MAB ao vivo: Conversa com Marcelo D’Salete  

21/jul

 

Museu Afro Brasil, São Paulo, SP, –  instituição da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo, gerida pela Associação Museu Afro Brasil, organização social de cultura – informa que hoje,  21 de julho, às 17h, ocorrerá a primeira live do projeto MAB ao vivo. Trata-se de uma ação em parceria com a campanha #CulturaEmCasa  que busca abrir diálogos entre artistas contemporâneos, intelectuais, ativistas e as propostas curatoriais do museu. Junto de nomes de destaque nas artes plásticas, música, teatro e literatura nacionais, o Museu Afro Brasil realizará conversas para ampliar o diálogo entre os trabalhos dos convidados, a conexão com a missão da instituição e o dia a dia da sociedade brasileira.

 

Feita de maneira totalmente remota (online), as atividades buscam utilizar redes sociais e canais de comunicação virtual para envolver os públicos em um cenário onde o contato presencial é reduzido.

 

O primeiro encontro conta com a participação de Marcelo D’Salete. Vencedor do Prêmio Eisner de 2018, D’Salete é um dos principais nomes dos quadrinhos e da literatura brasileira contemporânea, sendo autor de títulos já consagrados como Angola Janga (2017), Cumbe (2014) e Encruzilhada (2011). Além disso, também é professor e mestre em história da arte pela USP; tendo exposto suas obras no Museu Afro Brasil, SESC Araraquara, entre outros.

 

Acompanhe para saber mais!

INFORMAÇÕES

Quadrinhos, literatura, história e arte afro-brasileiras

Convidado: Marcelo D’Salete / Mediação: Renato A. Rosa

Data: 21 de julho de 2020, às 17h.
Onde? Plataforma #CulturaEmCasa. Para assistir basta clicar aqui.

Galeria Nara Roesler

17/abr

Agenda on line
Sáb 18/04 às 12h (hora de Brasília) @ Nara Roesler: Conversa ao vivo no YouTube com o curador Luis Pérez-Oramas e a artista Sheila Hicks https://www.youtube.com/user/galerianararoesler 
Até 25/04 Coletiva online “Dentro”, com Alexandre Arrechea, Brígida Baltar, Cao Guimarães, Cao Guimarães & Rivane Neuenschwander, Cristina Canale, Daniel Senise, Fabio Miguez, Lucia Koch, Raul Mourão, Virginia de Medeiros https://bit.ly/gnr_Dentro

Mul.ti.plo em tempos de covid

16/abr

 

Conversas com artistas 

 

Atendendo às orientações das autoridades de saúde com vistas ao combate à Covid-19, a Mul.ti.plo Espaço Arte preparou uma série de atividades online. A cada semana, a galeria promoverá conversas com artistas por meio de suas redes sociais. Os eventos começaram na terça-feira, dia 14 de abril, com uma conversa entre o crítico de arte Paulo Sergio Duarte e o artista Carlos Vergara, ao vivo, pelo Instagram. Na quinta, Paulo Sergio Duarte conversa com a artista Iole de Freitas, também pelo Instagram. Na sexta, a galeria inaugura seu canal no YouTube, com uma conversa entre Paulo Sergio Duarte e Ronaldo Brito sobre a obra do artista Eduardo Sued.

 

Durante o período de isolamento social, a Mul.ti.plo oferece, ainda, a possibilidade de visitas exclusivas ao acervo e às exposições das galerias no Leblon e em Itaipava, que serão realizadas com base nas normas de proteção individual contra o Covid-19. Basta agendar com antecedência.

 

No Leblon, está em cartaz a exposição do artista argentino Juan Melé (1923–2012), um dos pioneiros da arte concreta na América Latina. A mostra contempla 20 obras entre os clássicos gofrados (gravura em metal e relevo), objetos e pintura. Juan Melé pertenceu à associação “Arte Concreta – Invenção” e foi cofundador do “Grupo Arte Nuevo”, ambos eventos inaugurais do Movimento Madí.

