A Carpintaria, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ, promove bate-papo com Luiz Zerbini nesta terça-feira, 18 de dezembro, das 19h às 21h.
Participam da conversa com o artista os convidados Carlito Carvalhosa, Fred Coelho e Alexandre Gabriel.
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Ao Quadrado no MARGS
13/dez
O Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli, Porto Alegre, RS, apresenta a galeria Iberê Camargo, a exposição “Ao Quadrado”, da artista Beth Turkieniez. Beth Turkieniez já soma mais de 40 anos de dedicação diária ao seu trabalho em artes plásticas: experimentando, reciclando e mergulhando em processos ao encontro de novos conceitos e novos olhares. A mostra “Ao Quadrado” compõe-se de 50 pinturas em formato quadrado, dispostas na sala de exposição em dois projetos que se fundem. São obras que apresentam técnicas e suportes diferentes, convidando o expectador, junto com a artista, a propor continuamente um novo significado aos trabalhos expostos. Beth também utiliza pigmentos indianos, com tintas que ela mesma produz. Os tons são trabalhados incansavelmente até se obter a intensidade e a opacidade que cada pintura requer, possibilitando uma série em conversa sem fim, entre as múltiplas composições possíveis, construindo e reconstruindo o grande quadrado.
A palavra da artista
“É importante para mim voltar a expor em Porto Alegre: primeiro, por ter sido o lugar onde nasci, onde construí muito da minha vida profissional, onde estudei com Iberê Camargo, Paulo Porcella, Stockinger, Tenius, Ado Malagoli e muitos outros. Onde cresci e amadureci, onde me tornei mãe, mulher e artista. Ao sair de Porto Alegre, enfrentei desafios: o começar de novo e de novo em uma cidade grande, onde a aspereza é a predominância, lidar com a solidão frequente, com o experimentar constante na arte e na utilização de novas técnicas, fazem realmente crescer… Fiz varias mostras individuais e coletivas, tanto no exterior quanto no Brasil, participei de muitas feiras de arte, ganhei prêmios no exterior e no meu país, mas só agora tenho novamente a oportunidade de mostrar o meu trabalho atual em Porto Alegre.”
Sobre a artista
Nasceu em 1950, em Porto Alegre, RS, vive e trabalha em São Paulo desde 1989. Estudou desenho no Atelier Livre de Porto Alegre com Paulo Peres e xilogravura com Danúbio Gonçalves. Também foi aluna em pintura de Ado Malagoli e Iberê Camargo, e dos escultores Sonia Ebling, Vasco Prado, Xico Stockinger e Carlos Tenius. Graduada em Artes Plásticas e Arquitetura pela UFRGS, onde desenvolveu pesquisas no campo da linguagem visual, bi e tridimensional. Realizou exposições individuais na Galeria Monica Filgueiras (São Paulo), 2017/2018 Ajoelhou tem que rezar (3 artistas), e “2018 200 anos dos direitos Humanos – artigo 30” e em coletivas na Pinacoteca de São Paulo, 2017 “Resistir é preciso”, mostra itinerante; Centro Cultural do Banco do Brasil São Paulo, Rio de Janeiro, Brasília, Belo Horizonte, 2017/ 2018. Possui obras em acervos públicos como o Museu de Arte do Rio Grande do Sul – MARGS (Porto Alegre) Museu Kanagawa (Japão) Pinacoteca Aldo Locatelli (Porto Alegre) Palácio Dos Bandeirantes, “Galeria Dos Direitos Humanos” (São Paulo) Museu da Organização Pan-Americana de Saúde Pública (Washington) Galeria Sincromoart (Paris). Recebeu premiação em 1989 – 1.º Prix Canson d’art sur papier – Prêmio de Viagem | França.
Até 27 de janeiro de 2019.
Bechara em Lisboa/Pintura e instalação
26/nov
A galeria Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa, Portugal, inaugurou a exposição individual “Um raio todos os dias” do artista José Bechara. A exposição reúne trabalhos produzidos a partir de 2017 e 2018 e inclui alguns inéditos. O conjunto é formado por cerca de 20 pinturas de grande, médio e pequenos formatos, muitas das quais produzidas com recurso ao processo habitual do artista: a intervenção de acrílico e oxidação de emulsões metálicas sobre lona usada de caminhão.
