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AGENDA CULTURAL

SIM Galeria na SP-Arte/Foto 2015

17/jul

Todas as atenções se voltarão para a fotografia durante a 9ª edição da SP-Arte/Foto, Shopping JK Iguatemi, 3º piso, Vila Olímpia, São Paulo. A feira de fotografia é considerada a mais importante da América Latina e terá a participação de 30 galerias de arte do Brasil, que trabalham a partir do suporte fotográfico. Em sua quarta participação na SP-Arte/Foto, a SIM Galeria vai apresentar obras de cinco artistas: Isidro Blasco, Marcelo Moscheta, Julia Kater, Romy Pocztaruk e Rodrigo Torres.

 

A instalação fotográfica “New York I”, do artista espanhol Isidro Blasco será um dos destaques da SIM na feira. Feita em impressão colorida, madeira e passe par tout, a obra é uma ‘fotoforma’ (objetos tridimensionais) criada a partir do encadeamento de imagens planas. O trabalho retrata Nova York, cidade onde o artista reside desde 1996, e também a maneira particular de Isidro Blasco enxergar a realidade a sua volta.

 

Os recortes e colagem de fotografias sobre papel algodão assinados pela Julia Kater também foram selecionados para esta ocasião. De poética envolvente, as obras da artista fazem referência à relação entre projeção de luz e desenho, pois fica a dúvida se a paisagem que ela sutilmente sugere se encontra abaixo da superfície, se foi projetada sobre o papel ou, ainda, se é imaginária.

 

Romy Pocztaruk, importante nome da fotografia brasileira contemporânea,  também terá suas obras expostas na SP-Arte/Foto. A SIM selecionou os trabalhos da artista que retratam a exploração fotográfica da rodovia Transamazônica e da cidade abandonada de Fordlândia. Essas obras da Romy foram apresentadas na última Bienal de São Paulo.

 

3 D – O público da SP-Arte/ Foto vai poder conferir a série ‘Geographic Misionformation System’ (recortes em impressão colorida, papel algodão e lápis) do Rodrigo Torres. O objetivo do artista ao criar a série foi construir um grande mapa 3D, por meio de colagem de fotografias utilizando imagens provenientes de satélite, assim como fotografias do solo feitas pelo próprio artista a curta distância. Entretanto, as imagens foram combinadas  para formar um novo relevo, ou seja, não indicam uma localização, mas criam um novo lugar.

 

Um dos trabalhos mais recentes do artista plástico Marcelo Moscheta, a série A.A.A. (Arquivo Araucária Angustifolia), que aproxima a estética científica a uma abordagem sensível da flora paranaense, também será levada para a feira. A série resulta do tratamento minucioso da fotografia como forma de análise de um objeto que se torna quase irreconhecível, sobrepujado pelo volume das fotos dispostas como absurdas fichas de catalogação ou gavetas de ficheiro.

 

 

Sobre a SIM Galeria

 

Fundada em 2011 em Curitiba, a SIM Galeria nasceu para atuar como um espaço difusor de arte contemporânea, exibindo artistas brasileiros e internacionais com investigações nos mais variados suportes:  pintura, fotografia, escultura e vídeo. Ao longo dos últimos três anos, a SIM foi palco de uma série de mostras individuais e coletivas organizadas por curadores convidados, como Agnaldo Farias, Jacopo Crivelli, Denise Gadelha, Marcelo Campos, Fernando Cocchiarale e Felipe Scovino. A galeria também é responsável pela assinatura de catálogos e outras publicações. A SIM ainda trabalha em conjunto com instituições brasileiras e estrangeiras com o intuito de promover exposições e projetos de artistas nacionais e internacionais.

 

 

De 20 a 23 de agosto.

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Bate papo na TATO

A Galeria TATO, Vila Madalena, São Paulo, SP, convida para um bate papo no dia 18/07/15, sábado, às 16:00h, com os artistas Aloysio Pavan, Diego Castro, Luiz 83, Monica Tinoco e Victor Lema Riqué e a curadora Juliana Monachesi sobre a exposição “A abstração como imagem – Parte 1″.

 

 

A mostra reúne trabalhos recentes de 8 artistas que incorporam de alguma forma o pensamento sobre “abstração” em suas obras: Aloysio Pavan, Diego Castro, Evandro Soares, Fernando Velázquez, Luiz 83, Monica Tinoco, Paulo Pasta e Victor Lema Riqué.

 
Aloysio Pavan trabalha predominantemente com desenho, muitas vezes usando a superfície do papel como se fosse uma tela. Quatro desenhos que realizou neste ano, cada um flertando com um tipo diferente de abstração.Monica Tinoco é fotógrafa de formação, mas utiliza-se de diferentes suportes e linguagens em sua pesquisa. Após trabalhar em pinturas que citavam os abstracionistas brasileiros, a artista desenvolve uma série de abstrações têxteis. Paulo Pasta pode ser considerado um mestre para diversos dos artistas presentes na exposição; o pintor participa como convidado especial, apresentando pinturas sobre papel e tela.