 

No Vale das Videiras, em Itaipava, a galeria apresenta a exposição “Lygia”, que comemora os 100 anos da artista Lygia Clark, com réplicas de obras emblemáticas como objetos criados com fins artísticos e sensoriais, exemplares da série “Bichos”, esculturas geométricas e interativas, o Livro-obra, entre outras.

 

SERVIÇO

 

Conversa com artista: Paulo Sergio Duarte e Iole de Freitas

 

Dia: 16 de abril (quinta-feira)

Hora: 19h

Local: Instagram

Entre no perfil da @multiploespacoarte e clique no logo da galeria, onde estará escrito “live”.

 

Lançamento do Canal Mul.ti.plo no YouTube

 

Paulo Sergio Duarte e Ronaldo Brito conversam sobre Eduardo Sued

 

Dia: 17 de abril (sexta-feira)

Mira Schendel | Live sexta às 16h com Thiago Gomide e Henry Allsopp

 

BERGAMIN & GOMIDE

 

 

Olá

 

Esperamos que você e sua família estejam bem.

 

Dando seguimento à série de lives que estamos realizando semanalmente em nosso perfil no Instagram, na próxima sexta-feira, dia 17 de abril, às 16h (horário de Brasília), o sócio-diretor da galeria Thiago Gomide entrevistará o diretor da galeria Hauser & Wirth Londres, Henry Allsopp. A conversa será sobre o mercado de arte latino-americano e a artista Mira Schendel (1919-1988).

 

Convidamos também você a assistir a série de cinco vídeos que a Bergamin & Gomide realizou em 2018 na ocasião da exposição individual Mira Schendel: Sarrafos e Pretos e Brancos. Mira, que nasceu na Suíça, mudou-se para o Brasil em 1949 e se estabeleceu em São Paulo em 1953.

 

Transitando entre a pintura, o desenho, a gravura e a escultura, a prolífica produção de Schendel mudou paradigmas na arte. A delicadeza e a potência do seu traço na série de monotipias sobre papel de arroz e as investigações com a linguagem escrita, borra as fronteiras entre significado e significante, e explorando a forma da letra sobre o papel, são exemplos que marcam a originalidade de seu trabalho. Tal aspecto levou-a a conquistar um espaço especial entre os maiores artistas brasileiros do século XX, contando com retrospectivas em importantes instituições como o MoMA, Tate Modern e a Pinacoteca do Estado de São Paulo.

 

Henry Allsopp, nosso convidado, é diretor da Hauser & Wirth em Londres com foco em Arte Latino Americana e mercado secundário. Anteriormente, trabalhou por oito anos na casa de leilão Phillips, onde fundou o departamento de Arte Latino Americana e foi diretor sênior do departamento de Arte Contemporânea. Allsopp começou a sua carreira em meados dos anos 1990 nas galerias Annely Juda Fine Arts e White Cube. Em 1997, mudou-se para Nova Iorque e trabalhou para o departamento de Arte Contemporânea da Christie’s e para a Dickinson Roundell como marchand particular. Em 2003, volta para Londres e cria a sua própria galeria focada em artistas emergentes.

 

Através deste link, você pode encontrar uma seleção de obras de Mira Schendel.

 

Para mais informações, entre em contato conosco.

 

Obrigado e até breve,

 

Equipe Bergamin & Gomide

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Hello,

 

We hope this e-mail finds you well.

 

Continuing with the series of live sessions we are conducting in our Instagram profile, next Friday, April 10th, at 4 pm (BRT), Thiago Gomide, our Director, will interview Hauser & Wirth London director Henry Allsopp. The discussion will focus on Latin American market and the artist Mira Schendel (1919-1988).

 

Additionally, we invite you to watch the series of videos that Bergamin & Gomide produced in 2018 for the individual exhibition Mira Schendel: Sarrafos and Black and White Works. Born in Switzerland, Mira moved to Brazil in 1949 and ultimately settled in São Paulo in 1953. Moving between painting, drawing, engraving and sculpture, Schendel’s prolific body of works shifted paradigms in art. The delicacy and potency of her trace in the series of monotypes on rice paper and her investigations with written language, blurring the boundaries between signified and signifier and exploring the shape of the letter on paper, are examples that highlight the uniqueness of her work. This aspect conducted her to conquer a special space among the greatest Brazilian artists of the 20th century, with retrospective exhibitions in important institutions such as MoMA, Tate Modern and Pinacoteca do Estado de São Paulo.