Nesta nova fase de trabalhos, José Bechara alarga o campo de pesquisa sobre o desenho, a pintura, a escultura e a instalação ao construir obras quase imersivas e expansivas que estendem a linha, a superfície, o plano a outras possibilidades, reconfigurando o espaço expositivo da galeria.
A exposição apresenta uma instalação inédita de grande escala, produzido a partir da ordenação no espaço arquitetônico de vidros planos e uma variedade de objetos em madeira, papel cartão, outros elementos metálicos e eventualmente mármore. O uso desta multiplicidade de materiais propõe uma discussão sobre fronteiras e gêneros das linguagens visuais fazendo colidir práticas oriundas das experiências escultórica, pictórica e gráfica. Situar o trabalho entre fronteiras, chamar atenção para uma permanente oscilação entregêneros constitui matéria fundamental nas investigações de Bechara. É esta impertinência e transitoriedade do seu trabalho que o artista transpõe para a própria existência.
A palavra do artista
Tudo é frágil em meu trabalho que contém esforço e dificuldades para emergir, assim como nós, indivíduos humanos. Embora possam parecer nascer de operações brutais os trabalhos podem quebrar-se, despencar de diferentes alturas, desfazer-se por uma perturbação inesperada do espaço ao redor. Minha geometria hesita. Ora aparece, ora desaparece. Falha, portanto, como falhamos. Esforça-se, como nos esforçamos para existir.
Sobre o artista
José Bechara nasceu no Rio de Janeiro em 1957, onde trabalha e reside. Estudou na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV), localizada na mesma cidade. Participou da 25ª Bienal Internacional de São Paulo; 29ª Panorama da Arte Brasileira; 5ª Bienal Internacional do MERCOSUL; Trienal de Arquitetura de Lisboa de 2011; 1ª Bienalsur – Buenos Aires; 7ª Bienal de Arte Internacional de Beijing e das mostras “Caminhos do Contemporâneo” e “Os 90” no Paço Imperial – RJ. Realizou exposições individuais e coletivas em instituições como MAM Rio de Janeiro – BR; Culturgest – PT; Ludwig Museum (Koblenz) – DE; Instituto Figueiredo Ferraz – BR; Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, BR; Fundação Calouste Gulbenkian – PT; MEIAC – ES; Instituto Valenciano de Arte Moderna – ES; MAC Paraná – BR; MAM Bahia -BR; MAC Niterói – BR; Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, SP, – BR; Museu Vale – BR; Haus der Kilturen der Welt – DE; Ludwig Forum Fur Intl Kunst – DE; Kunst Museum – DE; Museu Brasileiro da Escultura (MuBE) – BR; Centro Cultural São Paulo – BR; ASU Art Museum – USA; Museo Patio Herreriano (Museo de Arte Contemporáneo Español) – ES; MARCO de Vigo – ES; Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma – ES; Carpe Diem Arte e Pesquisa – PT; CAAA – PT; Musee Bozar – BE; Museu Casa das Onze Janelas – BR; Casa de Vidro/Instituto Lina Bo e P.M. Bardi – BR; Museu Oscar Niemeyer – BR; Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC Málaga) – ES; Museu Casal Solleric – ES; Fundação Eva Klabin – BR; entre outras. Possui obras integrando coleções públicas e privadas, a exemplo de Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro – BR; Centre Pompidou – FR; Pinacoteca do Estado de São Paulo – BR; Ludwig Museum (Koblenz) – DE; ASU Art Museum USA; Museu Oscar Niemeyer – BR; Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma – ES; Coleção Gilberto Chateaubriand/MAM RIO -BR; Coleção Dulce e João Carlos Figueiredo Ferraz/Instituto Figueiredo Ferraz – BR; Coleção João Sattamini/MAC Niterói – BR; Instituto Itaú Cultural -BR; MAM Bahia – BR; MAC Paraná – BR; Culturgest -PT; Benetton Foundation-IT/CAC Málaga – ES; MOLAA – USA; Ella Fontanal Cisneros – USA; Universidade Cândido Mendes – BR; MARCO de Vigo – ES; Brasilea Stiftung – CH; Fundo BGA – BR, entre outras.
Até 12 de janeiro de 2019.
