e possui pós- graduação em Arte e Cultura Visual pela Faculdade de Artes Visuais/UFG.

 

Sérgio Helle vive e trabalha em Fortaleza, Ceará. Desenvolve um trabalho no qual mescla ferramentas digitais com tradicionais técnicas de desenho e pintura. Com trinta e quatro anos de carreira, foi um dos primeiros artistas cearenses a utilizar o computador como instrumento artístico.

 

Weimar nasceu, vive e trabalha em Ribeirão Preto, São Paulo. Desde 2010 tem a sua produção artística acompanhada por Josué Mattos. Nas décadas de 1980/90 participou do ateliê de Pedro Manuel-Gismondi. Em 2019 foi premiada no 5º SAP – Salão de Aquarelas de Piracicaba, constando sua obra no acervo da Pinacoteca Municipal Miguel Dutra. Tem obras no acervo do MARCO, Campo Grande e do MARP, Ribeirão Preto. Participou do programa de Residência Artística na Casa do Sol, Instituto Hilda Hilst, Campinas. Foi premiada na mostra Artistas de Ribeirão (MARP, Ribeirão Preto, 2001) e no SARP – Salão de Arte de Ribeirão Preto (MARP, Ribeirão Preto, Prêmio Aquisição em 1984 e 1986).

 

A palavra do curador

 

A paisagem sempre foi a principal referência da identidade nacional, desde Franz Post e as suas primeiras imagens do continente americano representando a várzea pernambucana. Durante o século XIX, a paisagem é um instrumento da brasilidade e o modernismo dela se apropria registrando ao longo das décadas as mudanças de um país agrícola e rural para um país industrial e urbano. A mostra “Os Seres do Mundo” reúne um grupo de artistas contemporâneos que apresentam as várias realidades paisagísticas do Brasil de hoje. Ela é um painel sintético da capacidade criativa da arte e da diversidade étnica e cultural que formam a nação brasileira.

 

Sobre Marcus Lontra

 

Marcus de Lontra Costa nasceu no Rio de Janeiro. Nos anos 1970 morou em Paris onde conviveu e trabalhou com Oscar Niemeyer, então marido de sua mãe. Trabalhou com o casal na revista Módulo. Foi crítico de arte do Globo, Tribuna da Imprensa e Revista Isto é. Dirigiu a Escola de Artes Visuais do Parque Lage onde realizou a histórica mostra “Como vai você Geração 80?”. Foi curador do Museu de Arte Moderna de Brasília e do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Implantou e dirigiu o Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães em Recife. Secretário de Cultura e Turismo do Município de Nova Iguaçu. Curador chefe do Prêmio CNI/SESI Marcantonio Vilaça. Atualmente coordena a implantação da Estação Cultural de Olímpia, SP.

 

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As paixões na Laura Alvim

09/ago

 

 
“Incomensurável Paixão” é o nome da nova exposição de Isabela Francisco, na Casa de Cultura Laura Alvim, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ. A mostra contará com cerca de 30 obras, entre elas o livro-instalação “Equilíbrio” e uma peça com quatro metros. A ideia é aproximar do espectador as paixões desmedidas que avassalam, principalmente o universo feminino, e mostrar que a vulnerabilidade, infelizmente, ainda se faz presente. As visitas poderão ser feitas até 09 de outubro.

 

Entre os quadros e instalações podemos destacar: “Matadouro”, é simplesmente o amor desmedido que explode.  Já o livro instalação “Equilíbrio” simboliza a vida. “Vou nascer e morrer de  uma de nebulosa. Durante todo trajeto me equilibro em um fio, tentando atingir o inalcançável. As batidas do coração são meu norte e o sangue arterial e venoso me acompanham pelo caminho”. Nas “Encabeladas”, a artista utiliza seus próprios cabelos, se fazendo presente neles. Ali deixa a sua marca, seu DNA. O crescimento da “Árvore da Paixão” simboliza as artérias em que fios de cobre se entrelaçam e de onde rompem frutos da paixão.

 

Ações paralelas

 

Isabela Francisco fará algumas ações paralelas como a visita comentada (a ser disponibilizada também on-line), a veiculação de um vídeo da mostra nas redes sociais e a postagem semanal nas redes sociais no programa “Fazendo Arte por Toda Parte”.

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A arte cinética de Dario Perez-Flores

 

 

A Galeria Espaço Arte MM, Jardim Paulista, São Paulo, SP, apresenta até 20 de agosto a exposição “Chromatique en série”, do artista cinético Dario Perez-Flores, exibindo pinturas e uma nova série de obras que nos inserem em um universo de cores e movimentos.
O artista venezuelano Dario Perez-Flores, mestre da arte cinética, apresenta pinturas produzidas a partir do final da década 1980 e uma nova série de trabalhos, em metacrilato, que salientam um elemento tão presente nas produções do artista: a cromática. A curadoria é da Galeria Espaço Arte MM e o texto de apresentação é assinado pelo crítico de arte Jacob Klintowitz.