 

Henry Allsopp is a director at Hauser & Wirth London focused on Latin America Art and Secondary Market.  Previously he worked for eight years at Phillips Auction House where he founded the Latin American Art department and was senior director of the Contemporary Art department.  He started his career in the mid 1990s, at Annely Juda Fine Arts and White Cube galleries. In 1997, Allsopp moved to New York and worked for Christie’s Contemporary Art department and for Dickinson Roundell as a private dealer. In 2003, returned to London where opened his own gallery focusing on emerging artist.

 

Through this link, you can find a selection of works by Mira Schendel. For more information, please feel free to contact us.

 

We hope to see you soon,

 

Bergamin & Gomide team

 

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ASSISTA TODOS OS EPISÓDIOS DO DOCUMENTÁRIO DE MIRA SCHENDEL:
Mira Schendel 2/5 Mira Schendel 2/5 Mira Schendel 2/5 Mira Schendel 3/5
Mira Schendel 4/5 Mira Schendel 4/5 Mira Schendel 5/5 Mira Schendel 5/5

 

Fundação Iberê: live com curadores

09/abr

 

No próximo sábado (11), às 11h, a Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, RS,  faz live no Instagram com Denise Mattar, curadora da próxima exposição “O Fio de Ariadne”, prevista para inaugurar após a quarentena. O bate-papo será conduzido por Gustavo Possamai, responsável pelo acervo da Fundação e co-curador da mostra.

 

“O Fio de Ariadne” reunirá cerca de 30 cerâmicas, sete tapeçarias de grandes dimensões e cartões pintados por Iberê, e gravuras. A exposição será complementada por uma cronologia ilustrada, reunindo fotos e depoimentos de algumas das mulheres que marcaram presença na vida de Iberê. Entre elas, a esposa Maria Coussirat Camargo, a artista Djanira, as ceramistas Luiza Prado e Marianita Linck, as artistas Regina Silveira e Maria Tomaselli, a tapeceira Maria Angela Magalhães, a gravadora Anna Letycia, a escritora Clarice Lispector, as gravadoras Anico Herskovits e Marta Loguércio, a produtora cultural Evelyn Ioschpe, a cantora Adriana Calcanhotto e a atriz Fernanda Montenegro.

 

Exposição inédita – Durante as décadas de 1960 e 1970, além de sua intensa produção em pintura, desenho e gravura, Iberê Camargo realizou trabalhos em cerâmica e tapeçaria. Eles respondiam a uma demanda do circuito de arte, herdada da utopia modernista, que preconizava o conceito de síntese das artes; uma colaboração estreita entre arte, arquitetura e artesanato.

 

Com assessoria técnica das ceramistas Luiza Prado e Marianita Linck, Iberê realizou, nos anos 1960, um conjunto de pinturas em porcelana, com resultados surpreendentes. Na década seguinte selecionou um conjunto de cartões, que foram transformados por Maria Angela Magalhães em impactantes tapeçarias.

 

Há algum tempo a Fundação Iberê Camargo vinha estudando essa faceta da produção do artista e a oportunidade de apresentá-la surgiu paralelamente à realização, pela primeira vez nas dependências da instituição, da Bienal do Mercosul. A conjuntura feminina que permeou a produção dessas apeçarias e cerâmicas revelou grande afinidade com o conceito geral da 12ª Bienal. Convidada pelo centro cultural a desenvolver esse projeto, a curadora Denise Mattar, juntamente com Gustavo Possamai, expandiu essa percepção inicial, revelando o fio de Ariadne: a urdidura feminina que apoiou o trabalho de Iberê Camargo ao longo de sua história.