Fundação Iberê Camargo/jantar e leilão
23/nov
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- Vik Muniz
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- Maria Tomazelli
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- Nuno Ramos
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- Siron Franco
Evento que acontece no dia 27 de novembro, em Porto Alegre, dá início a um programa anual, nos moldes aplicados por grandes instituições internacionais, através de obras doadas por artistas referenciais da arte brasileira e colecionadores que irão a leilão. Os artistas Vik Muniz, Nuno Ramos, José Bechara, Daniel Senise, Artur Lescher, Iole de Freitas, Karin Lambrecht e Maria Tomaselli estarão presentes no jantar. Na ocasião, a instituição lança o Clube Iberê
No dia 27 de novembro, terça-feira, a Fundação Iberê Camargo promove o primeiro grande jantar com leilão de obras de arte, dando início a um programa que será realizado anualmente, nos modelos praticados por grandes instituições culturais do mundo. O evento será realizado na Casa NTX. A Fundação espera receber cerca de 800 pessoas, que serão recepcionadas com uma apresentação da Orquestra Jovem do Rio Grande do Sul e menu especialmente preparado pelo Chef Lucio. Os convites ainda podem ser adquiridos telefone 51 3247.8000 ou pelo e-mail contato@iberecamargo.org.br.
Além de Vik Muniz e dos membros da Diretoria e Conselho da Instituição, autoridades e convidados, confirmaram presença no jantar os artistas Nuno Ramos, José Bechara, Iole de Freitas, Daniel Senise, Artur Lescher, Karin Lambrecht e Maria Tomaselli. O leilão será comandado pelo empresário Nelson Sirotsky, Vik Muniz e o marchand Jones Bergamin.
O leilão vai oferecer 13 obras de importantes artistas do cenário da arte brasileira, como José Bechara, Daniel Senise, Nuno Ramos, Vik Muniz, Cildo Meireles, Artur Lescher, Iole de Freitas, Siron Franco, Karin Lambrecht e Maria Tomaselli, além de três obras de Iberê Camargo. As obras foram doadas pelos próprios artistas – com exceção das obras de Karin Lambrecht, Siron Franco e de Iberê Camargo, que foram doadas por colecionadores. O valor arrecadado no evento vai contribuir para a realização das atividades da Fundação em 2019. Os interessados em dar lances no leilão e adquirir as obras, poderão conhecer as peças ao vivo, em um preview que será realizado na instituição até 25 de novembro. As visitas devem ser agendadas pelo telefone 51 3247.8000 ou pelo e-mail contato@iberecamargo.org.br.
Uma comissão liderada pela Cônsul honorária da Holanda, Ingrid de Kroes, está mobilizando a sociedade gaúcha para o jantar. Juntas, já comercializaram cerca de 600 convites. São elas: Fernanda Maisonnave, Adriane Kiperman, Ana Espíndola, Ana Logemann, Anna Paula Ribeiro, Anik Suzuki, Audrey Randon, Bruna Stern, Bettina Becker, Carol Logemann, Caroline Kreling, Cecilia Schiavon, Claudia Bartelle, Claudia Wolf Ling, Clenir Wengenovicz, Dulce Helene Goettems, Elisabete Brochmann, Giovana Stefanini, Goia Cairoli, Glaucia Stifelman, Jaqueline Testa, Josiane Castro, Karla Johannpeter, Laura Malcon, Laura Ormazabal Moura, Livia Bortoncello, Maria Elena Johannpeter, Marina Sirotsky, Mauren Motta, Nara Sirotsky, Olga Velho, Paula Weber Rosito, Priscilla Nunes, Renata Weisheimer Rohde, Sandra Echeverria, Sandra Ling e Silvana Zanon.
Para viabilizar o jantar e o leilão, a Fundação Iberê Camargo contou com o patrocínio das seguintes empresas: Dufrio (patrocinador Master), Meta, Somma Investimentos, Carpena Advogados, Urban Advisors e Pestana Leilões. Estas empresas assumiram todos os custos para a realização do evento.
Na ocasião, também será lançado o Clube Iberê – um projeto que tem como objetivo a criação de um sistema de governança sustentável para a FIC, entregando para seus associados uma série de experiências culturais exclusivas. Com o intuito de fortalecer o movimento cultural e criar espaços para reflexão a partir da arte e suas relações, o Clube Iberê possibilitará aos seus associados a oportunidade de fazer parte da história da Fundação, contribuindo para a construção de um ambiente cultural cada vez mais diverso, inclusivo e transformador e potencializando o acesso à programação cultural.