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Novas obras de Ana Linnemann

05/ago

 

 

A Gentil Carioca | São Paulo, Higienópolis, convida para este sábado, 06 de agosto, das 14h às 19h – com visitação até 17 de setembro – para a abertura de “Anotações sobre a prática e outras considerações”, de Ana Linnemann.

 

A mostra finaliza uma trilogia protagonizada pelas relações internas de produção da artista e apresenta trabalhos anteriores e novas obras desenvolvidas em meio à pandemia da Covid-19 e ao desmonte dos últimos anos. Em um movimento de olhar para fora, uma leitura mais atenta a questões políticas e sociais se incorpora a trabalhos em que a artista pensa relações de igualdade, situações de rebatimento e polarização, o acaso e a sua falta, o inesperado e decorrências.

 

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Vida e obra de Lorenzato em livro

 

 

A vida e a obra do artista mineiro Lorenzato estarão no centro do encontro que acontece na livraria Megafauna, Edifício Copan, Avenida Ipiranga, 200, loja 53, República, São Paulo, SP, no dia 06 de agosto (sábado), às 11h, por ocasião do lançamento de “Lorenzato”. Organizador do livro, o curador Rodrigo Moura conversa com o crítico Tiago Mesquita e a artista Patricia Leite, e na sequência autografa os exemplares.

 

Durante muitos anos limitada a um círculo pequeno de admiradores, a obra de Lorenzato vem conquistando novos públicos e consolidando seu lugar entre os artistas modernos brasileiros. As pinturas de Lorenzato remontam a sua origem na classe trabalhadora, condição que o levou a conjugar as ambições artísticas à necessidade de sustentar a família com o trabalho na construção civil, podendo se dedicar inteiramente à arte somente com mais de 50 anos.

 

LORENZATO – Rodrigo Moura – Ubu Editora

 

Obra bilíngue que reúne os principais trabalhos do pintor mineiro Amadeo Luciano Lorenzato que produziu um corpo de obra estimado entre 3 mil e 5 mil pinturas com temas e iconografias os mais diversos, que refletem sua biografia e sua relação com a paisagem de Belo Horizonte, MG, seu entorno e sua urbanização. Suas obras conhecidas datam dos anos 1940, quando ele volta ao Brasil depois de ter passado quase trinta anos

 

a Europa, a 1995, ano de sua morte. O artista só pôde se dedicar inteiramente à arte com mais de cinquenta anos, quando se aposenta devido a um acidente de trabalho. Seu ofício como pintor-decorador lhe inspirou a criação de uma técnica pictórica original, que se valia de instrumentos adaptados da decoração de paredes. Com o auxílio de um pente, ele raspava a tinta sobre a superfície repetidas vezes, criando uma fusão de cores com texturas e promovendo uma sensação de movimento. Costumava manipular as tintas a partir de pigmentos minerais encontrados no mercado, e frequentemente as aplicava sobre uma camada de alvaiade que contribuía para intensificar a vibração das cores. A fabricação dos suportes pictóricos, parte importante de sua economia de meios, o levava a reaproveitar pedaços de chapas de madeira e embalagens, às vezes recobertas com tecido ou papel, costurados ou colados à mão. Os formatos eram quase sempre pequenos ou médios – no máximo um metro no lado maior -, denotando certo sentido de domesticidade. Seus quadros têm aspecto áspero: são opacos, táteis e sensoriais. Durante muitos anos limitada a um círculo pequeno de admiradores, sobretudo de artistas e marchands de sua cidade natal, a obra de Lorenzato vem conquistando novas audiências nos últimos vinte anos por meio de exposições, sobretudo em galerias profissionais, que culminaram numa série de apresentações internacionais em 2019. Essa reapreciação consolidou seu lugar entre os artistas modernos brasileiros, contribuindo para a ampliação do cânone. Assim como outros artistas chamados preconceituosamente de primitivos ou ingênuos, Lorenzato recorreu a fontes populares, reprocessando-as com referências eruditas dentro de uma perspectiva não hierárquica. Sua obra deve, pois, ser compreendida como parte da modernidade tardia brasileira.

 

“Lorenzato” é uma publicação da Ubu e está disponível nas principais livrarias.

320 Páginas – Formato 17.5 × 25 × 2.8 cm – R$179,00

 

Sobre o autor e palestrantes

 

Rodrigo Moura é curador, editor e crítico de arte. Trabalhou em instituições brasileiras, como o Museu de Arte da Pampulha, o Instituto Inhotim e o MASP. Desde 2019, é curador-chefe no Museo del Barrio, em Nova York.