 

Prevista para inaugurar paralelamente à Bienal do Mercosul, em 18 de abril, a abertura da exposição foi adiada por tempo indeterminado, em colaboração às medidas de controle da propagação do novo Coronavírus (Covid-19).

 

Sobre a curadora

 

Denise Mattar foi curadora do Museu da Casa Brasileira de São Paulo (1985 a 1987), do Museu de Arte Moderna de São Paulo (1987 a 1989) e do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (1990 a 1997). Como curadora independente realizou mostras retrospectivas de artistas, como Di Cavalcanti, Flávio de Carvalho (Prêmio APCA), Ismael Nery (Prêmios APCA e ABCA), Pancetti, Anita Malfatti, Samson Flexor (Prêmio APCA), Maria Tomaselli, Norberto Nicola, Alfredo Volpi, Guignard, entre outras. Em 2019, recebeu novamente o Prêmio APCA pela retrospectiva de Yutaka Toyota, apresentada no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Museu de Arte Brasileira da FAAP, São Paulo e Museu Nacional.

 

Sobre Gustavo Possamai

 

É responsável pelo Acervo da Fundação Iberê Camargo, pela parceria com o Google Arts & Culture e pelo Projeto Digitalização e Disponibilização dos Acervos que, em 2015, apresentou ao público o maior volume de documentos e de obras de Iberê já reunidos em todos os tempos. Graduado em Artes Visuais pela UFRGS (2009) e em Comunicação Social pela PUCRS (2003), foi pesquisador no Projeto de Catalogação da obra completa de Iberê Camargo; co-curador das exposições “Iberê Camargo: Visões da Redenção”(Fundação Iberê, 2019), “Iberê Camargo: NO DRAMA” (Fundação Iberê, 2017; Centro Cultural Marcantonio Vilaça, 2019) e “Iberê Camargo: Sombras no Sol” (Fundação Iberê, 2017), entre outras.

 

A Fundação Iberê tem o patrocínio de Itaú, Grupo GPS, Renner Herrmann S/A e Lojas Renner, OleoPlan, Banco Safra, e apoio de Ventos do Sul, BTG Pactual, Grendene, Unifertil, Nardoni Nasi, DLL Group, Instituto Federal do Rio Grande do Sul, Tecnopuc e Plaza São Rafael, com realização e financiamento da Secretaria Especial da Cultura – Ministério da Cidadania / Governo Federal. O Programa Educativo/ Iberê nas Escolas tem o patrocínio de CMPC – Celulose Riograndense e Dufrio, com realização e financiamento da Secretaria Estadual de Cultura/ Pró-Cultura RS, Secretaria da Educação – Prefeitura de Porto Alegre, Secretaria de Educação – Prefeitura de Guaíba e Viação Ouro e Prata.

Live com Antonia Bergamin e Felipe Scovino

 

Esperamos que você e sua família estejam bem.

 

A fim de nos mantermos unidos e em contato, estamos realizando lives semanais no nosso perfil no Instagram. Na próxima sexta-feira, dia 10 de abril, às 16h (horário de Brasília), a sócia-diretora da galeria Antonia Bergamin entrevistará o curador, crítico de arte e pesquisador Felipe Scovino, para uma conversa sobre Paulo Roberto Leal (1946 -1991).

 

Convidamos também você a assistir o documentário que a Bergamin & Gomide realizou em 2018 para a exposição individual do artista, a quem também dedicamos o projeto Kabinett na Art Basel Miami Beach 2018.

 

Funcionário do Banco Central desde 1967, Leal realiza os primeiros trabalhos como designer em 1969, fazendo catálogos de exposições no Rio de Janeiro. É na década de 1970 que inicia a sua produção artística, utilizando-se de materiais ligados a seu trabalho no banco, como bobinas de papel, para explorar as possibilidades plásticas desse suporte. Muito impactado pelos movimentos Concreto e Neoconcreto, em meados de 1970, Leal cria a série de Entretelas nas quais linhas costuradas (e não riscadas) definem espaços modulares e simétricos que resultam em obras silenciosas e delicadas. Ao final da década, elas passam a flutuar sobre outras bases: Armaduras anteveem o possível colapso da superfície.