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Iole de Freitas no MAM/Rio

Neste sábado, dia 18 de julho, às 15h, o MAM Rio, Parque do Flamengo, inaugura a exposição “Iole de Freitas – O peso de cada um”. Com curadoria de Ligia Canongia, a mostra vai ocupar o Espaço Monumental do Museu com uma instalação inédita, feita especialmente para o local, composta por três esculturas de grandes dimensões, duas suspensas e uma no chão, em aço inox espelhado e fosco, que pesam no total quase quatro toneladas.

 
Um dos grandes nomes da arte contemporânea, Iole de Freitas comemora 70 anos em 2015, e a exposição no MAM traz ainda trabalhos em vidro com impressão fotográfica sobre película, da série “Escrito na água”, de 1996/1999, pertencentes a seu acervo pessoal e à Coleção Gilberto Chateaubriand/ MAM Rio.

 
Com uma trajetória de mais de quarenta anos de atividade, celebrada em exposições em espaços prestigiosos no Brasil e no exterior, Iole de Freitas está trabalhando agora com chapas de aço, e não mais com as estruturas em policarbonato e tubos de aço inox, que marcaram sua produção desde 2000, quando expôs no Centro Municipal de Arte Helio Oiticica, no Rio.

 
Iole de Freitas construiu para o Espaço Monumental do Museu duas esculturas aéreas, suspensas no ar, com chapas de aço inox de 6m x 1,5m, curvadas, com fortes torções, tensionadas por linhas de aço – que a artista chama de “flechas” – pesando cada em torno de 700 a 800 quilos. A terceira escultura estará no chão, em meio às outras duas, pesando em torno de duas toneladas, com aproximadamente 7,80m de comprimento, cinco de metros de largura e três metros de altura. Envio abaixo o convite virtual.

 

 

Texto de Ligia Canongia

 

Nesta exposição, Iole de Freitas substitui as placas de policarbonato anteriores por

lâminas de aço inox, cuja resistência é maior e a maleabilidadedifícil, exigindo torções

mais intensas.Apesar dessas propriedades, contudo, as esculturas são suspensas no

ar, evoluem como uma coreografia aérea imponderável, contrapondo a seu peso

original a ideia de leveza e movimento.

 

A linha tênue entre o gesto expressivo e a precisão formal, que sempre acompanhou o

trabalho, permanece agora, mas com a recuperação discretados reflexos e

espelhamentos que a artista utilizava nas peças dos anos 1970.

 

De sua formação em dança, Iole guardou o valor dos deslocamentos e da elasticidade

dos corpos no espaço, assim como o caráter ao mesmo tempo preciso e volúvel das

formas. As placas resistentes do aço surgem, portanto, como um desafio para o

trabalho, com novos arranjos formais, maior dispêndio de forças em seu equilíbrio,

tensões mais arrojadas entre a escultura e o lugar, além de um embate enfático entre

o poético e o estrutural.

 

Entre o espelhamentoturvo de um lado da lâmina e a opacidade absoluta da outra

face, inscreve-se simultaneamente um corpo rígido e fluido, que ora absorve o

exterior, ora se afirma como obstáculoradical ao olhar. A obra, afinal, delimita um

campo ambíguo, que, em última instância, flutua entre o gosto clássico e o espírito

pré-romântico, no debate constante entre o exame racional das formas e sua

exuberância lírica.

 

Ligia Canongia

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Fernando Limberger no CCBB/Rio

Fernando Limberger faz sua primeira exposição individual no Rio de Janeiro. Este é o segundo projeto do Prêmio CCBB Contemporâneo apresentando “Desmoronamento, Azul”, criação do artista plástico Fernando Limberger, um dos dez projetos selecionados para a temporada de 2015-2016. na Sala A do CCBB Rio de Janeiro. “Desmoronamento, azul” é uma instalação pensada especificamente para esta sala do CCBB carioca, que tem 141 m2, com seis metros de pé direito.

 

O artista gaúcho, radicado em São Paulo, cria uma nova paisagem no espaço expositivo. São 20 toneladas de areia tingida de azul, formando uma elevação topográfica irregular, sobre a qual Limberger finca troncos de árvores queimados organicamente, de tamanhos variados, distribuídos sobre a areia. Este material é atóxico, resultado de areia e pigmento naturais.

 

O tom de azul escolhido é o celeste que alude à cor do céu e traz para o espaço a impressão de aridez, invasão e transitoriedade. Os troncos, pretos da queima pelo fogo, remetem à transformação, à vida, à morte e ao renascimento. O azul irregular e horizontal [areia] se soma graficamente ao preto vertical assimétrico [troncos].

 

A partir de mitos de alguns povos indígenas da queda do céu, o desmoronamento da Terra e o fim do mundo, Limberger situa sua instalação:

 

– De forma livre, o projeto “Desmoronamento, Azul” faz alusão a esses mitos e traz reflexões sobre o ambiente natural do mundo contemporâneo. Questões relacionadas ao desmatamento, à erosão, à alteração e à destruição da paisagem natural, causas da mudança climática vivida globalmente na atualidade estão sugeridas no trabalho, diz o artista.