Serviço – Jantar Clube Iberê
Dia 27 de novembro, terça-feira, a partir das 20h
Leilão de obras de arte | lançamento do Clube Iberê | apresentação da Orquestra Jovem do Rio Grande do Sul
Local: Casa NTX | Av. das Indústrias, 1395 – Anchieta, Porto Alegre – RS (em frente ao Aeroporto Internacional Salgado Filho). Convites a R$ 500,00 por pessoa. Informações pelo telefone 51 3247.8000 ou pelo e-mail contato@iberecamargo.org.br.
Até 25 de novembro – Preview das obras leiloadas
Local: Fundação Iberê Camargo – Avenida Padre Cacique, 2000
Agendamento de visitas pelo telefone 51 3247.8000 ou pelo e-mail contato@iberecamargo.org.br.
Sobre a Fundação Iberê Camargo
A Fundação Iberê Camargo é uma instituição privada sem fins lucrativos, criada em 1995, a partir de um desejo do próprio artista e sua esposa, Maria Coussirat Camargo, e com o apoio de amigos e empresários de Porto Alegre.
Há 22 anos, a Fundação desenvolve ações culturais e educativas com a missão de preservar o acervo, promover o estudo, a divulgação da obra de Iberê Camargo e estimular a interação de seu público com arte, cultura e educação, por meio de programas interdisciplinares. Seu acervo é formado por um núcleo documental, composto de documentos e imagens relacionadas à vida e à obra do artista, e um núcleo com a coleção Maria Coussirat Camargo, que inclui pinturas, gravuras, guaches, desenhos e estudos de Iberê Camargo, obras que o casal acumulou durante a vida.
A Fundação Iberê Camargo tem o patrocínio de Itaú, Grupo GPS, IBM, Oleoplan, Agibank, BTG Pactual, Banrisul e apoio SLC Agrícola, Sulgás e DLL Group, com realização e financiamento do Ministério da Cultura / Governo Federal. Hotel oficial: Ibis Styles Porto Alegre. Serviços de tradução: Traduzca. Patrocinador do projeto Iberê nas Praças: Corsan – Companhia Riograndense de Saneamento. Apoiador da exposição Subversão da Forma: Unisinos.
Sobre Iberê Camargo
Restinga Seca, 1914 – Porto Alegre, 1994 – Iberê Camargo é um dos grandes nomes da arte brasileira do século 20. Autor de uma extensa obra, que inclui pinturas, desenhos, guaches e gravuras, Iberê nunca se filiou a correntes ou movimentos, mas exerceu forte liderança no meio artístico e intelectual brasileiro. Dentre as diferentes facetas de sua vasta produção, o artista desenvolveu as conhecidas séries Carretéis, Ciclistas e As idiotas, que marcaram sua trajetória. Grande parte de sua produção, estimada em mais de sete mil obras, compõe hoje o acervo da Fundação Iberê Camargo.
Geometria na SIM Galeria
05/out
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- Wanda Pimente
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- German Lorca
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- Hélio Oiticica
A exposição coletiva que a SIM Galeria, Jardins, São Paulo, exibe sob o título “Geometria em Síntese”, traz a assinatura de Felipe Scovino na curadoria.
Artistas participantes
Amalia Giacomini, Amilcar de Castro, Daniel Feingold , Eduardo Coimbra, Geraldo de Barros , German Lorca, Hélio Oiticica, Hércules Barsotti , José Oiticica Filho, Luiz Sacilotto, Maria Laet, Mira Schendel, Paulo Roberto Leal, Ricardo Alcaide, Ruben Ludolf, Sergio Camargo, Wanda Pimentel e Willys de Castro.