 

Felipe Scovino, nosso convidado, é Professor Associado do Departamento de História e Teoria da Arte e do Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da UFRJ. Foi curador de diversas exposições, entre elas: Atributos do silêncio (Bergamin & Gomide, SP, 2015), Franz Weissmann: o Vazio como Forma (Itaú Cultural, SP, 2019) e, em parceria com Paulo Sergio Duarte, Lygia Clark: uma retrospectiva (Itaú Cultural, SP, 2012). Scovino escreve regularmente para a Artforum, onde publicou, na edição de abril de 2019, um belo texto sobre a exposição de Paulo Roberto Leal na galeria. Nele, o pesquisador fala sobre o legado geométrico do neoconcretismo, das obras expostas e de outras curiosidades.

 

Através deste link, você pode encontrar uma seleção de obras de Paulo Roberto Leal. Para mais informações, entre em contato conosco.

 

Obrigado e até breve,

 

Equipe Bergamin & Gomide

 

 

Hello,

 

We hope this e-mail finds you well.

 

In order to stay connected with you, we are conducting a series of live sessions in our Instagram profile. Next Friday, April 10th, at 4 pm (EDT), Antonia Bergamin, our Director, will interview curator, art critic and researcher Felipe Scovino to discuss artist Paulo Roberto Leal (1946-1991).

 

Additionally, we invite you to watch the short documentary that Bergamin & Gomide produced in 2018 for the artist individual exhibition at the gallery, to whom we also dedicated our Kabinett project during Art Basel Miami Beach 2018.

 

Leal was an employee of the Central Bank from 1967 onwards and he starts working a visual designer in 1969, making exhibition catalogs in Rio de Janeiro. It was in the 1970s that he began his artistic production, using materials linked to his work at the bank, such as paper spools, to explore the plastic possibilities of this support. Highly impacted by the Concrete and Neoconcrete movements, in the mid-1970s, Leal created a series entitled Entretelas, in which sewn (and not drawn) lines define modular and symmetrical spaces, thus resulting in silent and delicate works. At the end of the decade, they began to float on other bases: Armaduras anticipate the possible collapse of the surface.

 

Felipe Scovino, our guest, is a Professor of Art History at the School of Fine Arts at Federal University of Rio de Janeiro. He has curated several exhibitions like Attributes of Silence (Bergamin & Gomide, SP, 2015), Franz Weissmann: Emptiness as Form (Itaú Cultural, SP, 2019) and, in partnership with Paulo Sergio Duarte, Lygia Clark: a retrospective (Itaú Cultural, SP, 2012). Scovino writes regularly for Artforum, where he published, in the April 2019 edition, a beautiful text about Paulo Roberto Leal’s exhibition at the gallery. In it, Scovino talks about the geometric legacy of Neoconcretism, the works exhibited and other curiosities.

 

Through this link, you can find a selection of works by Paulo Roberto Leal. For more information, please feel free to contact us.

 

We hope to see you soon,

 

Bergamin & Gomide team

Antologia de Arte e Arquitetura

04/abr

Bergamin & Gomide

As galerias Bergamin & Gomide e Fortes D’Aloia & Gabriel têm o prazer de apresentar a exposição coletiva AAA – Antologia de Arte e Arquitetura em formato inédito: exclusivamente online.

 

Com vídeos, fotos, áudios e textos, o conteúdo convida os espectadores a vivenciarem digitalmente as mais de 100 obras de artistas, arquitetos e designers brasileiros da exposição com curadoria de Sol Camacho, que atualmente ocupam o Galpão Fortes D’Aloia & Gabriel, em São Paulo.

 

A experiência tem início com um vídeo que retrata a exposição pelos olhos de um visitante caminhando pelo espaço físico onde as obras estão dispostas. Fotos e descrição das obras completam o trajeto.

 


 

Bergamin & Gomide and Fortes D’Aloia & Gabriel galleries are pleased to present the group exhibition AAA – Anthology of Art and Architecture in an unprecedented format: exclusively online.