 

 

Sobre o artista

 

Fernando Limberger nasceu em Santa Cruz do Sul, RS, 1962, é  artista plástico e paisagista. Vive e trabalha em São Paulo. Limberger participou da Bienal do Mercosul de 1997 e 2013, do Panorama da Arte Brasileira de 1985, 1987 e 1990, no MAM SP, de  “Espelhos e Sombras”, no MAM SP [1994] e CCBB RJ [1995], e “Ecológica”, no MAM SP [2010]. Em 2008 realizou o trabalho “Verde e Amarelo” no jardim central do Centro Cultural São Paulo. Ele tem trabalhos públicos permanentes no Parque Marinha do Brasil [Porto Alegre], Praças Central e Bica D’água [Catingueira, Paraíba] e Fazenda Serrinha [Bragança Paulista, SP]. Junto com outros artistas criou o grupo Arte Construtora, que realizou trabalhos específicos para espaços significativos nas cidades de Porto Alegre, Rio de Janeiro e São Paulo entre 1992 e 1996. Entre os anos de 2002 e 2006, participou do JAMAC|Jardim Miriam Arte Clube, no qual desenvolveu o projeto “Um Jardim para o Jardim Miriam”, na região sul da capital paulista. Fernando Limberger é formado em Artes Plásticas pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Frequentou cursos livres ligados às artes, à jardinagem e ao paisagismo.

 

 

 

Sobre o Prêmio CCBB Contemporâneo 2015-2016

 

Em 2014, pela primeira vez, o Banco do Brasil incluiu no edital anual do Centro Cultural Banco do Brasil um prêmio para as artes visuais. É o Prêmio CCBB Contemporâneo, patrocinado pela BB Seguridade, que contemplou 10 projetos de exposição, selecionados entre 1.823 inscritos de todo o país, para ocupar a Sala A do CCBB Rio de Janeiro.

 

O Prêmio é um desdobramento do projeto Sala A Contemporânea, que surgiu de um desejo da instituição em sedimentar a Sala A como um espaço para a arte contemporânea brasileira. Idealizado pelo CCBB em parceria com o produtor Mauro Saraiva, o projeto Sala A Contemporânea realizou 15 individuais de artistas ascendentes de várias regiões do país entre 2010 e 2013.

 

A série de exposições inéditas, em dez individuais, começou com grupo Chelpa Ferro [Luiz Zerbini, Barrão e Sergio Mekler], e segue com as mostras de Fernando Limberger [RS-SP], Vicente de Mello [SP-RJ], Jaime Lauriano [SP], Carla Chaim [SP], Ricardo Villa [SP], Flávia Bertinato [MG-SP], Alan Borges [MG], Ana Hupe [RJ], e Floriano Romano [RJ], até julho de 2016.

 

Entre 2010 e 2013, o projeto que precedeu o Prêmio realizou na Sala A Contemporânea exposições de Mariana Manhães, Matheus Rocha Pitta, Ana Holck, Tatiana Blass, Thiago Rocha Pitta, Marilá Dardot, José Rufino, do coletivo Opavivará, Gisela Motta&Leandro Lima, Fernando Lindote, da dupla Daniel Acosta e Daniel Murgel, Cinthia Marcelle, e a coletiva, sob curadoria de Clarissa Diniz.

 

 

De 21 de julho a 17 de agosto.

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Claudia Melli/Bruno Barreto no MAM

15/jul

No próximo sábado, dia 18 de julho, às 14h30, o cineasta Bruno Barreto e a artista Claudia Melli participam de bate papo no MAM-RIO – Museu de Arte Moderna -, Parque do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, sobre os trabalhos que ela expõe na mostra “Lugares onde nunca estive”, em cartaz no museu. Outro ponto a ser discutido é a influência do cinema nas artes visuais e da pintura no cinema. No encontro será lançado o catálogo da exposição que fica no MAM até o dia 15 de agosto.

 

 

A mostra “Lugares onde nunca estive” oferece um percurso pela produção de Claudia Melli nos últimos anos, onde foram selecionadas obras relevantes dentro de cada série. Na exposição são apresentados 17 trabalhos, incluindo obras inéditas.

 

 

 

Sobre a artista

 

 

Claudia Melli costuma abordar em suas obras a questão da luz e do enquadramento, criando novos horizontes e perspectivas, que são resultado de registros de sua memória que a motivaram a explorar possibilidades, se apropriando de paisagens imaginárias, retomando as indagações sobre a natureza de nossos mecanismos de percepção. Sua técnica de desenho utilizando o nanquim sobre o vidro testa os limites entre desenho, pintura e imagem, tornando perto o que parece distante.

 

 

 

Sobre Bruno Barreto

 

 

 

Bruno Barreto nasceu 16 de março de 1955 já em berço esplêndido, pelo menos cinematograficamente falando. Seus pais são os produtores Lucy e Luiz Carlos Barreto, donos da Produtora ‘LCD Barreto Filmes do Equador’, responsável por importantes filmes brasileiros como “Assalto ao Trem Pagador”, de Roberto Farias (1961), “Vidas Secas”, de Nelson Pereira dos Santos (1963) e “Terra em Transe” (1967), de Glauber Rocha, sem contar a maioria dos filmes de Bruno e seu irmão, Fábio Barreto, diretor do também indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro por “O Quatrilho” (1995).