Geometria em síntese
Por Felipe Scovino
As experiências construtivas no Brasil têm sido objetos constantes de exposições, livros e ensaios nos últimos tempos. Coloco-as no plural porque são inúmeras as especificidades desses trabalhos que foram desenvolvidos com maior densidade entre os anos 1950 e 1970. Definitivamente não houve um projeto construtivo, mas uma vontade plural em rever os caminhos da arte. Passado o modernismo e o seu desejo de construir e discutir uma identidade nacional pautada no indivíduo antropófago que se voltava simultaneamente às suas origens, ao contágio estrangeiro e ao tempo presente, as experiências construtivas se veem localizadas no bojo de um tempo, que, por um lado, se constituía de forma rápida, dinâmica e desenvolvimentista, e, por outro, era marcado por demandas sociais e políticas, envolvendo especialmente o que poderíamos definir como políticas do corpo – o movimento hippie, o Flower Power, as Panteras Negras, o maio de 68, movimentos reivindicando o direito das mulheres, etc., se constituem no panorama desse período. É o ambiente para a aparição do neoconcretismo, por excelência.
Contudo, no início dos anos 1950, em meio à construção de Brasília, ao plano de Metas de JK, à industrialização e ao desenvolvimento da ciência, no plano das artes, em específico, é o momento em que a institucionalização da arte constrói uma nova ideia de espaço moderno, como pode ser observado na fundação dos museus de arte moderna no Rio e em São Paulo, além da criação do MASP e da Bienal de São Paulo. Havia um desejo de mudança pautado na chegada do abstracionismo no panorama da produção das artes plásticas e de inserir o país dentro de uma projeção internacional, especialmente quando a Bienal foi instituída. Por falar em campo político das artes, nota-se que todas as obras apresentadas foram produzidas após a realização do Salão Preto e Branco, que ocorreu em 1954. Ele foi um protesto contra o descaso do governo frente às necessidades de materiais adequados à nossa produção visual. A insatisfação dos artistas – tendo à frente Djanira, Iberê Camargo e Milton Dacosta – tem origem em 1952, quando a Carteira de Exportação e Importação do Banco do Brasil cassa as licenças de importação de tintas estrangeiras, com a justificativa de se encontrar a indústria local apta a satisfazer as necessidades dos artistas. O resultado foi a realização do Salão Preto e Branco e pouco tempo depois a possibilidade da geração seguinte de artistas – os concretos e neoconcretos – ter as tintas importadas e uma nova tecnologia de produção ao seu dispor.
O que essa exposição quer destacar não é só o papel de destaque que o pensamento construtivo exerceu nas artes visuais brasileiras (e o seu prolongamento, com nuances e especificidades próprias, no contemporâneo), mas também uma espécie de contraponto ao aspecto solar do projeto moderno brasileiro. Ao escolher obras produzidas em preto e branco e em sua maioria realizadas entre os anos 1950 e 70, destacam-se a ideia funcional e projetual da arte; a associação cada vez mais substancial, no início dos anos 1950, entre as experiências construtivas nas artes plásticas e o campo da fotografia (em especial, a presença dos olhares sensíveis e potentes de German Lorca, Geraldo de Barros, José Oiticica Filho e dos desenhos construtivos constituídos e observados a partir de ações e percepções singelas do cotidiano); e uma austeridade e complexidade próprias nessa escolha minimalista por parte dos artistas. Em relação a essa característica, cito o caso exemplar e pioneiro das Fotoformas, de Geraldo de Barros. A fotografia deixa de ser “o espelho da realidade” para se tornar espaço de invenção. A linha não é mais uma linha, nem o plano é mais um plano, distorcendo Theo van Doesburg e sua teoria da arte concreta. Barros funde fotografia e pintura, invenção e realidade.
Não há uma preocupação imediata com questões de identidade nacional nesses compromissos estéticos, mas um anseio legítimo e autoral de investigar a forma e a função do objeto de arte. Seja experimentando as novas percepções ópticas do objeto, seja investigando e ampliando as fronteiras da pintura e da escultura, esses artistas tinham um interesse em comum: associar de forma ainda mais duradoura a arte e o cotidiano. Portanto, a passagem do plano ao espaço, valorizada por uma crítica mais formalista a respeito dessas produções cinéticas e concretas, pode ser entendida também como uma perspectiva fundamental para se entender a ligação de artistas como Geraldo de Barros, Hércules Barsotti e Willys de Castro com as experiências da cidade, em especial suas produções de cartazes e móveis.