 

Featuring videos, photos, audios and texts, the content invites viewers to experience digitally more than 100 works of Brazilian artists, architects and designers of the exhibition curated by Sol Camacho, that currently occupy the Galpão Fortes D’Aloia & Gabriel, in São Paulo.

 

The experience begins with a video that presents the exhibition through the eyes of a visitor walking through the exhibition space where the works are showcased. Photos and description of the works complete the journey.

 

Individual de Lucia Laguna

03/mar

A Fortes D’Aloia & Gabriel, Vila Madalena, São Paulo, SP, apresenta até 16 de maio, a nova exposição de Lucia Laguna. Esta é a segunda individual da artista na Galeria, e sua primeira exposição após “Vizinhança”, mostra panorâmica dedicada à sua obra no MASP em 2018. Neste novo conjunto de pinturas, Lucia dá continuidade à divisão entre as séries de “Jardins”, “Paisagens” e “Estúdios” que norteia sua produção desde o início. Tal divisão aponta para a indissociabilidade que há entre o processo artístico de Laguna e o espaço de seu ateliê, situado na Zona Norte do Rio de Janeiro. É a partir dele – e da observação de seu entorno, que vai de seu jardim até o Morro da Mangueira – que a artista compõe paisagens híbridas, mesclando arquitetura e vegetação, planos geométricos e elementos figurativos.

 

“Paisagem n. 121” evidencia bem o método da artista. De início, Lucia permite que seus assistentes comecem o processo, delimitando linhas sobre a superfície da tela e inserindo desenhos e outros sinais gráficos. Quando a artista assume o comando da obra, dá-se início a desconstrução do que ali já estava, para que então se construam novos cenários por cima de sobreposições que acumulam dezenas de camadas até o resultado final.

 

Um peculiar cruzamento entre abstração e figuração, em jogo em sua produção, torna-se evidente no díptico “Paisagem n. 118”. Ao passo em que a pintura à esquerda revela uma paisagem dissolvida, quase líquida – portanto, mais abstrata -, à direita vemos uma composição mais fincada na figuração, com a presença de elementos como pássaros e um semáforo de trânsito. Este convívio entre registros pictóricos de naturezas distintas também está em “Paisagem n. 120”, obra em que a artista experimenta com o formato vertical, pouco usual em sua produção.

 

Já em “Jardim n. 44”, destaca-se uma outra característica da metodologia de Laguna: a tela, em formato quadrado, que é virada de ponta-cabeça diversas vezes durante sua feitura. Assim, a profusão de cores e figuras que desabrocham do centro da pintura pode assumir aparências ambíguas, ora evocando um buquê de flores, ora um galo, dependendo da direção em que é vista. Completa a exposição sua série “Desenhos”, em que Lucia cria composições sobre papel a partir dos pedaços remanescentes de fita crepe do início da produção das obras. Vestígios iniciais – e também póstumos – da engenhosa arquitetura de suas pinturas.

 

Sobre a artista

 

Lucia Laguna nasceu em Campo dos Goytacazes (RJ) em 1941. Formou-se em Letras em 1971, passando a lecionar Língua Portuguesa. Em meados dos anos 1990, começou a frequentar cursos de Pintura e História da Arte na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro, e realizou sua primeira individual em 1998. Ganhou em 2006 o Prêmio Marcantônio Vilaça do CNI SESI. Entre suas exposições individuais recentes, destacam-se: “Vizinhança”, MASP (São Paulo, 2018); e “Enquanto bebo a água, a água me bebe”, MAR (Rio de Janeiro, 2016). Suas principais coletivas incluem participações em: 30ª Bienal de São Paulo (2012), 32º Panorama da Arte Brasileira, MAM-SP (2011), Programa Rumos Artes Visuais do Itaú Cultural (São Paulo, 2005 – 2006). Em abril deste ano, a artista estará na 12ª Bienal do Mercosul em Porto Alegre, RS. Sua obra está presente em importantes coleções públicas, como MASP, MAM-SP, MAM-RJ, MAR, entre outras.