 

 

O jovem Bruno decidiu entrar para a carreira de cineasta, filmando desde novo alguns curtas dentre eles “Bahia, à vista”(1967), que aparece nas listas da sua filmografia com seu primeiro trabalho. Cinco anos depois, com apenas 17 anos, filmou seu primeiro longa, “Tati, A Garota” (1972), onde dirigiu atores experientes como Dina Sfat, Hugo Carvana e Wilson Grey. Dois anos depois veio o segundo filme, o drama “A Estrela Sobe”, com Betty Faria. Seu terceiro filme, “Dona Flor e Seus Dois Maridos” (1976), foi realizado aos 21 anos. Bruno adapta a famosa obra de Jorge Amado e coloca como  protagonistas Sonia Braga (a Dona Flor), José Wilker e Mauro Mendonça (seus dois maridos). O resultado foi a melhor bilheteria nacional de todos os tempos, com aproximadamente 12 milhões de espectadores. Outra incursão de Bruno Barreto na vasta obra de Jorge Amado foi com o filme “Gabriela, Cravo e Canela”, onde imortalizou Sonia Braga no papel de Gabriela e ainda contou com um dos maiores atores de todos os tempos no elenco, o italiano Marcelo Mastroianni. Ainda no campo das adaptações, outro clássico que Bruno levou aos cinemas foi “O Beijo do Asfalto” (1981), peça de Nelson Rodrigues.

 

 

Depois de mais duas produções ainda nos anos 80, “Além da Paixão” (de 1985, com Regina Duarte) e “Romance da Empregada” (de 1987, com Betty Faria), Bruno Barreto teve nos anos 90 uma ampla carreira internacional. Mas foi com um trabalho brasileiro, o único da década, “O Que é Isso, Companheiro?”, que conseguiu chegar a maior premiação do cinema, o Oscar, levando o longa à indicação de melhor filme estrangeiro. Nos últimos anos, Bruno até se arriscou em uma grande produção hollywoodiana, “Voando Alto” (2003), protagonizado pela estrela Gwyneth Paltrow. Mas o filme foi um grande fracasso comercial e de critica, o que fez o cineasta afirmar iria concentrar seu trabalhos mais no Brasil. Em produções brasileiras, Bruno rodou ultimamente “Bossa Nova” (2000), comédia romântica que se passa no Rio de Janeiro e tem como par romântico sua mulher Amy Irving e galã Antonio Fagundes. Em 2013 dirigiu o drama de época “Flores Raras” que recria o relacionamento amoroso entre a arquiteta e paisagista brasileira Lota de Macedo Soares (Gloria Pires) e a poeta americana Elizabeth Bishop (Miranda Otto), no Rio de Janeiro dos anos 1950 e “Crô – O Filme” protagonizado por Marcelo Serrado e baseado no mesmo personagem da Novela da Rede Globo Fina Estampa. “Não existe receita de sucesso. Veja o caso do Bossa Nova. Não fiz porque faria sucesso, mas porque tinha saudade do Rio. Se o Woody Allen fez Manhattan, eu quis fazer o Bossa Nova”. Levar o Brasil para concorrer ao Oscar de melhor estrangeiro com o filme “O Que é Isso, Companheiro?” (1997) e ser dono da segunda bilheteria de um filme brasileiro, com aproximadamente 10,8 milhões de espectadores com o filme “Dona Flor e Seus Dois Maridos” (1976), recorde que permaneceu há mais de trinta anos quando foi superado por “Tropa de Elite 2: O Inimigo Agora É Outro”. Estes são apenas dois exemplos da carreira do cineasta carioca Bruno Barreto, mas sua biografia não se resume a isso

 

 

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Na galeria A Gentil Carioca

14/jul

A exposição de João Modé, “Algumas coisas que estão comigo”, entrará em cartaz na galeria A Gentil Carioca, Centro, Rio de Janeiro, RJ. O título da mostra remete a agrupamentos de objetos que acontecem por si em ações que ocorrem no tempo. O artista percebe que os objetos em seu ateliê se agrupam de modos inusitados e próprios, por meio de diversas ações que se passam ao longo do tempo, no cotidiano, e, desse modo, a exposição revela a transitoriedade das coisas no mundo, seja dos objetos seja dos pensamentos.

 

 

O Periscópio, uma das obras da exposição, dialoga com a primeira exposição de João Modé na Galeria A Gentil Carioca, A Cabeça, 2007, onde João Modé conduz o público a uma ‘visita’ ao espaço do sótão da galeria. Modé propõe percorrer o espaço de cima, o sótão, estando no espaço de baixo. O sótão é um lugar com a mesma planta em uma outra dimensão, que,dessa vez, será mostrada por meio de um periscópio.

 

 

Sempre propositivo de novas relações no espaço, João Modé nos permite pela janela ver a cidade e atravessar o espaço do teto. Modé vai conectar os dois espaços da galeria – Rua Gonçalves Ledo 17 sobrado e Rua Gonçalves Ledo 11 – a partir de uma escada que dá acesso à claraboia do prédio. Ao subir a escada, é possível olhar a cidade em uma outra dimensão. Fios de cobre serão utilizados para conectar espaços e construir a obra “Galaxy” no 3º andar do prédio de número 11.

 

 

“Galaxy”  é uma obra de pedras semi-preciosas e fios de cobre, primeiramente exibida pela A Gentil Carioca, em 2014, na ABC Berlim, uma plataforma organizada pelas galerias de Berlim para que galerias de todo mundo possam expor trabalhos individuais de artistas. Na exposição o público poderá ver pela primeira vez no Brasil a obra “Galaxy”.