A escolha de obras fora desse arco temporal – décadas de 50, 60 e 70 – nos mostra o quanto esses gestos e ideias foram definidores de uma nova forma de pensar e produzir arte. Obras como as de Amalia Giacomini, Daniel Feingold, Maria Laet e Ricardo Alcaide têm as linguagens construtivas como referente, mas, acima de tudo, penso que elas mobilizam um repertório de delicadeza, suavidade e harmonia que leva o entendimento sobre o construtivo para outras fronteiras e percepções. Paulo Roberto Leal alia o silêncio do branco a uma forte tensão e suavidade com a ideia de pintura. Eduardo Coimbra é mais um dos artistas que não realizam uma adequação contemporânea do legado construtivo, mas investigam esse signo a seu modo, aproximando arte, arquitetura e cidade. Suas obras nos parecem uma visão aérea de um aglomerado de elementos cúbicos e planos superpostos que remetem à urbe. As presenças de Mira Schendel, com seus estudos para os Sarrafos, e Wanda Pimentel, artistas com estudos transversais sobre o construtivo, refletem esse estado de invenção que a exposição elabora e a forma como linguagens conceituais se aproximaram das tendências construtivas.
Até 27 de outubro.
ArtRio 2018
12/set
26 a 30 de Setembro [September 26th – 30th] Estandes A4 [Panorama] e S13 [Solo]. Marina da Glória, Rio de Janeiro
A Bergamin & Gomide tem o prazer de anunciar a sua 6ª participação na ArtRio. Este ano a feira contará com 59 galerias e vai acontecer na Marina da Glória.
Para essa edição, vamos apresentar uma cuidadosa seleção de grandes artistas brasileiros da década de 1990 como José Damasceno, Jac Leirner, Adriana Varejão, Ernesto Neto entre outros.
A obra sem título (1996) de Luiz Zerbini é talvez um dos principais destaques já que a música sempre foi um tema importante para o artista. Na tela podemos ver figuras dos integrantes do Chelpa Ferro (grupo artístico multimídia composto por Luiz Zerbini, Barrão e Sérgio Mekler) entre instrumentos musicais e caixas de som, cenário característico de suas pinturas figurativas.
Participaremos também do projeto solo, apresentando obras em papel de Mira Schendel de diferentes períodos da trajetória da consagrada artista.
Esperamos sua visita nos estandes A4 [Panorama] e S13 [Solo]!
Bergamin & Gomide has the pleasure to announce its sixth participation at ArtRio fair! This year, the fair will present 59 galleries at Marina da Glória.
For this edition, we will present a thoughtful selection of works by acknowledged Brazilian artists from the 1990’s such as José Damasceno, Jac Leirner, Adriana Varejão, Ernesto Neto among others.
The 1996 untitled work by Luiz Zerbini is perhaps one of the highlights since music was always an important theme in his body of work. In the painting we can see the members of Chelpa Ferro (multimedia group by Luiz Zerbini, Barrão and Sérgio Mekler) among musical instruments and speakers, a recurrent theme in the artist’s figurative paintings.
We will also be present at the Solo section, with an individual project of Swiss-born Mira Schendel works on paper from different periods of her prestigious career.
Come and visit us at stand A4 [Panorama] and S13 [Solo]! |
Galeria Bergamin & Gomide na Semana de Arte 2018
31/ago
31 de Agosto – 3 de Setembro [August 31st – September 3rd]
Stand 07. Pavilhão das Culturas Brasileiras, Parque Ibirapuera, São Paulo
A Bergamin & Gomide tem o prazer de anunciar sua 2a participação na feira Semana de Arte (São Paulo). Este ano a feira contará com 43 galerias e vai acontecer Pavilhão das Culturas Brasileiras no Parque Ibirapuera.
Para essa edição, vamos apresentar uma cuidadosa seleção de xilogravuras, desenhos em nanquim e aquarelas do artista Oswaldo Goeldi (1895-1961). Internacionalmente reconhecimento por suas xilogravuras, a obra de Goeldi é um constante exercício de lucidez: é pela disciplina artística que aborda a estranheza do mundo.
“Pescadores” é talvez um dos principais destaques: a aquarela aborda, de maneira leve, um dos temas preferidos do artista: o mar.