 

Tiago Mesquita é crítico de arte e professor de história da arte. Doutor em filosofia pela Universidade de São Paulo, é autor de livros como Imagem útil, imagem inútil e Cassio Michalany: como anda a cor.

 

Patricia Leite é artista, com bacharelado em Desenho e Gravura pela UFMG. Participou do Núcleo Experimental de Arte, dirigido por Amilcar de Castro, e foi professora de pintura no Curso Livre da Escola Guignard. Tem obras nas coleções de instituições como o Museu de Arte da Pampulha e a Pinacoteca do Estado de São Paulo.

 

*Diante do aumento dos casos de Covid, a Megafauna recomenda aos frequentadores da loja o uso de máscara.

 

 

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Dudi Maia Rosa na Galeria Millan

03/ago

 

 

Em “Tudo de Novo”, a nova exposição individual de Dudi Maia Rosa na Galeria Millan, Pinheiros, São Paulo, SP, três anos após a mostra “Lírica”, em 2019, apresenta – de 06 de agosto a 03 de setembro –  um vasto recorte da produção do artista, mesclando obras recentes de sua produção com trabalhos mais antigos, sob a curadoria de Victor Gorgulho.

 

Através de uma abordagem não hierarquizante, são apresentados cerca de quarenta trabalhos inéditos, dentre suas conhecidas obras em resina poliéster pigmentada – técnica sobre a qual o artista debruça-se há décadas, ocupando papel central em sua prática – e trabalhos em pequenos formatos onde a resina funde-se a outros materiais diversos: pedaços de vidro, alumínio, latão, plástico e mesmo a pequenos objetos. Muitas vezes encobertos por sutis camadas de cor, seja pelo uso pontual da tinta à óleo, acrílica ou pelo emprego de carvão ou grafite, são peças que resultam em delicadas assemblages bidimensionais, cujas composições pautadas por ruídos visuais contrastam com as propriedades cromáticas e de luminosidade dos trabalhos em maior escala.

 

Ainda que a mistura destes dois grupos de trabalhos sugira, a princípio, relações dicotômicas entre luz e sombra, cor e escuridão, polidez e fratura, a exibição das obras em pequenos grupos e composições pensadas minuciosamente pelo artista junto ao curador, aprofundam e complexificam tais fricções entre eles. Deste modo, trabalhos do artista realizados em uma ampla janela temporal – desde uma pequena obra datada de 1993 até um robusto conjunto de trabalhos feito nos últimos três anos, aproximadamente – ganham novas camadas semânticas a partir de insuspeitadas relações tanto de afinidade quanto de oposição: seja de ordem formal, cromática, material ou de outras naturezas ainda por serem reveladas.

 

“Tudo de Novo”, frase escrita por Maia Rosa em um dos pequenos trabalhos de resina e fibra de vidro, remete, assim, à natureza irrevogável do labor artístico próprio do ateliê, da vivência diária do estúdio onde nascem e concretizam-se as ideias artísticas; bem-sucedidas ou falhas. É celebrada aqui, portanto, tal resiliência intrínseca ao trôpego fazer artístico, nas mais diversas práticas e produções, mundo afora.

 

Dudi Maia Rosa sabe – qualquer artista sabe – que é preciso encarar o ateliê, dia após dia, atravessando-os em seus questionamentos e dúvidas que teimam em povoar a espessa nebulosidade dos pensamentos de cada um. É preciso adentrar, sem medo, as noites infindas de criação, de inspiração e de impasse, surpresas e falhas, gozo e insatisfação. É preciso mesmo fazer tudo de novo, sabemos: adentrar o espaço expositivo, fitar mais uma vez sua própria obra (sua própria vida, afinal?) para então recriá-la, reconfigurá-la, como quem limpa os próprios olhos em busca de enxergar novamente a vida pela primeira vez. Lavada, nua, assombrosa. Tudo de novo, uma vez mais e outra ainda além, assim por diante.