 

 

A exposição conta também com o diálogo entre João Modé e Ana Paula Cohen, que produzirá um texto especialmente para amostra.

 

 

 

Sobre o artista

 

 

João Modé nasceu em Resende, RJ. Vive e trabalha no Rio de Janeiro. Seu trabalho articula-se por uma noção plural de linguagens e espaços de atuação. Participou da 28ª Bienal de São Paulo [2008], da 7ª Bienal do Mercosul [2009] e da Bienal de Praga [2003]. Alguns projetos, como REDE – desenvolvido em diversas cidades, como Rio de Janeiro, São Paulo, Berlim, Stuttgart e Rennes – e Constelações, envolvem a participação direta do público. Participou do Panorama da Arte Brasileira de 2007. Entre as exposições individuais: Land, die raum, Berlim, Alemanha [2014]; Para o silêncio das plantas, Cavalariças do Parque Lage no Rio de Janeiro [2011-2012]; De Sertão, MAMAM, Recife [2010]; Invisíveis [para Eva], Fundação Eva Klabin no Rio de Janeiro [2009]. Entre as exposições no exterior: Land, die raum, Berlim, Alemanha [2014]; The Spiralandthesquare, BonniersKonsthall, Estocolmo, Suécia [2011-2012], SKMU e TrondheimKunstmuseum, Noruega; connect – A Gentil Carioca na IFA Galerie de Berlim e Stuttgart [2010-2011]; Brazilian Summer. Art&the City, MuseumHetDomein, Sittard, Holanda [2008]; Stopover, KunsthalleFribourg, Suíça [2006]; Unbound, Parasol Unit, Londres [2004]; Entre Pindorama, Künstlerhaus Stuttgart [2004]; e Slow, Shedhalle, Zurique [2003]. Desenvolveu projetos com Capacete Entretenimentos [Rio], Le Centre du Monde [Bruxelas], Casa TresPatios [Medellin], Watermill Center [NY], e Rockefeller Foundation em Bellagio [Itália]. Tem formação em Arquitetura e em Programação Visual, com mestrado em Linguagens Visuais pela UFRJ. Foi membro fundador do grupo Visorama, que promoveu debates acerca das questões da arte contemporânea entre o final dos anos 1980 e a década de 1990. João Modé participará do projeto de instalações temporárias no Museu do Açude em agosto de 2015, exposição individual no MAM em 2016 e participará da exposição coletiva Cariocas em Lille, França, em setembro de 2015. Entre setembro e outubro de 2015, o artista estará em residência artística em Cassis na Camargo Foundation.

 

 

 

 

Camisa Educação

 

 

A cada nova exposição um artista é convidado para criar uma camisa, abordando o tema, e, em específico, que tenha nela a palavra Educação. É a possibilidade de inserir o artista como agente social e cultural na sociedade. Nessa edição, de número, 62, a camisa educaçãoo será assinada por Ruan D’Ornellas.

 

 

 

Módulo de Escuta

 

 

“módulo de escuta” é uma estrutura escultórica de Ricardo Basbaum, projetada especialmente para constituir um local em que o visitante pode se deitar, colocar um par de fones de ouvido e concentrar-se na escuta de peças de arte sonora e música contemporânea. A partir de 06 de junho, estendendo-se durante o ano de 2015, módulo de escuta estará exposto em A Gentil Carioca. A Gentil Carioca, com curadoria de Ricardo Basbaum e Alexandre Fenerich, apresenta a série módulo de escuta, em que compositores contemporâneos e artistas sonoros são convidados a desenvolver obras sonoras inéditas para serem apresentadas para audição especialmente no módulo de escuta. As peças apresentadas envolvem pesquisas sobre a voz, sendo projetadas e preparadas para escuta através de fones de ouvido, em relação de proximidade com o ouvinte. A cada nova abertura de exposição em A Gentil Carioca, um novo trabalho sonoro será apresentado no módulo de escuta, de um artista sonoro ou compositor convidado. Na próxima edição que inaugura dia 18 de julho a compositora convidada é Lilian Campesato.

 

 

 

De 18 de julho a 21 de agosto.

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Exposição “Caro, Cara”.

O MARGS, Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli, Centro Histórico, Porto Alegre,

RS, apresenta como exposição complementar e em paralelo à mostra individual do artista

Alessando Del Pero, a coletiva temática “CARO, CARA”. Composta de retratos e autorretratos ,

o acervo exibe peças raras como “Retrato de Walmir Ayala”, de Inimá de Paula, “Retrato de

Maria Helena Lopes”, de Glauco Rodrigues A curadoria do evento é de André Venzon.