Esperamos a sua visita no estande 07!
| Bergamin & Gomide has the pleasure to announce its second participation at Semana de Arte (Sao Paulo). This year, the fair will present 43 galleries at the Brazilian Cultures Pavilion at the Ibirapuera Park.
For this edition, we will present a thoughtful selection of prints, drawings and watercolors by Oswaldo Goeldi (1895-1961). Internationally recognized for his print techniques, Goeldi’s body of work is a constant exercise of lucidity: it is through the artistic discipline that he engages in the world strangeness. “Pescadores” [Fishermen] is perhaps one of the highlights: the watercolor approaches, in a soft way, one of the artist’s favourite themes – the sea. Come and visit us at stand 07! |
Queer Museu
16/ago
Almofadinhas no mBrac
16/abr
O grupo, formado por Rodrigo Mogiz (BH), Fábio Carvalho (RJ) e Rick Rodrigues (ES), três artistas que tem o bordado como ponto em comum de suas produções, participa neste mês de abril da Residência Artística CASA B, seguida de exposição no Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea, mBrac, Rio de Janeiro, RJ, com abertura no dia 28 de abril. A exposição contará com trabalhos dos três “Almofadinhas”, tanto obras já existentes quando as que serão criadas durante a residência artística, junto a trabalhos de Arthur Bispo do Rosário, criando-se um diálogo simbólico entre a produção do grupo com a de Bispo do Rosário.
O grupo “Almofadinhas” surgiu em meados de 2015, quando os três artistas começaram a realizar conversas à distância, por meio das redes sociais, sobre as afinidades conceituais e imagéticas de suas obras. O convite para participar do programa partiu do curador do mBrac, Ricardo Resende, que também foi o curador da primeira exposição do grupo, realizada em 2017, em Belo Horizonte. Nesta nova edição a curadoria contará com Diana Kolker, gerente de educação do mBrac e coordenadora do programa de residências CASA B junto à Ricardo Resende.
Ricardo Resende, no texto para a exposição dos Almofadinhas em 2017, ao comentar o uso do bordado pelos artistas do grupo, afirma: “…têm essa linguagem como suporte do devaneio estético que dá um novo sentido ao gesto de bordar e, consequentemente, ao bordado. Enfeitar, adornar é um desvio da vida prática de resultados que pauta a tal sociedade do desempenho. Para Fábio Carvalho, Rick Rodrigues e Rodrigo Mogiz, o bordado permite uma experiência interior estética. Cada um à sua maneira, todos imprimem com o bordado a sua mensagem poética.
Os três artistas têm necessidade dessa técnica ancestral de “enfeitar” tecidos. Usam a técnica para expressar visões do mundo e desde que se encontraram influenciam e interferem um no trabalho do outro. O resultado do que fazem com a técnica, como não poderia deixar de ser, é bonito, tocante e sedutor. Causam impacto pelas cores, pela delicadeza e, claro, quando mais se aproxima e com atenção redobrada para os trabalhos, descobre-se que não é só de estética que tratam. Surpreendem. Na verdade, causam estranhamento.
Mimetizam a beleza vista nos objetos de pano pois, de fato, leva-se um ‘susto’ quando se descobre o real motivo dos bordados, pois estamos acostumados com o bordado de enfeite. São questões ainda tabu para a humanidade o que abordam com seus trabalhos. Gênero, sexualidade, memória, família, guerras, violência e os costumes, a ambiguidade de ser sensível na sociedade contemporânea, subvertendo o universo cultural da feminilidade em suas poéticas. Os artistas aqui não são seres disciplinados, tão pouco conformados e, muito menos, ‘bonzinhos’. Não. Eles subvertem os modos, subvertem a própria arte ao fazerem da frugalidade dessa atividade, arte.”
A Casa B – Residência Artística é o programa de residência da Escola Livre de Artes (ELA) do Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea (mBrac), dedicado a artistas, curadora(e)s e educadora(e)s para o desenvolvimento de pesquisas e poéticas através do diálogo com a comunidade, o território e com outros programas desenvolvidos pelo museu. A criação do programa foi motivada pelo potencial artístico-cultural da Colônia, que registrou na sua história a passagem de importantes nomes na arte brasileira como Arthur Bispo do Rosário, Ernesto Nazareth, Stela do Patrocínio e, atualmente, os artistas que compõem o Atelier Gaia.
O Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea (mBrac) integra o Instituto Municipal de Assistência à Saúde Juliano Moreira, outrora uma instituição manicomial conhecida como Colônia Juliano Moreira, localizada na Zona Oeste do Rio de Janeiro. O Museu é responsável pela preservação, conservação e difusão da obra de Arthur Bispo do Rosário – um dos expoentes da arte contemporânea, de reconhecimento nacional e internacional e que viveu internado na Colônia por 49 anos. Além de realizar exposições do acervo de Bispo do Rosário e artistas contemporâneos, a instituição toma para si o desafio de integrar arte e saúde, criando novas perspectivas sobre arte, educação e cuidado, e expandindo suas ações através da Escola Livre de Artes.
Almeida e Dale exibe Mestre Didi
06/abr
Tradição e contemporaneidade, religião e arte: a produção artística do baiano Mestre Didi (1917-2013) é permeada por dualidades. Um dos raros artistas afro-brasileiros a ter pleno reconhecimento da crítica de arte nacional e internacional, Didi possui um trabalho ligado aos objetos sagrados do culto do Candomblé e é comumente referido como sacerdote-artista. A partir do dia 07 de abril, a galeria paulistana Almeida e Dale, Jardins, São Paulo, SP, apresenta ao público “Mo Ki Gbogbo In – Eu saúdo a todos”, exposição que traz um breve panorama do percurso artístico deste soteropolitano. A mostra é realizada em parceria com a Paulo Darzé Galeria, de Salvador.
Com curadoria de Denise Mattar e Thaís Darzé, a exposição toma como título uma frase comumente usada por Mestre Didi, que sempre se propôs a juntar as diversidades, em busca da harmonia. A mostra reúne um conjunto de 48 obras do artista. O recorte curatorial valoriza os anos 1980, período áureo de sua produção, quando conseguiu imprimir sua marca pessoal e inventiva ao processo de recriação das tradições da cultura afro-brasileira. Mas há raridades como a escultura em madeira Yao Morogba, de 1950.
Batizado de Deoscóredes Maximiniano dos Santos, o artista foi um dos mais importantes sacerdotes afro-brasileiros do país, responsável por traduzir a visão de mundo africana e sua experiência de vida, utilizando a arte como suporte. “Expressões culturais de origem africana, em especial da região do Benin, se consolidaram em Salvador através de séculos de estratégias de sobrevivência, tornando-se presentes no cotidiano. É neste cenário de ebulição da cultura negra, nessa cidade que é berço do Candomblé e das tradições africanas e nesse contexto religioso ímpar que surge Mestre Didi com sua cosmovisão, que vai nas origens para dialogar com a atualidade”, afirma Thais Darzé.
Concebidas de acordo com uma sabedoria iniciática, suas esculturas possuem texturas, matérias, formas e cores específicas, cada qual com o seu significado. As formas de suas obras expressam a visão do mundo nagô, construído numa dinâmica de mobilização e circulação do axé, a energia vital. Suas elaborações, por sua vez, derivam dos emblemas dos orixás do Panteão da Terra: Nanã e seus três filhos míticos, Obalauaê, Oxumaré e Ossain.
“No Ocidente, somos herdeiros do pensamento racional, cartesiano e individualista, tomando-o como sinônimo da verdade. Durante muito tempo, apenas a arte ocidental era considerada Arte, posição prepotente ainda hoje preconizada por alguns setores do circuito artístico”, aponta a curadora Denise Mattar. “A cultura negra é plural, não compreendida como uma unidade oposta ao mundo exterior. Cada ser carrega em si a família, os ancestrais e as entidades divinas, trocando com seus pares a energia vital. Nesse sentido, a arte de Mestre Didi é uma expressão disso e integra-se, portanto, a essa cosmovisão”, completa.
A exposição traz também referências visuais, como ibirís e xaxarás originais, depoimentos de Mestre Didi, além de fotos de artistas com quem manteve relações ao longo da vida. Entre eles, Pierre Verger e Mário Cravo Neto. A ideia é proporcionar ao visitante um mergulho no imaginário afro-brasileiro. A mostra será complementada por um catálogo, publicação que reunirá não apenas obras da exposição, mas textos das curadoras e uma cronologia ilustrada.
De 09 de abril a 26 de maio.