 

Sobre o artista

 

Dudi Maia Rosa nasceu em 1946, São Paulo, SP. Vive e trabalha em São Paulo, iniciou suas primeiras investigações pictóricas com materiais translúcidos, como a resina poliéster pigmentada em fibra de vidro, em 1984. Também se tornou conhecido por conceber trabalhos com volumes e relevos que retêm a luz dentro de si. Suas obras possuem uma certa espacialidade que acaba por sugerir imagens que se dão sem profundidade, puramente na superfície, mas que são, ao mesmo tempo, profundas em si mesmas, se parecem ora com quadros, ora com telas de projeção, ora com vitrais, algumas com relevos de muranos, objetos que insinuam possuir acontecimentos tridimensionais de cores e formas internos. Os trabalhos de Dudi são ocasiões de corporeidade, de presença física, cujas imagens (essas entidades abstratas, que circulam livremente, que não possuem nem tempo e nem lugar) devem responder ao aqui e agora. Apresentou em 1978 sua primeira exposição individual no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, São Paulo, SP. Desde então, realizou diversas exposições individuais em importantes espaços dentre os quais na André Millan Galeria (1993) e Galeria Millan, São Paulo, SP (2009, 2012, 2016 e 2019), Centro Cultural Maria Antônia, São Paulo, SP (2002 e 2013), Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto, SP (2013), Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, SP (2008), entre outros. Dentre as exibições coletivas destacam-se: “Queermuseu – Cartografias da Diferença na Arte Brasileira”, Santander Cultural, Porto Alegre, RS, “Modos de Ver o Brasil: Itaú Cultural 30 anos”, Oca, São Paulo, SP (2017), “Auroras – Pequenas Pinturas”, São Paulo, SP (2016), “Uma coleção particular – Arte contemporânea no acervo da Pinacoteca”, Pinacoteca do Estado de São Paulo, SP (2015), 10ª Bienal do Mercosul, “Mensagens de Uma Nova América”, Porto Alegre, RS (2015), “Brasiliana: Moderna Contemporânea”, Museu de Arte de São Paulo, SP (2006), 5ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre, RS (2005), “Mostra do Redescobrimento: Brasil 500 Anos”, no Pavilhão da Bienal de São Paulo, SP (2000), Bienal de Johanesburgo, África do Sul (1995), Bienal Internacional de São Paulo (1987 e 1994) e Panorama da Arte Atual Brasileira, Museu de Arte Moderna de São Paulo, SP (1973, 1986, 1989 e 1993). Possui obras em diversas coleções, incluindo a Pinacoteca do Estado de São Paulo, Museu de Arte de São Paulo, Museu de Arte Contemporânea de São Paulo, SP,  Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, SP, Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Porto Alegre, RS, Museu de Arte Moderna de São Paulo, SP, Coleção de Arte da Cidade, São Paulo, SP, Coleção Dulce e João Carlos Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto, SP, Coleção Itaú, São Paulo, SP, “Coleção Metrópolis de Arte Contemporânea”, Stedelijk Museum, Amsterdan, Holanda, entre outras

 

 

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Exposição de Bruno Cançado

02/ago

 

 
A Central Galeria, República, São Paulo, SP, apresenta até 19 de setembro a exposição “A menor distância” de Bruno Cançado. Em sua  segunda exposição individual na galeria, o artista de Belo Horizonte apresenta trabalhos tridimensionais inéditos em que emprega materiais diversos como terra de cupinzeiro, cimento, resina, adobe, concreto, madeira, aço e bronze. A mostra é acompanhada de um texto crítico assinado por Agnaldo Farias.

 

O trabalho de Bruno Cançado intersecciona arquitetura, ecologia e epistemologia. Baseando-se no conhecimento empírico de construir – seja da arquitetura vernacular ou da construção em escala industrial -, sua obra culmina em uma mistura de temporalidades e elementos, que vão do natural ao manufaturado, do artesanal ao erudito. “Bruno aventura-se pela cidade em busca do que não sabe, mas que reconhece tão logo encontra, seja algo realizado pelo exercício puro da inteligência quando açulada pela necessidade de improviso, pela carência de recursos, seja pelo encontro de coisas que atuam como gatilho da sua capacidade de estabelecer conexões entre coisas díspares”, observa Agnaldo Farias. “O artista interessa-se por suas serventias, pelos destinos que justificaram suas presenças no mundo, pelos sentidos que lhes foram e são atribuídos no decorrer do tempo.”

 

Sobre o artista

 

Bruno Cançado nasceu em Belo Horizonte em 1981. Mestre em Artes Visuais pela Cornell University (Ithaca, EUA, 2019), graduou-se em Artes Plásticas pela UEMG (2010) e em Comunicação Social pela PUC Minas (2003). Participou de diversas residências, como Lighthouse Works (Fishers Island, EUA, 2019), Fine Arts Work Center (Provincetown, EUA, 2014-2015) e Fundação Bienal de Cerveira (Portugal, 2014), entre outras. Entre suas exposições, destacam-se as individuais em: CCBB-BH (Belo Horizonte, 2021), Central Galeria (São Paulo, 2017), AM Galeria (Belo Horizonte, 2016) e Hudson D. Walker Gallery (Provincetown, 2015), entre outras. Seu trabalho integra as coleções do MAC Niterói e do Museu de Arte do Rio.

 

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