 

“CARO, CARA”:

 

Artistas participantes: Ado Malagoli, Aldo Locatelli, Alessandro Del Pero,

Alessandro Ruaro, Alexandre Pinto Garcia, Amália Cassullo, Ana Nunes, Arthur

Timótheo da Costa, Bea Balen Susin, Britto Velho, Bruno Goulart Barreto , Carla

Magalhães, Carlos Petrucci, Carlos Scliar, Cláudio Tozzi, Djalma do Alegrete, Edgar

Koetz Eduardo Cruz, Edy Carollo, Elaine Tedesco, Elle de Bernardini, Ernesto

Frederico Scheffel, Ernst Zeuner, Felipe Alonso, Flávio de Carvalho, Flavya Mutran,

Francisco Brilhante, Franz Von Lenbach, Gastão Hofstetter, Gilberto Perin, Gilda

Vogt, Glauco Rodrigues, Guignard, Heloisa Schneiders, Henrique Bernardelli,

Henrique Cavalleiro, Henrique Fuhro, Iberê Camargo, Inimá de Paula, J.C. Reiff

Jacintho Moraes, Jesus Escobar, João Bastista Mottini, João Fahrion, João Faria

Viana, João Otto Klepzig, Jorge Meditsch, José Carlos Moura, José de Souza Pinto,

Juan Uruzzola, Julio Gavronski, Julio Ghiorzi, Kira Luá, Leandro Selister, Leda Flores,

Leo Santana, Lepoldo Gotuzzo, Letícia Remião, Luiz Antônio Felkl, Luiz Carlos

Felizardo, Luiz Zerbini, Magliani, Marcelo Chardosim, Marcos Noronha, Maria

Leontina, Maria Tomaselli, Mariana Riera, Marilice Corona, Mario Agostinelli, Mario

Palermo, Mariza Carpes, Martin Heuser, Miriam Tolpolar, Neca Sparta, Nelson

Wilbert, Patrício Farias, Patrick Rigon Regina Ohlweiler, Ricky Bols, Roberto

Magalhães, Roberto Ploeg, Rochele Zandavali, Rodrigo Plentz, Roosevelt Nina,

Roseli Pretto, Sandra Rey, Sergio Meyer, Silvia Motosi, Sioma Breitmann, Sotero

Cosme, Telmo Lanes, Téti Waldraff, Theo Felizzola, Tiago Coelho, Trindade Leal,

Ubiratã Braga, Vasco Prado, Vitória Cuervo, Walter Karwatzki, Xico Stockinger, ZIP.

 

 

     A palavra do curador

 

O retrato daquele que fica. Dos notáveis e dos anônimos. O

retrato de pompa, da classe dominante, da burguesia.

O retrato do oprimido. O retrato imponente e o impotente. A

rebeldia do retrato. O retrato de família. O nu retratado. O retrato

do ídolo e da criança. O autorretrato.

O retrato imaginário, o anti-retrato.

O retrato como obsessão.

 

 

Caro, Cara…

Retratos correspondentes no acervo MARGS e artistas convidados

 

O retrato enfoca o humano no que possui de mais marcante: o rosto. Seja de perfil, voltado a

três quartos, de corpo inteiro, da cintura ou dos ombros para cima, equestre, de nobres,

militares, políticos ou religiosos; de artistas, personalidades ou marginais, de mulheres e

crianças. O retrato pintado, esculpido em carrara e encarnado − ou cuspido e escarrado como

no popular − desenhado, gravado, fotografado, em preto e branco, colorido, lambe-lambe,

3×4, polaróide, still, grafitado, no Facebook, a selfie…

 

A intensidade e qualidade das obras em retratos e autorretratos do artista italiano Alessandro

Del Pero, serviram de ensejo para a presente exposição Caro, cara, que busca valorizar na

correspondência entre obras do acervo do MARGS e artistas convidados, o que identificam a si

mesmo e ao outro por meio do olhar. Portanto esta é uma curadoria endereçada mais aos

artistas do que às obras, pois seus retratos representam o lugar mais próximo que podemos

estar deles, aonde o Museu também quer estar: ao lado dos artistas.

 

São diversos os exemplos de quanto este tema fascina os artistas. A começar pela literatura,

podemos citar o polêmico “O retrato de Dorian Gray” (1890), de Oscar Wilde, que faz uma

crítica social e cultural da sociedade britânica à sua época; o autobiográfico “O retrato do

artista quando jovem” (1916), de James Joyce, em que recorre a fases da sua vida para

construir o personagem alter ego do autor; o épico “O retrato” (1951), da trilogia “O Tempo e

o Vento”, de Érico Verissimo, cuja atmosfera histórica evoca na passagem do tempo as

gerações que se sucedem; até o romance “O pintor de retratos” (2001), de Luiz Antônio de

Assis Brasil, que expõe os questionamentos e contradições de um pintor frente à sedução da

fotografia.

 

No cinema, no filme de Giuseppe Tornatore, Stanno tutti bene (1990), Marcello Mastroianni

interpreta um pai que ao sair em viagem para rever os filhos exibe vaidoso pelo caminho uma

foto das suas crianças, fantasiadas como atores de ópera. O diretor ao introduzir esta imagem

do retrato como objeto de construção da sua narrativa visual, além de fazer uma rica menção

ao teatro, coloca-nos no lugar do personagem, que ao sentir saudade recorre ao álbum para

lembrar-se do outro.

 

É claro que nas artes plásticas também são inúmeras as criações que têm o retrato como

assunto central, a começar pelo quadro mais célebre da história da arte a enigmática Mona

Lisa (1503-1517), de Leonardo da Vinci. Ainda, entre as 12 obras de arte mais famosas de

todos os tempos, figuram nove retratos, como o revelador “Retrato do artista sem barba”

(1889) de Vincent van Gogh e o zeloso “O retrato do Dr. Gachet” (1890) do mesmo artista,

além das pinturas “Garota com brinco de pérola” (1665), de Veermer, que revela a intimidade

de uma modelo anônima; a familiar cena “Mulher com sombrinha” (1875), de Monet, cujo

enquadramento mais casual já é uma influência direta da fotografia; assim como o

descontraído “O almoço dos remadores” (1881), de Renoir; ou o angustiante “O grito” (1893),

de Munch; em contraste ao apaixonado “O beijo” (1909), de Klimt; até a inspiradora “Dora

Maar com gato” (1941), musa e amante, do cubista Picasso.