 

Objetos na Kogan Amaro

12/fev

A Galeria Kogan Amaro, Jardim Paulista, São Paulo, SP, exibe até 21 de março, “Arapuca”, mostra individual de objetos de Marcia Pastore com apresentação de Ricardo Resende.

 

Há coerência em sua obra dos primeiros trabalhos aos mais recentes. Marcia Pastore engendra formas escultóricas e instalativas dotadas de compreensibilidade e de autonomia próprias, como atos puros de invenção. A articidade, por sua vez, está na escolha dos materiais e articulações desses no espaço que lhe é dado. Trabalha com a fisicidade dos materiais, dos mecanismos, das forças energéticas, do peso, do equilíbrio, do obstáculo e das linhas visíveis e invisíveis resultantes dessas forças. O vazio do campo é preenchido por essas linhas e energias que cria, fazendo reviver a experiência do fruidor nas suas arapucas espaciais. É assim que executa a obra.

 

Essa execução é um tentar, um proceder e um planejar mental. É sua forma peculiar de pensar e fazer arte. Não esboça sobre uma folha de papel a ideia física. Essa fica no plano mental e é executada em tempo real no espaço. Pode dar certo como pode não dar. A artista vai para o campo com suas ideias e para executá-las debruça-se sobre os materiais e as articula, cria engrenagens, tensões e distensões espaciais.

 

É um corpo a corpo que pode tornar-se um embate exaustivo, tamanha a fisicalidade, movimentos espaciais, peso dessas articulações e esforço físico desprendido nas ações. Os trabalhos tornam-se pacientes interrogações da matéria, é o que deixa entrever.

 

Pedras, pó de gesso, gesso endurecido, cabos, roldanas, materiais inusitados como a rede de pescar. Física, energia, linhas, formas e desformas, água, vidro, cabos, anzóis, grafite, metais, pesos de halterofilistas, e assim por diante, em uma diversidade calculada dos materiais, elementos e forças que formam sua obra. Forças que desenham, claramente, o espaço. De alguma maneira, tenta evitar as evidências dos corpos.

 

Forças concêntricas, pendulares, de tensão e de equilíbrio ao buscar a estabilidade no vazio a ser preenchido por essas linhas de força. É sua forma de construção ao inventar desenhos espaciais que criam centros, perspectivas e preenchem todo o espaço expositivo.

 

As esculturas, se é que poderíamos chamar de esculturas pensando nos cânones dessa linguagem, na sua apresentação clássica e moderna, monolíticas, simulam forças sobre si mesmas. Pode ser uma roldana, um pêndulo com uma pedra cortada toscamente. Uma pedra cavada da parede, uma rede de pesca prendida nas paredes da sala e esticada ao ponto de criar um desenho aéreo delicado nessa tensão exercida sobre a matéria esbranquiçada e translúcida. Um processo formativo da escultura de aproximações e retornos, de puxar e distender, de cruzar e tensionar até virarem armadilhas concretas e abstraídas de sentido, obrigando quem as observa a desviar da natureza dessas coisas no ambiente real, criado pela artista.

 

Não é escultura como monólito esculpido…Também não pensa a escultura como uma pintura, representando um corpo (humano, animal ou vegetal). São esculturas de superfícies, de movimento, de articulações, das engrenagens dos mecanismos, de organicidade controlada e das relações de corpos no espaço arquitetônico.
Equilíbrio e estabilização no espaço atravessados por linhas motrizes. O vazio do espaço da sala expositiva ou o espaço arquitetônico são preenchidos por essas forças concêntricas, pendulares e gravitacionais que formam linhas que desenham no espaço. Traços visíveis e traços invisíveis da relação entre os corpos e linhas que descrevem e preenchem pacientemente o espaço.

 

O vídeo da ação, as fotos still do vídeo são como imagens das ações gravadas no tempo. Gravuras que carimbam o espaço aéreo e a camada de gesso acumulada no chão. A cena montada vira paisagem cósmica no vídeo-ação. Imagens congeladas transformam–se em uma quase figuração de galáxia no simples gesto de jogar bolas coloridas e espirrar o pó branco do gesso. Traz cor para a exposição e deixa a obra aberta para a incorporação do outro.