 

Segundo o filósofo francês Merleau-Ponty (1908-1961) “o retrato celebra o enigma da

visibilidade”, pois cada um tem sua própria história e devaneios. Por isto mesmo, o interesse

em revelar o retrato do contemporâneo, a partir do retrospecto deste gênero artístico no

acervo do MARGS, foi desde o início o principal objetivo deste projeto curatorial, que mostra a

diversidade da face do artista e seus pares, ao longo de obras da coleção que recuam há um

século e meio, até chegar à contemporaneidade que faz do retrato, enquanto disfarce sua

faceta mais interessante da liberdade de expressão do nosso tempo.

 

Há que destacar, porém, que o contínuo processo histórico ao longo do século passado de

transformação do sujeito retratado − apesar de representar uma revolução visual, entretanto,

passou por períodos de exceção em que o retrato do indivíduo ficou marcado pela

deformação. Foi desfeito, para não dizer destruído, durante os períodos de guerra e regimes

totalitários, causando a perda da identidade, da voz e da imagem, como representação visual

da humanidade. A ponto de, a multidão prevalecer quase totalmente sobre o indivíduo, que

esteve sem nome, sem título, tornando-se precário, excluído, invisível, não sendo mais capaz

nem de ser associado ao rosto que lhe carrega. Uma verdadeira castração psicológica que

transformou o humano em coisa.

 

Contudo, o modo de lidar com a sociedade de hoje não é ignorando-a. Os novos valores

estabelecidos, as mudanças e a rebeldia atual, nos ensinam cotidianamente ver com olhos

mais perspicazes e críticos este mundo de imagens em que estamos imersos.

 

Então, o que a arte e uma exposição de retratos podem nos levar a pensar e imaginar sobre

nós mesmos e o outro?

 

No mundo super contemporâneo, todos carregamos um pedaço de plástico com uma tela de

vidro na mão o dia inteiro… É quase uma extensão do nosso corpo a produzir imagens mobile

compartilhadas via redes sociais. Este tipo de comportamento − se de forma alienada − investe

contra a imaginação e a potência da visualidade. Na contramão deste movimento, a criação

artística assegura a permanência dos signos visuais e ao suscitar múltiplas possibilidades

perceptivas faz da imagem uma força de resistência contra o arbítrio da padronização.

 

Todavia, no campo da arte os retratos e autorretratos permanecem a ser construções de

exposição absoluta do indivíduo, nas quais os artistas se valem do próprio corpo ou do outro

como objeto de representação e veículo expressivo, pelo qual revelam sutis e sensíveis

verdades. Evidenciando, ao final, que a única coisa que podemos salvar é o olhar do outro, e o

retrato − ou o autorretrato, é a imagem pela qual verdadeiramente nos vemos.

 

 

Até 26 de julho.

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Vergara no Instituto Ling

11/jul

Com curadoria de Luisa Duarte, a exposição “Carlos Vergara – Sudários”, em cartaz na Galeria

Instituto Ling, Porto Alegre, RS, traz obras representativas do percurso de experimentação do

artista que, desde os anos 80, investiga o campo expandido da pintura, utilizando novas

técnicas, materiais e pensamentos que resultam em obras caracterizadas pela inovação. A

exposição é composta de quatro telas – monotipias sobre lonas, realizadas entre 1999 e 2005

–, nas quais Vergara emprega pigmentos naturais e minérios para transferir texturas para a

tela, explorando, assim, o contato direto com o meio natural.

 

 

Uma grande instalação inédita, intitulada “Sudários”, apresenta 250 monotipias realizadas em

lenços de bolso, resultados de viagens para diversas regiões do mundo, como São Miguel das

Missões, Capadócia, Pompéia e Cazaquistão. Completam a exposição dezenas de fotografias

em pequeno formato com os registros das ações que originam os “Sudários”, sublinhando

assim a importância do processo para a obra como um todo. A exposição tem patrocínio da

Fitesa e financiamento do Governo RS / Sistema Pró-Cultura / Lei de Incentivo à Cultura.

 

 

 

Sobre o artista

 

 

Carlos Vergara possui uma obra extensa e consistente, que vem produzindo desde os anos

sessenta e que lhe conferiu posição de destaque na arte contemporânea brasileira. Nascido na

cidade de Santa Maria, no Rio Grande do Sul, em 1941, Vergara iniciou sua trajetória nos anos

60, quando a resistência à ditadura militar foi incorporada ao trabalho de jovens artistas. Em

1965, participou da mostra Opinião 65, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, um

marco na história da arte brasileira, ao evidenciar essa postura crítica dos novos artistas diante

da realidade social e política da época. A partir dessa exposição formou-se a Nova Figuração

Brasileira, movimento que Vergara integrou junto com outros artistas, como Antônio Dias,

Rubens Gerchmann e Roberto Magalhães, que produziram obras de forte conteúdo político.

 

 

Nos anos 70, seu trabalho passou por grandes transformações e começou a conquistar espaço

próprio na história da arte brasileira, principalmente com fotografias e instalações. Desde os

anos 80, pinturas e monotipias tem sido o cerne de um percurso de experimentação. Novas

técnicas, materiais e pensamentos resultam em obras contemporâneas, caracterizadas pela

inovação, mas sem perder a identidade e a certeza de que o campo da pintura pode ser

expandido. Em sua trajetória, Vergara realizou mais de 200 exposições individuais e coletivas

de seu trabalho, dentre elas a Bienal de Medelin 1970, Bienal de Veneza de 1980, Bienal de

São Paulo edições de 1963, 1967, 1985, 1989 e 2010, Bienal do Mercosul edições 1997 e 2011.

 

 

 

Até 23 de agosto.

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Horizontes artificiais – Na Marsiaj Tempo Galeria

09/jul

A Marsiaj Tempo Galeria, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, inaugurou a exposição “Horizontes
artificiais”, individual de fotografias de Kilian Glasner. O tom pink é o fio condutor de todas as imagens deste fotógrafo internacional. Todas as paisagens clicadas por Kilian Glasner que recebem esse matiz exibem um efeito surpreendente aos olhos do visitante que visualiza panoramas com muitos dos quais mantém familiaridade. Cidades como Los Angeles e Rio de Janeiro passam po esse processo criativo do artista.
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Trajetórias em Processo 3

Anita Schwartz Galeria de Arte, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, apresenta, a partir do dia 15 de julho, a exposição “Trajetórias em Processo 3”, com 28 de obras de dez artistas selecionadas pelo curador Guilherme Bueno. Como nas edições anteriores, a ideia da exposição é apresentar trabalhos de artistas “cuja produção encontra-se em um momento decisivo, marcado pela consolidação da maturidade poética”. O curador ressalta que não há um fio condutor nem tema comum entre os trabalhos, a não ser o fato de todos os artistas estarem em um momento profissional semelhante. No entanto, é possível ter algumas leituras acerca das obras.

 

 

Na exposição, serão apresentadas obras em diferentes técnicas e suportes, como pinturas, desenhos, fotografias, objetos, esculturas e instalações, produzidas entre 2010 e 2015 pelos artistas Andrei Loginov (Berlim), Anton Steenbock (Rio), Daniel Albuquerque (Rio), Daniela Mattos (Rio), Fyodor Pavlov (Moscou), Guilherme Dable (Porto Alegre), Lucas Sargentelli (Rio), Marina Weffort (São Paulo), Romy Pocztaruck (Porto Alegre) e Thomas Jefferson (Rio), que não fazem parte do grupo representado pela galeria.

 

 

No dia da abertura, o artista Lucas Sargentelli fará uma performance nas redondezas da galeria. “Trata-se de uma caminhada em que se perceberão detalhes arquitetônicos, texturas e outros aspectos do percurso. É uma proposição que ele desenvolve já faz algum tempo”, explica o curador Guilherme Bueno. Durante a caminhada, alguns elementos coletados na rua serão levados para a galeria e expostos no contêiner, que fica no terceiro andar.

 

 

 

A palavra do curador

 

 

“Podemos às vezes pensar cruzamentos entre a abordagem de cenários e paisagens pela Romy e a Daniela, mas eles têm caminhos e significados próprios. Em outros casos, refletir sobre a escultura contemporânea nos casos do Daniel, Thomas, Anton e Marina. Seguindo um outro percurso, a relação com a bidimensionalidade nas pinturas do Guilherme e nas obras da Marina. Contudo, minha ênfase é justamente na diversidade e independência, privilegiando uma visão aberta da produção contemporânea, deixando que nesse caso, os pontos de contato entre as obras se façam intuitivamente.”.

 

 

“Os artistas convidados a participarem da edição de 2015, cada um por um viés próprio, apontam-nos para um feixe – dos inúmeros possíveis – a atravessar a condição atual da arte. Com isso pode-se explorar desde o paradoxo de uma tradição do readymade (passando, ademais por outro paradoxo – o dele ver-se exposto a uma irônica paráfrase de artesania), à obsedante inquietação provocada pelo poder conferido às imagens ou, igualmente desafiador, a possibilidade de a arte – independente ou decididamente crítica ao seu sistema assentado – tensionar sua lógica produtiva (que pode abarcar o debate em torno de sua institucionalização ou uma estrutura de trabalho a extrapolar a convencional rotina do ateliê).”.

 

 

“Um aspecto presente em todas as edições é a atenção à pluralidade de linguagens, privilegiando um olhar aberto sobre a arte contemporânea, afortunadamente irredutível a simplificações. Isso nos leva, inclusive, a refletir o quanto, nesse contexto, uma certa dinâmica de heterogeneidade e hibridismo permite, inclusive, que práticas mais atreladas a uma ‘historicidade’ da arte (como, por exemplo, a pintura e a escultura), para além da assimilação de questões vindas de outros meios, se vejam dispostas a rearticular seus próprios termos.”.

 

 

 

De 15 de julho a 22 de agosto.

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CATEGORIAS

ARQUIVO

EDITORIA: RENATO ROSA GERALDO MOREIRA

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