 

Os trabalhos são interrogações dos materiais e suas forças que evitam a figuração. Apenas índices abstratos da fisicalidade e do real e do irreal. Não há interpretação definitiva e exclusiva, não há também interpretação provisória e aproximativa. Não há narrativas.

 

É a pessoa que observa quem faz o acesso à obra, revelando a sua natureza e exprimindo a si mesma. Torna-se ao mesmo tempo, diríamos, a obra e o seu modo de ver a obra (Umberto Eco), nas articulações e desarticulações dos objetos e das linhas no espaço da exposição. A obra mostra-se como modo de pensar.________________________________________

 

Ricardo Resende
Diretor Artístico

Alexandre Mazza na Swabe

24/set

A galeria carioca Luciana Caravello Arte Contemporânea participará da Swab 2019, importante feira de arte contemporânea fundada em 2006, que este ano será realizada de 26 a 29 de setembro, em Barcelona, na Espanha. A galeria, que é a única brasileira na seleção principal da feira, apresentará uma instalação espacial do artista Alexandre Mazza, composta por oito vídeos novos da série “Águas”, dispostos no estande como uma cascata gigante. Os vídeos serão apresentados em loop e trazem diferentes visões e sons de cachoeiras. A instalação será composta por seis monitores de 28 polegadas e dois monitores de 55 polegadas.

 

Ao exibir as diferentes imagens de cachoeiras, o artista pretende nos conectar com uma sensação de milagre natural, “que não é raro, existe o tempo todo, a cada segundo. Assim, o milagre não se torna uma exceção do que não pode ser, mas a regra. É uma criação em si”.

 

Sobre o artista

 

As obras de Alexandre Mazza (Ponta Grossa, RS, 1969. Vive e trabalha no Rio de Janeiro) têm como ponto central a pesquisa do olhar. É principalmente através dos objetos que o artista confronta seus espectadores com jogos visuais: com o que se vê e o que se acredita ver, com o que está ali e o que se imagina estar. Indicado ao prêmio PIPA em 2012 e 2014, o artista já apresentou seus trabalhos em exposições no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), no Centro de Artes Hélio Oiticica, na Caixa Cultural do Rio de Janeiro, entre outros. Suas obras estão em diversas coleções privadas e públicas, como a do MAM Rio e do Museu de Arte do Rio (MAR). Alexandre Mazza foi baixista e compositor por 18 anos, antes de se dedicar às artes visuais. Seu fascínio pela ilusão de ótica e o interesse inicial e contínuo pela luz, pelo som e pela eletricidade evoluíram para a série de obras “multiplicação da luz”. Sua pesquisa compreende uma variedade de materiais que combinam alta e baixa tecnologia para produzir obras cinéticas de “luz elétrica viva”, como o artista gosta de chamá-las. Esta série particular de trabalhos, “Águas”, visa refletir a batalha dentro de nossos relacionamentos, com o mundo e a natureza, e também a esperança de uma melhor conexão entre eles através da força, força de vontade e persistência. É um incentivo para os telespectadores refletirem sobre o significado das relações interpessoais em nosso mundo e como elas são construídas em nossa sociedade, bem como uma proposição de um novo senso de entendimento para a nossa comunicação uns com os outros, não apenas através de imagens e som, mas além deles.

 

Serviço

 

Luciana Caravello, Swab, Barcelona.

Pabellón Italiano (Z.6). Feria Barcelona
Plaça de Carles Buïgas, 8,
Barcelona, Espanha

 

Dia 26 de setembro, quinta-feira: abertura para convidados

Dia 27 de setembro, sexta-feira, das 16h às 21h

Dia 28 de setembro, sábado, das 12h às 21h

Dia 29 de setembro, domingo, das 12h ás 20h.

 

Ingresso: 12 euros

Passe para os três dias: 30 euros